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S’ancrant dans un travail de recherche-création, l’article propose d’abord de distinguer au sein des dispositifs les effets de sensibilisation, liés aux affects et à l’immersion, et les effets de conscientisation, liés à l’analyse et la réflexivité. Confronter les catégories théoriques à un processus de design concret permet ensuite d’observer leur enchevêtrement au sein d’un dispositif ludique. L’analyse formaliste du jeu RecovR permet de formuler une hypothèse plus générale pour la conception de jeux à impact social : privilégier un design chaotique qui travaille sur les tensions entre des effets et des postures différents serait une piste pour augmenter le pouvoir d’agir des joueurs et des joueuses et les inciter aux actions prosociales. Anchored in a research-creation project, this paper first distinguishes sensitization effects (related to affect and immersion) and conscientization effects (related to analysing and reflexivity). Confronting theoretical categories to a particular and practical design process shows that these effects can be profoundly intertwined in a specific game. The formalist analysis of RecovR allows to formulate a more general design idea for games for social change: favouring a chaotic design focusing on tensions between different effects could be a way to increase player’s awareness of social issues and to engage in prosocial behavior.

Dans cet article, nous présentons un projet de recherche-création au sein duquel un anthropologue, une artiste, un écologue, et différents publics ont élaboré un dispositif d’enquête olfactive sur les sols urbains. Les sols urbains sont un exemple des nouveaux environnements qui prolifèrent dans l’Anthropocène, très différents des êtres qui peuplent les représentations modernes de la nature, et résultats d’une histoire dont les aspects sociaux et naturels sont enchevêtrés. S’inspirant d’expériences historiques d’enquête olfactive sur les sols, notre dispositif d’enquête nous a mis sur la piste du pétrichor, « l’odeur du sol après la pluie », qui émerge de la fragile imbrication entre le sol, les pratiques humaines, la vie des microorganismes du sol et les processus atmosphériques. Après avoir décrit les grandes lignes de la démarche de recherche-création, nous retraçons les étapes et les transformations de notre démarche, et la manière dont l’enquête s’est transformée selon les contextes plus ou moins institutionnels dans lesquels elle s’est insérée. Nous montrons comment, au fil des étapes, la piste du pétrichor a permis d’ouvrir de nouvelles formes de connaissance et d’attachement aux sols étranges des villes et aux nombreuses histoires qui les relient à leurs habitants. Cela nous amène à considérer comment des entités que les approches modernes du sol ou de la ville ont eu tendance à séparer peuvent à nouveau être mises en correspondance In this article, we present a research-creation project in which an anthropologist, an artist, an ecologist, and various stakeholders developed an olfactory study on urban soil. Urban soils are an example of the new environments that are proliferating in the Anthropocene, which are very different from the beings that populate modern representations of nature, and the result of a history whose social and natural aspects are entwined. Inspired by historical olfactory research on soils, our speculative methodology led us to petrichor, “the smell of soil after rain”, which is the result of the delicate intermingling of soil, human activities, the lives of microorganisms in the soil, and atmospheric processes. After outlining the research-creation process, we trace the different stages and changes in our approach, and the way in which the investigation was tailored to the different levels of formality of the contexts in which it was conducted. We show how, over the years, the interest in petrichor has enabled us to open up new forms of knowledge about and commitment to strange urban soils and the many stories that link them to their inhabitants. This leads us to consider how entities that modern approaches to soil or the city have tended to separate can once again be linked.

Le recours au dessin est de plus en plus fréquent en anthropologie alors qu’il est partie intrinsèque des arts visuels. Par ailleurs les carnets sont des compagnons incontournables au sein des deux disciplines utiles à l’ethnographie et à la préparation des projets et tout au long des processus de recherche. L’article propose une plongée dans la pratique du carnet chez les artistes et les anthropologues et d’en saisir les caractéristiques anciennes et actuelles ainsi que l’évolution. Enfin l’article présente en dialogue les approches du carnet chez deux artistes auteures de l’article en dialogue avec l’anthropologie.

English version. Depuis le plus jeune âge, j'ai cherché comment contribuer utilement à la communauté, tout en étant pleinement moi-même. Appelé à des intérêts différents de ceux de mes pairs, j'ai commencé à explorer les mystères de la dynamique de groupe. De nombreux cycles d'étude et de pratique m'ont conduit à une prise de conscience : la souffrance, la misère (physique et spirituelle), la violence, sont souvent générées par des histoires que nous apprenons dans notre enfance, et que nous transmettons de génération en génération. J'ai ainsi acquis la conviction que, en quelques mois, nous pourrions assurer que tous les humains vivent dignement et en harmonie, si nous osions écouter – littéralement et symboliquement – notre Cœur, celui de l’Autre. Nous nous engagerions alors dans un voyage qui célèbre notre Humanité, relie la Nature en nous et au-delà, nourrit nos âmes. De fait, relever des défis complexes requiert d’abandonner la logique d'un corps-machine, l’illusion de solutions techniques conçues sans engagement personnel, pour élever notre conscience collective, humaine. Cela veut dire fournir des moyens à l’ensemble de la population d'écouter leurs différentes réalités, et leur permettre de parvenir rapidement à un consensus populaire sur la façon de surmonter ces défis de manière à renforcer la solidarité. Selon le créateur des tests Captcha, [1] un million de personnes pourraient traduire Wikipédia dans une nouvelle langue en 80 heures. Imaginons alors ce qu'un tel groupe pourrait réaliser s'il avait la capacité de s'accorder sincèrement sur des projets communs essentiels et de les mettre en œuvre en quelques jours – des connaissances et infrastructures libres et en source ouverte qui pourraient facilement être adoptées, reproduites et enrichies à travers les territoires ? * * * Cette thèse en cinq parties documente six années de création et de recherche intenses qui m'ont permis de concevoir le déploiement d'un tel processus. Premièrement, je présente mon parcours jusqu'au doctorat, et comment ma recherche a pris forme au fil des prototypes. J'introduis l'idée des communs, qui consiste à comprendre que les personnes – et non les entreprises ou l'État – disposent de toutes les ressources nécessaires pour surmonter les défis auxquels nous sommes confrontés. Cette idée s'appuie sur l'œuvre d'Elinor Ostrom [2], qui a montré que les gens ordinaires peuvent s'auto-organiser efficacement pour préserver les ressources, et de Stefano Rodotà [3], qui s'est engagé pour que toute ressource satisfaisant des besoins fondamentaux soit gérée de manière participative, quel que soit son propriétaire. Deuxièmement, je raconte Breathing Games [4], un commun que j'ai co-fondé pour rendre la santé respiratoire amusante. Je montre comment cette initiative, qui a d'abord objectivé les enfants concernés – en pensant leur santé à leur place –, a ensuite ouvert un espace permettant aux jeunes de raconter leur vécu subjectif de manière ludique et utile à leurs pairs. Je partage comment une éthique et une esthétique de commoning nous a permis d'engager plus de 450 volontaires et de mutualiser des ressources provenant du Canada, de Suisse, de France, d'Italie et de Corée du Sud. Troisièmement, je propose quatre leviers pour bâtir des écosystèmes solidaires. Nous devons : réunir des personnes diverses lors d'événements ludiques afin de vaincre la solitude. Par exemple, les hackathons en ligne qui ont mobilisé 150’000 personnes au début de la crise de la couronne [5]. générer de la valeur collective pour surmonter les limitations matérielles. Par exemple, les réseaux autonomes de makers, qui ont partagé des designs et fabriqué plus de 48 millions de fournitures médicales alors que l'industrie était à l'arrêt [6]. faciliter des accords entre équipes d’équipes pour surmonter les jeux de pouvoir. Par exemple, le Changement Émergent, développé dans des écoles québécoises et des multinationales suisses, permet aux équipes de s’épanouir et d'exceller, en établissant un dialogue rituel entre l'équipe complète et son leader, ce qui évite la compétition entre individus [7]. revisiter les récits collectifs pour se libérer de l’auto-servitude. Par exemple, questionner la croyance selon laquelle une autorité – parent, enseignant, employeur, politicien, soignant – saurait prendre soin de nos besoins mieux que nous-même [8]. Quatrièmement, je présente le festival genevois 'prenons soin ensemble' [9], un événement de neuf jours créé en 122 jours grâce à 115 co-hôtes. Je quantifie la valeur collective créée par Breathing Games et le festival à 2,2 millions de francs suisses, dont 4/5 ont été générés par des contributions bénévoles. Je propose ensuite une méthode de facilitation étape par étape qui pourrait aider des milliers de personnes à coordonner leurs efforts autour d'un nombre restreint de projets modulaires. Je décris comment ce modèle pourrait re-créer l’éducation, mettre fin à la corruption systémique, faire renaître la démocratie et guérir notre mal-à-dire lorsque l’on surinvestit le mental. Enfin, je résume mes apprentissages, et liste quelque 600 références qui m'ont inspiré. Cette création-comme-recherche [10] peut être librement reproduite et enrichie (licence Creative Commons BY-SA, format LaTeX éditable). Concordia Salus [11]. _____ Von Ahn L. Massive-scale online collaboration [Collaboration en ligne à large échelle]. TEDx CMU 2011. https://www.ted.com/talks/luis_von_ahn_massive_scale_online_collaboration Ostrom E. Beyond Markets and States: Polycentric Governance of Complex Economic Systems [Au-delà des marchés et des États : la gouvernance polycentrique des systèmes économiques complexes]. Conférence du Prix Nobel 2009. https://www.nobelprize.org/uploads/2018/06/ostrom_lecture.pdf Mattei U, Reviglio E, Rodotà S (eds). I beni pubblici : dal governo democratico dell’economia alla riforma del codice civile [Les biens publics : de la gouvernance économique démocratique à la réforme du code civil]. Accademia nazionale dei Lincei 2010. http://www.scienzeelettere.it/book/35940.html Balli F, Jeanmaire G, Ibbotson R, Gervais Y, Kellner E, Gingras S, Gaudy T, Tse SM, Bransi M, Chelabi K, Silva-Lavigne N, Pelaez S, Montalbano L, Cilluffo G, la Grutta S, Sermet-Gaudelus I, Mohammad Y. Open-source games for health, multiplayer and gamepads. Co-creating fun care with children with asthma, young adults with cystic fibrosis, elders with COPD [Jeux libres pour la santé, multijoueur et manettes de jeu. Co-créer des soins ludiques pour les enfants asthmatiques, les jeunes adultes atteints de mucoviscidose et les personnes âgées souffrant de BPCO]. Assemblée générale de l’Alliance mondiale contre les affections respiratoires chroniques 2020-2021. Zenodo 2021. https://doi.org/10.5281/zenodo.5515638 Balli F. Team-building and information flow for large groups such as online hackathons [Team building et flux d'informations pour les grands groupes, tels que les hackathons en ligne]. Zenodo 2020. https://doi.org/10.5281/zenodo.3743244 Open Source Medical Supplies and Nation of Makers. Design, make, protect. A report on the open source maker and manufacturer response to the Covid-19 PPE crisis [Concevoir, fabriquer, protéger. Un rapport sur la réponse des makers et fabricants open-source à la crise d’EPI Covid-19]. 2021. https://opensourcemedicalsupplies.org/wp-content/uploads/2021/01/Design-Make-Protect_21.01.27.pdf Laugeri M. Les clés du dialogue hiérarchique. InterEditions 2015. https://www.dunod.com/sciences-humaines-et-sociales/cles-du-dialogue-hierarchique de la Boétie E. Discours de la servitude volontaire ou Contr’un. 1530. http://classiques.uqac.ca/classiques/la_boetie_etienne_de/discours_de_la_servitude/discours_servitude.html Balli F. Préserver notre santé : un héritage commun. Festival 'prenons soin ensemble'. Zenodo 2023. https://doi.org/10.5281/zenodo.7833396 Chapman OB, Sawchuk K. Research-Creation: Intervention, Analysis and "Family Resemblances" [Recherche-création : intervention, analyse et "airs de famille"]. Canadian Journal of Communication 2012; 37(1). https://doi.org/10.22230/cjc.2012v37n1a2489 Concordia Salus, qui signifie Le salut par l’union pacifique des cœurs, est la devise de l’Université Concordia et de la ville de Tio'tia:ke / Montréal., Thèse déposée. Défense prochaine. Le lien vers la thèse sera mis à jour à l'automne 2023.

Ce mémoire de recherche-création pose la question de la possibilité d’écrire un scénario de film de fiction narratif féministe. Une position vastement débattue dans la littérature féministe sur le cinéma suggère que le cinéma classique dit mainstream ne peut être investi d’une posture féministe puisque le langage cinématographique qui lui est inhérent participe à l’idéologie patriarcale dominante et réifie les personnages féminins comme objet passif du désir du masculin, figure active dans la narration. Mais qu’en est-il du scénario? La réflexion qui anime ce mémoire interroge le développement du scénario dans le discours et la figure négligée par l’histoire du cinéma (Francke 1994, 3) de la scénariste, puis les fondements de la narration et leur participation à l’idéologie dominante. Finalement, cette réflexion est accompagnée d’un scénario de film de fiction de long-métrage narratif dans lequel une tentative d’inscrire une subjectivité féminine se tisse grâce à une notion de désidentification qui s’avère intrinsèque à certains outils de l’objet de préproduction. La recherche informe la création alors que la création dépasse son cadre formel pour s’immiscer et tenter de régner dans la recherche., This research-creation thesis asks the question of the possibility of writing a feminist narrative fiction film script. A widely debated position in feminist film literature suggests that mainstream cinema cannot be invested with a feminist posture since its inherent cinematic language participates in the dominant patriarchal ideology and reifies female characters as passive objects of desire of the male, active figure in the narrative. But what about the screenplay? The reflection that drives this thesis questions the development of the screenplay in discourse and cinema’s history neglected figure (Francke 1994, 3) of the woman screenwriter, followed by the foundations of narrativity and their participation in the dominant ideology. Finally, this reflection is accompanied by a narrative feature film script in which an attempt to inscribe a female subjectivity is woven through a notion of disidentification that proves intrinsic to certain tools of the pre-production object. The research informs the creation while the creation exceeds its formal framework to interfere and try to reign over the research., Mémoire en recherche-création.

Ce mémoire porte sur la réactualisation de l’opéra d’un point de vue féministe en s’appuyant sur l’exemple de la mise en scène de Don Giovanni (1787-1788) de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Cette étude montre comment il est possible, en s’appuyant sur les outils de l’analyse musicale et littéraire, de créer une mise en scène qui respecte les principales caractéristiques du livret et de la partition – conservant ainsi ce que Jean-Jacques Nattiez appelle des « fidélités locales » – tout en permettant au public d’aujourd’hui de s’identifier à une œuvre composée il y a plus de deux siècles, et de s’y projeter. Pour ce faire, l’enjeu est de proposer une adaptation de l’opéra qui tient compte du contexte politique et social actuel, axé ici sur le féminisme. Prenant pour exemples les trois personnages féminins de Don Giovanni, le mémoire est construit sous la forme d’un triptyque, par ordre chronologique d’apparition des personnages : Donna Anna, Donna Elvira, Zerlina. Ainsi, il sera possible d’établir un point de vue s’apparentant au female gaze dans cet opéra, jusqu’ici majoritairement interprété par le biais du male gazing (regard masculin). Le premier chapitre propose donc l’analyse de deux airs phares du personnage de Donna Anna. Cherchant à l’abstraire de l’entité quasi fusionnelle qu’elle constitue avec son fiancé Don Ottavio, l’analyse harmonique et littéraire s’intéresse aux passages où Donna Anna est susceptible d’affirmer son indépendance. L’analyse de ces mêmes scènes dans deux mises en scènes récentes de l’œuvre vise ensuite à vérifier si les caractéristiques qui ressortent de cette analyse sont mises en valeur dans les productions. Enfin, dans un processus s’apparentant à la recherche-création, je propose pour les passages étudiés des avenues de mise en scène qui tiennent compte des analyses effectuées dans les premières parties du chapitre. Les deux autres personnages féminins sont abordés suivant le même procédé, cherchant d’un côté à dé-ridiculiser celui de Donna Elvira – trop souvent considérée comme « hystérique » – et, de l’autre, à rendre au personnage de Zerlina son côté stratège, habituellement camouflé dans les productions « traditionnelles » où la jeune femme n’est représentée que par son côté paysan., This thesis explores the feminist actualization of opera, using Wolfgang Amadeus Mozart’s (1756-1791) Don Giovanni (1787-1788) as a case study. This study shows how it is possible, by using musical and literary analytical tools, to create a performance that respects the main characteristics of the libretto and the score—thus preserving what Jean-Jacques Nattiez calls “local loyalties”—while allowing today’s audience to identify with a work composed over two centuries ago. To do so, I propose an adaptation of the opera that takes into account the current political and social context, focused here on feminism. Taking as examples the three female characters of Don Giovanni (Donna Anna, Donna Elvira, and Zerlina), the thesis is built as a triptych in which the characters are studied in the chronological order of their apparition. The approach is based on a female gaze point of view, contrasting with the male gazing interpretation which has been dominant in the operatic world until now. The first chapter analyses two major arias of Donna Anna. In order to free her from the almost fusional entity she forms with her fiancé Don Ottavio, the harmonic and literary analysis centers around passages where she is most likely to show independence. The analysis of these same scenes in two recent stagings of the work then aim to verify whether the characteristics that emerge from this analysis are highlighted in the productions. Finally, in a process of research-creation, I propose staging directions for the same passages that take into account the findings made throughout the chapter. The two other female characters are approached following the same process, seeking on the one hand to de-ridiculize the character of Donna Elvira—too often considered “hysterical” —and, on the other hand, to highlight Zerlina’s sense of strategy, which is usually downplayed in “traditional” productions in which the young woman is solely represented by her peasant character., Type de dépôt #1 (version complète)

En février 2021, la pandémie de COVID-19 oblige le collectif Dans Ta Tête (DTT) à présenter la pièce AREA, jouée depuis Québec, sur la plateforme Zoom. Si ce dispositif nous pousse à questionner la coprésence longtemps désignée comme composante essentielle du théâtre, il en va de même et a fortiori lorsque l’on s’aperçoit que la pièce ne comporte pas d’acteur mais huit volontaires. Leurs gestes sont dictés par des assiettes-moniteurs et leurs répliques sont performées en direct par un membre du DTT, puis retransmises sur scène par un dispositif situé dans leur siège. Le héros de la pièce est quant à lui une marionnette robotisée à travers les yeux de laquelle le public visionne la pièce. Cet étrange spectacle bouleverse les composantes habituelles du spectacle vivant. Comment définir ces « spectacteurs », ni acteurs, ni spectateurs, dont les actions sont régies par un moniteur et par un performeur ? Ce dernier se donne à voir comme un marionnettiste tandis que le spectateur web s’identifie à une machine. Le projet est une adaptation interactive de Rose Enfer des animaux (1958) de Claude Gauvreau, pièce longtemps ignorée par les metteurs en scène en raison de contraintes techniques liées à des didascalies loufoques. Plutôt que d’essayer de donner sens à ce texte, le DTT en révèle l’inaccessibilité dans une logique excommunicationnelle théorisée par Galloway. Il place le spectateur face aux limites du représentationnel et prolonge les enjeux de la pièce de 1958 pour interroger les limites du spectacle et du vivant. In February 2021, the COVID-19 pandemic forced the Dans Ta Tête collective (DTT) to present the play AREA, performed from Quebec City, on the Zoom platform. If this installation makes us question the component of co-presence, long designated as essential to the theater, it is even more so when we realize that the play does not have any actor but eight volunteers. Their gestures are dictated by monitor-plates and their lines are performed live by a member of the DTT, then retransmitted on stage by a device located in their seats. The hero of the play is a robotic puppet through whose eyes the audience views the play. This strange show subverts the usual components of live performance. How to define these "spectactors", neither actors nor spectators, whose actions are governed by a monitor and a performer? The latter is seen as a puppeteer while the web spectator can be seen as a machine. The project is an interactive adaptation of Claude Gauvreau’s Rose Enfer des animaux (1958), a play that has long been unplayable due to technical constraints related to eccentric stage directions. Rather than trying to make sense of this text, the DTT reveals its inaccessibility in an excommunication logic theorized by Galloway. It places the spectator in front of the limits of the representational and extends the stakes of the 1958 play to question the limits of the performance and the living. Em fevereiro de 2021, a pandemia de COVID-19 obriga o colectivo Dans Ta Tête (DTT) a apresentar o espetáculo AREA, performado no Quebec e transmitido através da plataforma Zoom. Se esse dispositivo nos incita a questionar a real necessidade da co-presença no teatro, designada há muito tempo como condição sine qua non das artes cênicas, podemos questionar também o fato de que a peça não tem atores, mas sim oito voluntários cujos gestos são ditados através de "pratos-monitores" e cujas falas são executadas em tempo real por um membro do DTT - para em seguida serem transmitidas à cena por um dispositivo sonoro instalado em seus assentos. O herói da peça é uma marionete robótica através dos olhos da qual o público assiste ao espetáculo. Essa estranha composição rompe com as convenções habituais da cena teatral e nos propõe uma série de questões: Como definir estes "espectadores"? Nem atores, nem simples público, suas ações regidas por um tele-prompt e um performer. Como definir este último, que se revela como um marionetista enquanto o público se identifica com uma máquina? O projeto é uma adaptação interativa da peça Rose Enfer des animaux (1958) de Claude Gauvreau, espetáculo considerado durante muito tempo como não encenável em função das limitações técnicas que as rubricas absurdas do autor pareciam impor. Sem buscar dar um sentido restrito ao texto, o DTT revela sua inacessibilidade em um contexto de "ex-communicação" como teorizado por Galloway. O espectador é confrontado com os limites da representação em um prolongamento dos questionamentos originais da peça de 1958 que investiga não só os limites do espetáculo como também a própria definição do que é "ser vivo".

Il y a quelques années, j’ai presque gagné 100 000 $ dans une émission de télé-réalité appelée Big Brother Canada. Je rêvais fièrement à ma victoire quand j'ai été rapidement ramenée à la réalité en étant évincée de la maison par les quatre autres concurrent.es. restant.es. Quelques semaines après la fin de l'émission, déçue et quelque peu déstabilisée, j'ai découvert que plusieurs images de moi circulaient de façon virale en ligne. En fait, j'étais devenue un mème ! Fascinée par cette nouvelle forme de langage que les mèmes semblent avoir créé sur mes réseaux sociaux au fil des ans, l'expérience de devenir un mème a suscité une grande envie de savoir ce que d'autres personnes ayant une expérience similaire à la mienne ressentent. Ma curiosité a inspiré cette recherche exploratoire dans laquelle je cherche à mieux comprendre ma mise en mème (ou mémification) à travers l’expérience vécue d'autres mèmes. Présenté sous la forme d'une création audiovisuelle accompagnée d’un script réfléchi, et soutenu par le concept de « face » de Goffman, ainsi que par les théories sur la « visibilité » de Voirol et Jauréguiberry, ce travail explore la face cachée des mèmes, le rapport entre individu-face-mème et les effets de devenir-mème., I once came close to winning a 100 000$ on a reality TV show called Big Brother Canada. I could almost taste the jackpot when I suddenly got evicted from the house by the four remaining houseguests. Few weeks after the show was over, disappointed, and overwhelmed, I discovered that multiple images of me went viral on social media. In fact, I had become a meme! Already fascinated by this new form of language that memes seem to have created on my social media over the years, the experience of becoming a meme ignited a thirst to know how other individuals with a similar experience to mine felt. My curiosity led to this exploratory research where I seek to better understand my transformation into a meme (or memefication) through the lenses of other memes. Presented in the form of an audio-visual creation accompanied by a commented script and supported by Goffman’s concept of “face” as well as Voirol and Jauréguiberry theories about “visibility”, this work digs into the hidden faces behind memes, the connection between individual-face-meme and the effects of becoming meme., Mémoire en recherche-création

Le projet de recherche-création Station : Vavilov interroge les mémoires et les circulations croisées des végétaux et des humains, en lien avec des enjeux contemporains cruciaux à l’heure de l’anthropocène : globalisation des ressources génétiques, adaptation des variétés cultivées aux bouleversements climatiques, dimensions géopolitiques des questions alimentaires et environnementales. En retraçant la conception et la mise en œuvre de ce projet, cet article interroge les voies de traverse que permet d’explorer la rencontre entre l’anthropologie et différentes disciplines artistiques. J’y développe les formes et les enjeux de cette rencontre, en termes de pratique ethnographique, d’écriture ethnoartistique autant que de restitution et de performance. Tout en étant centrale dans l’élaboration du propos scientifique et artistique, la thématique abordée est aussi un prétexte à explorer et produire des formes de connaissance et d’expression inédites et hybrides, nourries par les univers de référence pluriels des protagonistes du projet. The research-creation project Station: Vavilov questions the crossed memories and circulations of plants and humans, related to core contemporary stakes in the anthropocene era: the globalization of genetic resources, the adaptation of cultivated varieties to climatic upheavals, the geopolitical dimensions of food and environmental issues. By narrating the conception and implementation of this project, this article exposes the alternative paths opened by the encounter between anthropology and different art practices. It describes the shapes and stakes of this encounter, in terms of ethnographic practice, ethnoartistic writing as well as restitution and performance. While central in the making of the scientific and artistic discourse, the topic of the project is also a pretext for the exploration and production of new and hybrid forms of knowledge and expression, fed by the plural universes of the project’s protagonists.

Réflexion sur l'approche par compétences : une formation par la (recherche)-création (2022-2023).

J’ai construit cet article en m’appuyant sur mon expérience de recherche doctorale qui a mis en évidence l’importance d’adopter une approche écologique pour la compréhension par les enseignants titulaires de classe d’accueil du processus d’intégration sociale des élèves immigrants. Le but de cette recherche était de comprendre le phénomène d’appropriation du nouveau « milieu de vie » par une démarche permettant d’en montrer la face cachée et toute la complexité. La dimension compréhensive et collaborative de celle-ci s’est avérée fondamentale dans la démarche socio-constructiviste adoptée, « pour, par et avec » les participantes et l’enseignante du milieu d’accueil où s’est déroulée cette recherche. Les résultats indiquent, entre autres, que les élèves privilégient l’usage de stratégies d’appropriation à caractère transgressif par rapport à l’institution d’accueil. Le cadre scolaire, disposant de peu de moyens, a recours en effet à une démarche administrative d’intégration qui semble aller à l’encontre des principes appropriatifs. Dans ce contexte, la pratique théâtrale a pu contribuer à réduire l’écart ainsi créé en établissant une dynamique de socialisation horizontale entre les élèves et l’enseignante. À l’issue de cette recherche, je suis en mesure de suggérer aux établissements scolaires qui accueillent des élèves immigrants de diversifier les modalités de socialisation et d’institutionnaliser leur accueil dans une perspective trans-systémique en établissant, entre autres, un trialogue entre enseignants, élèves et familles. En guise de conclusion, j’apporterai quelques éléments de réponse à la question suivante : ce projet de recherche s’inscrit-il dans une optique d’éducation relative à l’environnement ? I built this article based on my experience of doctoral research which highlighted the importance of adopting an ecological approach for the understanding by teachers of reception classes of the process of social integration of students immigrants. The purpose of this research was to understand the phenomenon of appropriation of the new "living environment" by an approach allowing to show its hidden face and all the complexity. The comprehensive and collaborative dimension of this proved to be fundamental in the socio-constructivist approach adopted, “for by and with” the participants and the teacher of the host environment where this research took place. The results indicate, among other things, that pupils favor the use of appropriation strategies of a transgressive nature in relation to the host institution. The school framework, having few resources, in fact resorts to an administrative approach to integration which seems to go against the principles of appropriation. In this context, the theatrical practice could contribute to reducing the gap thus created by establishing a dynamic of horizontal socialization between the students and the teacher. At the end of this research, I can suggest to schools that welcome immigrant pupils to diversify the methods of socialization and to institutionalize their reception in a trans-systemic perspective by establishing, among other things, a trialogue between teachers, pupils and their families. In conclusion, I will provide some answers to the following question : is this research project part of an environmental education perspective ?

Concernant tous les arts, les sciences sociales au sens large et, de manière importante, les études numériques, la recherche-création se déploie sur le plan international comme une « nouvelle méthode » qui revendique ses sinuosités voire son indiscipline. Pour reconnaître les enjeux de son intégration dans le champ académique, il est donc particulièrement intéressant de chercher à en identifier les contours. Cette conférence d'introduction au séminaire doctoral EthiHum permet d'en examiner les principes et les méthodes à la lumière du champ de recherche encore récent en France de la recherche-création littéraire. La reconnaissance de savoirs transmissibles construits au cours d’un projet de création représente un enjeu majeur de son déploiement dans les universités. L’idée que l’enquête littéraire puisse déplier par la praxis créative des savoirs nouveaux, difficiles à atteindre ou à percevoir par la seule documentation d’un objet « littérature » externalisé, confère à la recherche-création une légitimité qui dépasse la simple acceptation des artistes dans les communautés de pairs académiques. Cet examen nous permettra d’appréhender le rôle des méthodologies disciplinaires, mais aussi les revendications radicales de non-méthode, pour comprendre ce qui se joue éthiquement dans la recherche-création. Nous verrons comment la recherche-création est susceptible de bousculer le paradigme habituellement convoqué de production et de mobilisation des savoirs et peut s’appréhender comme la « poursuite d’une voie », au sens premier du mot « méthode », le μέθοδος grec.

« La recherche-création littéraire : un nouveau regard sur les lettres », session avec Julia Peslier, Dialogues sur les enjeux de la recherche-création pour les sciences humaines #2, séminaire interdisciplinaire doctoral organisé par Françoise Chambefort et Carolane Sanchez en lien avec l’école doctorale LECLA et la laboratoire ELLIADD de l’Université Franche-Comté [à distance], le 02/03/2023.

Quels repères pour les doctorants traducteurs en recherche-création littéraire ?

Programme scientifique - Avignon Université; 1. Une problématique : le vivant en tension |Le vivant nous interroge dans sa tension permanente avec les dynamiques culturelles, politiques, artistiques, économiques et technologiques qui le traversent. Constamment soumis à de nombreuses pressions externes qui peuvent le déformer, le vivant en tension peut être admis comme un mouvement perpétuel de résistance et de négociation, où sa perception et son rôle dans la société sont constamment redéfinis. En conséquence, la culture politique des corps enveloppe les chairs organiques, lunettes performatives et altérantes d’une dimension vivante à dévoiler. Dans un monde de plus en plus numérisé et rationalisé, l’intersection entre la création et le corps vivant donne les moyens d’étudier les enjeux de la communication humaine. Cette rencontre peut nous aider à mieux comprendre les enjeux de domination, transformation et réduction de l’organisme. Pour ce faire, nous avons investi le champ de la recherche-création, en invitant les chercheurs de diverses disciplines et objets de recherche à apporter leur contribution à cette problématique complexe. Des expressions classiques de l’écriture et du langage aux outils de réalité virtuelle, nous explorons aussi bien les nouvelles formes de pédagogie, que les expériences et représentations du vivant. Ce projet collectif permet ainsi de développer une meilleure compréhension de cette tension multifactorielle.2. Une méthodologie : la recherche-création |Notre pratique de la recherche-création vise à mêler recherche et création au sein d’un même processus méthodologique à l’université. La recherche-création fabrique des liens entre la création scientifique et artistique de manière à proposer une exploration organique de notre problématique du “vivant en tension”. Ce cadre de travail articule état de l’art, analyse de corpus et enquête anthropologique à une pratique créative qui s’incarne dans un organisme (chercheur, doctorant, étudiant). Dès lors, une réflexion sur les écritures sensibles peut s’opérer, tout comme d’autres projets scientifiques engagés dans une approche affective et singulière. La recherche-création permet également de répondre aux enjeux contemporains à travers plusieurs leviers pédagogiques : - la création comme initiation à la recherche ;- la création comme transmission des connaissances ;- la recherche-création comme méthode qualitative ;- la recherche-création comme médiation des univers artistiques et culturels.Notre approche a déjà fait l’objet de publications (Renucci et Galli, 2022 ; Galli et Rivière, 2022 ; Galli, 2021) qui ont permis de nourrir la réflexion sur l’offre de formation en SIC du Master Culture et Communication d’Avignon Université : nouveau module disponible en “recherche-création numérique” depuis 2022. 3. Un socle épistémologique : les séminaires de création | Ce programme de recherche ( https://recherche-creation.fr/ ) s’appuie sur un socle de plusieurs séminaires interdisciplinaires (ouverts aux chercheurs, doctorants, étudiants, enseignants, etc.) qui visent à explorer le vivant en tension avec la création : - Le séminaire “Créations inter-masters” (N. Macé-Barbier, D. Galli, G. Rivière) aborde la question des écritures du vivant auprès d’étudiants de différentes promotions de master (théâtre et communication), et avec le soutien d’artistes et d’établissements culturels ;- Le séminaire “Corps vivants et création” (V. Bénéï, D. Galli, G. Rivière, P. Hert) met en place une série d’expérimentations scientifiques dans le cadre de la recherche-création à partir du mouvement et de l’exploration des corps vivants. Ce séminaire implique Avignon Université, l’EHESS et Aix-Marseille Université ;- Le séminaire “Création-Médiation et réalité virtuelle” (C. Garson, D. Galli, G. Rivière) vise à interroger les applications vivantes de la réalité virtuelle dans les champs de l’enseignement et de la création numérique ;- Le séminaire “Création scientifique et communication” (F. Renucci, D. Galli, G. Rivière) interroge les frontières épistémologiques des processus de création à l’université. Entre rencontres, conversations, émotions, fabrications ou échanges documentaires, les traces des relations humaines au cœur de la recherche-création permettent d’approcher une nouvelle histoire anthropologique et communicationnelle du savoir. Enfin, ce programme de recherche vise à proposer un encadrement scientifique et artistique à des étudiants de master ou doctorat qui souhaitent réaliser un manuscrit préparé sous le Label Recherche-Création de l’École Doctorale 537 « Culture et Patrimoine » d’Avignon Université.

Translucinación is a term coined by Chilean poet Andrés Ajens to “describe how translation is a form of reading and writing that creates new work, new conversations” (Osman and Spahr iii). In this article, I tell a story of how I have adapted and expanded this term to experiment with translation practices that deviate from translational norms such as fidelity, accuracy and equivalence. Deviating from the norm opens it, shows its mechanisms, gaps and fissures, its blind spots and points of aporia. It is in this way that translucinación, as I am using it, can be used as a creative writing practice-based research tool to cope with the unprecedented rupture that is happening in translation studies, and thus the study of languages and texts in their cultural, global differences. The aim of this research is also to reconnect research with pedagogical practice in the form of creative, process driven methods wherein teachers and students of language, writing and translation might find ways to break free from the oppressive limitations of a system stupefied by mastery, in both senses of that term. Translucinación est un terme inventé par le poète chilien Andrés Ajens pour « décrire comment la traduction est une forme de lecture et d’écriture qui crée de nouvelles œuvres, de nouvelles conversations » (Osman et Spahr iii). Dans cet article, je raconte comment j’ai adapté et élargi ce terme pour expérimenter des pratiques de traduction qui s’écartent des normes de la traduction telles que la fidélité, l’exactitude et l’équivalence. S’écarter de la norme, c’est l’ouvrir, montrer ses mécanismes, ses lacunes et ses fissures, ses angles morts et ses points d’aporie. C’est ainsi que la translucinación, telle que je l’utilise, peut servir d’outil de recherche-création pour faire face à la rupture sans précédent qui se produit dans le domaine de la traduction, et donc dans la traductologie et dans l’étude des langues et des textes dans leurs différences culturelles. L’objectif de cette recherche est également de reconnecter la recherche avec la pédagogie sous la forme de méthodes créatives, qui se focalisent sur le processus, dans lesquelles les enseignant.e.s et les étudiant.e.s en langue, en écriture et en traduction pourraient trouver des moyens de se libérer des limites oppressives d’un système stupéfié par la maîtrise, dans les deux sens du terme.

This paper draws upon a research-creation PhD thesis in translation studies which was based on a corpus comprising four novels destined to adult readers with child narrators and their translations into French. The analysis of the narrative and stylistic features of those novels led to an in-depth study of one of them – Room, by Emma Donoghue – and its translation. This reflection on my own work as a translator then led me to produce transcreations, experimental translations used as a tool for the reflective and creative analysis of the text material under study.The present contribution thus aims at outlining the reflection carried out in my PhD thesis and illustrate it with extracts from the creative translations that were fostered by my research. The narratological and stylistic analysis of the language of a five-year-old child narrator is complemented by textual experiments which serve as the basis of my reflection as a researcher and practitioner. These experimental transcreations are also an opportunity to think differently about the relations between the source text and its textual metamorphoses, about translation, intertextuality and writing.Using this experimental, creative approach to literary texts can also serve as the basis for bilingual creative writing workshops which could complement academic or professional translation classes. Cet article s’appuie sur une thèse de recherche-création en traductologie menée à partir d’un corpus composé de quatre romans de littérature générale dont les narrateurs sont des enfants et de leurs traductions en français. L’analyse des spécificités narratives et stylistiques de ces textes a débouché sur l’étude approfondie d’un des quatre romans – Room, d’Emma Donoghue – et de sa traduction. Cette réflexion traductologique sur ma propre pratique de traductrice m’a amenée à proposer l’écriture de transcréations, des traductions expérimentales, comme outil d’analyse réflexive et créative sur le matériau textuel à l’étude.La présente contribution vise donc à présenter la réflexion menée dans ma thèse et à l’illustrer par des extraits de traductions créatives issues de mes recherches. L’analyse narratologique et stylistique de la langue d’un enfant-narrateur âgé de cinq ans y est complétée par plusieurs expérimentations textuelles qui servent de support aux réflexions de la chercheuse-praticienne que je suis. Les transcréations expérimentales permettent également de réfléchir autrement aux relations entre le texte source et ses métamorphoses textuelles, à la traduction, à l’intertextualité et à l’écriture.Le recours à cette approche expérimentale et créative des textes littéraires peut également servir de base à des ateliers d’écriture créative bilingue susceptibles de compléter des cours de traduction littéraire à l’université ou des formations à la traduction professionnelle.

International audience; The introduction to this collective volume on writing between languages outlines a theoretical framework for literary plurilingualism, specially focusing on translated heterolingual works, and more broadly for plurilingual creativity in teaching and research. We present the aims of the book, which is protean in the diversity of its contributions, as much from its multidisciplinarity, the scientific backgrounds of its contributors, as from their writing and style. Adopting a processual approach, we highlight some of the creative dynamics of research between the disciplines involved in order to shed light on plurilingual creation in Francophone spaces, with a special interest in Indigenous languages.; L’introduction de ce volume collectif sur l’écriture entre les langues esquisse un cadrage théorique autour du plurilinguisme littéraire, notamment dans le cadre d’œuvres hétérolingues traduites, et plus largement de la créativité plurilingue en contexte d’enseignement et de recherche. Nous y présentons les visées de l’ouvrage, protéiforme dans ses contributions, tant par l’ancrage disciplinaire, par les cultures scientifiques des auteurs, que par les écritures et le style. Dans une approche processuelle, nous mettons en lumière quelques-unes des dynamiques créatives de recherche entre les disciplines impliquées pour éclairer la création plurilingue dans les espaces francophones, avec une ouverture aux langues autochtones.