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Le pouvoir n’existe pas en soi : il s’exerce. Aux côtés des armes relevant du coercitif et du rhétorique toute institution cherche à produire et à entretenir la collectivité de référence par le recours à des « signes de reconnaissance », des symboles. On s’attache ici aux seules institutions politiques – États et collectivités locales au premier chef, mais aussi organisations partisanes ou syndicales. En leur sein on distingue les trois grandes de symbolisation : l’emblème (qui n’est pas seulement visuel mais aussi sonore : étendards, hymnes, devises, …), le monument (de la toponymie de célébration à la nécropole en passant par la statuaire) et du rituel – à quoi on n’oubliera pas que se résume la notion de « religion » dès lors que l’on sort de la sphère christiano-musulmane. Dans la continuité d’un texte programmatique publié en 2000, cet article développe quelques pistes pour une enquête plus approfondie, mettant en lumière l’importance du recours à l’émotion dans le fonctionnement des sociétés politiques et l’actualité récurrente de cet instrumentarium, trop vite et trop longtemps considéré avec condescendance par une historiographie rationaliste et élitiste. Power does not exist in itself: it is exercised. Alongside the weapons of coercion and rhetoric, every institution seeks to produce and maintain the community of reference through the use of “signs of recognition”, symbols. We focus here only on political institutions – first and foremost nation states and local authorities, but also partisan and union organizations. Within them there are the three main symbolization methods: the emblem (which is not only visual but also sound: flags, anthems, mottos, etc.), the monument (from the toponymy of celebration to the necropolis in passing by statuary) and the ritual – which we will not forget that comes down to the notion of “religion” as soon as we leave the Christian-Muslim area. Following on from a programmatic text in 2000, this article opens a few avenues for further investigation, highlighting the importance of emotion in the functioning of political societies and the constant topicality of this instrumentarium, too fast and too long patronized by a rationalist and elitist historiography.

Cette thèse propose d’observer les ambiances sonores (i.e. sons, cris, paroles, bruits, moments de silence, etc.) et les musiques qui interviennent dans les cultes de la Mère des dieux, de Dionysos et de Déméter dans l’Athènes archaïque et classique, et d’en cerner les fonctions et significations. La composante sonore des cultes grecs, peu prise en considération dans les reconstructions historiques de la religion grecque ancienne, du moins jusqu’à récemment, joue un rôle pourtant fondamental tant dans la pratique rituelle que dans le récit. Ces deux formes d’expression de la religion – pratique rituelle et récit – sont d’ailleurs indissociables dans les témoignages anciens, de la même façon que les éléments imaginaires truffent les représentations inspirées de l’expérience rituelle. En examinant différents types de sources, parmi lesquelles les œuvres littéraires et les images sur vase demeurent les plus nombreuses et les plus instructives, et en abordant les différents aspects cultuels (pratique et récit / éléments imaginaires et réels) comme un ensemble cohérent, la phonosphère propre à chaque divinité se révèle de façon parfois frappante. Une telle démarche globalisante permet de mieux saisir l’expérience religieuse des Grecs, tout en favorisant une meilleure appréhension de certains phénomènes encore aujourd’hui sujets à controverses, par exemple le « ménadisme » et l’extatisme rituel. Car il ressort des témoignages que la musique, les sons et le silence, par leur pouvoir de communication notamment, remplissent des fonctions précises dans la pratique et le récit. Alors que certains sons et musiques visent à plaire à la divinité et, ainsi, à gagner sa faveur, par exemple, d’autres, investis de l’empreinte sonore de la divinité, exercent une emprise sur les mortels, emprise expérimentée dans le cadre de la pratique rituelle comme un moment de contact avec le divin. De cette emprise exercée par le moyen de la musique et des sons, peut résulter, dans certains cas, une guérison, une régulation des instabilités internes. Par ailleurs, la terminologie sonore dans la littérature se montre pratiquement toujours porteuse de sens, et permet de reconnaître l’univers évoqué et la ou les figure(s) divine(s) concernée(s). Répertorier les termes sonores propres à l’un ou l’autre culte facilite le repérage des associations établies entre certaines divinités, permettant ainsi des interprétations plus justes de certains passages de la littérature. D’un autre côté, la recherche sur les instruments de musique révèle des goûts et des tendances, possiblement attribuables dans certains cas à des changements significatifs survenus dans la sphère religieuse et politique de l’Athènes de la fin du Ve siècle. Par exemple, l’introduction progressive du tympanon dans l’univers dionysiaque à partir de la deuxième moitié du Ve siècle suggère une appropriation du culte de la Mère de dieux et de son instrument de prédilection par le peuple athénien. Cette observation, basée sur des témoignages de l’époque, contribue à illustrer la distinction que faisaient les Athéniens entre une religion considérée comme ancestrale, et une autre aux multiples formes et pour ainsi dire « additionnelle ». À cet égard, observer les éléments sonores dans les cultes mène non seulement à une meilleure connaissance desdits cultes, mais également à une meilleure compréhension de la société athénienne et des événements importants qui l’ont marquée. L’étude des sons, de leur place et de leurs fonctions dans la pratique et les récits contribue à l’approfondissement des connaissances concernant la religion grecque et les procédés de communication qu’elle met en place entre la sphère des mortels et celle des dieux, tout en favorisant une meilleure définition du milieu social et culturel dans lequel elle a évolué., This thesis will consider the sound atmosphere (including cries, speech, noises and moments of silence) and music in the cults of the Great Mother, Dionysus and Demeter in Archaic and Classical Greece and their roles and meanings. Until recently, the audible component of Greek cults has rarely been considered by historical reconstructions. However, it played a fundamental role both in ritual practice and tales. These two expressions of religion – ritual practice and tales – are inextricably linked in ancient storytelling, just as representations inspired by the rituals are rife with imaginary elements. Examining different types of sources – of which the literary works and painted vases are the most numerous and enlightening – and considering the various cultural ingredients (tales and ritual practice, the imaginary and the real) as a coherent whole can provide insight into the phonosphere unique to each god in striking ways. This comprehensive approach leads to a better understanding of the religious experience of the Greeks, including certain phenomena that remain controversial today, such as maenadism and ecstatic ritual. The sources reveal that through their communicative power, music, sounds and silence filled specific functions in the ritual practices and tales. While some sounds and music were intended to please the god and hence gain favour, others bearing the god’s sonic signature held sway over mortals during rituals as a moment of personal contact with the divine. In certain cases, this aural sway could bring healing and a balancing of internal instability. Moreover, the sound vocabulary found in the literature almost invariably carries meaning that makes it possible to recognize the world and divine figures it describes. Cataloguing the sound vocabularies of individual cults/deities helps identify the relationships between certain gods. This in turn can clarify interpretations of certain passages in the literature. Similarly, research on musical instruments reveals tastes and trends, which could be attributed to the significant 5 changes in the religious and political spheres of Athens in the late 5th century BC. For example, the progressive introduction of the tympanum to the Dionysian world starting in the first half of the 5th century BC suggests that Athenians appropriated the cult of the Great Mother and the instrument most commonly associated with it. This observation, based on contemporary accounts, corroborates the distinction Athenians made between an ancestral religion and an “additional” multifaceted one. In that respect, investigating the sound atmosphere in these cults improves our understanding of not only the cults themselves, but also Athenian society as a whole and the milestone events that shaped it. Studying the sounds and their place and function in ritual practice and tales deepens our knowledge of Greek religion and the methods of communication it established between the realms of mortals and the gods. It also allows us to better characterize the social and cultural environments in which it developed

Du fait des difficultés à combiner les sources iconographiques et textuelles, l’étude des percussions dans la Mésopotamie ancienne via la terminologie suméro-akkadienne est encore difficile. C’est notamment le cas des termes sumériens /tigi/ et /adab/ dont l’identification comme instruments à percussion a été récemment écartée. Cette étude montrera, toutefois, qu’il subsiste encore des textes où cette identification demeure possible. Due to the difficulties for matching iconographic and textual evidence, study of percussion instruments in ancient Mesopotamia according to the Sumero-Akkadian terminology is still a controversial matter. That is the case of the Sumerian words /tigi/ and /adab/, whose identification as percussion instruments has been recently dismissed. That they still do refer to percussion instruments in some excerpts, however, will be proved in this paper.

International audience; Contribution to an edited volume published as a special issue of the peer-review journal Kernos (deriving from a conference held in Lyon in 2015). My article focuses on a subject that has been little dealt with until now: the fact that certain hymnic addresses, inserted into various poetic genres (comedy, tragedy, Greek and Latin lyric poetry, epigrams), are dedicated not to gods but to material objects (jugs, musical instruments, tree branches, lamps, etc.). The approach developed is situated at the crossroads of literary, dramaturgical and anthropological studies. I demonstrate that through its own stylistic features, the hymnic speech both acknowledges and confers on the object a capacity for action, which in turn is likely to transform the initial performance of the lyric performer or scenic actor. This investigation then opens up avenues of research at the intersection of poetics and the history of religions: the fluidity of the ontological status of the divine object in these poetic texts echoes ancient religious practices in which statues, relics, or other non-anthropomorphic material objects (stones, posts, or pillars) were honored as possible anchors of the divine presence.; L’article s’intéresse à un sujet jusqu’ici peu traité : le fait que certaines adresses de style hymnique, insérées dans des genres poétiques variés (comédie, poésie lyrique grecque et latine, épigrammes), ont pour dédicataires non pas des dieux mais des objets matériels. L’approche développée se situe au croisement des études littéraires, dramaturgiques et anthropologiques. Je démontre que par ses traits stylistiques propres, la parole hymnique reconnaît et confère tout à la fois à l’objet une capacité d’action, susceptible de transformer à son tour la performance initiale du chanteur ou de l’acteur. Cette enquête ouvre donc des pistes de recherche au croisement de la poétique et de l’histoire des religions : la fluidité du statut ontologique de l’objet divin dans ces textes poétiques fait écho aux pratiques religieuses antiques dans lesquelles les statues, les reliques, ou encore d’autres objets matériels non-anthropomorphes (pierres, poteaux ou piliers), étaient honorés comme points d’ancrage possible de la présence divine.

International audience; The poetry written by the Chénier brothers during the French Revolution intertwines two marked veins. The first is openly patriotic and commemorative, reminiscent of Pindar; the second is a violent satirical vein inspired by Archilochus. Cross-reading André's final poems with Marie-Joseph's lyrical pieces (his plays and hymns aside) reveals elective affinities due to familial bonds, shared knowledge, but also to political ideals eventually that were disrupted by the course of history. Their poetry from the period of the French Revolution forms a testimony of the present, which is simultaneously commemorative, contrasting and equivocal, sketching a many-faceted memory suffused with regrets and echoes.; La poésie des frères Chénier durant la Révolution mêle une veine épico-mémorielle ouverte, sur le modèle pindarique, et une veine satirique véhémente sous le patronage d'Archiloque. La lecture croisée des dernières poésies d'André et des morceaux lyriques de Marie-Joseph-son théâtre et ses hymnes sont ici laissés de côté-révèle des affinités électives dues à des liens affectifs, à une innutrition commune, mais aussi à des idéaux politiques finalement déçus par le cours de l'histoire. Outre le « tombeau » que construisent leurs vers, leur production poétique de la Révolution constitue un tableau contrasté, parfois équivoque des temps présents, et en élabore une mémoire plurielle nourrie de repentirs et d'échos.

In September 1850, the celebrated soprano Jenny Lind, better known as the Swedish Nightingale, arrived in the United States for what would be her last major musical tour. Her wild success in the young nation was built upon an advertising campaign by Phineas Taylor Barnum that leveraged her talent and various aspects of her identity. In this article, we consider the music written for Lind and how the sound she produced impacted her audiences, as well as those who did not even hear her. It is not an attempt to recreate Lind’s voice but to mark its absence by ‘audiolizing’ the genres it produced. We describe the tension between the written sheet music found in the archives and the corresponding performances by Lind and her imitators, as described in the press. Lind’s voice communicated to American society in several registers simultaneously: her vocal performance is variously described as a model for the voice of the masses, a respondent in sing-along sessions with audiences in the street, and also as an indescribable vehicle for spiritual transcendence. We will trace the correspondence of these identities and in so doing, hope to amplify the popular soundscapes of the mid-nineteenth century America. En septembre 1850, la célèbre soprano Jenny Lind, mieux connue sous le nom du Rossignol Suédois, arriva aux États-Unis pour ce qui devait être sa dernière grande tournée musicale. Son succès retentissant dans la jeune nation fut porté par une campagne de publicité par Phineas Taylor Barnum qui exploita pleinement le talent de la chanteuse, ainsi que divers aspects de son identité. Cet article examine la musique écrite pour Lind et comment le son de sa voix fut perçu non seulement par son public, mais aussi par ceux qui n’eurent pas l’occasion de l’entendre. Il ne s’agit pas de recréer la voix de Lind, mais de marquer son absence en « audiolysant » les genres qu’elle produit. Nous analysons la tension entre la partition écrite trouvée dans les archives et les performances correspondantes de Lind et de ses imitateurs, telles que décrites dans la presse. La voix de Lind fut inscrite par la société américaine dans plusieurs registres simultanément : sa performance vocale est diversement décrite comme un modèle pour la voix des masses, un répondant dans des séances de chant avec le public dans la rue, et aussi comme véhicule indescriptible pour la transcendance spirituelle. Nous retracerons la correspondance de ces identités et espérons ainsi amplifier les paysages sonores populaires de l’Amérique du milieu du xixe siècle.

In an introduction which poses main problem — composition and coherence of Peristephanon —, the present volume clears centered plan of the collection as well as its ascending rhythm, in a political optics as much as religious and literary. The celebration of the martyrs, linked to the emergence of a new conception of Roman citizenship, gets organised around the praise of the holy apostles Pierre and Paul, new heroes of fatherland, the dispensateurs of the christening, founders of the unit of empire. Demonstration is based on six extracts located in the main points of book (Pe. X, II, VII, VIII, XI, XII). Each of them is translated into French, commented and re-interpreted. Are analysed the mixture of types and of tones (epigram, hymn, epic poem, panegyric, elegy), the beginning of the Christian narrative painting, the description of monuments today missing, as well as the function of the ekphrasis in poetic meditation. In the junction of several disciplines, this volume explains birth of the sanctoral, but also poem and Christian art in Occident., Dans une introduction qui pose le principal problème, celui de la composition et de la cohérence du Peristephanon, le présent volume dégage la structure en amande du recueil ainsi que son rythme ascendant, dans une optique politique autant que religieuse et littéraire. La célébration des martyrs, liée à l’émergence d’une conception nouvelle de la citoyenneté romaine, s’organise autour de l’éloge des saints apôtres Pierre et Paul, nouveaux héros de la patrie, dispensateurs du baptême qui fonde l’unité de l’empire. La démonstration s’appuie sur six extraits situés aux articulations majeures de l’œuvre (Pe. X, II, VII, VIII, XI, XII). Chacun d’entre eux est traduit en français, commenté et réinterprété. Sont analysés au passage le mélange des genres et des tons (épigramme, hymne, épopée, panégyrique, élégie), les débuts de la peinture narrative chrétienne, la description de monuments aujourd’hui disparus, ainsi que la fonction de l’ekphrasis dans la méditation poétique. Au croisement de plusieurs disciplines, ce travail éclaire la naissance du sanctoral, mais aussi celle de la poésie et de l’art chrétien en Occident.

Dans le dialogue Eupalinos (1921) de Paul Valery, Socrate definit une profonde analogie entre l’architecture et la musique, qui permettent l’une et l’autre d’« etre dans une œuvre de l’homme comme poissons dans l’onde, d’en etre entierement baignes, d’y vivre, et de lui appartenir ». Ce sont donc deux arts qui enferment « l’homme dans l’homme ; ou, plutot, qui enferment l’etre dans son ouvrage, et l’âme dans ses actes et dans les productions de ses actes […]. Par deux arts, il [notre corps] s...

La Mésopotamie, berceau d’une brillante civilisation qui, au fil des millénaires, s’est étendue du golfe Arabo‑Persique à la mer Méditerranée, de la mer Noire au Nil, a sombré dans l’oubli durant plusieurs millénaires avant sa redécouverte progressive et relativement récente. Elle offre ainsi des sources directes, exceptionnelles par rapport à celle des mondes de l’Antiquité classique. Leur conservation a cependant été soumise aux conditions climatiques, aux matériaux utilisés ainsi qu’à leur condition de mise au jour. Elles offrent un panorama complet des connaissances littéraires et scientifiques, mais pas seulement. Grâce aux structures retrouvées (palais, temples, maisons, aqueducs…) et à leur iconographie, grâce aux textes de la pratique (lettres entre particuliers, contrats, jugements, comptes de distribution de rations …) qui font tant défaut ailleurs, elles permettent de retracer les éléments de la simple vie du quotidien. Mesopotamia is considered to be the cradle of a brilliant civilization that has spread over thousands of years from the Arabian Gulf region to the Mediterranean Sea, from the Black Sea to the Nile River, which had sunk into oblivion for several millennia before its quite recent and progressive rediscovery. It provides exceptional direct sources compared to Classical Antiquity. Their preservation nonetheless depended on climate conditions, the materials that were used and how they were excavated. Not only do they offer a thorough overview of literary and scientific knowledge but, thanks to the structures and visual representations that were found, (of palaces, temples, houses, aqueducts, etc.), written documents (e.g., personal letters, contracts, court judgements, precise accounts of rations distributed, etc.) that are often missing elsewhere, they enable us to understand what daily life was like. La Mesopotamia fu la culla di una brillante civilizzazione che, nel corso dei millenni, si è estesa dal golfo Arabo-Persico al mare Mediterraneo, dal mar Nero al Nilo; durante diversi millenni è sprofondata nell’oblio prima di venire progressivamente e recentemente riscoperta. Essa offre, innanzitutto, delle fonti dirette eccezionali rispetto a quelle dei mondi dell’Antichità classica. La conservazione di questi documenti è, tuttavia, dipesa dalle condizioni climatiche, dai materiali utilizzati, oltre che dalle condizioni di scoperta: essi offrono un panorama completo delle conoscenze letterarie e scientifiche, ma non soltanto. Grazie, infatti, alle strutture scoperte (palazzi, templi, case, acquedotti…) ed alla loro iconografia, grazie ai testi della prassi (lettere tra privati, contratti, sentenze giudiziarie, contabilità della distribuzione delle razioni di cibo…) che mancano presso altre civilizzazioni, è possibile risalire agli elementi della vita di ogni giorno.

À partir de son expérience du front, Roland Dorgelès écrit un roman relatant des moments marquants, des impressions de vécu, dans une absence totale de morale ou d’idéologie. Il associe stratégie esthétique et perspective éthique. Le glissement de l’écriture autobiographique à une écriture universelle inscrit le roman dans une visée testimoniale : contre l’oubli des frères d’armes en mémoire d’une guerre qui, bien que dévastatrice de l’humanité, révèle de ce qu’elle a de plus précieux, son humanité.

En febrero de 1896, cuando Federico Chueca, uno de los compositores de la muy popular "marcha" de la zarzuela Cádiz, recibe la medalla del mérito militar, el periódico madrileño El Imparcial decide organizar un concurso para dotar esta Marcha de una letra susceptible de convertirla oficialmente en himno nacional, un estatuto que de hecho está ya adquiriendo. A pesar de haberse recibido numerosos textos, algunas semanas más tarde el concurso se declara desierto. Esta tentativa se integra en una larga historia de fracasos sucesivos para intentar encontrar un texto capaz de cumplir el papel de himno a los ojos de la nación; muestra también los entresijos de un poder que trató de apropiarse esta Marcha para beneficiarse de su popularidad antes de tomar sus distancias cuando la marcha se convirtió en el chivo expiatorio ideal del "Desastre" de 1898., En février 1896, quand Federico Chueca, l'un des compositeurs de la très populaire "marcha" de la zarzuela Cádiz, reçoit la médaille du mérite militaire, le journal madrilène El Imparcial décide de lancer un concours pour doter cette Marcha de paroles susceptibles de la transformer officiellement en hymne national, statut qu'elle est en train d'acquérir de fait. Malgré la réception de nombreuses propositions, quelques semaines plus tard, le concours est déclaré désert. Cette tentative s'insère dans une longue histoire d'échecs successifs pour tenter de trouver un texte qui puisse remplir, aux yeux de la nation, ce rôle d'hymne ; elle montre également les coulisses d'un pouvoir qui essaya de s'approprier cette Marcha pour profiter de sa popularité avant de s'en éloigner quand elle devient le bouc émissaire idéal du « Désastre »de 1898.

Cet article vise a offrir un apercu general des hymnes, des chansons de marche et des chansons regimentaires que l’on trouve dans les journaux de tranchees de la Premiere Guerre mondiale a travers l’analyse des elements extralinguistiques et linguistiques qui les determinent et les caracterisent. Nous mettrons tout d’abord en evidence leurs conditions de naissance, leurs relations avec la production chansonniere d’avant-guerre, la chanson enfantine et celle des casernes, ainsi que la circularite des textes et des airs, pour relever enfin les caracteristiques linguistiques principales participant aux strategies de renforcement de l’ethos combattant.

Les galliambes à Bacchus que composèrent Marc-Antoine Muret dans son commentaire de Catulle (1554) et Jules-César Scaliger dans ses Poetices libri septem (1561) sont conçus comme des modèles destinés à rectifier les erreurs de leurs prédécesseurs néo-latins. Les deux poéticiens accordent une importance particulière aux épithètes du dieu dans une perspective archéologique et philologique, mais aussi esthétique, Muret privilégiant la vénusté et l’élégance et Scaliger la nouveauté et l’étrangeté.

Le Carmen Saeculare est un poème unique dans toute la production latine en ce qu’il est à la fois un hymne civique et un hymne littéraire. Lors des Ludi Saeculares de 17 av. J.-C., il oriente le processus visuel de la cérémonie pour construire une identité commune à toute la cité romaine, celle d’une cité privilégiée par les dieux, et dont la puissance est l’expression de la pax deorum retrouvée. Réintégré au sein des Odes, il participe à la construction de la persona poétique d’Horace, celle d’un uates qui bénéficie seul de la faveur divine. The Carmen Saeculare is a unique poem inside the latine litterary production, being both a civic and literary hymn. During the Ludi Saeculares of 17 B.C., it enhances the visual process of the ceremony, in order to construct an identity that could be shared by the whole Roman community, that of a city favoured by the gods, and whose power is the expression of the pax deorum found again. But reconsidered inside the Carmina, it takes part in the construction of the poetic persona of Horace, that of a uates who alone enjoys the divine favour.

Au XVIe siècle, l’hymne poétique est, en France, l’objet d’une authentique « réinvention », dans un dialogue constant avec la double tradition du genre, chrétienne (latine) et païenne (grecque), reflet à la fois d’une célébration du divin et d’une recherche inquiète des « signes » de sa présence dans le monde., In the sixteenth century, in France, the poetic hymn was the object of an authentic “reinvention” in constant dialog with the dual Christian (Latin) and pagan (Greek) tradition of the genre, reflecting both a celebration of the divine and an anxious search for “signs” of its presence in the world.

La notion de paysage sonore (soundscape) venue de la musicologie présente un intérêt pour l’historien de l’Antiquité. Elle peut notamment se révéler utile si l’on veut saisir la nature de la relation qui s’établit dans le monde grec entre les hommes et leurs dieux, dans sa composante sensible et affective. L’article commence par proposer une brève mise au point sur l’histoire du concept et son caractère opératoire, puis procède à une étude de cas, centrée sur l’Hymne homérique à Apollon. L’objectif est de saisir la nature du lien qui peut être établi entre l’identité d’un dieu et la configuration sonore de ses lieux de culte. Une lecture attentive aux effets sonores présents dans le poème montre ainsi que le récit de la naissance d’Apollon à Délos puis celui de l’installation de son sanctuaire oraculaire à Delphes reposent tous deux sur la métamorphose du paysage sonore, mis au diapason du dieu. Dans le premier cas, le dissonant se transforme en splendide renommée (kleos) ; dans le second, le dieu lui-même contribue à façonner un nouveau paysage sonore, après avoir choisi un écrin approprié pour son temple et son oracle. L’étude révèle aussi que ce paysage sonore ne peut s’étudier qu’en interaction avec les autres données sensibles (en particulier visuelles et olfactives). The paper aims to show that the notion of « soundscape », coming from musicology and acoustics, can be very useful in the field of Classics, especially for a better understanding of the relationship between the Greeks and their gods during rituals. After a brief survey of the history of the concept, the article offers a case study relying on an analysis of the Homeric Hymn to Apollo. In this poem, the birth of the god Apollo in Delos and the foundation of the oracular shrine in Delphi are both associated with a metamorphosis of the original soundscape. The study also reveals that this soundscape cannot be studied without taking into account the other sensory datas (especially light and smell).

International audience; Analyse en droit comparé de la reconnaissance et de la protection des hymnes nationaux par la Constitution

On the Great War memorials are sometimes engraved some verses, which are generally poor and aesthetically backward-looking: these monuments obey to a democratic and civic logic, that implies the neutralization of any originality or modernism. But this poetry is also a means to include the recent conflict in the national history, with the quotation of French poets who have sung the wars of the 19 th century. Victor Hugo's "Hymn" is by far the most frequently quoted poem, particularly because of its ability to symbolically unify, in the name of partriotism, the revolutionary uprising and the defence of the territory., En los monumentos a los caídos de la Primera Guerra mundial, a veces se pueden leer algunos versos, generalmente mediocres y estéticamente retrógrados: esos monumen-tos se conforman a una lógica cívica y democrática que implica la neutralización de toda originalidad y modernismo. Pero esa poesía es también utilizada para inscribir el aconte-cimiento en la historia nacional, gracias a la convocación de poetas franceses que canta-ron las guerras del siglo XIX. El " Himno " de Victor Hugo es de lejos el poema mas cita-do, en particular a causa de su capacidad a unificar simbólicamente, en nombre del patrio-tismo, la insurrección revolucionaria y la defensa del territorio., Sur les monuments aux morts de la Grande Guerre figurent parfois quelques vers, généralement médiocres et esthétiquement rétrogrades : ces monuments obéissent à une logique civique et démocratique qui suppose la neutralisation de toute originalité et de tout modernisme. Mais cette poésie sert aussi à réinscrire l'événement dans l'histoire nationale, en convoquant des poètes français qui ont chanté les guerres du XIX e siècle. L' « Hymne » de Victor Hugo est, de loin, le poème le plus souvent repris, en particulier à cause de sa capacité à unifier symboliquement, au nom du patriotisme, l'insurrection révolutionnaire et la défense du territoire.

International audience; On the Great War memorials are sometimes engraved some verses, which are generally poor and aesthetically backward-looking: these monuments obey to a democratic and civic logic, that implies the neutralization of any originality or modernism. But this poetry is also a means to include the recent conflict in the national history, with the quotation of French poets who have sung the wars of the 19 th century. Victor Hugo's "Hymn" is by far the most frequently quoted poem, particularly because of its ability to symbolically unify, in the name of partriotism, the revolutionary uprising and the defence of the territory.; En los monumentos a los caídos de la Primera Guerra mundial, a veces se pueden leer algunos versos, generalmente mediocres y estéticamente retrógrados: esos monumen-tos se conforman a una lógica cívica y democrática que implica la neutralización de toda originalidad y modernismo. Pero esa poesía es también utilizada para inscribir el aconte-cimiento en la historia nacional, gracias a la convocación de poetas franceses que canta-ron las guerras del siglo XIX. El " Himno " de Victor Hugo es de lejos el poema mas cita-do, en particular a causa de su capacidad a unificar simbólicamente, en nombre del patrio-tismo, la insurrección revolucionaria y la defensa del territorio.; Sur les monuments aux morts de la Grande Guerre figurent parfois quelques vers, généralement médiocres et esthétiquement rétrogrades : ces monuments obéissent à une logique civique et démocratique qui suppose la neutralisation de toute originalité et de tout modernisme. Mais cette poésie sert aussi à réinscrire l'événement dans l'histoire nationale, en convoquant des poètes français qui ont chanté les guerres du XIX e siècle. L' « Hymne » de Victor Hugo est, de loin, le poème le plus souvent repris, en particulier à cause de sa capacité à unifier symboliquement, au nom du patriotisme, l'insurrection révolutionnaire et la défense du territoire.

Catullus’ poem 64 is a highly complex text, the interpretation of which has long divided scholarship. In the present paper I look at possible political resonances of the epyllion in its historical context. First, I propose an intertextual reading of two passages from Catullus 64 (the catalogues of mortal and divine guests that attend the wedding at Pharsalus) in the light of Callimachus’ Hymn to Delos. I argue that Catullus uses the Thessalian section of the hymn with the struggle between the river Peneios and the war-god Ares not only as a source for learned mythological and geographical details, but also as a substantial subtext for his dark vision of Thessaly as a landscape foreboding war and civil war. In a second reading, I then look back at Catullus 64 from the perspective of two later Roman poets, Virgil and Lucan, who historicize Catullus’ mythical Thessaly even more specifically in the light of the civil wars. As examples I take the epilogue to the first book of the Georgics and especially Lucan’s Thessalian excursus in the sixth book of his Bellum civile, where he reworks Catullus as well as Callimachus in order to characterize his Thessaly as a literary landscape predestined for the horrors of the civil war battle at Pharsalus. Le poème 64 de Catulle est un texte très complexe, dont l'interprétation a longtemps divisé les savants. Dans le présent article, je recherché les résonances politiques possibles de l’epyllion dans son contexte historique. Tout d'abord, je propose une lecture intertextuelle de deux passages du poème 64 de Catulle (les catalogues des clients mortels et divins qui sont présents au mariage à Pharsale) à la lumière de l'Hymne à Délos de Callimaque. Je soutiens que Catulle utilise la section thessalienne de l'hymne sur la lutte entre le fleuve Pénée et le dieu de la guerre Arès, non seulement comme source érudite pour plus de détails mythologiques et géographiques, mais aussi comme un sous-texte important pour sa vision sombre de la Thessalie comme paysage annonçant la guerre et la guerre civile. Dans un deuxième temps, je reviens au poème 64 de Catulle dans la perspective de deux poètes latins ultérieurs, Virgile et Lucain, qui historicisent la Thessalie mythique de Catulle encore plus nettement à la lumière des guerres civiles. À titre d'exemples, je prends l'épilogue du premier livre des Géorgiques et surtout l’excursus thessalien de Lucain dans le sixième livre de son Bellum civile, où il retravaille Catulle ainsi que Callimaque afin de caractériser sa Thessalie comme un paysage littéraire prédestiné pour les horreurs de la la bataille de la guerre civile à Pharsale. Il carme 64 di Catullo è un testo molto complesso la cui interpretazione divide da tempo la critica. Nel presente articolo considero i possibili echi politici dell’epillio nel suo contesto storico. In primo luogo, propongo una lettura intertestuale di due passi dal carme 64 (il catalogo degli ospiti mortali e divini che partecipano al matrimonio a Farsalo) alla luce dell’Inno a Delo di Callimaco. Sostengo che Catullo utilizzi la sezione tessalica dell’inno, con lo scontro fra il fiume Peneo e il dio della guerra Ares, non solo come fonte di dettagli mitologici e geografici, ma anche come rilevante sottotesto per la sua visione negativa della Tessaglia come paesaggio che prefigura la guerra e soprattutto la guerra civile. In una seconda lettura, ritorno al carme 64 di Catullo dal punto di vista di due più tardi poeti romani, Virgilio e Lucano, che storicizzano la Tessaglia mitica di Catullo ancora più precisamente alla luce delle guerre civili. Come esempi prendo l’epilogo al primo libro delle Georgiche e soprattutto l’excursus tessalico di Lucano nel sesto libro del Bellum civile, nel quale egli rielabora Catullo così come Callimaco al fine di caratterizzare la sua Tessaglia come paesaggio letterario, predestinato agli orrori della battaglia di Farsalo.

International audience; Göttingen est une ritournelle improvisée en juillet 1964 par une jeune chanteuse, à peine connue en France, invitée dans une ville universitaire ouest-allemande et qui trouve pour remercier ce public chaleureux, l'avant-veille de son départ, les mots de la réunification, sans tout à fait s'en douter. Et ce qui lui donne ses accents de sincérité, au-delà d'un hommage convenu, c'est justement cette prudente progression de l'éloge qui passe par plusieurs concessions à la ville de Paris, d'abord implicitement désignée. Bien plus tard, Barbara confirmera à Emile Noël l'usurpation hymnique à laquelle Göttingen est parvenu : "Non. Moi je n'ai jamais pensé que la chanson faisait prendre conscience de quoi que ce soit, ni qu'on refaisait le monde avec des chansons, ni qu'on faisait la guerre avec des chansons. Il faut descendre dans la rue, ou... vous comprenez ? Alors quand on me dit : vous faites des chansons engagées, j'ai honte. Parce que je ne fais pas de chansons engagées. Ou quand on dit : vous n'en faites pas. Je dis non. Je n'ai pas honte, là, parce que c'est vrai : je n'en fais pas. Je fais des chansons d'amour. Göttingen, c'est une chanson d'amour. La chanson, c'est la la la, pour moi, ça reste la la la." Cette chanson sera l'occasion de lever le voile sur la création de Barbara mais également sur les phénomènes de réception d'une chanson.

L'article met en évidence les liens que l'hymne au Christ (Colossiens 1,15-20) entretient implicitement avec plusieurs univers culturels de l'époque (la tradition sapientiale vétérotestamentaire et sa reprise dans le judaïsme alexandrin; des traditions cosmologiques et politiques du monde gréco-romain; enfin, des traditions du christianisme naissant) pour construire sa christologie à signification universelle. Il montre ensuite quelques enjeux herméneutiques et théologiques de cette "théologie interculturelle".

Présentation de la journée d’étude Chants des suds par Isabelle Felici. Presentacion de la jornada d’estudi Cants dels suds per Isabelle Felici. In this paper Isabelle Felici presents the workshop Southern songs.

On n’a peut-être jamais autant chanté qu’à l’époque révolutionnaire ; cette décennie mouvementée permet à la multitude de suivre son penchant naturel. On chante la Révolution dans les rues, dans les salons, dans les fêtes, sur les théâtres. Si Paris reste incontestablement le lieu de prédilection des chansonniers, la chanson se diffuse également en Auvergne. Ce panorama peut paraître subjectif avec le recul du temps, mais les chansons, écrites dans la fièvre du moment, sont le reflet de la sensibilité auvergnate. Eloignée des grands théâtres d’opérations militaires et de guerre civile, exempte de mouvements politiques violents et de troubles religieux aigus - la Terreur y est plus modérée et la déchristianisation larvée - l’Auvergne ne présente à l’égard des péripéties révolutionnaires ni enthousiasme prononcé ni hostilité systématique. Si bien qu’à la marche précipitée de la Révolution parisienne correspond ici un rythme plus large : l’onde s’amplifie et se calme en s’éloignant de son épicentre. L’enjeu pour le nouveau régime, par le biais de ses administrateurs, de ses représentants ou de ses ministres, consiste à faire adhérer la population aux idéaux républicains. Pour cela, l’art, et en particulier le formidable vecteur de propagande qu’incarne la musique, est ballotté entre impulsion et dirigisme. La chanson se veut également moyen d’éducation, de sensibilisation aux idées du siècle d’une population analphabète à 50% ; la musique monte sur scène. Mais à trop vouloir enrégimenter l’activité chansonnière, les administrateurs locaux ne parviennent guère à susciter l’enthousiasme d’une population davantage préoccupée par les problèmes de ravitaillement et de conscription que la Révolution génère. À partir de l’an II (1794), les pédagogues se détournent de leur public, la musique tend à perdre sa principale raison d’être… l’engouement populaire. La première partie, état des lieux des sources disponibles, rappelle les différents modes de diffusion des productions auvergnates, la prééminence patente des cités en tant que principaux foyers d’Orphée ; la seconde s’attache à l’élaboration de la figure du chansonnier auvergnat, personnage issu de la petite bourgeoisie à la solde du régime ; la troisième partie établit un lien entre le contexte régional brûlant et les hymnes produits. Singing as a revolutionary « weapon » and echoing the society in Auvergne. French people probably have never sung as much as during the Revolution. People sing in the streets, in the salons, in the fairs or in the theatres. The songs written during this period reflects the sensitivity of the people living in Auvergne. Away from military battles, from the civil war, free from violent political unrests and religious troubles, they are neither deeply enthusiastic nor systematically hostile to the turns taken by the revolution. The rhythm of the events is slower than in Paris. By the means of its ministers, the goal of the new regime consists in making the French people adhere the republican ideals. That’s why art, and particularly music, used as a means of propaganda, is tossed between impulse and the government’s demand. Moreover songs are a way to educate, to make an illiterate population sensitive to the ideas of this century. Music is on the stage. But local administrators don’t really manage to fill with enthusiasm a population worried about getting fresh supplies and concerned about conscription. From 1794, teachers turn away from their public and music tends to lose its popularity. The first part, which is an inventory of the available sources, deals with the different ways of spreading music in Auvergne, cities being the main Orpheus centres. The second part focuses on the chansonniers belonging to the middle-class and being in the pay of the regime. Then, the third part establishes a link between the burning regional context and the produced hymns.

International audience; This article concerns the problem of high frequency of the Syriac hymns of the Maronite office of the Holy Week, whose rhythm is doubly stratified, in the sense that it can be analyzed at the same time like a 2/1 bichron rhythm, which is attached to the syllabic irregular pulsation and which is specific to the giusto syllabic rhythm, and like a 3/2 bichron rhythm, which agglomerates the syllabic pulsations within an irregular metasyllabic pulsation and which is specific to the aksak rhythm, according to the Constantin Brăiloiu typology. The hypothesis considers this double rhythmic stratification as an actualization of the aesthetic syncretism which saint Ephrem carried out in the 4th century between the Apollonian and the Dionysian schemas, so that the giusto syllabic rhythm layer would be related to the first schema, while the aksak rhythm layer would indicate the second schema. The validation of this assumption rests on rythmico-melodic morphophonological analysis of the stanza-model which is commune to nine 11/8 measured hymns recorded by the Master of this tradition, the Antonine Father Maroun Mrad (1913-2009). This analysis proceeds of modal semiotics and makes it possible to rewrite the surface of these hymns in terms of deep structures. Thus the diachronic/phylogenic perspective of the ancient aesthetic syncretism is actualized in the synchronic/ontogenetic form of a transformation which operates in generative musical grammatical semiotics between two morphological layers. It is in the sense that these anthems of Christ passion are stressed by a dabkeh aksak country dance, which registers the enthusiasm of Christ resurrection in the Way of Cross.; Cet article est confronté à la problématique inhérente à la haute fréquence des hymnes syriaques de l’office de la Semaine Sainte maronite, dont le rythme est doublement stratifié, en ce sens qu’il peut être analysé à la fois comme procédant d’une bichronie 2/1, qui est attachée aux pulsations syllabiques et qui est propre au giusto syllabique, et d’une bichronie 3/2, qui agglomère les pulsations syllabiques au sein de pulsations métasyllabiques et qui est propre à l’aksak, selon la typologie établie par Constantin Brăiloiu. L’hypothèse avancée consiste à considérer cette double stratification rythmique comme une actualisation du syncrétisme esthétique qu’a réalisé saint Éphrem de Nisibe au IVe s. entre le schème apollinien et le schème dionysiaque, en sorte que la strate giusto syllabique serait liée au première schème, tandis que la strate aksak dénoterait la deuxième strate. La validation de cette hypothèse repose sur une analyse morphophonologique rythmico-mélodique de la strophe-modèle commune à neuf hymnes de mesure 11/8, enregistrées par le maître de cette tradition, le Père antonin Maroun Mrad (1913-2009). Cette analyse procède de la sémiotique modale et permet de réécrire la surface de ces hymnes en termes de structures sous-jacentes. Ainsi la perspective diachronique/phylogénique du syncrétisme esthétique antique se trouve-t-elle réactualisée sous la forme synchronique/ontogénique d’une transformation qui opère en sémiotique grammaticale générative musicale entre deux strates morphologiques. C’est en ce sens que ces hymnes de la passion christique sont investie d’une dynamique de danse dabkeh aksak paysanne, qui inscrit l’enthousiasme de la résurrection christique dans le Chemin de Croix.

Tout le numéro est accessible en ligne; International audience; This issue of Lengas is a collection of articles that were first presented at the LLACS workshop entitled Southern songs in june 2013. (Forword); Introduction au numéro de la revue Lengas qui rassemble les articles issus des communications qui ont été proposées lors de la journée d'étude Chants des suds, organisée par des chercheurs de l'équipe LLACS de Montpellier en juin 2013.

De nombreux chants anarchistes voient le jour à la fin du siècle du XIXe siècle, « ce siècle sombre qui meurt », comme l’annonce un chant de propagande anarchiste composé en 1894. La poétique et la langue des chants anarchistes est romantique, voire décadente, mais à l’horizon du siècle nouveau, le soleil brille et tout semble possible. Entre 1875 et 1940, le mouvement libertaire italien fabrique la plupart des hymnes qui seront adoptés, avec des variantes, par les travailleurs de toutes tendances et de tous milieux — communistes, socialistes, ouvriers, paysans — et qui vont marquer profondément les slogans et les rêves des plusieurs générations. Nous analyserons — à partir d’exemples chantés — l’évolution de la chanson anarchiste et ses influences sur la culture, la musique et dans l’imaginaire populaire. Mai d'un cant anarquista espelís a la fin del sègle XIX, « aquel sègle sorn que se morís » coma o anóncia un cant de propaganda anarquista compausat en 1884. La poetica e la lenga dels cants anarquistas es romantica, e mai decadenta, mas a l'orizont del sègle nòu, lo solelh lusís e tot sembla possible. Entre 1875 e 1940, lo movement libertari italian fabrica la màger part dels imnes que seràn adoptats, amb de variantas, pels trabalhaires de tendéncias e de mitans plan divèrses — comunistas, socialistas, obrièrs, paisans — e que van marcar pregondament los eslogans e los sòmis de mai d'una generacion. Analisarem — a partir d’exemples cantats — l’evolucion de la cançon anarquista e sas influéncias sus la cultura, la musica e dins l'imaginari popular.

Perception et expérience L’intitulé de la première session, « Perception et expérience », mettait d’emblée en tension deux termes : la notion de perception, qui renvoie à l’accès à un donné sensible, et la notion d’expérience, liée au traitement que le sujet réserve à ce donné. Dès lors, la question soulevée par cet axe était de savoir s’il est possible d’accéder à un donné sensible pur, indépendant de tout contexte. Par « contexte », on entend tous les éléments qui peuvent influencer l’appré...

International audience; Our purpose is to renew the studies on the relationship between Rhetoric and Philosophy in Marcus Aurelius's Meditations: beyond its unquestionable therapeutic function, does Rhetoric have a religious dimension? Is it legitima-ted by the author as a powerful expression of the stoic piety? In his meditations on cosmic order, Marcus Aurelius uses the stylistic features of the hymn: these fragments become a praise of the divine world but they haven't the same religious value than philosophical hymns since they are first addressed to the self, not to the God. They reveal the ambiguity of stoic asceticism which considers moral introspection and devotion to God as the one and same movement. Rhetoric expresses the fervent desire to conform to the cosmic design but it is also the sign of the proficiens' imperfection.

International audience; "Le monde est si grand, si riche, et la vie offre un spectacle si divers que les sujets de poésie ne feront jamais défaut. Mais il est nécessaire que ce soient toujours des poésies de circonstance, autrement que la réalité fournisse l'occasion et la matière". C'est en partant de cette fameuse déclaration de Goethe à Eckermann que les contributeurs de ce volume ont voulu décentrer l'approche du lyrisme de son sujet à sa circonstance, soit, étymologiquement, ce qui se tient debout autour du Je, et ce qui lui fournit son "occasion" et sa "matière"

La création d’un Hymne de la Paix est mise au concours dans le cadre de l’Exposition internationale de 1867 en France, à Paris. Le concours a été un échec. Quels critères avait-on fixé pour un hymne à la paix ? On rapproche cette situation d’autres, comme celle plus récente, de la recherche d’un Hymne de l’Europe (1972). The creation of an anthem of peace will be put at the contest in France (Paris) at the international Exhibition of 1867. The competition was a failure. What criteria had one fixed for an anthem of peace? One will be bring closer the situation of others, like that, more recent, of the search an anthem of Europe (1972). La idea de creación de un himno de la paz es lanzada en París durante la Exposición internacional de 1867. El concurso fue un fracaso. ¿Cuáles fueron los criterios que se utilizaron para elegir un himno de la paz? Se compara esta situación con la que prevaleció en el momento de elegir el Himno de Europa (1972).

This article deals with the "explosiveness" of young Goethe's famous poem Prometheus, arguing that it results not only from - as most interpreters have underlined - the poet's scandalizing blasphemic and agnostic purposes or his typical Sturm-und-Drang-celebration of rebelliousness and human genius. By a close reading of the poem, this article argues that, in fact, its explosive character lies, firstly, in a double action: it radically divests the gods of their power and, conversely, radically empowers the poem's human speaker. The poem overcomes simple rebelliousness against the Gods, because this double movement functions in and through language. The very centre of the self-empowering program of the poem's speaker lies in the assertion that speaking, voice and language are exclusively his. Secondly, as an enormously powerful speech-act the poem itself is what it means: human language is more powerful than - anything. But at its end - in its total degrading but also naming of Zeus ("dich") - the poem also shows the paradox inherent in human language: it can not eliminate, only generate. In language, Zeus is not only destroyed but also remains. So the poem designates the limits of human language as a medium - and it refuses to free the reader of this aporia.

Les auteurs de textes hymniques et arétalogiques de l’époque gréco-romaine ont souvent puisé chez Homère, Hésiode ou Pindare le vocabulaire qualifiant les divinités qu’ils souhaitaient honorer. C’est par l’échange d’épiclèses classiques qui leur étaient propres qu’Isis-au-trône et Héra sont assimilées dans un hymne du Ier siècle a.C. rédigé à Narmouthis au Fayoum et dans une arétalogie versifiée de la déesse égyptienne datant du Ier siècle p.C. découverte sur l’île d’Andros.

U referatu su prikazane hrvatske varijante Haydnove Himne

Das Lied, in dem sich angeblich die Wurzel fur Haydns Kaiserhymne befindet, ist in der kroatischen Tradition in mehreren Varianten bekannt. Man findet Biespiele im nördlichen Teil des Staates, das unter der Habsburger Monarchie stand und wo Kaiserhymne in der Kroatischen Übersetzung auch ein Teil von Repertoires war. So stellt sich die Frage, was verbindet ein Lied mit einer Nation? Die Melodie, der Text oder die Ausführungstradition? Man versucht die Geschichte eines Liedes bei den Kroaten zu verfolgen und durch den Vergleich von mehreren Varianten herauszustellen ob Volksmelodie Haydns Fantasie beeinflusst hat, oder war der Weg umgekert. Im Mittelpunkt stehen die Fragen von Zugehörigkeit und Authentizität einer Melodie sowie Beeinflussung, was in der Musikgeschichte immer wieder zu einem Thema wird.

Rien de commun entre une litanie religieuse du 4e siècle et un chant révolutionnaire du 19e. Pourtant ces hymnes sont devenus, au long des siècles et hors frontières, des outils de marquage et de propagande idéologiques. Ils manifestent deux visions extrêmes du pouvoir et deux représentations d’un nous communautaire : la monarchie de droit divin et son principe d’obéissance, la révolution populaire et son principe de liberté. There is no possible comparison between a fourth century religious litany and a nineteenth century revolutionary song. Yet, throughout the centuries and across national borders, both hymns have become effective means of achieving ideological identification and propaganda. They stand for two extreme visions of power and two representations of a strong feeling of belonging to a particular group : the authority of divine law and its principle of obedience on the one hand and popular revolution and its principle of liberty on the other hand. Nada que ver entre una litanía religiosa del siglo 4 y un canto revolucionario del siglo 19. Sin embargo, estos himnos se han transformado todo a lo largo de los siglos y fuera de las fronteras en marcadores e instrumentos de propaganda ideológicos. Manifiestan dos visiones extremas del poder y dos representaciones de un nosotros comunitario : la monarquía de derecho divino y su principio de obediencia, la revolución popular y su principio de libertad.

International audience; Traduction et commentaire de l'hymne à Zeus de Cléanthe d'Assos (331/0-230/29 avant J.-C.), philosophe stoïcien

The study concerns the lexical field of Coptic Hermetic prayers (Treaties 6 and 7 of the sixth codex discovered near Nag Hammadi). It mainly concerns the way the Coptic translators have used the lexical field they had at their disposal to speak about request, praise, gratitude and singing. The study also looks at the reasons for the use of words of Greek origin., L'enquête menée dans le cadre de cet article concerne le champ lexical des prières hermétiques coptes (traités 6 et 7 du sixième codex découvert près de Nag Hammadi) ; il s'agit d'étudier comment les traducteurs coptes ont exploité le champ lexical qu'ils avaient à leur disposition, pour parler des prières autour des thèmes de la demande, de la louange, de la gratitude et du chant. L'étude porte également sur les raisons de l'emploi de mots d'origine grecque.

bonnes feuilles extrait d'un essai de l'auteur, intitulé : La Marseillaise, une idée politique. à paraître; National audience; La Marseillaise, qui fut un chant général au XIXe siècle, à la fois patriotique et révolutionnaire, belliqueux et fraternel, national et universel est devenu en ce début de XXIe siècle, une sorte de post-hymne qui rassure sur les identités, les appartenances menacées. Marseillaise qui fonctionne surtout désormais comme un instrument de préservation destiné à rappeler le souvenir d'être citoyen dans la République française.

mai 2001; National audience