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À partir d’extraits choisis dans un corpus de nos films, nous montrons la construction de la pensée manuelle. Nous faisons dialoguer ces extraits entre eux, en nous appuyant sur le thème de la gestuelle qui les traverse. Nous analysons la gestuelle sportive, et celle du travail. Les gestes nous parlent des savoir-faire et des savoir-être masculins et féminins. Nous accordons une attention particulière au corps et plus précisément aux mains car elles témoignent d’une expression de l’identité sociale et corporelle du ou des filmés et sont le « prolongement de la pensée manuelle ». Using excerpts selected from a corpus of our films, we show the construction of manual thinking. We put these extracts in dialogue with each other, based on the theme of gesture that run through them. We analyse the gesture of sport and work. The gesture speak to us of masculine and feminine skills and know-how. We pay particular attention to the body, and more specifically to the hands, because they are an expression of the social and bodily identity of the person(s) filmed and are the "extension of manual thinking". A partir de extractos seleccionados de un corpus de nuestros filmes, mostramos la construcción del pensamiento manual. Hacemos que estos extractos dialoguen unos con otros, basándonos en el tema de la gestualidad que se desplaza a través de ellos. Analizamos el lenguaje corporal del deporte y el del trabajo. Los ademanes nos hablan de los conocimientos y de las habilidades conductuales masculinos y femeninos. Le prestamos una atención especial al cuerpo y más precisamente a las manos, porque ellas dan testimonio de una expresión de la identidad social y corporal del o de los filmados y son la “prolongación del pensamiento manual”.

Madame Sans-Gêne se situe chronologiquement au cœur de la collaboration de Sica-Loren. Cette fois-ci sans son mentor, l’actrice s’aventure dans le cinéma français pour la première fois et interprète un rôle dans la lignée de ses comédies italiennes. Pourtant, alors qu’il présentait les atouts d’un star vehicle, le film de Christian-Jaque n’est pas passé à la postérité et Loren ne tourna plus que deux autres films français. Il serait donc tentant de voir Madame Sans-Gêne comme une tentative échouée. Cependant, ce film n’en constitue pas moins un échelon important dans la carrière de Loren. Entre le respect de l’enseignement actoral de de Sica et celui d’un dialogue foisonnant dans une langue étrangère ; entre le respect d’une héroïne emblématique d’une identité française et celui d’une persona où comédie et italianité vont de pair ; entre un rôle à l’humour vif, le modèle comique de la « ravissante idiote » infantile, et une persona au sein de laquelle la maternité va prendre une place croissante, toutes ces frictions parlent de Loren à un moment où elle est de moins en moins une créature soumise à son pygmalion et de plus en plus une actrice affirmée qui va bientôt revendiquer tout son art devant la caméra de de Sica. In chronological terms, Madame Sans-Gêne is situated at the heart of the de Sica-Loren period of collaboration. This time without her mentor by her side, the actress ventures into French cinema for the first time, playing a similar role to the ones she played in her Italian comedies. Although it looked very much like a star vehicle, Christian-Jaque’s film did not have an enduring legacy and Loren only made two other French films. It would therefore be tempting to view Madame Sans-Gêne as a failure. However, this film still constitutes a significant stepping-stone in Loren’s career. Between the respect for her acting apprenticeship under de Sica and that for a dense dialogue in a foreign language; between the respect for an emblematic heroine with French identity and that for a persona whose comic nature and Italian nature are two sides of the same coin; between a role involving sharp humour, the comic model of the childlike “beautiful idiot” and a persona in which motherhood would play an increasingly important part, all of these frictions speak volumes about Loren at a time when she was becoming less of a creature in thrall to her Pygmalion and more of an established actress who would soon affirm all of her artistry for de Sica.

Le matériau du « mythe » dont Euripide s’empare est-il avant tout une « histoire » ? La manière dont Euripide représente Cassandre, dans les Troyennes, suggère que le travail du dramaturge sur ce personnage mythique part moins de données narratives que d’une gestuelle qui condense dans une silhouette, dans une action, l’aura mythique du personnage. La scène de Cassandre se déploierait ainsi à partir de la reprise de la gestuelle de la Cassandre eschyléenne, tout en renversant sa signification. Dans un cas semblable, il semble que le réinvestissement du mythe au théâtre passe avant tout par la reprise d’une image concrète, le texte se déployant à partir d’elle pour l’intensifier et la problématiser dans une version singulière, et non l’inverse. Should we consider the “mythical” material Euripides uses as first and foremost a “story”? Euripides’ staging of Cassandra, in Trojan Women, suggests that, in this play, the dramaturgical work takes its starting point less from a given narrative than from a precise gesture, which concentrates within a silhouette or an action the mythic essence of the character. Thus, Cassandra’s scene can be understood as originating in the Aeschylean Cassandra’s gesture, while inverting its very signification. In such a case, the theatrical actualisation of “myth” would involve above all the reinvestment of a concrete image out of which the text grows, intensifying, deepening and questioning it in a new and unique version, and not the other way round.

Les écureuils sont spectateurs d’une séance de travail entre Rāma Cākyār, maître-acteur de kūṭiyāṭṭam, et Saṅgīt Cākyār, son disciple. L’enfant répète le début de la « rétrospection de Śrī Rāma », vaste retour en arrière qui, en représentation, est enchâssé dans l’acte II du Merveilleux Diadème (pièce en sanscrit de Śaktibhadra, inspirée du Rāmāyaṇa). La séance, qui dure deux heures, a pour point d’orgue une « extension », séquence de jeu mimétique au cours de laquelle Lakṣmaṇa construit une hutte de feuillage pour son frère Rāma. Munie du manuel de jeu en malayalam sous-tendant la scène, d’un stylo, d’un appareil photo et d’un dictaphone, je décris le travail. Ce compte rendu offre l’occasion de découvrir la dramaturgie narrative et le jeu d’acteur-conteur spécifiques au théâtre kūṭiyāṭṭam, ainsi que les conventions de jeu. Surtout, il observe de quelle façon, dans le processus de transmission, les instructions directes (dites orales) enrichissent « la recette » qu’offrent les manuels scéniques des praticiens. Tels les écureuils qui aidèrent Rāma à construire le pont vers Laṇkā, le maître et l’élève « font ce qu’ils peuvent », comme le dit le proverbe malayali, pour œuvrer à la longue et fragile chaîne de leur art. Comment cela ? Répondre à cette question – qui est aussi un mot-clé de la dramaturgie du kūṭiyāṭṭam – requiert d’analyser les consignes, conseils, mots, silences, actes, gestes, humeurs, éclats, etc. constituant le savoir en jeu. Squirrels are watching a rehearsal between the kūṭiyāṭṭam actor-master Rāma Cākyār and his disciple Saṅgīt Cākyār. The student is performing the beginning of what is known as « Śrī Rāma’s retrospection », a long narrative flash-back that is inserted into the second act of Śaktibhadra’s Āścaryacūḍāmaṇi, a Rāmāyaṇa Sanskrit play. The session lasts two hours, working up to a climax known as an « extension », a sequence of pure mime during which Lakṣmaṇa builds a forest-hut for his brother Rāma. Armed with the acting manual (the sub-text of the scene, written in Malayalam), a pen, a camera and a tape-recorder, I record and describe the work. This article provides an opportunity to discover the specific narrative dramaturgy, the actor-storyteller’s role as well as the acting conventions of kūṭiyāṭṭam. Moreover it outlines how in the transmission process direct instructions enrich the formula given in practitioner’s acting manuals. As squirrels help Rāma to build the bridge to Laṅkā, the master and disciple « do what they can » – as the Malayali proverb goes – to carry on the long and fragile chain of their art. How? The answer to this question – which is also a key-word of the kūṭiyāṭṭam dramaturgy – requires analysing the orders, advice, words, acts, gestures, blackouts, actions, moods, etc., that constitute the knowledge involved.

La question des savoirs est examinée sous plusieurs angles. La présentation des Kota montre d’abord que la scolarisation fut source de ruptures dans des savoirs aussi fondamentaux que la langue, la conception de la société et du monde, et qu’elle conduisit à bousculer l’autorité des chefs religieux, garants des savoirs de la tradition.L’analyse de la cérémonie de dieu dévoile comment l’activité de poterie continue d’être transmise, et participe pleinement à la mise en œuvre ritualisée de valeurs (pureté, solidarité) et de formes d’organisation sociale essentielles : lignages, clans, genres, fonctions religieuses. Elle met aussi en lumière la place centrale de la différence des genres dans la répartition des activités.L’analyse du processus de fabrication des pots, en particulier du tournage, permet de dégager les formes de savoir-faire qui y sont engagées : habiletés psychomotrices, capacités spécifiques et schèmes cognitifs. La pluralité des jugements portés sur cette opération montre que la reconnaissance des savoirs spécifiques des potières kota n’est jamais indépendante de positions idéologiques et sociales, y compris dans les discours savants, et qu’il est difficile de reconnaître à ces femmes des capacités généralement associées avec un statut social supérieur au leur. La chronique de plusieurs projets de valorisation et de développement montre comment ces projets ignorent ou bouleversent les conditions de travail, les outils, l’éventail des produits fabriqués et les savoir-faire afférents.Enfin, la distinction entre compétence et performance permet de comprendre comment le savoir technique des potières peut être considéré comme inné et constitutif de l’identité de la personne. La mise en regard de la poterie et de la forge, activités emblématiques de chaque genre, montre que, contrairement aux discours des Kota eux-mêmes, les savoirs techniques des femmes potières sont aussi nécessaires que ceux des hommes forgerons pour fabriquer les dieux. The question of knowledge is addressed from different angles. The presentation of the Kota first shows that school resulted in upsetting fundamental aspects of their knowledge such as language and their conception of society and of the world on the one hand, and on the oher the authority of their religious leaders, responsible for tradition.The analysis of the god ceremony bears witness to how the art of pottery-making is still handed down, and of the role it plays in the ritualised implementation of both fundamental values (purity, solidarity) and basic forms of social organisation (lineages, clans, genders, religious functions). It also brings to light the central place occupied by gender differences in the sharing out of activities.In this article, the pottery process is also analyzed, especially the operation of throwing which allows the bringing out of various forms of skill: the psychomotor skill, specific capabilities and cognitive schema. The range of opinions regarding this operation shows that it is difficult to acknowledgee that Kota women-potters possess capabilities generally linked to a higher social status. One has to admit that academic and other discourses are not free from ideological and social positions. The analysis of several development projects shows how these projects upset or just ignored the working conditions, the tools, the range of products, and the related skills of the Kota women-potters.Finally, the distinction between expertise and performance enables one to understand how the skill women-potters master can be regarded as inborn and as a part of personal identity. The comparison between pottery and smithy – both activities emblematic of each gender – shows that, contrary to what the Kota themselves say, in order to make gods the women-potters’ technical knowledge is as necessary as the smiths’.

While in office, the then President A. P. J. Kalam had come up with a scheme called pura—Providing Urban Facilities in Rural Areas. In a country of more than 5 lakh (500,000) villages, the scheme was to cover 7,000 villages only. No rational explanation was given for selecting such a tiny number. The scheme anyway never got going because of Centre-State conflict: villages were in the states, funding was to come from the Centre and the Planning Commission of India had no such allocation. Moreo...

À partir de l’exemple de la ronde collective kaikkoṭṭukaḷi cet article analyse des savoirs saisis en performance, comme la coordination collective ou encore la dissociation entre expressions chantées et dansées. Il s’intéresse en outre aux nouveaux supports de diffusion de cette danse, notamment les livres et Vidéo CD qui ont émergé dans les réseaux associatifs de caste ou encore les festivals d’arts scolaires (School Arts Festivals) financés par l’État régional du Kerala. Si aujourd’hui la danse est entrée dans la sphère publique, elle porte localement des enjeux statutaires en constante redéfinition. L’analyse des savoirs est ici mise en perspective avec celle des formes d’autorité (et des personnalités) qui en sont les dépositaires. Elle montre comment se sont cristallisées des valeurs conflictuelles entre une société de caste qui organise les savoirs esthétiques sur une base hiérarchique et la politique culturelle d’un gouvernement qui entend diffuser des valeurs d’égalité sociale dont s’accommodent plus ou moins les différents groupes de praticiens. Based on the case-study of the group dance kaikkoṭṭukaḷi, this article examines the different types of knowledges that are made manifest in a performance, for instance collective coordination or dissociation between what is expressed in singing or music and what is shown through dancing. It also focuses on the new media, such as books and video recordings (VCD) that help make this particular dance better known among the private caste-organisations networks and art-schools festivals supported by the regional State of Kerala. Even if this dance has managed to reach a larger audience today, locally it bears statutory stakes that need constant redefinition. The analysis of the types of knowledges is viewed alonside that of forms of ascendancy (and of local personalities) that hold authority on aesthetic codes used by performers. And it shows a process of crystallisation between the conflicting values of a caste-based society that organises musical knowledge in hierarchical terms and the cultural policy of a Communist government which aims at diffusing egalitarian values to which the groups of performers try to adjust or to resist.

Les forages donnent accès à une ressource complètement cachée – contrairement aux techniques anciennes, notamment les puits qui permettaient de visualiser l’eau disponible –, ce qui soulève de nombreuses questions à propos des savoirs développés sur cette « nouvelle » ressource par les agriculteurs. Ainsi, savoir ancestral, savoir empirique, terminologie vernaculaire vont ici être discutés au regard des nouvelles technologies utilisées, des nouveaux acteurs impliqués et surtout des enjeux socio-économiques induits. De fait, la quête pour l’eau souterraine est effrénée, pompes et forages ont transformé la relation de l’homme à son environnement ainsi que les relations des hommes entre eux. Plusieurs raisons sont alors avancées pour expliquer pourquoi l’eau, ressource si convoitée, est utilisée de façon non durable. L’une d’elles relève d’une conception inchangée de l’eau souterraine de la part des agriculteurs malgré le passage du puits au forage, d’où une pratique similaire d’utiliser l’eau jusqu’à épuisement ; une autre raison est liée à la notion de recharge des nappes ; une autre encore au savoir véhiculé par les personnes dominantes au village, ces nouveaux maîtres de l’eau, dont le statut social est justement assis par la maîtrise de l’accès à la ressource. L’article montre combien les savoirs sont encore mal établis, et comment la multiplicité des enjeux sociaux, économiques, politiques et environnementaux permet de remettre en doute la valeur des savoirs développés par certains. Contrary to ancient techniques, in particular wells which allowed avaible water to be seen, tubewells give access to hidden resources and raises numerous questions concerning farmers’ knowledge about this « new » resource, deep water.This article discusses ancestral and empirical knowledgeas well as vernacular terminology in the light of new technologies, the new actors involved and the inferred socioeconomic stakes. As a matter of fact, the quest for groundwater is rampant, with pumps and tubewells transforming the way man relates to his environment as well as how people interact with each other. Several reasons are given to explain why water, a resource so fervently sought after, is used in a non-sustainable way. One explanation is farmers’ unchanged conception of groundwater whether from wells to tubewells, which leads to the ongoing practice of using water while it lasts; another reason is related to the notion of groundwater recharge; and yet another to the discourse about the changes in groundwater level which is passed on by the village’s leading figures, those new water masters, whose social status depends precisely on controlling access to the resource. The article shows to what extent the knowledge related to deep groundwater has yet to be validated, and how the multiplicity of the social, economic, political and environmental stakes leads to casting doubt on what the know-how developed by a few is really worth.

This text considers how artisanal marine fishermen in Kerala (South India) make knowledge of the transient distribution of fish in the sea by using interpretively, and co-creating, an environment of mutually responsive actors. This environment includes, among others, competing teams of fishers, trawling boats, as well as sea gulls seen plunging into the water. Focusing on one team, I consider their social organization of perception, and analyze how they use a set of cultural models and heuristics in their performance of fishing. The models include ideas of “what fish are like”, “what other teams are like” and “how trawlers affect fish and the sea.” Heuristics help deciding which of the shoals they see in the course of a fishing trip they should try to catch. While in the sea, the men use cultural models to interpret how the interventions of the diverse actors seen in the marine world affect the location of fish in the sea, and thus influence the performance of the team considered here, whose actions likewise influences the other actors who can see it. In this sense, the fishermen’s vision is extended. Ce texte examine les pratiques mises en œuvre par les pêcheurs artisanaux de l’État du Kerala (Sud-Ouest de l’Inde) pour localiser les ressources halieutiques. La distribution éphémère des poissons dans l’océan les conduit à utiliser et à co-créer un environnement constitué d’acteurs mutuellement responsables, qui leur sert de base interprétative. Cet environnement comprend, entre autres, différents équipages en compétition, des chalutiers, mais aussi les goélands qu’ils voient plonger dans l’océan.M’étant concentré sur un équipage, je considère la manière dont sa perception est organisée socialement, et j’analyse comment ses membres utilisent un ensemble de modèles culturels et heuristiques dans leur pratique de la pêche. Ces modèles comprennent des idées sur « la manière d’être des poissons », sur « la manière d’être des autres équipages », et sur « la façon dont les chaluts affectent les poissons et l’océan ». Ce sont des méthodes heuristiques qui les aident à décider lequel, parmi les différents bancs aperçus au cours d’une sortie en mer, ils doivent essayer de capturer. Au large, les hommes utilisent ces modèles culturels pour interpréter la manière dont les interventions des divers acteurs du monde marin marquent la localisation des poissons dans l’océan. Ces modèles affectent donc les performances de l’équipage ici considéré, dont les actions influent en retour sur les autres acteurs qui peuvent les voir. C’est en ce sens que la vision des pêcheurs est qualifiée ici de vision élargie.

L’article met en scène une petite communauté monocastée de charpentiers nisad de bateaux à Kanpur, sur le bord du Gange. Il explique d’abord comment les esquifs sont construits, en soulignant le caractère proto-industriel mais aussi, même si c’est contradictoire, plus ou moins bricolé de la production de Sirsaya Ghat. L’organisation du travail est d’abord structurée par les relations familiales, puis le voisinage, le recours à la main d’œuvre extérieure salariée étant exceptionnel et pratiqué à l’intérieur de la caste. La hiérarchie du travail est aussi définie par les hiérarchies familiales, d’âge et de sexe, bien qu’une reconnaissance du métier et du « coup de main » ait un poids certain sur la scène. Dans sa localité, le charpentier de bateaux est dans une situation de rivalité, aussi bien avec des hautes castes qu’avec des membres de basses castes. La culture du travail se combine aux récits hindous pour valoriser le « mistri nisad ». Elle débouche sur une « héroïsation » de la prestation laborieuse dont la valorisation est bien contradictoire avec des conditions de vie difficiles, marquées par l’autodestruction alcoolique. Ce sont fréquemment les femmes des charpentiers de bateaux qui, dans le cadre d’un labeur effacé, permettent de rendre le quotidien tenable. This article introduces to the life of a small community of boatbuilders single-caste community (Nisad) set in Kanpur along the Ganges river. It explains how boats are built, underlining the proto-industrial character of the activity that associates a somewhat contradictory trend indulging in do-it-yourself. Work organisation is primarily structured by family and neighbourhood, the carpenters making very little use of external wage earners (recruited in the caste). Work-organisation is primarily structured by family relations and possibly by neighbourhood – the carpenters seldom turn to external wage-earners (when necessary, they are recruited within the caste). Work hierarchy is derived from families hierarchies of age and sex but a large part of the worker’s status is related to his particular craft knowledge and to something more elusive combining style and efficiency. In his village the boatbuilder holds a posture of rivalry, that varies in expression, with both the higher castes and the lower castes. To enhance their status the Nisad make use of the interpretation of the Hindu epics and of a specific culture regarding strength. This process results in a heroic dimension being ascribed to both work and the workers, whose valuation contrasts rather with the hardships that the Nisad have to face in their day-to-day life, not to mention the high-level of alcoholism. Thanks to the boatbuilders’ wifes, whose continuous toil is obliterated while it so often is the key for survival, life is made bearable.

L���engagement de Rostand dans la mise en sc��ne de Cyrano de Bergerac se traduit non seulement par l���inflation des didascalies, mais par la fr��quence des notations descriptives ou auto-descriptives. Aux apparences norm��es des courtisans s���oppose constamment l���envol vers l���id��al, caract��ristique du personnage de Cyrano. Loin de s�����manciper de la mat��rialit�� des d��cors et des corps, qui d��termine le calcul des effets, Cyrano la pousse �� son comble : son geste participe d���un th����tralisme exacerb��.

Ce travail vise à proposer une meilleure compréhension de l’importance des éléments non-verbaux dans deux adaptations cinématographiques de Pygmalion, écrit par le dramaturge George Bernard Shaw en 1912. La première adaptation est intitulée Pygmalion et est sortie en 1938. Elle a été réalisée par Anthony Asquith et Leslie Howard. La deuxième, My Fair Lady, est l’adaptation cinématographique de la comédie musicale du même nom écrite par Alan Lerner et Frederick Loewe en 1956. Le film est sorti en 1964 et a été réalisé par George Cukor. L’analyse se concentre sur trois éléments multimodaux : les mouvements des acteurs, qui sont illustrés par des schémas, la gestuelle, et la proxémique. Les différences entre les didascalies de la pièce et les éléments non-verbaux des adaptations montrent que l’œuvre de Shaw a été romantisée ce qui relègue au second plan le message social qu’il voulait faire passer, majoritairement à travers la caractérisation des deux protagonistes Eliza Doolittle et Henry Higgins et les dynamiques de leur relation.

International audience; From Rhetoric to Gesture. The "actio" in the painted Portrait of the Italian Renaissance : From the Quattrocento, portraitists such as Marco d'Oggiono or Botticelli have represented gestures described by the De institutione oratoria (Institutes of Oratory).This didactic treaty of rhetoric in twelve books, written by Quintilian in the1st century AD had in another hand a reception linked to the qualities of his author, an attentive observer of early childhood and a patient pedagogue. Book XI is interested at length in the posture of the orator, his position according to his speech, and his gestures, which engage the whole body. His guidance on a real staging of the discourse will find their extensions in preaching, declamation and baroque theatre. This article focuses on the reading made by painters and their patrons at the Renaissance. If some gestures, advised or disapproved by Quintilian, had become or remained usual, and did not necessarily require knowledge of this work, others reveal a precise reading of our author.; Dès le Quattrocento, des portraitistes tels que Marco d'Oggiono ou Botticelli, suivis au XVIe siècle par Titien ou Bartolomeo Passerotti, ont représenté des gestes décrit par le De institutione oratoria (De l'institution oratoire). Ce traité de didactique de rhétorique en douze livre, écrit par Quintilien au Ier siècle ap. J.-C., fait partie des textes importants de la Renaissance. Il bénéficia parallèlement d'une réception liée aux qualités de son auteur, observateur attentif de la petite enfance et patient pédagogue. Le livre XI s’intéresse longuement à la posture de l'orateur, à sa position dans l'espace en fonction de son discours et à sa gestuelle, qui engage l'ensemble du corps. Ses conseils sur une véritable mise en scène du discours trouveront leurs prolongements dans la prédication, la déclamation et le théâtre baroque. Cet article s'intéresse à la lecture qu'ont pu en faire ces peintres et leurs commanditaires. Si certains gestes qu'ils ont choisis, conseillés ou désapprouvés par Quintilien, étaient devenus ou resté usuels et ne nécessitaient pas forcément la connaissance de cet ouvrage, d'autres révèlent une lecture précise notre auteur.; Dalla retorica alla gesutlità, L'actio nel rittrato dipinto del Rinascimento: Già nel Quattrocento, ritrattisti come Marco d’Oggiono o Botticelli hanno rappresentato gesti descritti dal De Institutione oratoria (Institutio oratoria). Questo trattato didattico di retorica in dodici libri, scritto da Quintiliano nel I secolo d.C., beneficiò nel contempo d'una ricezione legata alle qualità del suo autore, attento osservatore della prima infanzia e paziente pedagogo. Il libro XI si interessa a lungo alla postura dell’oratore, alla sua posizione nello spazio durante il suo discorso e alla sua gestualità, che impegna tutto il corpo. I suoi consigli su una vera messa in scena del discorso troveranno il loro proseguimento nella predicazione, nella declamazione e nel teatro barocco. Questo articolo si interesse alla lettura che ne hanno fatto i pittori e i loro committenti nel Rinascimento. Se alcuni gesti, consigliati o disapprovati da Quintiliano, erano diventati o rimasti usuali e non richiedevano necessariamente la conoscenza di questo libro, altri rivelano una lettura precisa del nostro autore.

International audience; Apparaissant vers 1482 sous le pinceau de Botticelli, la main qui se pose sur la poitrine a la polysémie d’un geste probablement usuel, qui illustre bien la variété de ce langage lorsqu’on tient compte de l’ensemble du corps : acte d’auto-désignation pour les hommes comme pour les femmes, il permet aux épouses de préciser leur statut, ou bien, il peut manifester l’émotion. La main glissée dans le vêtement deviendra au XVIIe siècle un témoignage de savoir-vivre masculin, qui ira jusqu'à conditionner le boutonnage de la veste . Enfin, il est parfois un appel de séduction – plutôt masculin.

Thèse sous embargo illimité de l'auteure. Pour les membres de la communauté universitaire ( hors UPHF), ce document est accessible via le Prêt entre bibliothèques (s'adresser à votre bibliothèque universitaire).; This thesis examines Jacques Brel’s and Serge Gainsbourg’s works from an intermedial perspective. In addition to having both been singers-songwriters, these two artists share an intermedial pratice, having confronted themselves with Radio, Television, Painting, Literature, and especially Cinema. They have integrated the camera within their works, namely by making videoclips and/or films. Yet their journeys differ: while Jacques Brel stopped performing on stage to dedicate himself to filmmaking, Serge Gainsbourg simultaneously maintained his singing-songwriting career and his cinema projects. Accordingly, the intermedial approach proposed here aims to cast a new light on the creative mechanisms of these two artists and their operating modes, and this in order to assess if and how Brel and Gainsbourg use the tools of Chanson to (re-)consider Cinema, and vice versa. This research required the development of an innovative methodology, capable of covering the multiplicity and diversity of the intermedial relations at play. In this respect, the model presented here is the result of a dynamic dialogue between theory and practice.; Cette thèse propose une analyse intermédiale des œuvres de Jacques Brel et de Serge Gainsbourg. Les deux artistes ont en commun d’avoir été auteurs-compositeurs-interprètes (ACI), mais aussi d’avoir exercé une pratique intermédiale, les confrontant à la Radio, à la Télévision, à la Peinture, à la Littérature, et surtout au Cinéma. Ils ont en effet intégré la caméra à leur œuvre, notamment en réalisant des clips vidéos et/ou des films. Leurs parcours sont toutefois différents : si Jacques Brel a arrêté la scène pour se consacrer à ses expériences de cinéaste, Serge Gainsbourg a mené de front sa carrière d’ACI et ses projets cinématographiques. L’approche intermédiale vise donc à éclairer les mécanismes créatifs propres à ces deux artistes et leurs modes de fonctionnement, afin de déterminer si et comment Brel et Gainsbourg utilisent les outils de la Chanson pour envisager le Cinéma, et inversement. Cette recherche nécessite l’élaboration d’une méthodologie inédite capable d’embrasser la multiplicité et la diversité des relations intermédiales. Dans cette perspective, le modèle présenté ici est le fruit du dialogue dynamique entre théorie et pratique.

L’enjeu de cette étude est de penser les gestes en rapport avec le dispositif qu’ils produisent et la performance qu’ils engagent à partir de l’analyse du Doulos de Jean-Pierre Melville et de quelques-uns des gestes qui scandent le film (tirer, se raser).

Plutarque insiste sur l’importance de la formation rhétorique. Il décrit les effets de la voix, terreur, persuasion et séduction. Il faut l’exercer comme un instrument inséparable du corps. Les paroles révèlent l’éthos : le refus de la sophistique et la philanthrôpia doivent inspirer les discours et la conversation en toutes circonstances. Le mémorial des phônai représente les voix du passé et des interlocuteurs. Les voix inspirées ou mystérieuses appellent des explications plus complexes.

This thesis examines Jacques Brel’s and Serge Gainsbourg’s works from an intermedial perspective. In addition to having both been singers-songwriters, these two artists share an intermedial pratice, having confronted themselves with Radio, Television, Painting, Literature, and especially Cinema. They have integrated the camera within their works, namely by making videoclips and/or films. Yet their journeys differ: while Jacques Brel stopped performing on stage to dedicate himself to filmmaking, Serge Gainsbourg simultaneously maintained his singing-songwriting career and his cinema projects. Accordingly, the intermedial approach proposed here aims to cast a new light on the creative mechanisms of these two artists and their operating modes, and this in order to assess if and how Brel and Gainsbourg use the tools of Chanson to (re-)consider Cinema, and vice versa. This research required the development of an innovative methodology, capable of covering the multiplicity and diversity of the intermedial relations at play. In this respect, the model presented here is the result of a dynamic dialogue between theory and practice., Cette thèse propose une analyse intermédiale des œuvres de Jacques Brel et de Serge Gainsbourg. Les deux artistes ont en commun d’avoir été auteurs-compositeurs-interprètes (ACI), mais aussi d’avoir exercé une pratique intermédiale, les confrontant à la Radio, à la Télévision, à la Peinture, à la Littérature, et surtout au Cinéma. Ils ont en effet intégré la caméra à leur œuvre, notamment en réalisant des clips vidéos et/ou des films. Leurs parcours sont toutefois différents : si Jacques Brel a arrêté la scène pour se consacrer à ses expériences de cinéaste, Serge Gainsbourg a mené de front sa carrière d’ACI et ses projets cinématographiques. L’approche intermédiale vise donc à éclairer les mécanismes créatifs propres à ces deux artistes et leurs modes de fonctionnement, afin de déterminer si et comment Brel et Gainsbourg utilisent les outils de la Chanson pour envisager le Cinéma, et inversement. Cette recherche nécessite l’élaboration d’une méthodologie inédite capable d’embrasser la multiplicité et la diversité des relations intermédiales. Dans cette perspective, le modèle présenté ici est le fruit du dialogue dynamique entre théorie et pratique.

International audience; L'étude que nous présentons porte sur la création d'un outil méthodologique pour la conception de produit, axé sur la gestuelle. La littérature en conception de produit fait état d'un manque d'outils pour concevoir des produits sur la base de l'étude de la gestuelle. Nous nous centrons donc sur la phase de génération d'idées pour outiller les concepteurs pour imaginer de nouvelles gestuelles produits. Nous présentons tout d'abord un état des lieux sur la place de la gestuelle en conception, puis les résultats d'une première étude exploratoire qui nous aidera à définir le cadre de notre méthode.

Geneviève Calame‑Griaule s’est, dès le début de ses recherches, intéressée aux postures corporelles et mesura combien celles‑ci soutenaient la parole, voire l’influaient. À travers plusieurs enquêtes de terrain où elle recueillit de nombreux textes oraux auprès de différents narrateurs, elle mit au point une méthode qui lui permit de recueillir les gestes et expressions corporelles des narrateurs. Ces données : paroles, textes, gestes furent confrontées dans ses analyses textuelles. Il lui apparut que le geste devenait complément d’information, et parfois message à lui seul lorsque les mots ne pouvaient être formulés. Le geste devenait alors une forme de non‑dit qui venait s’ajouter au récit. From the start of her research, Geneviève Calame-Griaule took an interest in body postures, assessing the extent to which they support the spoken word and even influence it. In the course of multiple field studies in which she gathered oral texts from different narrators, she developed a method for gathering narrators’ gestures and body language. These data—words, texts, gestures—were addressed in her textual analyses. In her view, a gesture would become supplementary information, and sometimes a message in its own right when words could not be formulated. Gesture thus became a form of the unsaid to add to the story.

Learning to read requires many processes. A student who is struggling with decoding will have difficulty understanding, as reading will be fluid. If the apprentice reader does not have access to the meaning when he reads, then he will not have the pleasure of getting into reading. This is why it is important to automate decoding processes. Reading skills are put into practice in all disciplines so it is necessary to practice differentiation in order to avoid cognitive overload for students in difficulty. More and more studies are being carried out on multi-sensory tools. These allow a better perception and memorization of information. In our class, we are in the presence of 6 students with great difficulty reading. We decided to use the gestural method of Suzanne Borel Maisonny, initiator of speech therapy in France, which allows a visual and kinesthetic input of perception of graphophonological correspondence. Based on each student’s sensory profile, we were able to analyze the impact of using these gestures. We were able to conclude that the gestures helped the student with the visual profile, but not the students with the auditory or kinesthetic profiles. We realized that the psychological context is a key factor in the learning of reading.; L’apprentissage de la lecture requiert de nombreux processus. Un élève en difficulté au niveau du décodage rencontrera des problèmes de compréhension, car sa lecture manquera de fluidité. Si l’apprenti lecteur n’a pas accès au sens lorsqu’il lit, alors il n’aura pas le plaisir de se lancer dans la lecture. C’est pour cela qu’il est important d’automatiser les processus de décodages. Les compétences en lecture sont mises en pratique dans toutes les disciplines donc il est nécessaire de pratiquer de la différenciation afin d’éviter une surcharge cognitive aux élèves en difficultés. De plus en plus d’études sont réalisées sur les outils multi sensoriels. Ceux-ci permettent une meilleure perception et mémorisation des informations. Dans notre classe, nous sommes en présence de 6 élèves en grande difficulté de lecture. Nous avons décidé d’utiliser la méthode gestuelle de Suzanne Borel Maisonny, initiatrice de l’orthophonie en France, qui permet une entrée visuelle et kinesthésique de perception des correspondances graphophonologiques. Au regard du profil sensoriel de chaque élève, nous avons pu analyser l’impact de l’utilisation de ces gestes. Nous avons pu en conclure que les gestes ont aidé l’élève au profil visuel, mais pas les élèves aux profils auditif ou kinesthésique. Nous nous sommes rendus compte que le contexte psychologique est un facteur primordial qui agit sur l’apprentissage de la lecture.

International audience; Trois axes ont cherché à comprendre l'importante infériorité numérique des portraits féminins de la Renaissance italienne : les occasions qui provoquent la commande d’un portrait, l’âge des modèles – enfants, épouses, mères, vieilles femmes –, et enfin, les particularités de ces images – cadrage, posture, gestuelle.Cette disparité durable, qui n’est que l'une des différences liées au genre perceptibles dans le portrait, doit être envisagée comme intimement liée à la condition sociale des femmes de la Renaissance et à leur éviction de la vie publique, civile, politique et même, en partie, familiale : c'est toujours leur effacement qui était préconisé par les traités d’éducation, de physiognomonie, de rhétorique et de peinture. En 1525, Jean-Louis Vives, dans son Education de la femme chrétienne, leur recommandait de vivre "méconnues".

International audience

The Homeric and Virgilian epics, as well as the Chanson de Roland are full of tenseswitching, the use of which might seem capricious to the modern reader. It is in fact much better understood when bodies’ presence is taken into account — these bodies being the bard’s one as well as the audience’s. Postures, gestures, moves, eyes, breath, music are joint partners to tenseswitching, so that tenses really dance in epics. This study is firstly about how each one of the main narrative tenses dances in Homer and the Roland, and also in the Æneid. Then it studies the way tenses dance in each of the small pieces we find in the classical epics as well as in the Roland : the laisses.; Les épopées d’Homère et de Virgile, la Chanson de Roland sont marquées par une alternance qui peut paraître capricieuse. En fait, on la saisit beaucoup mieux dès lors qu’on prend en compte la présence des corps : ceux du jongleur, de l’aède, du récitant ; le corps du public. Postures, gestuelle, mouvements, regard, souffle, musique s’articulent à cette alternance pour en faire une véritable danse. Cette thèse étudie d’abord comment dansent chacun des temps principaux du récit dans ces épopées, en accordant la priorité à Homère et au Roland ; puis elle étudie comment cette danse des temps prend corps dans chacune des petites pièces dont nous décelons que sont composées les épopées anciennes comme le Roland : les laisses.

International audience; Eric Duyckaerts, unclassifiable artist who recently died, has been developing since the mid-1980s a unique work in which plastic arts and exogenous knowledge are mixed. He made a brilliant transition from public speaking to scientific demonstrations and was also a most inventive teacher. This article deals more precisely with his performances, which took the form of an improvised conference. This performer deploys all the rhetorical tricks accompanied by bodily gestures to better deconstruct the expected meaning and make the irony of inconsistencies and incongruities triumph. The processes implemented are analyzed: from the pseudo logic used, the postures used to the ruptures generated both in discourse and gestures. Eric Duyckaerts presents here the genesis of his practice, questioning with relevance the limits of the game.; Eric Duyckaerts artiste inclassable mort récemment, a élaboré depuis le milieu des années 1980 une œuvre singulière où se mêlent arts plastiques et savoirs exogènes. Il passait avec brio de l’art oratoire aux démonstrations scientifiques en étant également un pédagogue des plus inventifs. Cet article porte plus précisément sur ses performances qui prenaient la forme de conférence improvisée. Ce performer y déploie toutes les ruses de la rhétorique en s’accompagnant d’une gestuelle corporelle pour mieux déconstruire le sens attendu et faire triompher l’ironie des incohérences et des incongruités. Les procédés mis en œuvre sont analysés : depuis la pseudo-logique utilisée, les postures employées jusqu’aux ruptures générées tant au niveau du discours que de la gestuelle. Eric Duyckaerts livre ici la genèse de sa pratique questionnant avec pertinence les limites du jeu.

In French, the 2009’s nursing care program reform involved the Professional Practise Analysis (PPA) in the daily teaching of the Health Professional Trainers. To manage the PPA tool, the Trainer co-work with the nursing tutor and, must adapt his educational position. Our survey is based on this topic, and begin with an exploratory phase who brings the light presence of bad gestures from the trainer. We tried to understand those gestures through open interviews, and the implications on the students’ professionalization process., En France, la réforme de la formation en Soins Infirmiers de 2009 a inclus le dispositif d’Analyse de la Pratique Professionnelle (APP) dans le quotidien pédagogique du Cadre de Santé Formateur. Celui-ci co-anime les séances d’APP avec le tuteur infirmier et se voit contraint d’adapter sa posture de pédagogue. Notre étude porte sur ce thème et débute par une phase exploratoire qui dénonce la présence de gestes inappropriés au sein de ce dispositif, en provenance du formateur. À partir d’entretiens semi-directifs, nous avons tenté de comprendre les raisons de ces gestuelles et leurs influences sur le processus de professionnalisation de l’étudiant.

From the Iliad to the Odyssey : How Emerge the Thinking on the Tactile Sensation and the Conception of the Unity of the Body. The aim of this article is to study the sense of touch in Homer through the prism of the questioning of Bruno Snell’s thesis which states that there is no such thing as the unity of the body in Homer’s poems and that, consequently, the very notion of the human body is nowhere to be found in them. We first focus on the body as the object of the sense of touch and then examine how the body acts as a catalyzer for touch to develop so that it is possible to assert that not only does the Odyssey actually account for tactile sensations but it also provides, through the tactile experiences it relates, a conception of the unity of the body. This conception is all the more noteworthy as such a unity is considered through several angles : externally, internally or in the relationship between outer and inner parts of the body., Le but du présent article est d’étudier le toucher chez Homère dans la perspective d’une remise en cause de la thèse de Bruno Snell selon laquelle il n’existe pas d’unité du corps et donc de conception de celui-ci dans les poèmes homériques. L’on examine d’abord le corps en tant qu’il est objet du toucher puis le corps en tant qu’il permet le toucher et un tel examen montre que c’est une spécificité de l’Odyssée non seulement de rendre réellement compte de sensations tactiles mais aussi de témoigner, par le biais des expériences tactiles qu’elle relate, d’une pensée de l’unité du corps d’autant plus remarquable que cette unité est envisagée sous différents aspects (externe, interne ou consistant en un lien entre parties externes et parties internes du corps)., Galhac Sylvie. De l’Iliade à l’Odyssée : l’émergence d’une pensée de la sensation tactile et de l’unité du corps. In: Gaia : revue interdisciplinaire sur la Grèce Archaïque, numéro 20, 2017. Toucher le corps dans l'Antiquité. pp. 81-94.

Perception and understanding of the Etruscan gestures : A New Visual Approach in the Study of Ancient Dance The study of Etruscan dance based on iconographie sources presented in this article not only allows for the reexamination of the representation of gesture and movement, but also facilitates the identification of the limits imposed by the image’s visual dimension. Advances made in recent years have tended to promote the idea that the ancient image was not photographic in its reproduction of reality, but a « complex social product ». For the imaging of dance, the need for visual and ideological efficiency led ancient artists to elaborate specific codes of representation for each type of dance, with the aim of suggesting movement. Using digital tools, such as three-dimensional modeling, may further our understanding of the construction of these ancient visual representations. After a brief summary of current research for Etruscan dance, which permits a review of methodological limits and theoretical approaches, I will explore how the image’s visual dimension suggests a move towards interdisciplinarity., Une nouvelle étude de la danse étrusque à partir des sources iconographiques permet de questionner la représentation du geste et du mouvement, et de soulever les limites imposées par la dimension visuelle de l’image. Les avancées effectuées depuis quelques années s’accordent en effet sur l’idée que l’image antique n’est pas une reproduction photographique du réel mais un « produit social complexe ». Sa nécessaire efficacité visuelle et idéologique a amené les artistes à élaborer des codes de représentation spécifiques pour chaque type de danse dans le but de suggérer le mouvement dansé. L’intégration de moyens informatiques comme la modélisation en troisième dimension favorise notre compréhension de la construction de ces productions visuelles antiques. Ainsi, après un bref état de la recherche sur la danse étrusque qui permet de revenir sur les limites méthodologiques et l’outillage théorique à disposition, nous verrons en quoi la dimension visuelle de l’image conduit vers une interdisciplinarité., Gouy Audrey. Perception et compréhension de la gestuelle étrusque : nouvelle approche visuelle de la danse antique. In: Histoire de l'art, N°70, 2012. Approches visuelles. pp. 43-51.

Une étude attentive des rites maçonniques révèle l’omniprésence d’un principe de triangulation à différents niveaux, notamment ceux de la prise de parole, de la gestuelle, mais aussi de la gestion des distances spatiales et des données temporelles. Revêtant des fonctions psychologiques, sociales et symboliques, la triangulation maçonnique constitue un véritable modèle de communication. Un tel modèle, dans lequel prime le genre expressif, inscrit les membres de la communauté au-delà des schéma...

Les enfants entendants de parents sourds, lorsqu’ils naissent et grandissent dans un foyer bilingue (langue vocale-langue des signes), constituent un cas d’acquisition doublement atypique en ce qu’ils acquièrent simultanément deux langues dans deux modalités (audio-vocale et visuo-gestuelle). En m’appuyant sur l’étude longitudinale d’une enfant entendante bilingue, je tenterai de montrer et d’illustrer en quoi l’étude de cette acquisition bilingue bimodale est un domaine privilégié de comparaison avec l’enfant tout-venant d’une part, l’enfant sourd signeur natif d’autre part et enfin avec l’enfant bilingue dans deux langues vocales. L’étude en question permet de nourrir la réflexion au sujet de l’impact éventuel de la modalité et du bilinguisme sur les étapes et la nature du développement de chacune des langues, de décrire les formes possibles du contact de langues, et de discuter de la place et du statut de la gestuelle pour ce type de développement, et dans le langage plus généralement. When they grow up in a bilingual environment (with sign language and spoken language input), the hearing children of deaf adults (CODA) constitute an atypical group in terms of language acquisition as they acquire two languages in two different modalities (auro-oral and visuo-gestural). On the basis of a lon-gitudinal study of a hearing child of a deaf father and a hearing mother, I will try to show and to illustrate why it is of interest to compare this type of bilingual bimodal acquisition with acquisition by the typical hearing child, on the one hand, with the deaf child learning sign language as a native language, on the other hand, and finally with the bilingual child acquiring two vocal languages. The present study aims at reflecting on the possible impact of modality and of bilinguism on the stages and nature of development in each language, to describe the possible forms of language contact, and to dicuss the role and status of gestures in each type of language acquisition, and in language more generally.

International audience; Précepteurs des familles des princes/condottieri, les éducateurs du XVe siècle, qui tiraient une large part de leur idéal éducatif des exemples gréco-romains, étaient héritiers de l'exercice de cour. Les deux influences se combinèrent pour établir l'activité physique comme une discipline à part entière. L'entraînement des enfants à l'équitation et au combat acquit une signification nouvelle, plus générale et fut associé aux jeux de balles, à la natation, à la course, aux exercices athlétiques et à l'escrime. En dépit des inquiétudes quant à leur influence morale, la danse, la musique instrumentale et le chant choral furent admis avec de grandes précautions. A partir des descriptions des maîtres à danser lombards du XVe siècle et des traités illustrés de la fin du XVIe, la représentation de certains gestes ou attitudes au sein du portrait peint de la Renaissance italienne peut être mise en relation avec la danse, cette "technique du corps" dont la pratique devint vite quotidienne dans le monde des cours. Une attention importante se porte sur le buste – aidé par le port des bras – qui avec une prestance qualifiée d'aérienne, doit accompagner les pas. D'abord parallèles, au cours de séquence proches de la marche, les membres inférieurs masculins vont observer rapidement la règle de l’en-dehors, règle qui va s'étendre à la vie quotidienne.

Is it possible to talk about politeness in ancient Greece ? Modern sociology defines politeness as a system of rules, which establish behavioural patterns in accordance with different social situations. Ancient Greek thought never conceived a similar idea. Instead, between the 8th and the 5th century BC, the Greeks seem to have appraised social conduct through the lens of a principle of correspondence between one’s aspect and demeanour and the virtue of one’s soul. This study aims at shedding light upon the cultural features of this Greek idea, and to outline the ways in which it oriented social judgement. The analysis is conducted through categories inspired by the research of the sociologist Erving Goffman, entirely readapted in order to apply them to ancient sources. The prime focus of the work is on Homer. This is followed by a study of the role of the principles of ancient Greek politeness, as gleaned from the epics, with regard to conversation, gestural expressiveness and meeting occasions in the Archaic and Classical periods.; Est-il possible de parler d’un savoir-vivre grec antique ? La sociologie contemporaine définit le code de politesse comme un ensemble de règles proposant des modèles de conduite adaptés aux différentes occasions de rencontre. La pensée grecque antique, quant à elle, ne formula jamais une idée pareille : entre le VIIIe et le Ve siècle av. J.-C., les Grecs semblent plutôt avoir évalué la conduite sociale en fonction d’un principe de correspondance entre d’une part l’aspect et les manières de chaque individu et d’autre part la disposition de son esprit. Ce travail vise à la fois à mettre en lumière les spécificités culturelles de cette idée antique et à étudier les manières dont celle-ci orientait le jugement social. L’analyse est menée par le biais de catégories inspirées des recherches du sociologue américain Erving Goffman, entièrement réélaborées afin de les adapter aux sources. L’attention est d’abord focalisée sur l’épopée homérique, dont l’examen permet de cerner des principes majeurs de la politesse en Grèce ancienne. Ensuite l’étude se concentre sur le rôle social qu’ont eu ces principes aux époques archaïque et classique, notamment en ce qui concerne la conversation, la gestuelle et les occasions de sociabilité.; Si può parlare di buone maniere per la Grecia d’epoca arcaica e classica ? La sociologia contemporanea definisce il codice di buona educazione come un insieme di regole che propongono modelli di comportamento adatti alle diverse occasioni d’incontro. Il pensiero greco antico non formulò mai un’idea simile: tra l’VIII e il V secolo a. C., i Greci sembrano piuttosto aver valutato la condotta sociale in funzione di un principio di corrispondenza tra l’aspetto e le maniere del singolo individuo e la sua virtù spirituale. Questo lavoro si propone di mettere in luce le specificità culturali di tale idea antica e di studiare i modi in cui essa orientava il giudizio sociale. L’analisi è condotta mediante categorie ispirate alle ricerche del sociologo americano Erving Goffman, completamente rielaborate per adattarle alle fonti. Ampio spazio è dedicato allo studio dell’epos omerico, l’esame del quale permette d’individuare alcuni principî di buona educazione tipici della Grecia antica, il cui ruolo sociale in epoca storica viene quindi studiato nell’ambito della conversazione, della gestualità e delle riunioni mondane.

The portrait, long considered as a rigid pictorial genre, became increasingly lively through the progressive introduction of gestural expression. This idea appeared as early as 1440 in Filippo Lippi’s female portraits, in 1450 in Andrea del Castagno’s painting of a man and in 1470, in Antonello da Messina’s mimes. But the standard surrounding is bust-length portraiture and other restrictions on movement, imposed by the commissions, lasted until the 16th century. Despite various dissenting works, such as those of Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci, or later, Bartolomeo Passerotti, the Princely model held sway.In Antiquity, three literary categories, each with a different approach, addressed the appearance of the body and civilization of the customs : educational precepts often contained within vaster literary works, physiognomic treatises — which attempt to read from faces an individual’s intentions and destiny — and rhetorical studies which, in particular, concern the ethos and the pathos, but equally the orator’s gestures. During the Renaissance these three disciplines all influenced various domains, which are interested, at one point or another, in the gesture. The Quattocento’s didactic treatises, which paved the way for a true reform, were replaced by manuals of etiquette in the 16th century. From 1455, the Lombard dancing masters wrote the initial elements of a theory of dance. Artistic treatises on painting and sculpture insist on the decorum which included gesture. At the very beginning of the 17th century, a certain number of modern conventions were recorded in illustrated collections of chironomy.Far from considering the finger, the hand or the members as semantic details, this thesis shows that body movement is a social signal to be placed back in its environment. It open on the history of education, central in that of gesture, as well as on that of the genre, or still the place of children and the parenthood. An important place was dedicated to the history of the garment, the one that was chose for these pictures.Through this work, it becomes obvious that the Middle Ages are not the only period to have seen developing a "civilization of the gesture". The analysis of texts, of Antiquity as of Renaissance, reveals a remarkable continuity in the conception and the theories relative to the body movements, underlain by the Oratorical Institution, particularly the part dealing with the actio. Quintilien had a long-term reception in the arts of preaching and, in a more subtle way, his qualities of educator and observer of the childhood also favoured his transmission in the educational frame. This author taught the use scheduled of the gesture to support the speech, considering a defect the carelessness in "the toga, the shoe and the hair". Already for him, this care was to be imperceptible, the education and the body care becoming as a second nature, the sprezzatura before time. Browsing our images, the reference to the actio that got established since Antiquity in education, expression, and both pictorial and theatrical imagery, acknowledges how precocious that civilization was and how perennial it has been.The gesture is asserted as a living heritage, transmitted more or less consciously through time, through a myriad of conduits and disciplines, including the portrait, both as recipient and vector.; Longtemps figé dans l'immobilité, le portrait peint de la Renaissance va s'animer grâce à une gestuelle qui fit l'objet d'une construction progressive. Très précoce, l'idée du geste: est présente dès 1440 chez Filippo Lippi dans les portraits féminins, à partir de 1450 chez Andrea del Castagno pour une effigie masculine et, en 1470, chez Antonello da Messina pour les mimiques. Mais la norme est au portrait en buste et d'autres freins, imposés par les commanditaires, perdureront jusqu'à la fin du XVIe siècle. En dépit des tentatives dissidentes d'Antonello da Messina, de Léonard de Vinci, ou, plus tard, de Bartolomeo Passerotti, c’est le modèle princier qui va s'imposer.Trois types d'écrits de l'Antiquité se préoccupent de l'apparence du corps et de la civilisation des mœurs : les préceptes éducatifs, souvent intégrés à des thèmes plus vastes, les traités de physiognomonie qui tentent de lire sur le visage les intentions ou la destinée de l'autre, et la rhétorique, qui s'intéresse plus particulièrement à l'ethos, au pathos mais aussi à la gestuelle de l'orateur. Ces textes seront reçus à la Renaissance dans divers domaines qui traitent tous, à un moment ou un autre, du geste. Les traités des éducateurs du Quattrocento, qui jalonnent la mise en œuvre d’une véritable réforme, cèderont la place aux manuels de savoir-vivre du XVIe siècle. A partir de 1455, les maîtres à danser lombards posèrent par écrit les premiers éléments d'une théorie de la danse. Les traités artistiques s'intéressèrent au decorum dans lequel s'inscrit le geste. Au tout début du XVIIe siècle, un certain nombre de conventions furent enregistrées dans des recueils illustrés de chironomie. Loin de considérer le doigt, la main ou les membres comme des détails sémantiques, cette thèse montre que la gestuelle est un signal social à replacer dans son environnement. Elle s’est ouverte sur l’histoire de l’éducation, centrale dans celle du geste, ainsi que sur celle du genre, ou encore de la place de l’enfant et de la parentalité. Une place importante a été consacrée à l’histoire du costume, celui que l’on a choisi pour ces images. Au terme de ce travail, il devient évident que le Moyen Âge n’est pas la seule période à avoir vu se développer une "civilisation du geste". L'analyse des textes, de l’Antiquité comme de la Renaissance, révèle une remarquable continuité dans la conception et les théories relatives à la gestuelle, sous-tendue par l'Institution Oratoire, particulièrement la partie traitant de l'actio. Quintilien eut une réception de longue durée dans les arts de la prédication et, de manière plus subtile, ses qualités d’éducateur et d’observateur de l'enfance ont également favorisé sa transmission dans le cadre pédagogique. Cet auteur enseignait l’utilisation programmée du geste pour appuyer le discours, pointant comme un défaut la négligence dans "la toge, la chaussure et le cheveu". Déjà pour lui, ce soin devait être imperceptible, l’éducation et l’apprêt physique devenant comme une seconde nature, la sprezzatura avant l'heure. Parcourant nos images, la référence à l'actio qui s'est imposée depuis l'Antiquité dans l'éducation, l'expression, la représentation imagée ou théâtrale, rend compte de la précocité de cette civilisation et de sa pérennité dans le temps. Le geste s’impose comme un patrimoine vivant, transmis le plus souvent de manière inconsciente de siècle en siècle, par le biais d’une multitude de canaux et de disciplines, parmi lesquels on compte le portrait, à la fois récepteur et vecteur.

The portrait, long considered as a rigid pictorial genre, became increasingly lively through the progressive introduction of gestural expression. This idea appeared as early as 1440 in Filippo Lippi’s female portraits, in 1450 in Andrea del Castagno’s painting of a man and in 1470, in Antonello da Messina’s mimes. But the standard surrounding is bust-length portraiture and other restrictions on movement, imposed by the commissions, lasted until the 16th century. Despite various dissenting works, such as those of Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci, or later, Bartolomeo Passerotti, the Princely model held sway.In Antiquity, three literary categories, each with a different approach, addressed the appearance of the body and civilization of the customs : educational precepts often contained within vaster literary works, physiognomic treatises — which attempt to read from faces an individual’s intentions and destiny — and rhetorical studies which, in particular, concern the ethos and the pathos, but equally the orator’s gestures. During the Renaissance these three disciplines all influenced various domains, which are interested, at one point or another, in the gesture. The Quattocento’s didactic treatises, which paved the way for a true reform, were replaced by manuals of etiquette in the 16th century. From 1455, the Lombard dancing masters wrote the initial elements of a theory of dance. Artistic treatises on painting and sculpture insist on the decorum which included gesture. At the very beginning of the 17th century, a certain number of modern conventions were recorded in illustrated collections of chironomy.Far from considering the finger, the hand or the members as semantic details, this thesis shows that body movement is a social signal to be placed back in its environment. It open on the history of education, central in that of gesture, as well as on that of the genre, or still the place of children and the parenthood. An important place was dedicated to the history of the garment, the one that was chose for these pictures.Through this work, it becomes obvious that the Middle Ages are not the only period to have seen developing a "civilization of the gesture". The analysis of texts, of Antiquity as of Renaissance, reveals a remarkable continuity in the conception and the theories relative to the body movements, underlain by the Oratorical Institution, particularly the part dealing with the actio. Quintilien had a long-term reception in the arts of preaching and, in a more subtle way, his qualities of educator and observer of the childhood also favoured his transmission in the educational frame. This author taught the use scheduled of the gesture to support the speech, considering a defect the carelessness in "the toga, the shoe and the hair". Already for him, this care was to be imperceptible, the education and the body care becoming as a second nature, the sprezzatura before time. Browsing our images, the reference to the actio that got established since Antiquity in education, expression, and both pictorial and theatrical imagery, acknowledges how precocious that civilization was and how perennial it has been.The gesture is asserted as a living heritage, transmitted more or less consciously through time, through a myriad of conduits and disciplines, including the portrait, both as recipient and vector.; Longtemps figé dans l'immobilité, le portrait peint de la Renaissance va s'animer grâce à une gestuelle qui fit l'objet d'une construction progressive. Très précoce, l'idée du geste: est présente dès 1440 chez Filippo Lippi dans les portraits féminins, à partir de 1450 chez Andrea del Castagno pour une effigie masculine et, en 1470, chez Antonello da Messina pour les mimiques. Mais la norme est au portrait en buste et d'autres freins, imposés par les commanditaires, perdureront jusqu'à la fin du XVIe siècle. En dépit des tentatives dissidentes d'Antonello da Messina, de Léonard de Vinci, ou, plus tard, de Bartolomeo Passerotti, c’est le modèle princier qui va s'imposer.Trois types d'écrits de l'Antiquité se préoccupent de l'apparence du corps et de la civilisation des mœurs : les préceptes éducatifs, souvent intégrés à des thèmes plus vastes, les traités de physiognomonie qui tentent de lire sur le visage les intentions ou la destinée de l'autre, et la rhétorique, qui s'intéresse plus particulièrement à l'ethos, au pathos mais aussi à la gestuelle de l'orateur. Ces textes seront reçus à la Renaissance dans divers domaines qui traitent tous, à un moment ou un autre, du geste. Les traités des éducateurs du Quattrocento, qui jalonnent la mise en œuvre d’une véritable réforme, cèderont la place aux manuels de savoir-vivre du XVIe siècle. A partir de 1455, les maîtres à danser lombards posèrent par écrit les premiers éléments d'une théorie de la danse. Les traités artistiques s'intéressèrent au decorum dans lequel s'inscrit le geste. Au tout début du XVIIe siècle, un certain nombre de conventions furent enregistrées dans des recueils illustrés de chironomie. Loin de considérer le doigt, la main ou les membres comme des détails sémantiques, cette thèse montre que la gestuelle est un signal social à replacer dans son environnement. Elle s’est ouverte sur l’histoire de l’éducation, centrale dans celle du geste, ainsi que sur celle du genre, ou encore de la place de l’enfant et de la parentalité. Une place importante a été consacrée à l’histoire du costume, celui que l’on a choisi pour ces images. Au terme de ce travail, il devient évident que le Moyen Âge n’est pas la seule période à avoir vu se développer une "civilisation du geste". L'analyse des textes, de l’Antiquité comme de la Renaissance, révèle une remarquable continuité dans la conception et les théories relatives à la gestuelle, sous-tendue par l'Institution Oratoire, particulièrement la partie traitant de l'actio. Quintilien eut une réception de longue durée dans les arts de la prédication et, de manière plus subtile, ses qualités d’éducateur et d’observateur de l'enfance ont également favorisé sa transmission dans le cadre pédagogique. Cet auteur enseignait l’utilisation programmée du geste pour appuyer le discours, pointant comme un défaut la négligence dans "la toge, la chaussure et le cheveu". Déjà pour lui, ce soin devait être imperceptible, l’éducation et l’apprêt physique devenant comme une seconde nature, la sprezzatura avant l'heure. Parcourant nos images, la référence à l'actio qui s'est imposée depuis l'Antiquité dans l'éducation, l'expression, la représentation imagée ou théâtrale, rend compte de la précocité de cette civilisation et de sa pérennité dans le temps. Le geste s’impose comme un patrimoine vivant, transmis le plus souvent de manière inconsciente de siècle en siècle, par le biais d’une multitude de canaux et de disciplines, parmi lesquels on compte le portrait, à la fois récepteur et vecteur.

The investigation related in this thesis was conducted in Bretagne (France) and in urban areas of Lyon, in close collaboration with some contemporary storytellers. Most of their practice were formed in the wake of the so-called "revival of storytelling" that took place in France in the early 1970s. The present research provides an analysis of the oral performance, in order to better understand the scope of this practice – the social ties, acquaintances, encounters it creates – and the causes of its social efficiency. In that aim, the fieldwork was considered under three ethnographic scales : the stage (when the enounciation is evaluated very closely), the wings (an observation of the creative process) and the context (ethnography that aims to understand social and cultural environment of storytelling). The methodology pretended to be experimental – searching by trial and error approach – reflexive and dialogic. Many devices were developed, most of them requiring the use of audiovisual technology.The itinerary proposed here starts with an immersion in the world of two Bretons storytellers, which shows why storytellers can be considered as "memory holders". Then, we make a "zoom" on the oral performance of storytellers ; the ways they enter in stage, their choreography and the reception by audience are the subjects of a long examination. It follows that the storytellers inciting a situation in which the imaginaries cross. The last itinerary of research refers to the situations in which the storytelling is used as an instrument of social mediation. At that time, storytellers and their apprentices work to "put in their mouths" stories in which are expressed, beneath the surface, feelings of belonging, life experiences and through which social and cultural bridges are created.; L’enquête relatée dans cette thèse a été menée en Bretagne et en région lyonnaise auprès de conteurs contemporains. La plupart des pratiques observées se sont constituées dans le sillage dudit "renouveau du conte" qui a pris place en France au début des années 1970. La présente recherche propose une analyse de la performance orale, dans le but de mieux comprendre la portée de cette pratique – les liens, accointances, les rencontres qu’elle occasionne – et les causes de son efficience sociale. Pour ce faire, le terrain de recherche a été envisagé sous trois focales ethnographiques : la scène (quand l’énonciation est examinée de très près), les coulisses (une observation des processus d’élaboration) et le contexte (ethnographie qui vise à appréhender l’environnement social et culturel du contage). La méthodologie s’est voulue expérimentale – recherche par tâtonnements – réflexive et dialogique. De nombreux dispositifs d’enquête ont été élaborés, la majorité impliquant un recours aux technologies audiovisuelles.Le parcours proposé commence par une plongée dans l’univers de deux conteurs bretons : où l’on découvre pourquoi les conteurs peuvent être vus comme des porteurs de mémoire. Par la suite s’opère un "zoom" sur la performance orale des conteurs ; ce sont les modalités d’entrée en scène, la chorégraphie et la réception par l’auditoire qui font l’objet d’un long examen. Il en résulte que les artistes de la parole provoquent une situation dans laquelle les imaginaires se croisent. Le dernier itinéraire de recherche retracé renvoie aux situations dans lesquelles le conte est mobilisé comme un instrument de médiation sociale. Les conteurs et leurs apprentis s’attellent alors à "mettre en bouche" des histoires dans lesquelles s’expriment en filigrane des sentiments d’appartenance, des expériences vécues et au travers desquelles se créent des passerelles culturelles et sociales.

National audience; Nous définissons le phénomène « d'éminence » comme la manifestation prosodique et kinésique de la focalisation et de l'emphase discursives, dans le cadre, ici, du discours politique. Le corpus est constitué de cas sélectionnés à partir de la forme ascendante-descendante de la courbe de fréquence fondamentale, et issus de discours ou d'entrevues officiels et médiatisés de 7 hommes politiques de statuts et époques différents. Suite à la mise en relation de la mélodie avec les composantes kinésiques considérées dans cette étude, nous observons le fonctionnement des paramètres pour la réalisation de ces éminences et également des particularités stylistiques, telles que les « plateaux hauts » de la mélodie chez De Gaulle, les clignements oculaires à valeur accentuelle chez Mitterrand, ou encore les fermetures des gestes d'Ayrault… Outre l'exposé des tendances générales et des spécificités individuelles que nous avons pu relever, nous tentons de voir dans quelle mesure ces éminences sont révélatrices du style discursif, et des capacités du locuteur à réussir ou non sa performance de communication. Les résultats montrent que, au-delà des styles et de leurs connotations, si les hommes politiques semblent plus ou moins crédibles auprès de leur électorat, un lien peut être fait avec leur capacité à associer et mettre en valeur, de façon cohérente, proéminences intonatives, activités kinésiques et expression des faits marquants de leurs discours.

International audience; Témoignage personnel qui évoque des éléments fondamentaux du parcours et des travaux scientifiques de Bernard Koechlin (1928-2007), ethnologue spécialiste des Vezo de Madagascar, pionnier de l’ethno-technologie, de l’étude des gestes et de l’anthropologie visuelle.

Dans la continuité de l’historiographie la plus récente, cet article souligne le rôle essentiel du travail de conviction mené par les ordres de la Réforme catholique dans le succès du catholicisme à l’époque moderne, en analysant un aspect de l’offensive rhétorique jésuite. Deux phénomènes intimement liés sont ici étudiés : la conception théâtrale du culte et les réflexions sur l’utilisation du corps comme média de la communication religieuse dans le cadre des congrégations mariales jésuites.

L’auteur raconte ici comment, partant d’une étude de la langue dogon, elle s’est spécialisée en ethnolinguistique (ethnographie de la parole et littérature orale). Son intérêt pour la gestuelle date de son arrivée au Sahel nigérien et de sa rencontre avec un jeune conteur touareg particulièrement expressif. Au début elle s’efforçait seulement de décrire les gestes, qu’elle lui demandait de refaire en reprenant chaque phrase du texte, ce qu’il faisait facilement ; ils sont en effet mémorisés en même temps que le conte. Plus tard, après avoir travaillé de la même façon avec des vieilles femmes du groupe ethnique des Isawaghen et un forgeron, elle a commencé à photographier les conteurs, puis des films ont été réalisés avec le concours d’un collègue. Cette étude a permis de constater la quasi-immuabilité des gestes et leur rôle essentiel dans la narration, rôle dont les usagers ont parfaitement conscience. The author explains how, based on her study of the Dogon language, she specialized in ethnolinguistics (ethnography of speaking and oral literature). Her interest in gestures dates from the beginning of her arrival in the Nigerian Sahel where she encountered an especially expressive, young Tuareg tale teller. At first, she only tried to describe the gestures by asking him to repeat them as she reiterated each passage concerned. He did this very easily for, indeed, the gestures are memorized at the same time as the text. After having used the same technique with a blacksmith and several elderly Isawaghen female tellers, she photographed and filmed their performance. This study allowed her to notice the quasi-immutability of the gestures and their crucial role in the act of narration, role the tellers were perfectly aware of.