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Cet article étudie la présence et le traitement du son dans la mise à mort de l’adversaire dans le roman arthurien. L’autrice établit tout d’abord une définition du topos, appuyée sur un large relevé d’occurrences, qui la conduit à voir dans la sonorisation de la mort de l’ennemi une variation d’un motif plus large et plus répandu. Elle étudie ensuite l’évolution de ce topos depuis les textes épiques jusqu’aux derniers romans. Elle remarque enfin la prégnance de ces sons dans une famille de récits dont les auteurs semblent chercher à perpétuer les premières formes du récit arthurien., This article focuses on the presence and the treatment of sound in the killing of the adversary in the Arthurian novel. We begin by establishing a definition of the topos, based on a large list of occurrences, which leads us to see in the sound of the death of the enemy a variation of a larger and more widespread motif. We then study the evolution of this topos from the epic texts to the latest novels. Finally, we notice the significance of these sounds in a family of romances in which authors seem to seek to perpetuate the first forms of the Arthurian story.

International audience; In Storybrooke, the city in which Once Upon a Time takes place, live many characters of fantastic stories. A plethora of princesses resides in this town, and their history, like their representation, undergoes important variations. Moving away from the role of “ damsel in distress ” often found in fairy tales and their adaptations, Emma, Snow White or Little Red Riding Hood, gain independence and freedom. However clichés are tough and heroines often get involved in stereotypical love stories, where motherhood seems to be the only possible destiny. Between literary revivals and mutations, we are now going to study these female figures and their evolution through two forms : the tale and the series.; À Storybrooke, la ville de la série Once Upon a Time, vivent de nombreux personnages de récits merveilleux. Les princesses y sont légion et leur histoire, comme leur représentation, subit d’importantes variations. Délaissant le rôle de « demoiselle en détresse » que l’on trouve bien souvent dans les contes et dans leurs adaptations, Emma, Blanche-Neige ou le Petit Chaperon rouge gagnent en indépendance et en liberté. Oui, mais… Les clichés ont la peau dure et les héroïnes s’inscrivent bien souvent dans des intrigues amoureuses stéréotypées qui semblent leur offrir la maternité comme seul destin possible. Entre reprises littéraires et mutations, nous nous proposons d’étudier ces figures féminines et leur itinéraire à travers deux formes : celle du conte et celle de la série.

International audience; La Passe-miroir de Christelle Dabos et Biotanistes d’Anne-Sophie Devriese sont des romans de fantasy Young Adult ultracontemporains mettant en scène le futur de notre monde. Dans chacune des œuvres, des contes de fées s’offrent aux lecteurs et lectrices. Ulysse (Biotanistes) est colporteur et transmet des réécritures de contes au gré de ses voyages, tandis qu’Ophélie (La Passe-miroir) est quelques temps vice-conteuse à la cour du Seigneur Farouk. Dans ces romans, les contes deviennent des clefs. D’une part, leur fonction symbolique permet la transmission de messages cachés, voire codés, visant à faire progresser l’intrigue. D’autre part, ces histoires sont aussi des clefs dans le sens où elles visent à libérer les personnages, prisonniers de leur condition ou de leur environnement. Mais les contes semblent également attester d’un pouvoir démiurgique et participent à la naissance de nouveaux mondes. Tout en interrogeant la place du conte et son fonctionnement dans la narration des romans, nous nous intéresserons aux pouvoirs libérateurs, politiques et créateurs de ces brefs récits devant amener à « renverser l’Ordre ».

Greek myths « font signe sans signifier, montrant, dérobant, toujours limpides disant le mystère transparent, le mystère de la transparence2 ». With these words, Maurice Blanchot insists on the very mystery of all myth. It is also the case for the myth of the Narcissus that has known a considerable success in the medieval time but for which it is difficult to … a stable meaning. It is the famous Augustinian poet Ovidius myth that the medieval authors inherited. They added new meanings to the already rich legend, following the footsteps of Ovidius.Narcissus is foremost a figure in love. Narcissus is the unfortunate lover who suffers such a strong passion he dies from it. What he is in love with can be ignored in the medieval versions. Even if he loved a shadow, it is the intensity of his love and the funest consequences the texts insist on. Passion drives Narcissus on the road to death : spiritual death because of Madness et physical death. Narcissus was a prime subject for fin’amor poetry. Troubadours and trouveres made of Narcissus the perfect example of the fin amant between the XIIth and XIIIth centuries. Moreover Narcissus is the deeply linked to the representation of the melancholic that came from the psycho-physiological philosophical and medical theories of love.Moral Reading were also inspired by the myth. Indeed, Narcissus becomes a sinner full of flaws Under the Christian vision of the myth. Pride is the origin of all the flaws: vanity and arrogance are direct consequences. Narcissus becomes the perfect incarnation of these sins. Depending of the point of view the condemnation may vary but the idea is still the same: Narcissus is self-important and is too pleased with himself. Finally the water from the source, one of the most important aspect of the Narcissus mythology, became the meeting point of several traditions which interlaced in the medieval work: biblical water on one side and neoplatonician conceptions of reflection and ancient myth of Narcissus. The ancient fons transforms itself into a medieval fountain and a true mirror. The mirror becomes more and more independent from the surface of water. The phantasmatical dimension of the Narcissus love for his reflection is developed., Les mythes grecs « font signe sans signifier, montrant, dérobant, toujours limpides disant le mystère transparent, le mystère de la transparence1 ». Maurice Blanchot dans cette remarque met en valeur le mystère inhérent à tout mythe. Il en va ainsi pour le mythe de Narcisse qui a connu un succès considérable à l’époque médiévale mais dont il n’est pas aisé de fixer un sens stable. C’est de la version du célèbre poète de l’époque augustéenne, Ovide, que les auteurs médiévaux ont hérité. La richesse de la légende, conférée par les nombreux ajouts d’Ovide, leur a permis de déployer à leur tour de nombreux sens nouveaux.Narcisse est avant tout perçu comme figure amoureuse. Narcisse est l’amant malheureux qui souffre d’une passion si forte qu’il finit par en mourir. L’objet de l’amour de Narcisse est bien souvent tu et oublié dans les reprises médiévales. Peu importe finalement qu’il ait aimé une ombre, l’accent est mis sur l’intensité de son amour et surtout sur ses funestes conséquences. La passion entraîne Narcisse sur le chemin de la mort : mort de l’esprit sous le coup de la folie et mort physique. Narcisse a été un objet de choix pour la poésie de la fin’amor. Troubadours et trouvères ont réélaboré la figure de Narcisse en parfait représentant du fin amant entre les XIIe et XIIIe siècles. Par ailleurs, la figure de Narcisse entretient des liens étroits avec les représentations du mélancolique, issues des théories psychophysiologiques sur l’amour de la philosophie et de la médecine.Le mythe a également inspiré des lectures morales. En effet, tout un pan des reprises du mythe – le pan chrétien – dévoile Narcisse sous les traits d’un pécheur entaché de défauts. L’orgueil dont il fait preuve est dans la conception chrétienne laracine de tous les maux ; ce vice engendre la vanité et l’arrogance. De la fin du XIIe au XIVe siècles, les clercs font de Narcisse l’incarnation parfaite de tous ces défauts. Selon la perspective adoptée la condamnation change légèrement mais l’idée reste lamême : Narcisse est imbu de sa propre personne et en tire une satisfaction trop haute.Enfin l’eau de la source, l’un des motifs essentiels du mythe de Narcisse, a été le point de convergence de plusieurs traditions qui ont fini par s’entremêler dans les œuvres médiévales : le motif biblique de l’eau d’un côté, de l’autre les conceptions néoplatoniciennes sur le reflet et le mythe antique de Narcisse. Un réseau d’images similaires irrigue ces traditions, constitué de l’eau claire, du reflet et de la fontaine. Le "fons" antique s’est peu à peu métamorphosé en fontaine médiévale jusqu’à devenir véritable miroir. Le motif du miroir s’autonomise peu à peu par rapport à la surface des eaux. La dimension fantasmatique de l’amour de Narcisse pour son reflet s’amplifie nettement. Se voir soi-même dans un miroir constitue une expérience étrange où l’individu touche au secret de son être. Incapable de l’atteindre réellement, il voit son intimité se dérober à lui, ce qui provoque son désenchantement. Le miroir, véritable porte d’entrée sur le rêve, est un motif idéal pour figurer tous les possibles de l’acte d’écriture. C’est pourquoi certaines reprises médiévales offrent l’utopie d’un amour partagé tandis que d’autres préfèrent peindreles travers de l’être humain. Le miroir enfin se fait métaphore de l’écriture ellemême. La présence de Narcisse se réalise sous des formes plus ou moins implicites dans ces œuvres dont la portée réflexive est actualisée par le motif du miroir.

International audience; How could we know the reception from tragedies’ translations non-played? Does the theatricality in the originals matter in their translations? Paratext is very useful, helping reception in three different ways, which are also three conceptions of ancient tragedies translations: historicizing past receptions, guiding present readers, inviting mental spectators.; Comment connaître la réception des tragédies traduites de l’antique qui n’ont pas été jouées ? La théâtralité des œuvres sources est-elle un enjeu pour les traductions ? Le paratexte est un outil précieux pour l’étude car il sert d’adjuvant à la réception, de trois façons différentes, qui révèlent trois manières sensiblement différentes de concevoir la traduction : en historicisant les réceptions passées, en guidant la lecture présente, en conviant à un spectacle imaginaire.

International audience; Daphne Du Maurier’s Rebecca is one of these novels that are regularly submitted to rewriting and expansion. If the process “preserves the traditional canon’s centrality” (as Jeremy Rosen says about minor character elaborations), it also participates in the critical reassessment of the source text as it throws a new light on it. This article discusses very diverse transfictions based on Du Maurier’s novel and examines the workings of the various narrative strategies adopted to reactivate the well-known novel. This will enable us to underline the elements, traits or characteristics of Rebecca that are picked upon – and which ensure Du Maurier’s novel an afterlife – and how these various revisions and/or expansions engage with the source text. While Antonia Fraser’s “Rebecca’s Story” (1976) is a coquel enabling a first-person account by Rebecca of her marriage, Rose Tremain’s “The Housekeeper” (2014) changes diegetic level as it portrays the young Du Maurier and gives an account of the inspiration behind Rebecca by the character misrepresented as Mrs. Danvers. Other texts under study are Susan Hill’s Mrs. de Winter (1993) and Sally Beauman’s Rebecca’s Tale (2001), which offer narrative and temporal expansions, and finally Lisa Gabriele’s The Winters (2018), a transposition of the plot and its characters to contemporary America.; Rebecca de Daphne du Maurier est l’un de ces romans régulièrement soumis à la réécriture et à l’expansion narrative. Si ceci garantit la centralité du canon traditionnel (comme le dit Jeremy Rosen des développements de personnages mineurs), cela contribue également à une ré-évaluation critique du texte-source en jetant un nouvel éclairage sur celui-ci. Cet article s’intéresse donc à des transfictions diverses élaborées à partir du roman de du Maurier et étudie le fonctionnement des différentes stratégies narratives adoptées pour réactiver ce célèbre roman. Ceci nous permettra de souligner pourquoi et comment certains éléments, traits et caractéristiques de Rebecca sont repris, révélant comment ces différentes révisions et/ou expansions se positionnent par rapport au texte-source. Alors que “Rebecca’s Story” (1976) de Margaret Fraser est une expansion narrative latérale qui permet un récit de son mariage par Rebecca elle-même, “The Housekeeper” (2014) de Rose Tremain change de niveau diégétique et s’intéresse à la jeune du Maurier comme personnage, racontant l’inspiration derrière Rebecca par la voix du personnage qui se déclare représenté sous un faux jour dans le récit, sous les traits de Mrs. Danvers. Les autres textes étudiés sont Mrs. de Winter (1993) de Susan Hill et Rebecca’s Tale (2001) de Sally Beauman qui offrent tous deux des expansions temporelles et narratives et enfin, The Winters (2018) de Lisa Gabriele qui transpose l’intrigue et les personnages dans l’Amérique contemporaine.

International audience; Lorsqu’il compose Hippolyte, Robert Garnier innove en promouvant Thésée au rang de personnage principal. Point focal de l’action tragique, Thésée devient à la fois l’origine et la finalité de la tragédie. Ce nouveau coupable à châtier reconfigure le système des personnages, dans un jeu de correspondances et de contrastes. Garnier construit Thésée à partir de données qu’il trouve dans ses sources euripidienne et sénéquienne mais qu’il déplace et transforme. Le sens du personnage et de la tragédie en sont profondément modifiés. L’étude de la réécriture de Thésée permet de mesurer l’importance de la source euripidienne, souvent minorée, et l’orientation propre de la dramaturgie tragique de Garnier.

International audience; L’émergence, en didactique de la littérature, de l’écriture créative s’entend dans le droit fil d’une tradition de longue date dans l’école française, des ateliers d’écriture, favorisés par le GFEN et modélisés par C. Oriol-Boyer & D. Bilous (2013) ou N. Biagioli-Bilous & D. Bucheton (1999), aux soubresauts de l’écriture d’invention dans les programmes du secondaire, qui laissaient espérer un renouvellement décisif de l’ancienne rhétorique (Houdart-Merot & Petitjean, 2018). C’est pourtant un déplacement conséquent des outils didactiques qui se trouve généré par la convocation, dès les premiers apprentissages du lire-écrire, d’une production d’écrits placée sous le principe de l’écriture créative.Avant d’en proposer une modélisation, qui permette en outre d’en repérer les enjeux dans le milieu numérique, qui est indéniablement celui de l’école du 21e siècle (Brunel & Petitjean, 2018 ; Brunel, Massol, Quet, 2019), nous proposons de partir des résultats de l’analyse d’un corpus de 350 textes (CE2, CM2, 6e, 4e, 2nd) menée dans le cadre d’un projet dirigé par C. Doquet et l’Institut du Genre. À partir d’une continuation de texte de Bernard Friot, la mobilisation des représentations genrées et du « déjà-là » des « connaissances ignorées » (Penloup, 2007) permet d’identifier chez les élèves des processus de textualisation posant les bases d’une implication genrée du scripteur. Cette étude expérimentale qualitative, analysée selon des critères linguistiques, littéraires et sociologiques, pose ainsi les bases d’un renouvellement de la production écrite, par l’introduction de propositions favorisant la générativité du sujet scripteur (Lafont-Terranova & Petitjean, 2020 ; Le Goff & Larrivé, 2018). Les principes en seront examinés dans l’optique de la didactique de la littérature, en identifiant distinctement comment s’y trouvent complétées les visées interprétatives et esthétiques, classiques des productions littéraires, au bénéfice d’indices d’une identité narrative en construction (Shawky-Milcent, Billant Rannou, Le Goff & Lacelle, 2020) et d’un régime artistique autorisant l’invention et le détournement (Chabanne & Dufays 2011 ; Chabanne, 2018). La notion de « subversion nécessaire » mobilisée dans les recherches sur l’écriture numérique (Saemmer, 2011) en complètera la description.

International audience; In his literary artwork entitled Of One Woman or So, by Olivia N’Gowfri, Kabe Wilson recycles A Room of One’s Own into a portrait of the artist as a young, working-class, lesbian and mixed-race woman, throughout which Olivia N’Gowfri – the autodiegetic narrator and embedded creator of Wilson’s novella – battles with Woolf’s tutelary status while she reads A Room of One’s Own for the first time. This chapter argues that in laying emphasis on Olivia’s ambivalent (af)filiation with Woolf while foregrounding Woolf’s status of feminist and literary icon, Of One Woman or So, by Olivia N’Gowfri recycles, or even upcycles, the iconic Woolf that has been constituted by readers, literary critics and popular culture.

Cet article envisage le traitement de la parole proverbiale dans une réécriture de l’Ovide moralisé. L’art du proverbe permet à son auteur de tisser un système axiologique et de défendre sa propre vérité du texte ovidien, à travers une joute proverbiale avec d’autres traducteurs ou lecteurs d’Ovide, tels que l’auteur de l’Ovide moralisé original, Jean de Meun et l’auteur de la Clef d’amors. À l’inverse il exprime la même opinion que Christine de Pizan., This article considers the treatment of proverbial speech in a rewriting of Ovide moralisé. The art of the proverb allows its author to weave an axiological system and to defend his own truth about the Ovidian text, through a proverbial joust with other translators or readers of Ovid, such as the author of the original Ovide moralisé, Jean de Meun, and the author of the Clef d’amors. Conversely, he offers the same opinion as Christine de Pizan.

Dans le sous-titre de sa pièce Louise, Aloysius Bertrand affirme imiter le théâtre de Madame Campan. Cette réécriture n’est pourtant pas le simple plagiat d’une comédie pour jeunes filles : l’hybridation générique qui la caractérise, la modification majeure qu’opère Bertrand en amputant la fin de manière à rendre la pièce bancale, de même que l’exaltation de la marginalité, en font une œuvre singulière qui s’ancre pleinement dans un certain romantisme et dans la poétique bertrandienne., In the subtitle of his play Louise, Aloysius Bertrand claims to imitate Madame Campan’s theater. Nevertheless, this rewriting is no mere plagiarism of young girls’ comedy: its generic hybridization, the major modification Bertrand performs when he cuts the end in such a way as to make the play lopsided, and the exaltation of marginality confirm that it is a singular play which fully belongs to a certain type of Romanticism and to Bertrand’s poetics.

Shared Dream, Rewritten Dream : The Circulation of Desire in a Chinese Classical Tale. This article is an analysis of a 17th-century Chinese tale, which is one of the many rewritings of a single dream narrative. This version is original in so far as it shifts the main perspective, so that the message of the dream replies to the one of the previous textual version. This collection of texts allows a “ circulation” of this dream, which one may define “collective” – because it is shared both by several characters and by several authors., Cet article se veut une analyse d’un conte chinois du xviie siècle, qui est l’une des multiples réécritures d’une même histoire onirique. Cette version présente l’originalité de faire varier la position subjective dominante, donnant ainsi lieu à un rêve dont le message répond à celui de la version textuelle antérieure. L’ensemble des textes suscite ainsi la « circulation » de ce rêve que l’on peut qualifier de « collectif » – du fait qu’il est partagé tant par plusieurs personnages que par plusieurs auteurs., Sueño compartido, sueño reescrito : circulación del deseo en un relato de la China clásica. Este artículo analiza un cuento chino del siglo xvii, una de las múltiples versiones de la misma historia de un sueño. La originalidad de esta versión está en el cambio de la posición subjetiva dominante, dando lugar a un sueño cuyo mensaje responde al de la versión textual anterior. La colección de textos da lugar a una “circulación” de este sueño que se puede describir como “colectivo”, dado que lo comparten distintos personajes y distintos autores., Lucas Aude. Rêve partagé, rêve réécrit : circulation du désir dans un conte de la Chine classique. In: Communications, 108, 2021. La circulation des rêves. pp. 203-213.

L’introduction dresse un état de la recherche des quinze dernières années sur les sources des réécritures d’Ovide du XIIe au XVe siècle : éditions des commentaires médiévaux des Métamorphoses et des Héroïdes, analyses des modèles latins des traductions vernaculaires. La journée de 2018, « Ovide dans la Romania médiévale », s’est centrée sur les commentaires latins et les traductions en langue d’oïl, en castillan, catalan et italien (XIIIe-XVe siècle). Le présent dossier en constitue les actes., This introduction outlines the last fifteen years of research on the sources of rewritings of Ovid from the twelfth to the fifteenth century: editions of medieval commentaries on the Metamorphoses and the Heroides, as well as analyses of the Latin models for vernacular translations. The 2018 event “Ovide dans la Romania médiévale” focused on Latin commentaries and translations into langue d’oïl, Castilian, Catalan, and Italian (thirteenth–fifteenth century). This special report presents the proceedings.

Le choc induit par l’irruption des enfants-spectres remet en cause l’ordre rationnel du monde, avant de le restaurer et de le subsumer : Catherine Brighton montre un jeune naufragé du futur, John Ajvide Linqvist s’interroge sur les conditions de survie des vampires, Jean-Claude Mourlevat imagine un adolescent des années 1990 confronté aux fantômes de l’occupation et de la Shoah. Ces diverses scénographies dessinent une forme de typogenèse des « enfants de la Nuit »., In the works of these authors, the shock of the sudden emergence of child-specters challenges the rational order of the world before restoring and subsuming it: Catherine Brighton gives a portrait of a young castaway from the future, John Ajvide Linqvist considers the conditions necessary for the survival of vampires, and Jean-Claude Mourlevat imagines a teenager from the 1990s faced with the ghosts of the Nazi Occupation and the Holocaust. This diverse array of scenographies creates a kind of typogenesis of the “children of horror.”

International audience; En proposant une réécriture de l'Iliade en douze livres et en alexandrins, Houdar de La Motte relance la Querelle des Anciens et des Modernes. Anne Dacier accuse le poète Moderne de défigurer et dénaturer Homère et de contribuer à la corruption du goût. Indéniablement, La Motte se livre à une appropriation singulière de l'Iliade. Au-delà de la polémique, cet article entend rendre compte des principes poétiques et esthétiques qui ont guidé cette appropriation, empruntant à la tragédie, à l'opéra et même à l'esthétique galante. Le résultat est sans aucun doute "original" comme l'ont souligné les contemporains de l'écrivain.

Roland Dorgelès, écrivain prolixe, travaillé voire rongé par un petit nombre d’idées qui reviennent sans cesse sous sa plume, n’aura de cesse, au long de sa longue carrière, de s’auto-plagier. Ce travail explore la place importance que tient, dans ce processus créatif, ce que nous appelons l’auto-réécriture. L’analyse des différentes auto-réécritures éclaire non seulement la manière dont Dorgelès crée, mais aussi une grande partie des craintes, des angoisses et des espoirs de l’auteur., Roland Dorgelès, a prolific writer, preoccupied and even gnawed at by a small number of ideas that kept coming out of his pen, would constantly plagiarize himself throughout his long career. This work explores the importance of what we call self-rewriting in this creative process. Analysis of different forms of self-rewriting sheds light not only on the way Dorgelès creates, but also on many of the author’s fears, anxieties, and hopes.

International audience; À l'origine du célèbre film d'Alfred Hitchcock, Vertigo, se trouve un roman policier signé Boileau-Narcejac, Sueurs froides : D'entre les morts, et dont l'intrigue se déroule en France durant l'Occupation. En reprenant certains éléments du roman, Bertrand Bonello propose, avec Madeleine d'entre les morts, de revisiter le film pour examiner conjointement les mécanismes de représentation cinématographique et littéraire. De Hitchcock à Bonello, la critique du regard semble constituer le moteur de l'adaptation, qui se concrétise avec des opérations d'intensification, de réécriture et de déplacement. En analysant l'engrenage intermédial qui en résulte, l'article éclaire les causes du retour au mode d'expression verbal et les motifs du détour par le dispositif visuel, tels qu'ils constituent la pratique d'adaptation de Bonello.

International audience; Voltaire revisite l’inceste, topos repris par Crébillon, en le traitant comme la machination machiavélique d’un homme. L’amour adelphique, moteur de l’action, devient le symbole de la vertu persécutée par le fanatisme religieux. On ne peut que constater le traitement théâtral singulier de l’inceste adelphique, transformé par déplacements et détournements en outil dramaturgique dans la lutte contre les superstitions.

L’édition intégrale de Perceforest (1528) n’a guère été étudiée. Pourtant elle constitue une tentative éditoriale intéressante, du fait de la longueur du texte publié. En analysant son paratexte, sa présentation, la table des matières et quelques menues modifications textuelles, il est possible de mettre en évidence la place que cette édition occupe dans le paysage éditorial. Témoignant d’une nette désarthurianisation du texte, cette édition a certainement préparé le lecteur à accueillir Amadis.

The Mémoires d’Anne-Marie de Moras, published in 1739 by novelist Mouhy, takes up a criminal case of the years 1737 to 1739, when the Count of Courbon and his accomplices were charged with bride-kidnapping of the young narrator. She presents her version to a benevolent friend of hers and at the same time to every reader in order to obtain a more comprehensive judgement than the general one. This rewriting of judicial texts speaks of coincidence from its various angles, but quite generally reveals it as so-called coincidence and plot with Anne-Marie as the victim. If her story does support the charge of bride-kidnapping, the allusions to dramatic art, which must be allocated to the author rather than to the narrator, stretch her mother’s part. The conditions of constraint writing that the text exposes from the very beginning might explain this proceeding, which aims at preserving oneself from life contingency reason. Having failed during the events, reason succeeds in guiding their narrative at least., Le roman du chevalier de Mouhy intitulé Mémoires d’Anne-Marie de Moras (1739) rebondit sur une affaire criminelle des années 1737 à 1739 dans laquelle le comte de Courbon et ses complices sont accusés de rapt de séduction sur la jeune fille narratrice. Celle-ci expose sa version des faits à une amie et la soumet ainsi à tout lecteur en vue d’un jugement plus compréhensif que celui du public. Dans cette réécriture de témoignages et pièces judiciaires, le hasard est thématisé sous différentes facettes, mais se révèle largement comme un « hasard prétendu » recouvrant les diverses machinations dont Anne-Marie serait la victime. Si son récit étaye l’accusation en rapt de séduction, les emprunts au genre dramatique, qu’il faut attribuer à l’auteur plutôt qu’à sa narratrice, mettent en relief le rôle de la mère. Les conditions de l’écriture à contrainte que le texte affiche dès le début peuvent expliquer la démarche consistant à vouloir se préserver des contingences de la vie par l’usage de la raison. Celle-ci se révèle ainsi guider sinon les événements eux-mêmes du moins leur appropriation narrative.

International audience; Comment évaluer l'écriture créative à l'université? Comment faire de l'évaluation un outil formateur dans l'enseignement de l'écriture créative en études anglaises? Ce chapitre présente une approche pédagogique développée par les auteurs avec leurs étudiants, et un contrôle continu progressif, adapté au travail de réécriture de projets d’écriture collective en anglais.

Deux récits d’Aharon Appelfeld ont de nombreux points communs : le premier (Tsili, 1983) s’adresse à un lectorat adulte tandis que le second (Adam et Thomas, 2014) est destiné aux enfants. Cette étude s’attache à la question de la nécessaire fictionnalisation de la Shoah en se fondant sur le dialogue ainsi que sur les variations entre ces deux œuvres.

L’article compare la diffusion de Perceforest, qui a été traduit en italien et en espagnol sans grand succès, et a inspiré une pièce élisabéthaine, Clyomon et Clamydes, à celle d’Artus de Bretagne, qui a été souvent imprimé en France à la Renaissance, dont la traduction en anglais par Lord Berners a connu plusieurs éditions, et qui a peut-être influencé Spenser dans La Reine des Fées, et certainement la Saga de Rémundar. Les romans néo-arthuriens ont connu des diffusions très diverses.

Roxana (1724) est le dernier « roman criminel » de Daniel Defoe – ou du moins est-il désigné comme tel aujourd’hui par un pan de la critique. La question du genre littéraire est problématique lorsque l’on s’intéresse aux récits criminels écrits par Defoe dans les années 1720 puisqu’il a écrit à la fois des histoires de criminels ayant vraiment existé comme John Sheppard, Moll King ou les femmes pirates Ann Bonny et Mary Read et des histoires fictionnelles largement inspirées par les nombreux types d’écrits criminels à cette époque. En observant les emprunts à ces multiples genres criminels, la réécriture et l’auto-réécriture, cet article proposera une lecture des biographies et autobiographies de John Sheppard et de Roxana afin de réfléchir à « l’écriture criminelle » de Defoe : une écriture qui témoigne du passage de la biographie criminelle à l’autobiographie criminelle ou spirituelle et qui aboutira au genre du novel. Roxana (1724) is Daniel Defoe’s last “criminal novel” – or at least it is designated as such nowadays by some critics. The issue of literary genre is problematic when we talk about the criminal narratives written by Defoe in the 1720s since he wrote both histories of criminals who actually existed, such as John Sheppard, Moll King and the female pirates Ann Bonny and Mary Read, and fictional histories that were clearly inspired by a variety of criminal writings at that time. Drawing upon observations on the way Defoe borrowed from existing criminal genres, rewrote them and rewrote some of his own narratives, I would like to propose an examination of the biographies and autobiographies of John Sheppard and Roxana in order to think about Defoe’s “criminal writing”, that shifted from criminal biography to criminal or spiritual autobiography and that led to the novel.

International audience; Le texte de Shakespeare a été remanié par de nombreux auteurs et médias et, depuis le XIXe siècle, celui-ci a aussi été modifié pour les enfants. Cet article se propose d’analyser six réécritures de Roméo et Juliette dans les albums pour enfants, dont trois en langue anglaise et trois en français. Dans une écriture à quatre mains, nous examinons la façon dont le texte a été changé à la fois au niveau de la forme (du vers à la prose et du théâtre à la fiction) et du fond pour intéresser et captiver un jeune public qui découvre Shakespeare parfois pour la première fois. L’élément pictural ainsi que la place de l’amour charnel, de la violence et de la mort dans ces albums sont également étudiés.

Children’s literature in Iran has its roots in the millennial long traditions of story telling in the region. Although, the field as it is perceived today, is relatively young, it has been rapidly evolving and growing starting mostly in the 1960s. We have studied and present this contemporary form of children’s literature as it developed up to advent of the Islamic Revolution in Iran. To do this, we first had to look for the origins of the contemporary literature, and second, to comb through the evolution of the new form and the modalities of this genesis. This justifies the division of the thesis in two parts. First history and second the contemporary literature up to 1978. The youth of Iran, endowed with a rich literary heritage, have always benefited form and been a part of the literature. The original forms of this children’s literature were mostly oral story telling, but inseparable from the classic Persian literature. Some of this oral tradition was written down in small «Books of advises/ Advise books ». These types of books have an ancient origin in Iran dating back to ancient Persia. The moralizing and educational texts of these books compose a part of the Persian literary heritage. The objective of these texts aimed at children was introducing them to the habits and customs, to impart their savoir-vivre and ethics. The book Zadan Farrokh among others’ is a good example. After the advent of Islam in Iran, 6th century AD, many Persian literary works emerged, in part as a response to the ban placed on Persian language by the Arab-speaking invaders. Far from being created exclusively for the youth, these works aimed to pass on the oral story-telling tradition in a literary form. Soon, they began to emerge as didactic books for teaching children. “Gulistan” and “Kalileh va Demneh” are among the works claiming the largest share. These texts set the foundation for the creation of semi-formal handwritten texts for teaching literature to children and adolescents of the elite. Over the centuries these works fostered the formation of the separate field of children’s literature. Modern texts written exclusively for children, however, did not appear until the middle of the 20th century. As for children’s literature today, it is composed of three categories of texts: original works by contemporary writers, rewriting of Persian classical works, and translations of international children’s literature. There is a triangular relationship between the creators of the children’s books, the culture, and the younger generation. In order to better understand this evolution and development of the current children’s literature, we looked at historical events that may have had significant impacts on this literature. We also studied the reuse of the Persian traditions for creating children’s books from classical and folkloric works. The tendency to rewrite the old texts does indeed prove the notion of nationalized identity. Persian language and traditions have survived the vagaries of history, among others, thanks to the versification that manifests itself as powerful in children’s literature as that of adults. In sum, we have been able to demonstrate the process of evolution in the field of children’s literature in Iran. Starting from a distant past in order to shed light on its new form in the twentieth century.; Bien que la littérature de jeunesse persane, au sens propre du terme, ait vu le jour dans les années 60, les racines de cette branche ramifiée se trouvent dans la tradition millénaire de ce pays. Dans ce travail de recherche, nous avons présenté sa nouvelle forme depuis le début du XXe siècle jusqu’à l’avènement de la République Islamique en Iran. Pour ce faire, il nous a fallu, premièrement, chercher les origines de sa version contemporaine, deuxièmement, passer au peigne fin la naissance de la nouvelle forme et les modalités de cette genèse, ce qui pourrait justifier la division en deux parties de cette thèse : son historique et sa nouvelle forme jusqu’en 1978. La jeunesse de ce pays, doté d’un patrimoine littéraire très riche, en a toujours bénéficié pour avoir sa part de littérature : la littérature de jeunesse. Certes, les premières formes de cette littérature ont été orales et inséparables de la tradition persane. La création des textes destinés aux enfants et aux adolescents a une origine très ancienne en Iran remontant à la Perse Antique. Les textes moralisants et éducatifs présentés dans les « Carnets de Conseils » nous ont été laissés comme héritage. Ces textes destinés aux jeunes avaient comme objectif d’initier ces derniers aux us et coutumes de leur pays, de leur transmettre le savoir-vivre sans oublier l’éthique. Le livre ZadanFarrokh,(زادان فرخ) entre autres, en est un bel exemple. Après l’avènement de l’Islam en Iran, de nombreuses œuvres littéraires, loin d’avoir été créées spécialement pour la jeunesse, se sont servies des livres didactiques destinés à l’enseignement des enfants, La Roseraie (گلستان سعدی) et Kalila et Dimna (کلیه و دمنه) en constituant la plus grande part. Quant à la littérature de jeunesse de nos jours, elle est constituée de trois catégories de texte : des productions originales d’écrivains contemporains, des traductions de la littérature mondiale pour la jeunesse et des réécritures d’œuvres classiques persanes. Comme il existe une relation triangulaire entre les créateurs des œuvres de jeunesse, la société et la jeune génération, pour mieux aborder la nouvelle forme, nous avons jeté un coup d’œil sur les événements ayant eu des impacts considérables sur cette littérature. En somme, nous avons pu démontrer l’évolution de la littérature pour la jeunesse persane depuis un passé lointain afin de mettre la lumière sur sa nouvelle forme au XXe siècle. Nous avons également cerné la réutilisation de la tradition persane pour la création des œuvres pour la jeunesse à partir des œuvres classiques et folkloriques. La tendance de réécrire les anciens textes fait bel et bien preuve de la notion d’identité nationale. Un autre point abordé, c’est que la langue et les traditions persanes ont survécu à des aléas de l’Histoire, entre autres, grâce à la versification qui se manifeste aussi puissante dans la littérature de jeunesse que celle des adultes

Children’s literature in Iran has its roots in the millennial long traditions of story telling in the region. Although, the field as it is perceived today, is relatively young, it has been rapidly evolving and growing starting mostly in the 1960s. We have studied and present this contemporary form of children’s literature as it developed up to advent of the Islamic Revolution in Iran. To do this, we first had to look for the origins of the contemporary literature, and second, to comb through the evolution of the new form and the modalities of this genesis. This justifies the division of the thesis in two parts. First history and second the contemporary literature up to 1978. The youth of Iran, endowed with a rich literary heritage, have always benefited form and been a part of the literature. The original forms of this children’s literature were mostly oral story telling, but inseparable from the classic Persian literature. Some of this oral tradition was written down in small «Books of advises/ Advise books ». These types of books have an ancient origin in Iran dating back to ancient Persia. The moralizing and educational texts of these books compose a part of the Persian literary heritage. The objective of these texts aimed at children was introducing them to the habits and customs, to impart their savoir-vivre and ethics. The book Zadan Farrokh among others’ is a good example. After the advent of Islam in Iran, 6th century AD, many Persian literary works emerged, in part as a response to the ban placed on Persian language by the Arab-speaking invaders. Far from being created exclusively for the youth, these works aimed to pass on the oral story-telling tradition in a literary form. Soon, they began to emerge as didactic books for teaching children. “Gulistan” and “Kalileh va Demneh” are among the works claiming the largest share. These texts set the foundation for the creation of semi-formal handwritten texts for teaching literature to children and adolescents of the elite. Over the centuries these works fostered the formation of the separate field of children’s literature. Modern texts written exclusively for children, however, did not appear until the middle of the 20th century. As for children’s literature today, it is composed of three categories of texts: original works by contemporary writers, rewriting of Persian classical works, and translations of international children’s literature. There is a triangular relationship between the creators of the children’s books, the culture, and the younger generation. In order to better understand this evolution and development of the current children’s literature, we looked at historical events that may have had significant impacts on this literature. We also studied the reuse of the Persian traditions for creating children’s books from classical and folkloric works. The tendency to rewrite the old texts does indeed prove the notion of nationalized identity. Persian language and traditions have survived the vagaries of history, among others, thanks to the versification that manifests itself as powerful in children’s literature as that of adults. In sum, we have been able to demonstrate the process of evolution in the field of children’s literature in Iran. Starting from a distant past in order to shed light on its new form in the twentieth century., Bien que la littérature de jeunesse persane, au sens propre du terme, ait vu le jour dans les années 60, les racines de cette branche ramifiée se trouvent dans la tradition millénaire de ce pays. Dans ce travail de recherche, nous avons présenté sa nouvelle forme depuis le début du XXe siècle jusqu’à l’avènement de la République Islamique en Iran. Pour ce faire, il nous a fallu, premièrement, chercher les origines de sa version contemporaine, deuxièmement, passer au peigne fin la naissance de la nouvelle forme et les modalités de cette genèse, ce qui pourrait justifier la division en deux parties de cette thèse : son historique et sa nouvelle forme jusqu’en 1978. La jeunesse de ce pays, doté d’un patrimoine littéraire très riche, en a toujours bénéficié pour avoir sa part de littérature : la littérature de jeunesse. Certes, les premières formes de cette littérature ont été orales et inséparables de la tradition persane. La création des textes destinés aux enfants et aux adolescents a une origine très ancienne en Iran remontant à la Perse Antique. Les textes moralisants et éducatifs présentés dans les « Carnets de Conseils » nous ont été laissés comme héritage. Ces textes destinés aux jeunes avaient comme objectif d’initier ces derniers aux us et coutumes de leur pays, de leur transmettre le savoir-vivre sans oublier l’éthique. Le livre ZadanFarrokh,(زادان فرخ) entre autres, en est un bel exemple. Après l’avènement de l’Islam en Iran, de nombreuses œuvres littéraires, loin d’avoir été créées spécialement pour la jeunesse, se sont servies des livres didactiques destinés à l’enseignement des enfants, La Roseraie (گلستان سعدی) et Kalila et Dimna (کلیه و دمنه) en constituant la plus grande part. Quant à la littérature de jeunesse de nos jours, elle est constituée de trois catégories de texte : des productions originales d’écrivains contemporains, des traductions de la littérature mondiale pour la jeunesse et des réécritures d’œuvres classiques persanes. Comme il existe une relation triangulaire entre les créateurs des œuvres de jeunesse, la société et la jeune génération, pour mieux aborder la nouvelle forme, nous avons jeté un coup d’œil sur les événements ayant eu des impacts considérables sur cette littérature. En somme, nous avons pu démontrer l’évolution de la littérature pour la jeunesse persane depuis un passé lointain afin de mettre la lumière sur sa nouvelle forme au XXe siècle. Nous avons également cerné la réutilisation de la tradition persane pour la création des œuvres pour la jeunesse à partir des œuvres classiques et folkloriques. La tendance de réécrire les anciens textes fait bel et bien preuve de la notion d’identité nationale. Un autre point abordé, c’est que la langue et les traditions persanes ont survécu à des aléas de l’Histoire, entre autres, grâce à la versification qui se manifeste aussi puissante dans la littérature de jeunesse que celle des adultes

The rewriting on an ancient subject constitutes a type of multiform writing whose presence in the cultural and literary milieu transcends all eras. In particular, the rewriting of ancient Greek dramas – whether in the form of adaptation, translation or new literary creation inspired by the ancient hypotexts – is an act of constant “ transgression ” against the old hypotexts that not only revives the interest for the ancient tragedies in the contemporary period, but also expands and updates their meaning into new cultural spaces.Starting from this point, our research questions the place and the vision of the tragic in the present time starting from the works of rewriting which take up the literary myth of the three Sophoclean Theban dramas : Antigone, Oedipus Rex and Oedipus at Colonus. For this purpose, we examine texts resulting from two forms of rewriting – rewritings-dramatic adaptations and rewritings-translations – in order to identify by what transformations and reconstructions the authors in France and in Greece intervene on the ancient material to re-question the tragic subjects in the 20th and 21st centuries. As any remodeling operation is carried out through a series of aesthetic modes, we focus in particular on these modalities that the authors use in order to re-articulate the tragic in the contemporary time. In this context, we examine, on one hand, how the voice of the translators of Sophocles is reflected in the expression of the tragic, mainly on a stylistic and linguistic level ; on the other, how dramatists have reported their own versions of the tragic through a double reconstruction of the tragic literary myth : structural and thematic. However, these generically called “ tragic ” modalities are not strictly divided into either stylistic or structural and thematic modalities, but they often interwine so as to become two tools used by translators as well as by dramatists, each time conforming to the French or Greek historical and cultural space where they appear. Thus, they turn out to be the main tools for both types of authors who develop their vision on the tragic issues, products of a certain unique voice and historical environment.; La réécriture à sujet antique constitue un type d’écriture qui revêt de multiples formes et dont la présence dans le milieu culturel et littéraire traverse toutes les époques. En particulier, la réécriture des drames antiques grecs – que ce soit sous forme d’adaptation, de traduction ou de création littéraire nouvelle inspirée des hypotextes anciens – est un acte de « transgression » constante contre les anciens hypotextes qui non seulement réanime l’intérêt pour les tragédies antiques à l’époque contemporaine mais également élargit et réactualise leur sens en retraitant les questions antiques dans de nouveaux espaces culturels.En partant de ce point, notre recherche interroge la place et la vision du tragique dans l’époque actuelle à partir de la réécriture du mythe littéraire des trois drames thébains sophocléens : Antigone, Œdipe roi et Œdipe à Colone. Pour cela, nous examinons des textes issus de deux types de réécritures – les réécritures dramaturgiques et les réécritures-traductions – afin de repérer par quels travestissements et par quelles reconstructions les auteurs en France et en Grèce interviennent sur le matériau antique pour requestionner les sujets tragiques aux XXe et XXIe siècles. Comme toute opération de remodelage est réalisée à travers une série des modes esthétiques, nous nous penchons en particulier sur ces modalités que les auteurs utilisent dans l’objectif de réarticuler le tragique à l’époque contemporaine. Dans ce cadre, nous examinons d’une part, comment transparaît dans l’expression du tragique la voix des traducteurs de Sophocle, sur un plan principalement stylistique et langagier ; de l’autre, comment les dramaturges ont fait état de leurs propres versions du tragique par une double reconstruction du mythe littéraire tragique : structurelle et thématique. Or ces modalités dites globalement « tragiques » ne sont pas strictement réparties en modalités soit stylistiques soit structurelles et thématiques mais s’entremêlent souvent de sorte à devenir deux outils employés autant par les traducteurs que par les dramaturges, conformes à chaque fois à l’espace historique et culturel – français ou grec – où elles apparaissent. Ainsi, elles s’avèrent être les principales armes pour les deux types d’auteurs qui déploient une réflexion sur les questionnements tragiques, produit d’une certaine voix singulière et d’un certain environnement historique.

International audience; La Commémoration s’inscrit dans cette poétique du continu mise en œuvre par le jeu alterné des voix et leur tressage : ainsi se donne à percevoir la « voix de la prose, qui est une énergie impulsée par la syntaxe » . Après avoir observé comment les formes énonciatives participent de l’« énergie motrice » de l’écriture, relient les temporalités, « fabriquent des liens », l'étude montre comment le lecteur devient ce lieur dont la mémoire discursive est sollicitée, mémoire où résonnent les échos d’autres textes de Jean-Paul Goux mais aussi ceux d’autres écritures dont le souvenir se lit en filigrane.

International audience; La réécriture est l’un des leviers sur lequel le maitre peut jouer pour aider les élèves à prendre de la distance vis-à-vis de leurs écrits. Elle peut se concevoir comme un retour sur leurs productions mais aussi comme une nouvelle écriture en lien avec l’apport de textes littéraires, une auto-réécriture par hypertextualité. Le propos de cette communication est de revisiter le concept de réécriture en le confrontant, du point de vue de la réception, à ceux d’intertextualité et d’objet sémiotique secondaire, et du point de vue de la production, à ceux d’écriture, de révision et de récriture.

Le Magasin des enfants (1756) de Leprince de Beaumont inclut une Bible pour la jeunesse, qui repose sur une réécriture oralisée des épisodes les plus connus de l’Ancien Testament. L’histoire d’Adam, que nous examinons précisément, est représentative à la fois de la technique du retelling et de la fonction pragmatique du discours. La paraphrase se fait parabole, de façon à inclure le lecteur dans son dispositif et dévoiler le fonctionnement de la lecture. L’histoire doublée d’un conte, qui s’avère être une allégorie de la lecture, expose alors implicitement les conditions de l’herméneutique biblique. The Magasin des enfants (1756) by Leprince de Beaumont includes a Bible for children, based on an oralised rewriting of the famoust stories of the Old Testament. The story of Adam, we closely examine, is both representative of the skill of retelling and of the discursive pragmatic function. This paraphrase, which is also a parable, includes the reader in its device and reveals the functioning of reading. The story, coupled with a tale that turns out to be an allegory of reading, implicitly displays the conditions of biblical hermeneutics.

Chinese stories in vernacular language are often based on earlier texts written in the classical language. Between these two aspects of the written Chinese language, there are rewriting operations that can be described in terms of "intralingual translation". Authors of fictional narratives have made extensive use of such processes because they present particular qualities that they have been looking for. The presentation presents the main characteristics of this manner of story-writing. It takes as an illustration stories sharing the theme of suicide., Les récits chinois en langue vulgaire sont souvent produits à partir de textes antérieurs écrits en langue classique. Entre ces deux aspects de la langue chinoise écrite, on assiste à des opérations de réécriture qui peuvent être décrits en termes de ”traduction intralinguale”. Les auteurs de récits fictions ont beaucoup recouru à de telles procédés car ils possèdent certaines qualités particulières qu’ils recherchaient. L’exposé présente les principales caractéristiques de cette manière d’écrire des histoires. Il prend pour illustration des récits réunis autour du thème du suicide.

En 2013, Soleil productions, éditeur phare de la BD fantasy, accueillait un nouveau cycle, Les Fables de l’Humpur, d’après le roman de Bordage. Une adaptation des Guerriers du silence existait déjà ; mais cette fois, Bordage s’empare lui-même du métier de scénariste BD ‒ médium qui hybride texte et image en collaboration avec le dessinateur et les coloristes. L’écriture de scénario est corsetée par des contraintes matérielles sans commune mesure avec l’écriture romanesque ; il s’agit de produire du texte pour l’image, mais aussi pour un cadre rigide ‒ planches et doubles planches, coulées dans des albums au format fixe, à l’unité propre. Ainsi, la rigoureuse organisation en Livres et Chapitres du roman a été rebrassée, le fil subtil des « fabliaux » a trouvé sa place ailleurs, autrement. Ces nouvelles bornes structurelles font écho aux mouvantes frontières corporelles et géographiques de ce grand récit de quête : d’où négociations, recréation, heureuses trouvailles. Ce roman de l’hybridation ‒ génétique, générique ‒, ce roman « impur » se prêtait idéalement à l’expérience : non pas celle d’une auto-adaptation, mais celle d’une vraie création intermédiale et collective. In 2013, Soleil productions, specialized in fantasy comics, published Les Fables de l’Humpur by Pierre Bordage (scripter) and Olivier Roman (cartoonist), adapted from Bordage’s novel (1999). A former novel has been yet converted in strips by another artists (Les Guerriers du silence) ; but here, Bordage practises a new job, graphic novelist ; for this medium crosses text and drawing, involving a collective work with the drawer and the colourists. As the script writer, Bordage has many new constraints : he produces now text for picture, and also for a stiff framework : page and double page layout ; pre- formatted comic books with their own unity ; etc. So the accurate pattern of the novel, divided into « Livres » and « Chapitres », has been reshuffled ; so the initial « fabliaux » must be placed elsewhere, otherwise. Those new narrative frontiers find an echo with the corporal and geographical frontiers, in this great quest tale ‒ in return, there’s bargain, recreation, lucky find. These « impures » Fables de l’Humpur where really a genetic and generic hybridization novel : it’s especially befitting not a mere auto-adaptation, but an actual intermedial and co-operative creation.

International audience; https://journals.openedition.org/polysemes/5010 (online link)Wild, Wild Erie is the third book by the contemporary Irish poet Paul Durcan, the poems of which are inspired by a museum collection (namely here the Toledo Museum of Art, Ohio). In this collection, the poet deconstructs and reconstructs the museum space and the American Wild West myth. He adopts the stance of a new type of cowboy, one who is able to blur or transcend geographical, temporal or generic frontiers through ekphrasis. The poet wants to extend, transform or bring down limits and forms of categorization. He explores new space, bringing the reader along with him on a new journey. He also plays with frames and labels. Throughout the book, everything is in a state of perpetual transformation and the poet simultaneously or successively appears as an explorer, a “gallery-tripper”, an “art-nerd”, a scholar/a “Volunteer Teacher and Guide”, an enchanter/“Stellar Manipulator”. He de-frames the works of art before reproducing them on the open free space of a large, wide margin where one can dream freely. Nonetheless, each of these poems can be conceived as a new frame, as a new parergon (to use Derrida’s concept), both a part of the artwork and exterior to it, both extending it and delineating it. Durcan lists, identifies and categorises the works, as in a museum catalogue. He influences and slants the reader’s way of looking at the works of art. Wild, Wild Erie is a new, alternative museum guide, an invitation to true enjoyment of museums and a rejection of mere tourist consumerism of art. Ekphrasis becomes a new form of “intercourse”, a real exchange between words and image leading to intense pleasure. Through poems and images, Paul Durcan builds a new temple, a cathedral where he reasserts his faith in art and invites the reader to come and pray, smile, imagine, or love.; https://journals.openedition.org/polysemes/5010 (lien vers article en ligne)Wild, Wild Erie est le troisième recueil du poète irlandais contemporain Paul Durcan. Il se compose de poèmes ekphrastiques inspirés par la collection d’un musée (en l’occurrence, le Toledo Museum of Art, Ohio). Dans ce recueil, le poète déconstruit et reconstruit l’espace muséal et le mythe de l’Ouest sauvage américain. Il se présente comme un nouveau cowboy qui, par le biais d’ekphraseis, vient brouiller voire transcender la notion de frontières, que celles-ci soient génériques, géographiques ou temporelles. Or le poète ne tente pas seulement de dépasser la notion de limites, d’explorer de nouveaux chemins et d’y entraîner le lecteur, il joue aussi avec les cadres, les étiquettes et les dénominations. Il crée un espace où rien n’est fixe, où tout est en constante évolution, espace à travers lequel le poète peut être perçu à la fois et tour à tour comme visiteur/explorateur, amateur d’art, érudit, « professeur », « guide » ou enchanteur/« allumeur d’étoiles ». Il dé-cadre les œuvres picturales et sculpturales avant de les reproduire sur l’espace de la page blanche, ne mettant aucune barrière entre l’œuvre et la marge, espace ouvert à la rêverie. Cependant, chacun de ces poèmes peut être conçu comme une nouvelle sorte de cadre, comme un parergon, pour reprendre le terme de Derrida, extérieur aux œuvres tout en en faisant partie, les prolongeant et les délimitant. Durcan classe les œuvres, comme dans un catalogue de musée. Il oriente et recadre le regard du lecteur. Le recueil devient une sorte de guide de musée alternatif, une invitation à la jouissance et un rejet d’une forme de consommation touristique de l’art et du musée. L’ekphrasis établit un nouveau type de relations entre mots et images, une nouvelle forme d’échange qui mène à la jouissance. Paul Durcan construit par le biais de poèmes et d’images un nouveau temple, une cathédrale où il réaffirme sa foi en l’art et invite le lecteur à venir prier, sourire, imaginer, aimer.

Le Voyage au centre de la Terre (novembre 1864) de Jules Verne entretient de nombreuses similitudes avec le Voyage dans le cristal (janvier 1864) de George Sand. Toutefois, la reprise de Jules Verne est loin d’être une copie conforme du texte de l’autrice : ainsi le roman semble se tenir sur cette mince frontière, entre plagiat déguisé et emprunt créatif. C’est bien là tout le problème soulevé par le Voyage au centre de la Terre, et que nous étudions dans ce mémoire. Nous reprenons à H. Maurel-Indart principalement deux des quatre critères d’analyse qu’elle propose sur cette question : le critère quantitatif – qui nous invite à mesurer, dans un premier temps, l’étendue des similitudes entre les Voyages – puis lecritère qualitatif – qui nous pousse lui à confronter l’ampleur de ces ressemblances aux variations significatives entre les textes, afin d’estimer, à terme, si ces dernières peuvent ou non compenser la reprise.

The desert island as a literary theme forms the basis of Defoe’s novel, probably due to the author’s definition therein of a “geographical and mental space” that is conducive to surpassing oneself (Andreescu, 2015). Thus, the Robinsonade is very easily associated with the “problems of survival and isolation on an island cut off from original civilisation” that a child encounters (Dubois-Marcoin, 1997: 5). The genre indeed takes on a didactic role (Leclaire-Halté, 2000) because the challenges once faces on an island enable facing one’s fears, developing expertise in transforming the world in its natural form, and growing up. How do young readers capture the island space, an area of isolation and re-creation, when tasked with a writing assignment? Primary school pupils in the 4th and 5th year were instructed to write a Robinsonade after reading four texts selected from children’s literature. The analysis of 144 texts thereby produced at school led to the drawing of cartography with descriptions of island areas. At the thematic and narrative level, the resumption of sequences such as description by promenade and procedural description (Adam, 2011) can be observed whilst the habitat is being set. The texts contain rich flora references with repeated plant occurrences as their young writers, the pupils, enrich the original texts by alluding to a more varied wild fauna. Nature as benefactor provides food and the material necessary for survival. However, the unknown area also comes with danger and the maritime barrier either forces the Robinson to attempt escaping or compels them to remain on site. Solitude is mentioned along with the memory of civilisation. From an axiological perspective, the description brings traditional representations of a wild area and that of a paradisiacal island into opposition as well as the structuring of those two opposite approaches. Young writers in the making eventually reconfigure the myth of the desert island, with the support of literary texts and that of stereotypes of the genre (Dufays and Kervyn, 2003)., Le topos littéraire de l’ile déserte fonde le roman de Defoe, sans doute parce que l’auteur y définit un « espace géographique et mental » propice au dépassement de soi (Andreescu, 2015). Ainsi, la robinsonnade est très vite associée aux « problèmes de survie et d’isolement dans une ile coupée de la civilisation d’origine » rencontrés par un enfant (Dubois-Marcoin, 1997 : 5). En effet, le genre assume une fonction didactique (Leclaire-Halté, 2000) puisque l’épreuve insulaire permet d’affronter ses peurs, de développer son expertise pour transformer le monde naturel, et de grandir. Comment de jeunes lecteurs confrontés à une tâche d’écriture saisissent-ils l’espace ilien, lieu d’isolement et de re-création ? Des élèves de fin d’école primaire (CM1-CM2) ont reçu pour consigne d’écrire une robinsonnade à partir de la lecture de quatre textes issus de la littérature de jeunesse. L’analyse de 144 textes produits en situation écologique a permis de dégager une cartographie des descriptions de l’espace insulaire. Au niveau thématico-narratif, sont observées la reprise de séquences comme la description-promenade et la description procédurale (Adam, 2011) à l’occasion de la construction de l’habitat. L’évocation d’une flore riche et l’isotopie du végétal sont présentes, alors que les scripteurs ajoutent aux textes littéraires pour évoquer une faune sauvage plus variée. La nature bienfaitrice fournit nourriture et matériaux nécessaires à la survie, mais l’espace inconnu offre aussi ses dangers et la barrière maritime force le robinson à tenter la fuite ou le contraint à y rester. La solitude est évoquée avec le souvenir de la civilisation. Au niveau axiologique, la description oppose des représentations traditionnelles d’un espace sauvage et d’une ile paradisiaque et la mise en tension de ces deux approches. Finalement, les scripteurs apprenants reconfigurent, à l’aide des textes littéraires et des stéréotypes du genre (Dufays et Kervyn, 2003) le mythe de l’ile déserte.

Le ­conte Casse-noisette et le Roi des Rats de Hoffmann paraît initialement dans Les Frères de Saint-Sérapion, encadré par un débat sur ce qui fait la singularité ­d’un ­conte pour enfants. Le texte entre en France détaché du recueil originel ; il est réécrit par Dumas en 1844. La ­comparaison des versions de Hoffmann et Dumas permet de réfléchir à la nature problématique des ­contes pour enfants : le ­conte pourrait bien être en définitive un genre sur ­l’enfance., ­Hoffmann’s tale The Nutcracker and the Mouse king first appears in The Serapion Brethren, framed by a debate about what makes a ­­children’s story unique. The text enters France separated from the original story collection ; it is rewritten by Dumas in 1844. Comparing the versions by Hoffmann and Dumas makes it possible to reflect on the problematic nature of tales for ­children : the tale could very well ultimately belong to a genre about ­childhood.

International audience; Rapidement traduit à travers toute ­l’Europe, le Robinson Crusoé de Daniel Defoe (1719), abondamment réécrit, sert de matrice à un modèle romanesque essentiel des débuts de la littérature de jeunesse, la robinsonnade. ­D’un dialogue plein de liberté avec les prescriptions rousseauistes en matière de fiction pour la jeunesse chez Mme de Montolieu, on passe à ­l’expression ­d’un engagement politique, discret chez Eugénie Foa, plus ­combatif chez les autrices catholiques, Mme Mallès de Beaulieu et Mme Woillez.

International audience; La notice 41 des Métamorphoses d’Antoninus Liberalis est traditionnellement considéréecomme une version du mythe de Céphale et Procris, éventuellement comme une propositionde résumé opérée par un mythographe. Nous souhaitons ici redéfinir avec précision lastratégie narrative et auctoriale d’Antoninus Liberalis : dans un premier temps, unecomparaison avec l’ensemble du corpus montre quelle sélection l’auteur opère pourconstruire un choix calculé de séquences. Ensuite, la relecture de Phérécyde et du Bouclierpseudo-hésiodique illustre les procédés de réécriture mis en œuvre par le mythographe. Unecomparaison avec Ovide montre enfin comment, sur des points stratégiques, AntoninusLiberalis convoque ce dernier et lui répond. L’analyse permet ainsi de réévaluer lepositionnement spécifique d’Antoninus Liberalis et de redéfinir pour ses Métamorphoses ceque que peut être un récit mythographique.

Les Contes de Charles Nodier ont fait ­l’objet ­d’éditions pour enfants dès la première moitié du XIXe siècle. L’œuvre de cet auteur peut ainsi servir de point de départ à une réflexion plus générale sur les spécificités de la littérature de jeunesse, telle ­qu’elle ­s’invente ou se réinvente, en Europe, à ­l’époque romantique., Charles ­Nodier’s Contes were the subject of ­­children’s books beginning in the first half of the nineteenth century. His work can thus serve as a starting point for a more general reflection on the particularities of youth literature as it was invented or reinvented in Europe during the romantic era.

International audience; Aux frontières du théâtre s’offre un vaste espace de réflexion sur les passages linguistiques, historiques ou culturels, qui intéressent la recherche en littérature comparée. Les contributions réunies ici explorent la double dimension, esthétique et politique, d’une approche critique dans laquelle la réception des œuvres dramatiques ouvre des perspectives sur divers échanges relevant de l’intertextualité, de la transgénéricité et de l’intermédialité. La première partie s’attache à décrire les phénomènes d’adaptation et de réécriture, cependant que la deuxième partie place ces derniers sous le signe de l’actualisation et de l’engagement, des termes qui concernent le dramaturge, comme le metteur en scène, le lecteur ou le spectateur.Contributeurs : Mireille Brangé, Yves Chevrel, Guy Ducrey, Myriam Dufour-Maître, Chantal Édet-Ghomari, Ariane Ferry, Chantal Foucrier, Dominique Goy-Blanquet, Kerstin Hausbei, Anne-Rachel Hermetet, Robert Kahn, Isabelle Krzywkowski, Sophie Lucet, Jean-Pierre Morel, Anna Saignes, Régis Salado, Milagros Torres, Pascal Vacher, Karl Zieger.

Panel : "Intralingual Translation Practices And Textual Production In Late Imperial And Early Republican China: New Tools And Approaches"Panel Abstract: "This panel introduces new and updated researches and methodologies in the context of intralingual translation and rewriting applied to Chinese literature. Following the seminal studies on intralingual translation by Korning-Zethsen, in recent years a steady body of literature on reformulation and rewriting practices has emerged in the field of translation studies making it an important issue in translation theory and practice. In the case of Chinese language, the intralingual perspective is particularly valuable in consideration of the complex interrelationship between the classical language and the written vernacular language that characterized the emergence and development of vernacular literature in the premodern period, as well as the position of the classical language and the consolidation of the vernacular language in the early Republican period. This panel proposes new research directions in relations to these aspects. On the one hand, Lanselle’s paper introduces a new tool in digital humanities specifically designed to analyze the textual transformations between classical language sources and vernacular texts in the production of literary narratives in premodern China. Moving to the early Republican period, Bisetto’s paper further develops the research on textual transformations and reverses the direction of the linguistic research by focusing on a lesser-known example of narrative rewriting in classical language of a famous premodern theatrical play, while Sibau examines the strategies that informed the vernacular editions of the classics and the elements of continuity and discontinuity with previous commentarial tradition. Through different perspectives spanning from the premodern period to the early Republican period, this panel aims at stressing the multi-directionality of the dialogical relations between the classical and vernacular languages in the Chinese context, and the important role of translational approaches and methodologies in analyzing these phenomena."Co-panelists abstracts:Barbara BISETTO (Università degli Studi di Verona):"From Drama to Novel: Intralingual Translation and Rewriting in the Xixiang Ji Yanyi""In their historical development the concept of yan 演 and the derived textual category of yanyi 演 義 represented a dynamic combination of practices of commentary, translation, rewriting and adaptation. In recent years, various studies have suggested the relevance of these notions for research on the history of translation in China, focusing on examples of paraphrasing strategies in premodern commentarial notes (Bisetto 2017, 2018), on seventeenth-century vernacular rewriting of classical language sources (Bisetto 2014) or translation of Western learning into Chinese (Hsu 2015), and on the translation of Western short narrative forms during the late Qing and early Republican period (Zhang 2013).Another interesting, although lesser-known, instance of the process of modulation of the yanyi category in relation to translational practices is represented by the rewriting of famous classical plays into novels in classical language, a form that gained short momentum within the context of the Mandarin Ducks and Butterflies literature in the early decades of the twentieth century, thanks to the publication of the work Xixiang ji yanyi 西廂記演義, followed by Taohua shan yanyi 桃花扇 演義 and Pipa ji yanyi 琵琶記演義.This paper examines the first novel, the Xixiangji yanyi written by Yu Xuelun 喻血輪 and published in 1918. This work is particularly important not only because it represented the model for the other novels, but primarily because in the prefatory remarks the author explicitly qualified his endeavor in the rewriting of the original gist of the classical sources in terms of yi 譯 (translation).This paper explores the linguistic and discursive strategies adopted by the author in the rewriting process by undertaking a close comparative analysis of the yanyi text and its classical sources, namely the Tang novella Huizhen ji 會真記, significantly included in the printed edition of the novel, and the Yuan play Xixiang ji by Wang Shifu. The main purpose of the research is to evaluate the linguistic and cultural parameters informing the translational activities implied in the novelistic rewriting and how they are related to the notion of translation in the early Republican period and to the notion of yanyi in premodern literature."Maria Franca SIBAU (Emory University):"Remastering the Master: Vernacular Translations and Commentaries of Mengzi in the Republican Period""At the turn of the twentieth century commercial publishers large and small rushed to produce new vernacular translations and commentaries of the classics in a bid to win a share of the lucrative book market amidst the waves sof curriculum reforms, language debates, and uncertainty surrounding the position of the classics during the late Qing and early Republican periods. The emergence of the duben 讀本 or readers’ guides as a bibliographic heading is especially worth closer examination. Texts that appeared under this rubric run the gamut from reproductions of traditional commentaries, to editions that offer vernacular annotations and full-scale translations, illustrations, catechistic question-and-answer sections, and contextual materials of various kinds. Some editions focus on the literary quality, rather than the moral import and canonical status of the classic; others re-arrange the original text topically.Focusing on the Mencius, I will examine the strategies deployed by several compilers and publishers who took part in the grand enterprise of vernacularization and repackaging of the masters anew for the modern audiences, including Tuhua sishu baihua jie 圖畫四書白話解(Biaomeng shushi, ca. 1914), Yanwen duizhao guangzhu Mengzi duben 言文對照廣註孟子讀本 (Shijie shuju, ca. 1924), Baihua Mengzi duben 白話孟子讀本 (Guangyi shuju, ca. 1927). I am especially interested in the traits of continuity and discontinuity between the modern vernacular translations and premodern commentaries and popularizations of the Mencius, including the late Ming pingdian commentaries attributed to Su Xun (Ping Mengzi 評孟子), Li Zhi (Mengzi ping 孟子評), and Jin Shengtan (Shi Mengzi 釋孟子, early Qing) but also stories included in the huaben collection Qishi’er chao renwu yanyi 七十二朝人物演義. I will pay special attention to the passages that deal with exemplary or proverbial figures, such as the sage emperor Shun, the recluse Bo Yi, the minister Yi Yin, or the tigerwrestler Feng Fu."; International audience; The aim of this paper is to present a new tool in digital humanities called IntraTexTT (for "Intralingual Textual Transformation Tool"), currently developed by myself and a research engineer specialized in digital corpus editing with the financial and technical support of the CRCAO (Research Center on East Asian Civilizations), EPHE and CNRS (National Center for Scientific research), Paris, France. This tool is intended for the analysis of textual transformations between source texts and target texts in the production of literary narratives in pre-modern China (ca. 13th-18th centuries). As is well known, this production involved complex processes of intertextuality, entailing rewriting and intralingual translation, particularly in the context of the diglossic/schizoglossic situation of Chinese between classical (“literary Chinese”) and vernacular languages (“plain Chinese”). The IntraTexTT tool will be used for the analysis, statistical reporting, online publishing and sharing of data related to said situations, in which textual production was operated via intertextual transformations. These included a web of intricate strategies of intralingual resemantization it is the function of this tool to sparse and identify.In this paper I will first give the rationale and context for the need to develop such a tool. I shall give the general principles of the methodology, detail the typologies, and describe the textual strategies and micro-strategies, with their precise naming, to be considered for the realization of a relevant and efficient digital tool. I will show how the latter may be useful in order to conduct a detailed philological investigation of intralingual transformation processes, and to compare versions as closely as possible, as this exploration is likely to reveal a considerable amount of information on how the texts were produced. This could help us put into light how authors managed their references in their highly intertextual environment, and what was the logics behind their textual production. Second, based a concrete example, I will deliver a demonstration in real time of the whole process of the use of IntraTexTT, from the textual analysis to the entering and treatment of the data, resulting in a systematized, interpretable and exploitable database of a given intralingual ST/TT transformation case. This tool is powerful as it is able to combine completely different categories of data, including micro-strategies and stylistic/linguistic characteristics. It can treat simultaneously multiple ST as sources for a single TT. I will also give some details about the conception of the tool, based on an XML software modified with coding in Javascript and uploaded online for easy operating and data sharing.Funded by public financing, the IntraTexTT tool, once fully operational, is intended to be shared free of charge with the community or scholars and researchers. The tool itself will be adaptable in any language, but will remain designed for textual comparisons between Chinese texts, as it is primarily focused on the analysis of intralingual processes. This presentation would be a good opportunity to publicly present this state-of-the-art new tool, that should be completed in the course of 2019, and the creation of which has been motivated by the recent development of a new research dynamics around the concept of intralingual translation.

Cet article ­compare deux Kinder- und Hausmärchen de Jacob et Wilhelm Grimm, « Sneewittchen » (1812) et « Die zwei Brüder » (1819), à leurs (r) écritures par Alexandre Dumas, les ­contes pour enfants « Blanche de Neige » (1858) et « Les deux frères » (1859). Cette ­comparaison permet de nuancer une vision du ­conte ­comme genre spécifiquement ­conçu pour les enfants et de mettre en lumière les différentes manières ­d’écrire pour les petits lecteurs en Europe à ­l’époque dite romantique., This article ­compares two Kinder- und Hausmärchen by Jacob and Wilhelm Grimm, “Sneewittchen” (1812) and “Die zwei Brüder” (1819), with their (re)writings by Alexandre Dumas, the ­­children’s tales “Blanche de neige” (1858) and “Les deux frères” (1859). This ­comparison makes it possible to characterize the tale as a genre specifically created for ­children and to highlight the different ways of writing for small readers in Europe during the so-called romantic era.

International audience; This paper will consider “The Crucifixion” by Paul Durcan in the light of trauma. “The Crucifixion” is the second ekphrasis in Crazy About Women, a book of poems commissioned by the National Gallery of Ireland in 1990 and inspired by the Gallery’s collection. This paper demonstrates how this anachronistic ekphrasis leads to the creation of a palimpsest both covering and un-covering the past with words and images. Paul Durcan’s ekphrasis is both a profanation, in Giorgio Agamben’s meaning of the word, and a dialogue between the verbal and the visual, leading to a recovery of the past through a rewriting of the biblical Passion. It leads to an uncovering of traumatic elements from the past, both from Irish history and Paul Durcan’s story – namely, the Magdalene Laundries and the poet’s internment in psychiatric institutions, due to his father’s decision. It is a denunciation of what has been done in the name of the father/Father. Through this palimpsest, the poet superimposes di Paolo’s cross with images of a young girl, a reversed pieta, and of the waterfall at Powerscourt, an estate located in County Wicklow, Ireland. In doing so, he uses what Georges Didi-Huberman calls “the paradoxical fruitfulness of anachronism”, thus creating both humorous effects and tensions which increase the intensity of the poem. Finally, intratextuality adds new layers to the palimpsest. That’s why a parallel is here drawn between “The Crucifixion” and a book Paul Durcan created in collaboration with the Irish painter Gene Lambert, In the Land of Punt (1988), especially the two poems and paintings entitled “First Love” and “Crucifixion”—for the aim of this collaboration was also to denounce those who did not tolerate difference along with their actions like censorship or internment.; Cet article a pour thème principal le trauma dans le poème de Paul Durcan intitulé « The Crucifixion ». Ce poème ekphrastique est le second de Crazy About Women, un recueil de poèmes commandé par la National Gallery of Ireland en 1990 et qui s’inspire de la collection du musée. Cet article démontre la manière dont cette ekphrasis qui joue de l’anachronisme mène à la création d’un palimpseste qui recouvre et découvre le passé à l’aide de mots et d’images. La manière dont le poète l’écrit est à la fois une profanation – telle que Giorgio Agamben définit ce terme – et un dialogue entre le verbal et le visuel qui mène à une redécouverte du passé par le biais d’une réécriture biblique de la Passion. Ce dialogue mène au dévoilement d’éléments traumatiques passés, appartenant à l’histoire irlandaise et à l’histoire personnelle du poète – c’est-à-dire les couvents de la Madeleine et l’internement du poète dans des institutions psychiatriques suite à la décision de son père. Il s’agit d’une dénonciation de ce qui a été accompli au nom du père/Père. Dans ce palimpseste, le poète superpose l’image de la croix de di Paolo à celle d’une jeune fille, une pietà inversée, et à celle de la chute d’eau de Powerscourt située dans le comté de Wicklow en Irlande. Ce faisant, il utilise ce que Georges Didi-Huberman nomme « la paradoxale fécondité de l’anachronisme ». Enfin, les effets intratextuels ajoutent de nouvelles couches et une nouvelle épaisseur à ce palimpseste. C’est pourquoi cet article s’achève sur un parallèle entre « The Crucifixion » et un ouvrage que Paul Durcan a créé en collaboration avec le peintre irlandais Gene Lambert, In the Land of Punt (1988), et plus spécifiquement avec deux tableaux et poèmes intitulés « First Love » et « Crucifixion » – puisqu’un des buts de ce projet était de dénoncer ceux qui ne tolèrent pas la différence ainsi que leurs actions, comme la censure ou l’internement.

International audience; Cet ouvrage vise à définir la littérature de jeunesse à travers ses rapports avec la littérature dite « générale » en examinant comment certains écrivains, ayant écrit explicitement tantôt pour les enfants tantôt pour les adultes, investissent ces deux champs.

La transfictionnalité implique le passage d’une frontière entre deux époques, deux langues, deux dramaturgies. Les Reines, continuation paraleptique de Richard III par le Québécois Normand Chaurette, est une réécriture chorale dont le héros éponyme a été éliminé au profit de six voix de femmes, dont l’émancipation transfictionnelle ne passe pas par une action alimentant un récit parallèle à celui de la fable élisabéthaine, mais par la centralité de leurs discours, omniprésents, incontournables.

International audience

Édition réunissant et comparant les deux versions du roman : 1869 et 1879.; International audience; À sa publication en 1869, L’Éducation sentimentale présente déjà les marques structurelles et esthétiques de la modernité qui sera célébrée par la suite. Néanmoins, elles ont été notablement accentuées dans la « nouvelle édition », parue en 1879 – au terme d’une relecture par l’auteur aussi indéniable que contrariée par l’incurie des typographes. C’est cette édition qui a donné au roman sa physionomie définitive – postérieure à Trois contes et concomitante à la rédaction de Bouvard et Pécuchet.

“ travers le monde-miroir de Harry Potter : littérature, langage et histoire » (« Through the Looking-glass World of Harry Potter : Literature, Language and History” is a thesis whose aim is to analyse J. K. Rowling’s set of magical novels through the lens of literature. We will focus on the text in order to uncover the literary gems which are hidden within the weft of the text. The aim of this thesis is to explain why Harry Potter can be considered as part of the literary canon and how the text creates a mirror-universe which enables the reader to rediscover his own world.In order to better analyse the literary qualities of the text four main themes are put forward in this thesis: the links with children’s literature, intertextuality, language and history. Our thesis question centres on the question of passage between our world and the magical one through the notion of language. Indeed, language enables bridges to be built between our culture, our literature, our myths and our history and the magical universe of the books. This transposition enables the reader to rediscover his own world thanks to a clever hall of mirrors effect. Through his reading process the reader is thus able to go through the looking-glass and discover a wonderful and terrifying world where the best and the worst of our society and history is represented.This thesis reveals how in-depth analyses of intertextuality, language and history display the literary qualities of Harry Potter and enable an academic reading of the text., « À travers le monde-miroir de Harry Potter : littérature, langage et histoire » (« Through the Looking-glass World of Harry Potter : Literature, Language and History ») est une thèse qui propose d’analyser Harry Potter non pas comme un ouvrage à succès mais en tant que littérature à part entière. Les films, la marchandisation, le parc à thème et autres annexes aux œuvres sont donc mis de côté pour se concentrer sur le texte qui recèle un nombre important de joyaux littéraires. Notre but sera de démontrer que Harry Potter fait partie du canon littéraire et qu’il permet au lecteur de re-découvrir son propre monde.Quatre grands thèmes dans l’œuvre de J. K. Rowling sont mis en avant – le lien avec la littérature de jeunesse, l’intertextualité, le langage et l’Histoire – pour mieux étudier la qualité littéraire de Harry Potter. Notre problématique se centre sur la question de passage entre notre monde et le monde magique à travers la notion de langage. En effet le langage permet de créer un pont entre notre culture, notre littérature, nos mythes et notre histoire et le monde enchanté du livre. Cette transposition permet au lecteur de redécouvrir son propre monde à travers un habile jeu de miroirs dans le texte. En poursuivant sa lecture le lecteur est capable de passer à travers le miroir et de découvrir un univers à la fois merveilleux et terrible qui reflète et déforme le nôtre.Cette thèse se propose d'analyser la littérarité du texte tout en pointant les liens avec notre propre culture, que ce soit avec la réécriture des classiques anglophones pour adultes et enfants dans Harry Potter, ou la réécriture de notre Histoire. Ce travail a pour but de démontrer que Harry Potter est digne du canon de la littérature et qu'un examen poussé de l’œuvre permet d’apprécier et de découvrir cette saga à un niveau universitaire.

International audience; La chanson ne pratique pas le comique seulement pour amuser la galerie. Elle en fait un langage de second degré, et c’est facile pour un art qui s’entend à plusieurs niveaux : texte, musique, gestuelle scénique lui permettent de dire brièvement mais de façon multiple ce qu’elle veut signifier. Elle joue des mimétismes et des écarts pour se moquer de façon débonnaire ou féroce de bien des cibles. Elle fustige la société, les langages, ou fait la satire d’autres chansons ; elle va jusqu’à parodier des chansons déjà parodiques en les détournant de leurs cibles premières. Il est jubilatoire de parodier les grandes vedettes, de créer des reprises parodiques, de décaler le ton ou le sujet d’une chanson-source. Comme un chant au carré, la chanson parodique chante sur le chant. Elle devient alors arme politique, miroir social ou méta-chanson qui prend de la distance par rapport à elle-même. L’ouvrage se demande, à travers l’étude de plusieurs œuvres françaises, italiennes, espagnoles, qui parodie la chanson et comment la chanson parodie. Qui est le parodiste ? Qui est le parodié ? Comment procède la dégradation parodique ? Est-ce toujours une dégradation ? Quelle est la nature de la création parodique ? Quelles sont les métamorphoses du texte, de la musique, de la voix, de l’intonation ? Quels sont les profils et les objectifs de ces chansons secondes ?