Search

Coetzee écrit Age of Iron, son sixième roman, pendant les années les plus sombres de l’apartheid. Il y décrit une expérience de dépossession et de destitution radicale à laquelle la narratrice consent volontairement en réponse à l’état de décomposition avancée de son pays. Tandis qu’elle est amenée à pratiquer à plus d’un égard une « hospitalité inconditionnelle » (Marais, Derrida), Elizabeth Curren vit une forme de dislocation qui fait d’elle une étrangère et une sans-abri dans sa propre demeure. Délogée de sa situation de maîtrise et mise dans la position d’objet et de déchet, le personnage fait l’expérience de la dépossession dans sa chair mais aussi à travers le langage même. C’est dans l’espace textuel qu’elle tisse que la narratrice doit également apprendre « l’hospitalité inconditionnelle », s’exposant sans cesse au risque de la parole et de la tentative de « mettre à nu quelque chose » pour quelqu’un qu’elle n’atteindra peut-être jamais. Tandis que le désir proclamé de « laisser aller » reflète le ton désespéré du roman, le choix volontaire de la dislocation se donne aussi comme condition pour faire bouger les limites imaginaires et redessiner le corps — qu’il soit organique, textuel ou politique. Written during some of the darkest years of the apartheid regime, Age of Iron, Coetzee’s sixth novel, presents us with a radical experience of dispossession and destitution to which the main character and narrator subjects herself in response to the advanced state of decomposition of her country. As she is led to offer ‘unconditional hospitality’ (Marais, Derrida) in more respects than one, Elisabeth Curren experiences a form of dislocation through which she in turn becomes a stranger and a homeless within her own home. Dispossession dislodges the subject from a situation of mastery but also places her in the position of object and reject—an experience which is lived in the flesh, but which is also at the heart of language. It is within the textual space she weaves that the narrator must also practise ‘unconditional hospitality’, facing the permanent exposure and displacement involved in the act of speaking and in the attempt to ‘bare something’ to an addressee she might never reach. While the will to ‘let go’ reflects the despair that permeates the book, dislocation is nevertheless also felt to be a condition to shift imaginary barriers and allow a remapping of the body—whether it be organic, textual or politic.

La pièce en un acte de Harold Pinter, A Kind of Alaska (1982), met en scène Deborah, une femme qui se réveille après vingt-neuf ans de coma, aux côtés de son médecin et de sa sœur. Sa présence sur scène pose inévitablement la question de la perception du corps malade : son corps est exposé, rendu audible et visible. Cette exposition frappe car elle révèle le corps dans toute sa matérialité, soulignant la dépossession causée par le manque de contrôle que nous avons sur nos propres corps, ainsi que notre assujettissement inévitable à la vieillesse et à la maladie éventuelle. Exposer la matérialité du corps devient donc une manière de révéler sa vulnérabilité, et nous rappelle que nous sommes tous potentiellement dépendants. Cet abandon forcé d’un contrôle total initie une réévaluation des notions d’exposition et de dépossession : l’exposition devient une manière nécessaire d’envisager la présence de l’autre, au-delà des tentatives de le/la comprendre à travers la langue ou la connaissance. Harold Pinter’s one-act play A Kind of Alaska (1982) stages Deborah, a woman who wakes up after twenty-nine years of coma, along with her doctor and sister. Her presence on stage in her hospital bed inevitably raises the question of the perception of the diseased body: her body is exposed, made audible and visible. This exposure is striking because it unveils the body in its materiality, underlining the dispossession caused by our embodiment, the lack of control over our own bodies, and our inevitable subjection to ageing and possible diseases. Exposing the materiality of the body is thus a way to reveal its vulnerability and acts as a reminder that we are all potentially dependent. This forced surrender of total control actually initiates a re-evaluation of the notions of exposure and dispossession: exposure becomes a necessary way to acknowledge the presence of the other beyond any attempts at understanding him/her through language or knowledge.

« Les maîtres contraints à l’humilité dans les structures fissurées : dépossession et possession dans The Heat of the Day (1948) d’Elizabeth Bowen » s’intéresse à la différence spectrale qui hante la notion de possession (le ‘fait de posséder’), à savoir la possession du maître par un fantôme, et montre comment le roman mine ainsi la domination qu’exerce le patriarcat sur l’héritage, le langage, le récit, l’Histoire et la littérature. La hantise prend plusieurs formes dans le roman : celle de fantômes véritables, mais aussi celle de l’excès qui hante l’origine propre et la propriété d’un objet, d’un texte ou d’un mot, etc. En révélant et en déchiffrant l’excès dans un document, des mots, des récits, ainsi que dans la structure du roman, cet article montre comment l’excès non seulement dépossède les maîtres patriarcaux de leur pouvoir, mais donne aussi pouvoir aux personnages féminins. Ainsi, The Heat of the Day apparaît comme un roman qui ouvre un espace littéraire fragmenté où l’on peut penser l’altérité et les marginaux à travers l’excès spectral qui permet la fissuration du patriarcat. ‘Humbled Masters in Cracked Structures: Dispossession within Possession in Elizabeth Bowen’s The Heat of the Day (1948)’ examines the ways in which the novel undermines patriarchal mastery over inheritance, language, story, history, and literature through the spectral otherness that haunts the notion of possession, meaning ‘ownership’: the possession of a master by a ghost. Haunting appears in the novel in several forms: as actual ghosts, but also as the excess that haunts the proper origin or the ownership of an object, a text, a word, etc. By revealing and deciphering excess in an inherited household, in a document, in words, in narratives, as well as in the structure of the novel, this paper shows how the excess not only dispossesses patriarchal masters of their power, but also empowers the female characters of the novel. Thereby, The Heat of the Day is considered as a novel that opens a fragmented space of literature where one can think about alterity and outsiders through the spectral excess that allows the cracking of patriarchy.

Cette introduction retrace les conditions d’émergence du concept de vie nue, de Foucault à Agamben, mais aussi De Boever ou Lemke. Elle prend par ailleurs soin de contextualiser cet avènement dans le cadre du tournant éthique qui a caractérisé la critique et la théorie littéraire au cours de ces dernières décennies. Elle établit un lien entre la vie nue et des notions afférentes comme celles de dépossession, qui ont été vulgarisées sous la plume d’auteurs tels que Judith Butler et Guillaume Le Blanc. Elle se termine sur une brève évocation des articles publiés dans ce volume. This introduction traces back the conditions of emergence of the concept of bare life, from Foucault, though Agamben to more contemporary followers like De Boever and Lemke. It also takes pains to contextualise the emergence of the notion within the framework of the ethical turn in literature and theory and connects it with related items like dispossession, that have become influential thanks to the works of Judith Butler and Guillaume Le Blanc, among others. It then goes on to give a brief evocation of the articles published in the volume.

In his study on ordinary lives, precarious lives, French philosopher Guillaume Le Blanc alludes to the paradoxical necessity of finding a voice for the voiceless. Social vulnerability is synchronous with linguistic vulnerability so that precarious lives are sanctioned by inarticulacy. By selecting novels dealing with the hard and/or humdrum circumstances of growing up in dire straits, this paper examines how three novelists (Barry Hines, James Kelman and Stephen Kelman) have attempted to tackle the question of vocal and tonal authenticity. Barry Hines often claimed that in his stories he shunned the sophistication of literary experimentalism. To his metonymic logic can be opposed James Kelman’s raw, unmediated transcription of the long-winded monologue of a Glaswegian boy in the 1950s. Stephen Kelman, for his part, chose an eleven-year old boy recently arrived from Ghana in Pigeon (pidgin) Pigeon (pidgin) English published in 2011. Dans son étude sur les vies ordinaires, les vies précaires, le philosophe français Guillaume Le Blanc fait allusion à la nécessité paradoxale pour les « sans voix » de trouver une voix. La vulnérabilité sociale va de pair avec la vulnérabilité linguistique, de sorte que les vies précaires se voient privées de formes d’expression verbale. En sélectionnant des romans présentant des enfants confrontés à l’épreuve de devoir grandir dans le dénuement et l’adversité de vie sans perspective, cet article contraste les démarches de trois romanciers (Barry Hines, James Kelman et Stephen Kelman) qui s’efforcent de résoudre la question de l’authenticité de la voix et d’expressivité orale. Barry Hines a souvent répété que dans ses fictions il se tient à l’écart des démarches expérimentales. À cette démarche qui privilégie les logiques métonymiques peut être opposée la tentative faite par James Kelman de transcrire le discours cru et intarissable d’un enfant de Glasgow dans les années cinquante. Quant à Stephen Kelman il choisit comme personnage principal un garçon de onze ans récemment arrivé du Ghana dans un roman dont le titre anglais Pigeon English porte déjà de manière programmatique les inflexions multiples d’une langue diasporique.

This article looks at a selection of Philip Larkin’s poems which deal with the hospital or the notion of care and therefore all stage, more or less extensively, bare lives caught in liminal situations: either waiting to be taken care of by a nurse, wheeled in a corridor to a consultation, lying on a hospital bed, or stowed into an ambulance. This article first tries to show how these anonymous bare lives exposed in public spaces are constantly escaping the reader’s eye, as though such poetic technic were conveying the dispossession experienced by these bare lives, covered by hospital cloths and, quite significantly, sometimes merely passing. A reading of these poems through the angle of biopolitics, as Larkin actually subtly stages the institutional regulation of bare lives in such public places, shows how therapeutic time and space turn out to partake of a wide regimented system in which individual identities are at bay. The end of the article tries to show how Larkin’s somewhat bare style in fact seeks to suggest that biopolitics, extreme regulation, even medicine or religion, will in fact be powerless when it comes to counteract the experience of death. His bare, common, poetic stance then suggests each human being’s unescapable, common bareness. Cet article analyse quelques poèmes de Philip Larkin qui, plus ou moins furtivement, mettent en scène l’hôpital et abordent la question du soin. Des vies nues y sont prises dans des zones liminales : assises dans une salle d’attente avant une consultation, sur un fauteuil roulant dans un couloir, allongées dans un lit d’hôpital, ou transportées dans une ambulance. Cet article tente d’abord de montrer comment ces vies dénudées, anonymes, exhibées (sans outrance toutefois) dans des espaces publics, échappent constamment à l’œil du lecteur, traduisant ainsi poétiquement la dépossession vécue par ces vies nues, recouvertes d’un drap hospitalier et ne faisant, parfois, que passer. Les poèmes qui, sous divers modes, suggèrent une forme de régularisation des vies nues dans des lieux publics, sont ensuite envisagés par un biais biopolitique. Le temps et l’espace thérapeutiques semblent donc participer d’un vaste système régulé dans lequel ils sont optimisés. Le propos se concentre enfin sur le style assez dénudé de la poésie de Larkin par lequel il suggère que la biopolitique, la régularisation, même la médecine et la religion, seront finalement impuissants pour contrer la finitude d’une vie. La posture poétique de Larkin, à la fois commune et dénudée, suggèrerait alors le dénuement intrinsèque à chaque individu mortel.

Cet article examine The Liars Gospels (2013) de Naomi Alderman comme un roman biographique inspiré par les Évangiles officiels et qui, pourtant, aborde des questions d’actualité. En mettant l’accent sur les sections dédiées à Miryam (le nom hébraïque de la Vierge) et à Barabbas, la dépossession devient le sujet central, lié à la relationnalité pour la première et à la violence pour le second. Par conséquent, j’emploie le concept de dépossession proposé par Judith Butler et Athena Athanassiou comme étant au carrefour de l’éthique de l’altérité d’Emmanuel Lévinas et de la conception de la violence de Slavoj Žižek. En gardant cela à l’esprit, je soutiens que dans le roman d’Alderman les actes de dépossession et de violence sont redirigés vers une éthique relationnelle et la réconciliation de la judéité et du christianisme. This paper delves into Naomi Alderman’s The Liars’ Gospels (2013) as a biographical novel that draws on the official Gospels to address current issues. Focusing on the sections on Miryam (the Jewish spelling for the Virgin) and Barabbas, dispossession turns out to be the central subject, related to relationality in the former case and to violence in the latter. Hence, Judith Butler and Athena Athanasiou’s concept of dispossession as a bifurcation of Emmanuel Lévinas’s ethics of alterity and Slavoj Žižek’s conception of violence constitute the theoretical framework of the analysis. With all this in mind, my main contention is that in Alderman’s novel acts of dispossession and violence are redirected towards ethical relationality and reconciliation between Jewishness and Christianity.

L’intention de cet article sera d’analyser dans le premier roman d’Adam Thorpe, Ulverton (1992), les implications soulevées par la notion de « dépossession », dans ses sens politique et éthique, par rapport à la (non) archivabilité de l’histoire moderne anglaise, c’est-à-dire à partir du milieu du dix-septième siècle. Comme exemple littéraire de ventriloquie, le roman illustre l’engagement éthique consistant à ressusciter les humbles voix des vies anonymes du passé, rendues « nues » par les relations de pouvoir qui ont vu, par conséquent, leur effacement de l’historiographie officielle anglaise. Toutefois, cette résurrection éthique se révèle linguistiquement et historiquement précaire. La « précarité » est en effet la conséquence sociale et éthique d’une vie « nue », soumise au pouvoir répressif de la dépossession qui, d’un point de vue historique, équivaut à la privation de traces et à la condamnation à l’oubli. La voix de l’autre perdu oscille entre présence et absence, mettant ainsi l’accent sur le trauma de la perte et le deuil impossible qui apparaît comme la qualité éthique du dénudement d’une vie par l’absence de l’autre. Ulverton illustre cet état de dépossession éthique qui se manifeste par l’attachement à la mémoire de l’autre et qui confirme l’élégie comme un mode éthique d’expression. The purpose of this article will be to analyse in Adam Thorpe’s first novel, Ulverton (1992), the implications of the notion of ‘dispossession’, both in terms of politics and ethics, in relation to the (un)recordability of England’s modern history, that is, as of the mid 17th century. As a literary example of ventriloquism, the novel illustrates the ethical commitment to restoring the humble voices of anonymous past lives, made ‘bare’ by relations of power and, as a result, obliterated from English official historiography. However, this ethical restoration is shown as linguistically and historically precarious. ‘Precarity’ is indeed the social and ethical result of a life made ‘bare’, submitted to the repressive power of dispossession which, from a historical perspective, is equated to the deprivation of traces and the condemnation to oblivion. The voice of the lost other hovers between presence and absence, thereby emphasising the trauma of loss and impossible mourning which appears as the ethical quality of having one’s life made bare by the absence of the other. Ulverton illustrates this state of ethical dispossession showing the attachment to the other’s memory and confirming elegy as an ethical mode of expression.