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This research attempts to analyze Arabic heritage elements employed in Muhammad al‐Thubayti's poetry as his poetry highlights modern issues. Heritage becomes a cornerstone in al‐Thubayti's poetry for it produces new meanings and contexts. It is used in visionary and creative ways enabling him to shape his poetic experiences. Heritage is no longer sacred or static, but it is manipulated in a way that serves the poet's messages. Thus, this paper shows how al‐Thubayti explores the present frustrations and failures at individual and national levels by employing heritage and symbols balancing between his belonging to this heritage and his creative and experimental poetic experience. Through the intelligent adaptation of heritage, he makes connections between the past and modern life to reveal the dilemmas of the present and the glory of the past. The research's main contribution is to shed a new light into the race, milieu, and experience of al‐Thubayti's poetry through utilizing Arabic heritage. This research examines four poems taken from al‐Thubayti's diwan (poetry collection), Tahjit hulman, tahjit wahman [I Spell out a Dream, I Spell out an Illusion]. As a theoretical framework, the analysis of the poems is based on historical theory and formalism. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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María Zambrano and Octavio Paz began publishing each other’s writings since they met at the Second International Congress of Anti-Fascist Writers in 1937 in Valencia. With respect to their continued collaborations in Mexico, France, and Spain, the scarcity of comparative studies of the two authors is surprising. Essays like ‘Filosofía y poesía’ (1939), ‘La destrucción de las formas’ (1944) and ‘Poema y sistema’ (1944) by Zambrano show a clear repercussion in the essayistic and poetic work of Paz, also beyond his books El arco y la lira (1956) and Los hijos del limo (1972/1974). Some of the most obvious parallel aspects between the two oeuvres are the description of analogies, the metaphors of masks, the observations of a dialectic between opposites, and the quest for a lost unity. With the re-readings of the aforementioned essays, I propose to portray the underestimated influence of the philosopher in the work of the poet.

Las representaciones de la desaparición y la (in)visibilidad juegan un papel clave a lo largo de la obra de Antonio Méndez Rubio (Fuente del Arco, Badajoz, España, 1967). Este estudio combina un enfoque temático y formal en las huellas y el silencio en una selección de poemas que abarca poemarios como Un lugar que no existe (1998), Por más señas (2005), Razón de más (2008) y Va verdad (2013). Más allá de arrojar luz sobre lo ocult(ad)o o tratar de revelar historias y memorias colectivas traumáticas ocultadas, muchos de los poemas de Méndez Rubio que aluden a huellas las presentan como agentes activos que no revelan objetos ocultos. El compromiso en esta poesía se basa en una visión del texto poético como objeto y espacio visual y una visión expandida de la relación compleja entre lo visible y lo invisible que engloba también la presencia y ausencia de elementos acústicos.

Lulú fue una revista femenina de inicios del siglo XX que se destacó por una fuerte presencia de producción literaria, especialmente poemas, centrada en el amor y la belleza femenina. En ese sentido, el presente artículo tiene como finalidad investigar de qué manera estos temas logran conformar una imagen de la mujer limeña de aquellos años bajo la utilización de los estereotipos de la feminidad de los propuestos por Ellmann (1968). Siendo así, la imagen desarrollada fue la de una mujer virgen, joven y hermosa, incapaz de mostrar sentimientos indecorosos, poseedora de las virtudes morales cristianas. Pero, al mismo tiempo, frívola y seducida por la naturaleza. Asimismo, es la motivación del accionar hiperbólico de los varones, aunque ella no exprese tal deseo. Además, es de pensamiento volátil, alimentado por sus experiencias sensoriales frente a la poesía y es, al mismo tiempo, agradable y trabajosa desde el punto de vista masculino.

Interview with Nara Mansur.

Esta traducción al español de un artículo que se gestó en inglés para la revista International Feminist Journal of Politics cumple dos propósitos políticos transfeministas. El primero es reflejar el carácter multilingüe del proceso que produjo este texto. En particular, una de les autores no sabe inglés, entonces esta traducción permitió su acceso al artículo. A su vez, el acceso de la coautora al contenido del artículo, nos dio la posibilidad al resto de nosotres de escuchar su crítica y de modificar nuestras palabras y nuestras obras de arte de acuerdo a su crítica. Pensamos que la existencia de una versión en español habilitará otra clase de lectores y espectadores y, a su vez, nos permitirá escuchar otra clase de interpelaciones y de críticas en español. El segundo propósito es responder a una inconformidad que tenemos sobre lo que se escribe acerca de las políticas globales de la producción de conocimiento fuera del Norte Global. El resto de la introducción al español y la conclusión se dedicarán a mostrar dicha inconformidad por medio de una lectura crítica a un libro de la profesora francesa Audrey Alejandro de la London School of Economics and Political Science (LSE) (Escuela de Economía y Ciencia Política de Londres) a partir de la experiencia de J.C.D. Calderón con los rechazos a sus poemas y a hacer un aporte metodológico neo-materialista y transfeminista a los estudios reflexivos y de sociología del conocimiento en la disciplina por medio de la evidencia del archivo de los rechazos a la poesía. Este artículo fue publicado originalmente con el título Learning how to embrace trans/feminisms and queer/cuir-ness in International Relations through art and creative methods en la International Feminist Journal of Politics. Les autores de dicho artículo son les mismes que les autores de esta publicación: J. C. D. Calderón, Francisca Calderón Melo, Paolo Axolotl y Zafo. Esta traducción se hizo con el permiso de Taylor & Francis Ltd, https://www. tandfonline.com.

Este artículo analiza parte de la obra poética de Raúl Zurita, expresada tanto en algunos de sus poemarios como en sus “inscrituras” o inscripciones materiales, y también en sus automutilaciones corporales, para determinar las funciones de su arte frente a las prác-ticas biopolíticas neoliberales (Foucault, Agamben, Calveiro) y como apuesta por una communitas del dolor (Diéguez). Se explica el sentido y función que cumplen libros como Purgatorio (1982), Canto a su amor desaparecido (1985) y zurita/in memoriam (2007), e intervenciones como su verso “ni pena ni miedo” en el Desierto de Atacama, su presen-cia en memoriales o su intervención “El mar del dolor”, todo como formas diferenciadas de resistencia desde el arte, frente a estrategias del poder que pretendieron “dejar morir” a parte de la sociedad en el contexto de la dictadura militar en Chile (1973-1990) y tam-bién en otros contextos de violación a los derechos humanos. This article analyzes part of the poetic work of Raúl Zurita, expressed both in some of his poetry books and in his “inscriptions” or material inscriptions and in his corporal self-mutilations to determine the functions that his art fulfills in the face of neoliberal bio-political practices (Foucault, Agamben, Calveiro) and as a bet for a communitas of pain (Diéguez). It explains the meaning and function of books such as Purgatorio (1982), Canto a su amor desaparecido (1985) and zurita/in memoriam (2007), or interventions such as her verse “ni pena ni miedo” in the Atacama Desert, her presence in memorials or her intervention “El mar del dolor”; all as differentiated forms of resistance from art, against strategies of power that tried to “let die” part of the society in the context of the military dictatorship in Chile (1973-1990) and also in other contexts of human rights violations.

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The aim of this work is to present and justify the proemato as a hybrid literary genre from different literary positions, through the analysis and comparison of some poetic and short narrative texts with the proematos of the Costa Rican writer Jorhan Chaverri. Characteristics are established that allow differentiating the proemato from other genres and styles of literary writing, which supports the conclusion that it is a (hybrid) genre that comes from the combination of poetry, narrative and micronarrative, but at the same time distinguished from them. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Part of the poetry of Abigael Bohórquez (1936-1995) can be read as poetry of homosexual testimony. Specifically, his last collection of poems, his poetic testament, Poesida (1996), allows for this reading, since this cruel but supportive document seeks to put shame on the side of the heteronormative discourse, the one that reacted by condemning homosexual practices at the height of the Hiv/Aids pandemic in the 1980s & 1990s of the 20th century. Poesida will be studied from the poetics of misrepresentation, as a proposal for analysis for the dissident resistance to the discursive normalization that the collection of poems offers, both in the confrontation of the literary tradition, as well as in the poetic space and in the autobiographical references. Bohórquez builds a mural, a testimony, a series of songs and portraits so as not to forget, dignify and resist the shame with which they tried to classify those who died with the weight of stigma and guilt. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this article the author takes inspiration from the analysis of a poem by Nelo Risi to highlight some important characteristics of the process of transformation and symbolization of unconscious contents typical of the psychoanalytic process, referring to the passage, described by Freud, from the representation of thing to the representation of word proper not only to the analysis, but also to the mental work of the artist when he creates a work. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Nel 1953 Amelia Rosselli iniziò a dedicarsi con determinazione alla poesia e a scrivere quei componimenti che più tardi sarebbero confluiti in Variazioni belliche (1964). Il 1953 fu l'anno in cui morì Rocco Scotellaro – caro amico di Rosselli – e la guerra fredda cominciò a influenzare l''atmosfera' che caratterizzò l'esordio della 'letteratura dell'era nucleare'. Il personale e il politico si sono sempre intrecciati nella poesia di Rosselli, e questo contributo sostiene che l'ansia nucleare, in aggiunta all'uccisione nel 1937 da parte dei nazifascisti del padre e dello zio di Rosselli, diede una fondamentale impronta al contenuto, allo stile, e alle soluzioni retoriche delle Variazioni belliche. L'articolo, inoltre, argomenta che la malattia mentale di cui la poetessa soffrì negli anni '70 sia da mettere in relazione con il clima di paranoia dell'era nucleare. Questa circostanza è attestata dalla 'prosa poetica' di Storia di una malattia (pubblicata in Nuovi Argomenti nel 1977), la quale pertanto è qualche cosa di più interessante della mera testimonianza d'una 'insolita', e individuale, 'esperienza esistenziale'. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La poesia di Giovanni Raboni è sempre stata connessa alla città di Milano fin dalla sua prima raccolta, Le Case della Vetra (1966), dove la città appare come una metropoli industriale e il luogo delle memorie dell'autore. Tradizionalmente la critica ha considerato Raboni un nichilista e ha interpretato il suo ritratto di Milano come quello di una città desolante e priva di speranza. Partendo da un testo dell'autore recentemente riscoperto, quest'articolo mette in dubbio una simile analisi e intende offrire una reinterpretazione spaziale della sua poesia. A tal proposito, le affinità tra Raboni e le teorie di Heidegger appaiono evidenti: secondo il filosofo tedesco, i poeti possiedono l'abilità di 'imparare ad abitare' un luogo attraverso la loro poesia. In tal senso, anche Raboni impara ad abitare Milano, vi forgia la propria identità e immagina un futuro dove gli individui possano vivere i moderni paesaggi urbani senza sacrificare la propria autenticità. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este artículo tiene como objetivo dar a conocer la visión de Claudio Guillén sobre la obra lírica de su padre, el poeta Jorge Guillén, desde una perspectiva crítica. El comparatista pocas veces se pronunció al respecto; lo hizo en dos homenajes a la figura del escritor celebrados en Barcelona y Lisboa en 1994 y 1998. Sus intervenciones, tituladas «Algunos recuerdos» y «Con Jorge Guillén», van a ser la fuente fundamental de este trabajo, a la que se va a unir la correspondencia, cartas inéditas familiares con importante información sobre el tema.

La obra poética de Olga Orozco (1920-1999) es profundamente religiosa. El cuerpo es uno de los temas centrales en su preocupación por alcanzar lo divino. En este sentido, el cuerpo tiene doble valencia: opera como impedimento y también como condición de posibilidad. El abordaje interdisciplinario entre literatura y filosofía que asume este trabajo permite una relectura original del cuerpo en Orozco, que revela las implicancias filosóficas de su intuición poética. La primera parte recorre pasajes en los que el cuerpo es considerado un obstáculo que aísla a los seres y dificulta el retorno a la divinidad. Se analizan sus figuras oscuras y despectivas, como “muro”, “lastre”, “sombra”. La segunda parte examina el poema titulado “El narrador”, del libro En el revés del cielo (1987), como punto de inflexión. El cuerpo reviste allí una significación nueva. La poeta le atribuye el poder de narrar su propia historia. Se puede vislumbrar la profunda analogía entre cuerpo y lenguaje: su función mediadora. El recurso a herramientas conceptuales de la fenomenología hermenéutica ayuda a pensar, desde el poema, la experiencia ambivalente del cuerpo. La noción de carne como alteridad primera explica el extrañamiento que describe la poeta y es condición indispensable para la mediación del sí mismo con el mundo, con los otros y con la ipseidad. La hermenéutica de “El narrador” arroja la luz del registro poético a la interpretación del cuerpo como signo y como condición de posibilidad del encuentro con la alteridad. Seguramente, otras lecturas de Orozco iluminen diversos temas antropológicos y metafísicos, ya que poesía y pensamiento se orientan hacia el mismo misterio.

iii doña concha se cayó de su banquito donde veía pasar la vida cada tarde hasta que la tarde se le hizo abismo en la cadera y doña concha no tuvo más remedio que morirse en una cama del seguro social esperando su turno, su turno, su turno

Una madre imagina morir. Pienso en las mujeres de leche, aquellas que se dan, sin tregua, a los reclamos del día. Se alivia el dolor con la luz de las antiguas, pero no hay remedio para las pequeñas bocas que desean el regazo del árbol, sombra y fruto.

En este artículo reflexiono sobre la vida y obra de la poeta alicantina Francisca (Paca) Aguirre y propongo que la escritura fue su venganza frente a la terrible orfandad y pobreza que le regaló la posguerra. Lo que sus escritos evocan dialoga en este texto con la historia de otra mujer de su generación, mi abuela. En primera persona, planteo enormes coincidencias entre dos vidas paralelas, heridas de guerra en dos continentes, que resistieron una con su voz, otra con su palabra, con el fin de trasmitir a las generaciones que seguimos dosis homeopáticas de posmemoria que atraviesan de Norte a Sur y de Este a Oeste a varias generaciones. El resultado es un diálogo intergeneracional donde la poética del duelo que plantea Francisca, la Paca, Aguirre sirve de pretexto para plantear un ejercicio autobiográfico de homenaje y memoria sobre el canto y los versos como fuentes historiográficas subalternas.

En la vida y obra da Gamaliel Churata la muerte de su esposa Brunilda (Rosa Calderón) y de sus hijos Teófano (Teófano Peralta) y Qimensa (Clemencia Peralta) tuvo un impacto singular. Este acontecimiento no solo afectó a Churata, sino que también alcanzó a otros miembros del Grupo Orkopata, quienes escribieron poemas dedicados a estas almas significativas. En este artículo estudiamos el ritual de la muerte representado en la poesía de Churata, en específico a las fases que corresponden a la partida y al retorno del alma (ajayu). Para ello, analizamos dos poemas dedicados a la muerte de Teófano, que siguen esta secuencia ritual. Nos serán de utilidad las categorías de ajayu, amaya y ajayu-watan, además de las nociones de la lírica andina. Con ello, evidenciaremos que el canto a la muerte propuesto por Churata sigue el ritual de la concepción andina de la muerte, en especial el ritual aymara.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2001.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 1997.

El presente anículo, en su versión inicial, fue resultado de un proyecto de investigación sobre Medardo Ángel Silva llevado a cabo conjuntamente con Raúl Vallejo. Este proyecto recibió la ayuda financiera del fondo de investigación institucional de la Universidad Andina Simón Bolívar, Sede Ecuador.

Este artigo pretende constituir um capítulo da história da literatura brasileira colonial. Nesta contribuição, procura-se traçar um olhar historiográfico sobre o repente como elemento constituinte da poética brasileira. O objetivo deste trabalho, assim, é evidenciar a tradição da poesia de repente na literatura brasileira desde os seus primeiros passos. Para isso, parte-se das observações de Joaquim Norberto Sousa e Silva (2002), principalmente a sua recensão dos poetas repentistas coloniais. Como sequência do trabalho, aponta-se para Gregório de Matos e Caldas Barbosa como repentistas, procurando aporte nas manifestações literárias em performance da cantoria nordestina brasileira do século XX e XXI.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Este artigo apresenta como principal objetivo refletir sobre a temática do suicídio na poesia de Carlos Drummond de Andrade, que, aliás, é um tema pouco explorado nas pesquisas contemporâneas, muito embora este autor enfoque tal assunto em diversos livros, principalmente em Boitempo, publicado pela editora Nova Aguilar em 1988. Interessa-se, portanto, em analisar, com mais empenho, os poemas “Abrãozinho” e “Morte do noivo”.

Poesia da terra Editora Feminas, selo Margaridas, 2024 Autora: Bárbara Matias Kariri Ilustração: Gabriel Silva INDJA

La obra Still Life (1960) de Giorgio Morandi adquiere un carácter didáctico en la ecfrasis que de ella hace el poeta argentino Hugo Mujica. Bajo una mirada fenomenológica, Mujica discurre literariamente sobre el carácter artístico de esta pintura, sugiriendo una noción “aurática” –a la manera de de Walter Benjamin– pero dirigida bajo el carácter propio de la poética del autor argentino. Mujica entiende que la poesía no adquiere dominio de significación. Still Life no tendrá el de la representación. Entre lo indeterminado del carácter de la imagen como tiempo y el acto mismo de escritura poética, Still Life se torna un modelo de escritura en el rasgo ontológico de lo artístico, en términos del poeta.

En esta reseña, José Siles analiza y describe las características del último poemario del poeta Salvadoreño André Cruchaga.

RESUMO O artigo traça um breve panorama da poesia em língua francesa com a qual Sérgio Milliet deu início à sua carreira literária. Diferentemente do destino reservado aos versos compostos em língua portuguesa, os poemas dessa fase inaugural não foram jamais retomados pelo autor em edições posteriores de sua obra poética. A um rápido exame das obras publicadas ainda no período genebrino, de essência semelhante, acrescentam-se comentários acerca de um dos poemas publicados na revista Klaxon, “La guerre”, e do livro lançado na Bélgica em 1923, Œil-de-bœuf. Acredita-se que essa leitura pode apontar os rumos que a poesia millietiana tomaria a partir de 1926 e dar subsídios para uma análise mais acurada da crítica poética e do trabalho tradutório de Sérgio Milliet.

Este trabajo pretende estudiar las poéticas explícitas del poeta Antonio Gamoneda desde el punto de vista del contenido, basándose en las últimas propuestas teóricas al respecto, con el fin de llegar a conclusiones relevantes para el ámbito de los estudios literarios. El autor, pese a su reticencia a participar en el mundo intelectual, posee una relativamente abundante producción ensayística en forma de textos breves, entrevistas y charlas. A través del análisis exhaustivo de estos materiales se han identificado cinco núcleos temáticos fundamentales que serán desarrollados en el presente artículo: el origen del pensamiento poético, el acto de creación, la relación poesía-muerte, la poesía como no-ficción y la relación de la poesía con la política. A través de esta investigación, se propone al lector una manera distinta y productiva de acercarse al pensamiento y a la obra del poeta leonés. Asimismo, el trabajo plantea una reivindicación de su poética en el contexto literario-sociológico actual. This paper aims to study poet Antonio Gamoneda’s explicit poetics from the point of view of content, based on the latest theoretical proposals in this regard, in order to reach conclusions relevant to the field of literary studies. The author, despite his reluctance to participate in the intellectual world, has a relatively abundant essay production in the form of short texts, interviews, and talks. Through the exhaustive analysis of these materials, five fundamental thematic nuclei have been identified and will be explained in this article: the origin of poetic thinking, the act of creation, the poetry-death duality, poetry as a non-fiction genre and the connection between poetry and politics. Through this research, the reader is offered a different and productive way of approaching Antonio Gamoneda’s thinking. Likewise, the work proposes a vindication of his poetics in the current literary-sociological context.

En los últimos años, he conformado un corpus de poemas escritos por poetas mapuche en los que la relación entre poesía y nütram —tipología discursiva ancestral entendida como relato de carácter verídico e histórico, traspaso de saberes y también conversación— resulta evidente. El mismo está conformado por poemas de Jaime Luis Huenún, Maribel Mora Curriao, Viviana Ayilef, César Cabello, Wenuan Escalona, entre otros. En esta oportunidad, propongo abordar dos direcciones respecto del vínculo entre poesía y nütram: la que indica que la poesía no es posible sin las conversaciones, sin el traspaso de relatos; y la dirección opuesta, en la cual el poema acontece aun sin el traspaso del relato. En la segunda dirección, el nütram se manifiesta por su falta o interrupción, al mismo tiempo que los poetas trazan lecturas acerca del lugar que esta narrativa oral mapuche ocupa en las decisiones estéticas y políticas de sus pares.

Indefinible acaso irreverente inevitable todo padece a su paso lo animado y las cosas sin vida las letras lo sacro y cada una de las intenciones los poderes, lo visible y lo invisible ni los dioses saben evitar su sino

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