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Este texto se dedica a desembaraçar o trato conceitual de fazeres dançantes populares no âmbito urbano brasileiro do tempo presente. Realiza uma análise do conceito de dança de rua e suas especificidades em relação à noção de danças urbanas. Para tanto, explica a dança de rua e as danças urbanas a partir de suas configurações históricas, estéticas, georeferencias e da experiência de integrantes desses fazeres dançantes a partir do Brasil. O propósito consiste em: ao mesmo tempo explicar modos distintos de fazer dança e evidenciar como operam formas de colonialidade em dança no tempo presente, acompanhando as tensões e conflitos que envolvem o processo de feitura da cultura de dançar não desvencilhada das pessoas que dançam, seus valores, comportamentos e conhecimentos. Para tanto, o texto foi dividido em duas partes interligadas.

Resumo: O presente texto propõe um exercício poético-político exploratório, que tem como objetivo discutir a noção do valor da dança. Em cinco partes, apresentamos uma série de abordagens, conceitos, perguntas e experiências pessoais relacionadas às condições da existência sensível, memória e durabilidade da dança. Situamos estes aspectos em relação aos mecanismos de produção, valorização e marginalização da dança e suas implicações corporais, políticas e sensíveis, tanto em nós, quanto naqueles que participam indiretamente da construção deste relato coletivo. Entre uma ideia hegemônica e funcional da dança e uma ideia de resistência contra ela, apresentamos uma terceira forma de re-existência singular-plural de dança, que é inapropriável e tende a ressonância. Para tanto, revisamos materiais teóricos, nossas próprias fontes experimentais e comentários informais coletados desde 2008 até o presente. Esperamos que esta ação escrita contribua para ampliar o questionamento teórico da dança, entendida exclusivamente a partir do espaço cênico, do paradigma da subjetividade e da ideia de eficácia estética, para uma compreensão extra-cênica, infrapolítica e anti-hierárquica dos motivos e condições da dança na vida daqueles que, entre outras coisas, dançam. Palavras-chave: dança; danças singulares; imanência; ressonância; infrapolítica Resumen: El presente texto propone un ejercicio poético-político de exploración que tiene como objetivo discutir la noción del valor de la danza. En cinco apartados, exponemos una serie de planteamientos, conceptos, preguntas y vivencias personales relativas a las condiciones de existencia sensible, memoria y perdurabilidad de la danza. Situamos estos aspectos en relación a los mecanismos de producción, valoración y marginación de la danza, y sus implicaciones corporales, políticas y sensibles, tanto en nosotrxs, como en quienes participan indirectamente en la construcción de este relato colectivo. Entre una idea hegemónica y funcional de la danza, y una idea de resistencia en contra de la misma, planteamos una tercera forma de re-existencia singular-plural de las danzas, que es de carácter inapropiable y tendiente a la resonancia. Para ello, revisamos materiales teóricos, fuentes experienciales propias y comentarios informales recopilados desde 2008 hasta el presente. Esperamos que esta acción de escritura contribuya a ampliar los cuestionamientos teóricos de la danza entendida exclusivamente desde el espacio escénico, el paradigma de la subjetividad, y la idea de eficacia estética, hacia un entendimiento extra-escénico, infrapolítico y anti-jerárquico de los móviles y las condiciones de vida de la danza en la vida de quienes, entre otras cosas, danzan. Palabras-clave: danza; danzas singulares; inmanencia; resonancia; infrapolítica Resumo: O presente texto propõe um exercício poético-político exploratório, que tem como objetivo discutir a noção do valor da dança. Em cinco partes, apresentamos uma série de abordagens, conceitos, perguntas e experiências pessoais relacionadas às condições da existência sensível, memória e durabilidade da dança. Situamos estes aspectos em relação aos mecanismos de produção, valorização e marginalização da dança e suas implicações corporais, políticas e sensíveis, tanto em nós, quanto naqueles que participam indiretamente da construção deste relato coletivo. Entre uma ideia hegemônica e funcional da dança e uma ideia de resistência contra ela, apresentamos uma terceira forma de re-existência singular-plural de dança, que é inapropriável e tende a ressonância. Para tanto, revisamos materiais teóricos, nossas próprias fontes experimentais e comentários informais coletados desde 2008 até o presente. Esperamos que esta ação escrita contribua para ampliar o questionamento teórico da dança, entendida exclusivamente a partir do espaço cênico, do paradigma da subjetividade e da ideia de eficácia estética, para uma compreensão extra-cênica, infrapolítica e anti-hierárquica dos motivos e condições da dança na vida daqueles que, entre outras coisas, dançam. Palavras-chave: dança; danças singulares; imanência; ressonância; infrapolítica&nbsp

The play [cells] and them was created through the process of theatrical devising and performative lectures. It mixes the testimonials of incarcerated women, statistics and reflections about carceral processes and reentry in Brazil, along with an original script about women and social oppression. The play [cells] debuted in 2011 and had many performances until 2015. It was devised anew using experiences provided by the Theatre with Incarcerated Women program, founded in 2019 by Daiane Dordete and Samira Sinara with women of Presidio Regional de Joinville-SC. The project was made possible by Edital de Apoio a Cultura 2016, supported by Sistema de Desenvolvimento pela Cultura of Joinville-SC.

Entre el 20 de Mayo y el 7 de junio del año 2020 se realizó el evento “Ciudad Moviente” uno de cuyos propósitos fue el de poner en circulación prácticas inclusivas e igualdad de los derechos de las personas con discapacidad en el campo de la danza. Aunque fuera pensado originalmente para ser desarrollado de manera presencial, debido a la actual situación de pandemia y aislamiento físico obligatorio dispuesto en Argentina desde el 20 de marzo de este año, los organizadores decidieron convertirlo a la modalidad on line mediante el uso de plataformas y atrayentes estrategias. A partir del trabajo de campo realizado con “participación observante” de la línea de los talleres, algunas entrevistas de carácter público y varias comunicaciones personales, se presenta un análisis crítico de las múltiples mediaciones que atravesaron los diversos encuentros. Posteriormente se discuten algunas situaciones sucedidas durante el evento desde el enfoque de la interculturalidad crítica y la teoría de la performatividad. Entre os dias 20 de maio e 7 de junho de 2020, foi realizado o evento “Cidade em Movimento”, que teve como um dos objetivos divulgar práticas inclusivas e igualdade de direitos das pessoas com deficiência na área da dança. Embora originalmente pretendido para ser desenvolvido pessoalmente, devido à atual situação de pandemia e isolamento físico obrigatório na Argentina desde 20 de março deste ano, os organizadores decidiram convertê-lo para o modo online através do uso de plataformas e atrativos. estratégias. Com base no trabalho de campo realizado com “participação observadora” da linha das oficinas, algumas entrevistas públicas e várias comunicações pessoais, é apresentada uma análise crítica das múltiplas mediações que percorreram os vários encontros. Posteriormente, algumas situações ocorridas durante o evento são discutidas sob a ótica da interculturalidade crítica e da teoria da performatividade. &nbsp

A proposta deste artigo é o relato de uma experiência em dança com jovens internos no Centro de Atendimento Socioeducativo de Cuiabá (CASE-MT) e uma reflexão sobre as estratégias criadas para o enfrentamento de uma situação complexa e conflituosa. No espaço de encarceramento que tem em seu cerne a perspectiva coercitiva, como trabalhar o corpo na dança, com adolescentes encarcerados?

Este artigo, fruto de tese de doutorado recém defendida, apresentou aspectos históricos do teatro nas prisões do Brasil; propôs uma linha do tempo que incluiu antecedentes históricos desta modalidade de teatro e elencou experiências de teatro nas prisões brasileiras de 1937 a 2019. Na perspectiva da necessária sistematização dos estudos sobre o tema, certamente não se atingiu a totalidade das experiências de teatro em nossas prisões, mas a pesquisa realizada complementou o panorama histórico do teatro nas prisões elaborado por Concilio (2008) em sua dissertação de mestrado. Os debates do campo, bem como aspectos da relação arte e prisão no contexto nacional, numa ótica historicizada, foram abrangidos.

This text narrates the experience of a feminist photographer in the project [Celas] e Elas: [des]montagem teatral sobre mulheres e carceres. The theatrical project was realized in 2019 by Daiane Dordete and Samira Sinara with inmates of the Regional Prison of Joinville, with support from the Sistema Municipal de Desenvolvimento pela Cultura - SIMDEC/2016. It was produced by Cia VAi! - Nucleo de Pesquisa em Artes Cenicas (Joinville/SC). The exhibition “Para alem das celas” was produced with photographs made by Jessica Michels, during the theater workshops with inmates of the Regional Prison of Joinville through a project called Teatro com mulheres em privacao de liberdade. This text takes the liberty of being written in such a way as to be a fluid and authentic account of a photographic experience with prisonersin the female prison system in the city of Joinville.

Este artigo propõe o compartilhamento da pesquisa de Mestrado “Mergulho no Escuro: O teatro é [no] encontro com o outro no mundo”, realizada na Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, na linha de pesquisa Artes da Cena. Nesta pesquisa foi proposta uma residência artística em três unidades prisionais femininas tendo como referência práticas e concepções contemporâneas em teatro. O trabalho foi realizado a partir da ideia de que a escrita e o compartilhamento de cartas pessoais poderia ser mote para um acontecimento teatral. A investigação revelou a potência das artes da cena na proposição de encontros de intimidades junto às mulheres presas.

A partir de uma oficina de teatro desenvolvida no Presídio Feminino de Florianópolis, com mulheres em situação de privação de liberdade, nasceu a peça Estendemos nossas memórias ao sol. Num dia de chuva, uma criança se depara com o desaparecimento dos avós. Somos convidadas a traçar junto a ela um caminho de busca de (re)encontros. A fábula é entremeada com memórias das atrizes. Uma memória feita de água pode ser transformada numa carta, em um convite para lançar ao sol, para estender no pátio, no solo público que é (ou deveria ser) mundo.

Este texto trata de um projeto artístico de caráter teórico-prático sobre a participação de audiências no campo da dança contemporânea, realizado no Chile entre os anos 2018 e 2020. Nele, se investiga a noção de arte relacional e os elementos a considerar em uma proposta dancística destas características. Para isso cria-se um modelo de dispositivo relacional que tem como eixo central a afetação do corpo da audiência, a qual se favorece por meio de diversas estratégias de participação. O processo criativo e os resultados da presente proposta se trabalharam através de uma metodologia de investigação dirigida pela prática (practice led-research). Finalmente, este trabalho também é uma reflexão em torno às implicâncias políticas e sociais da dança relacional no contexto no qual se insere.

No presente artigo analisa-se um processo artístico-pedagógico com mulheres em situação de cárcere em 2019 no Presídio Feminino de Florianópolis, em Santa Catarina. Compreende-se que uma das estratégias da prisão é a invisibilização das pessoas a ela submetidas, sendo que suas histórias são construídas por outros e, mesmo alicerçadas em estigmas, procurou-se ir na contramão desses processos. Assim, as proposições da oficina tiveram como foco o desenvolvimento de práticas que convocassem uma reapropriação e ressignificação das histórias de vida, a partir do terreno do teatro. Buscou-se, a partir da escuta dos materiais gerados e do próprio processo, a construção de uma escrita que não omitisse as vozes das mulheres que fizeram a oficina, mas que, pelo contrário, colocasse-as em foco.

Em meio à pandemia de COVID-19, pessoas atualmente e anteriormente encarceradas no estado de Michigan, nos Estados Unidos, estão fazendo parceria com escritores e artistas do mundo livre para se tornarem mais visíveis neste momento de crise. Este artigo analisa três estudos de caso (o boletim MYLIFEMATTERSTOO, a série da web Living on Loss of Privileges e a programação por correspondência no Prison Creative Arts Project) em que pessoas na prisão e aquelas que foram recentemente libertadas estão usando sua criatividade e redes apoiantes para fazerem valer as suas vozes e direitos. Ao fazê-lo, eles insistem que são cidadãos que participam ativamente das comunidades do mundo livre.

O presente trabalho consiste na peça Nosso Evangelho com apresentação do autor Edson Sodré, fundador do Grupo Teatral Kriadaki e aluno do Ensino de Teatro da Unirio. Ainda cumpre pena no regime semiaberto. A peça busca uma forma simples de comunicar, compõe-se de críticas ácidas e irônicas às diversas camadas da sociedade, inclusive ao próprio fazer teatral. Há várias referências a diversos autores e pensadores dramatúrgicos com objetivo de atrair o olhar de pessoas das camadas mais pobres da sociedade.

Nestas cartas escritas a quatro mãos busca-se rememorar e refletir sobre o trabalho desenvolvido pelas autoras com mulheres em privação de liberdade no Presídio Regional de Joinville (PRJ). Do projeto inicial de pesquisa e montagem da peça celas em 2010, a partir de narrativas de mulheres em situação de cárcere e egressas do PRJ, às oficinas de teatro realizadas com estas mulheres anos depois - intercaladas pelas apresentações da peça em sua primeira versão e sua posterior desmontagem -, procura-se tecer os fios que trouxeram a este lugar de atuação e análise. Através de uma escrita performativa, mesclam-se memórias e afetos das artistas-professoras com narrativas e reflexões sobre o processo pedagógico desenvolvido no segundo semestre de 2019 no PRJ, a partir de uma perspectiva de gênero. Confidenciam-se desejos, incertezas, descobertas, frustrações e conquistas que este percurso trouxe, tendo como foco a percepção da docência como um processo criativo constante e dialógico, de professoras-em-processo.

This article presents the accounts of the pedagogic experience with drama workshops held with inmates of Papuda (DF) Prison System (located in Brazil’s capital, Brasilia) between 2005 and 2013. As a result of this work, the book “Teatro em Cadeado - uma experiencia em cela de aula, 2019” was written and published. This publication contains experiences with the male and female prison systems and their particularities. The appropriation of the performing language with people deprived of freedom is a psychosocial challenge. By proposing free expression in an oppressor space, the practice of drama has many functions, which is not only the artistic expression, it is the deconstruction of a marginalized and oppressed identity. The exercise of this artistic language amazed the students/inmates when they found themselves capable of transforming their pessimist reality, looking at themselves in a new way, and leading a transforming and liberating future

Este dossiê, dedicado à ideia de descentralização no campo dos estudos em dança, constitui o primeiro projeto coletivo realizado por membrxs do grupo Descentradxs – Descentrar a investigação em dança. É uma primeira ação que não pretende instalar postulados epistemológicos rígidos, mas, sim, promover o surgimento de um amplo espectro de interesses e o desejo de problematizar perspectivas dominantes que, acreditamos, condicionam o surgimento de novas abordagens e perpetuam binômios de desigualdade tanto em práticas artísticas como em trabalhos acadêmicos.

De setembro a dezembro de 2017, quatro alunos da Universidade de Michigan treinados pelo Prison Creative Arts Project facilitaram um workshop de redação criativa na G. Ronald Cotton Correctional Facility em Jackson, Michigan, EUA. Doze homens encarcerados juntaram-se aos quatro alunos facilitadores para reuniões semanais de workshops que culminaram em uma apresentação de escrita criativa original. Este artigo descreve a estrutura do workshop e o treinamento fornecido pelo Prison Creative Arts Project, apresenta os indivíduos que participam deste workshop de redação criativa do outono de 2017 e descreve como seus processos criativos evoluíram para incluir discurso político e crítica. O artigo demonstra como a escrita criativa e o teatro fornecem à população encarcerada a oportunidade única de expressar plenamente as opiniões e atitudes políticas dentro dos muros da prisão e destaca paralelos entre os eventos atuais e a política de 2017 e os de 2020. Para completar este artigo, os alunos facilitadores escreveram uma carta descrevendo o projeto e pedindo interesse em coautoria e a enviaram aos participantes encarcerados. Os alunos facilitadores compilaram um questionário e o enviaram aos participantes encarcerados que estavam interessados ​​em ser coautores do artigo. Os coautores ainda residentes na prisão continuaram a se corresponder com aqueles que viviam fora da prisão via correio, produzindo seções do artigo e fornecendo redação original do workshop de 2017. De septiembre a diciembre de 2017, cuatro estudiantes de la Universidad de Michigan capacitados por Prison Creative Arts Project facilitaron un taller de escritura creativa en el Centro Correccional G. Ronald Cotton en Jackson, Michigan, EE. UU. Doce hombres encarcelados se unieron a los cuatro facilitadores estudiantiles para las reuniones semanales del taller que culminaron con una presentación de escritura creativa original. Este artículo describe el marco del taller y la capacitación brindada por Prison Creative Arts Project, presenta a las personas que participan en este taller de escritura creativa en particular, otoño de 2017, y describe cómo evolucionaron sus procesos creativos para incluir el discurso político y la crítica. El artículo demuestra cómo la escritura creativa y el teatro brindan a la población encarcelada la oportunidad única de expresar plenamente sus opiniones y actitudes políticas dentro de los muros de la prisión, y destaca los paralelismos entre los acontecimientos actuales y la política de 2017 y los de 2020. Para completar En este artículo, los estudiantes facilitadores escribieron una carta describiendo el proyecto y pidiendo interés en la coautoría y la enviaron por correo a los participantes encarcelados. Los estudiantes facilitadores luego compilaron un cuestionario y lo enviaron por correo a los participantes encarcelados que estaban interesados ​​en ser coautores del artículo. Los coautores que aún residen en prisión continuaron correspondiendo a los que viven fuera de la prisión por correo, produciendo secciones del artículo y proporcionando escritos originales del taller de 2017. From September to December of 2017, four University of Michigan students trained by the Prison Creative Arts Project facilitated a creative writing workshop at G. Ronald Cotton Correctional Facility in Jackson, Michigan, USA. Twelve incarcerated men joined the four student facilitators for weekly workshop meetings which culminated in a performance of original creative writing. This article describes the workshop framework and training provided by the Prison Creative Arts Project, introduces the individuals participating in this particular, fall 2017 creative writing workshop, and describes how their creative processes evolved to include political discourse and critique. In conclusion, the article demonstrates how creative writing and theater provide the incarcerated population with the unique opportunity to fully express political opinions and attitudes within prison walls, and highlights parallels between the current events and politics of 2017 and those of 2020. In order to complete this article, the student facilitators wrote a letter describing the project and asking for interest in co-authorship and mailed it to the incarcerated participants. The student facilitators then compiled a questionnaire and mailed it to the incarcerated participants who were interested in co-authoring the article. The co-authors still residing in prison continued to correspond to those living outside of prison via mail, producing sections of the article and providing original writing from the 2017 workshop.

Esta escrita apresenta parte da pesquisa de Mestrado em Ensino de Artes realizada com adolescentes privados de liberdade em cumprimento de medidas socioeducativas na Unidade de Atendimento Socioeducativo de Benevides (PA). Objetivou-se investigar o processo criativo do espetáculo O voo dos meninos-pássaros, que foi construído a partir das bioescritas dos adolescentes, e com base no Teatro do Oprimido. Essas grafias apresentam potências reflexivas desses jovens, os quais, com suas experiências de vida e visões de mundo singulares, convidam-nos a conhecer a realidade na perspectiva de quem está dentro da história.

The work aims to propose a thinkingdo processes of teachlearning in dance from a contemporary and decolonial perspective. It was possible to identify points of convergence between the contemporary dance perspective and the decolonial thinking of education, since both currents of thought criticize the traditional way of education and share the following pedagogical presuppositions: horizontality in the teacher- student relationship; dialogicity; inseparability between theory, defense of democracy and respect for the plurality of bodies and knowledge. The decolonial perspective of dance complements the contemporary perspective by questioning Eurocentrism in dance, expressed in the unequal appreciation of dance techniques and aesthetics of the European tradition when compared to dances that come from other cosmologies, such as dances of african-brazilian e indigenous origin. In this sense, thinkingdo processes of teachlearning in dance from a contemporary and decolonial perspective goes through the valuation of decolonial dance pedagogies, by the creation of an intercultural dance curriculum that contributes to the repositioning of Brazilian traditional dances in the formal spaces of dance teaching, as well as the equitable valorization of dance aesthetics from Europe and the USA when compared to the aesthetics of dances produced by Latin American countries. Keywords: dance; decolonial; interculturality; teachlearning; thinkingdo Este artigo tem como objetivo propor pensarfazer processos de ensinoaprendizagem em dança desde uma perspectiva contemporânea decolonial. Foi possível identificar pontos de convergência entre estas perspectivas, já que ambas as correntes de pensamento compartilham pressupostos da concepção libertadora de educação, tais como dialogicidade, defesa da democracia, indissociabilidade entre teoria e prática; corpo mente; razão emoção; incentivo à autonomia dos educandos no seu processo de ensinoaprendizagem e respeito a pluralidade de ideias. A perspectiva decolonial de educação complementa a perspectiva contemporânea de ensino da dança ao fazer refletir sobre o eurocentrismo presente nos currículos dos cursos de dança, sobre a distribuição desigual de valor dada às produções de dança oriundas da Europa e EUA e às produções latino-americanas, especialmente as danças de matrizes afro-brasileiras e indígenas e ao defender uma educação intercultural. Nesse sentido, o pensarfazer processos de ensinoaprendizagem em dança desde uma perspectiva contemporânea e decolonial perpassa pela criação de um currículo de dança intercultural nos espaços formais de ensino, pelo incentivo à pesquisa de pedagogias decoloniais de dança e ao intercâmbio cultural entre as redes de dança latino-americanas. Palavras-chave: dança; decolonial; ensinoaprendizagem; interculturalidade; pensarfazer &nbsp

Este artigo objetiva identificar projetos artísticos nos presídios masculinos de regime fechado no município de Campo Grande, estado de Mato Grosso do Sul, e compreender o uso desses projetos como dispositivo disciplinar da escola no ambiente prisional. Por meio dos referenciais foucaultianos busca-se tratar de problemáticas e tensões que emergem da disciplina ao corpo desses sujeitos. Verifica-se que o artesanato surge consideravelmente nas atividades e propostas de reinserção do sujeito para além dos muros da prisão, sendo utilizado pela instituição como ferramenta para ocupação do tempo do indivíduo, sem valorizá-lo como artista capaz de despertar novos olhares.

This article is dedicated to thinking about the relations between the performing arts and the urban space from the intervention Herdeiras de Antigona (2019), carried out on the Copan building in Sao Paulo. The emergency exit of the building takes place on a visible staircase, and the performance presents this space as a metaphor for the urgency of the bodies and speeches of women in contemporary times. The osed reflection is developed through the description and analysis of this creation in the light of the concept of magnetized space found in the writings of visual artist Lygia Pape. When reflecting on the procedures adopted at work, it is evident how this intervention made the inhabitants of the place bring to light the social and political tensions that have marked Brazil since 2016 and, above all, echo feminism agendas as an emergency space.

O texto propõe uma revisitação da inquisição literária e da censura teatral no século XVI em Portugal, em uma época de fausto e cultura, promovida pelos gigantescos lucros do colonialismo, que proporcionou à corte lisboeta a presença de Gil Vicente (c.1465- c.1536): Ourives, dramaturgo, encenador e artista, ele escreveu, desde o ano de 1502 até 1536, cerca de 45 peças teatrais, algumas das quais foram silenciadas pela máquina de censura do Tribunal do Santo Ofício, instalado em 1536. O objetivo do artigo é delinear, principalmente, um momento histórico que selou o destino de uma obra vicentina: Em Bruxelas (Flandres), no dia 21 de dezembro de 1531, foi apresentado um auto de Gil Vicente, Jubileu de Amores, por ocasião das comemorações do nascimento de D. Manuel, filho do rei D. João III. Presente estava o cardeal Girolano Aleandro, diplomata enviado pelo Papa para persuadir o imperador Carlos V a intervir contra a heresia alemã, desencadeada por Martim Luther. Em carta enviada para o secretário papal, Aleandro teceu severas críticas à comédia vicentina, a qual recriminava o sistema de indulgências de Roma. A peça foi encenada na corte lusa, mas não foi incluída na Copilaçam de Todalas obras de Gil Vicente de 1562 e desapareceu sem deixar vestígios.

A partir de questões suscitadas pela análise de uma manifestação cultural tipicamente brasileira, a capoeira, alguns operadores conceituais são elencados no intuito de compreender como o espaço cênico caracteriza-se atualmente. Tomou-se como hipótese que o design do espaço da performance contemporânea busca investigar diversos modos que definem as relações entre ação e recepção, os quais influem diretamente na criação da espacialidade cênica. Essa mudança de paradigma, que é evidenciada com o auxílio da análise da capoeira, afeta a própria ideia de cenografia: esta se torna uma prática espacial que é praticada, atualmente, de modo a catalisar fluxos e codificar os corpos e os movimentos daqueles que se envolvem no evento cênico. Based on questions raised by the analysis of a typical Brazilian cultural manifestation, capoeira, some conceptual operators are listed in order to understand how the scenic space is currently characterized. It was taken as a hypothesis that the contemporary performance design seeks to investigate several ways that define the relationship between action and reception, which directly influence the creation of scenic spatiality. This paradigm shift, which is evidenced with the help of capoeira analysis, affects the very idea of scenography: this becomes a spatial practice that is currently practiced in order to catalyze flows and encode the bodies and movements of those who involve in the scenic event

O artigo reflete sobre o processo de criação de SobreVivo - Antes que o baile acabe, a partir das dinâmicas de composição espacial da montagem, considerando seus aspectos estéticos, éticos, poéticos, políticos e sociais. O espetáculo desenvolve temáticas étnico-raciais em uma abordagem antirracista que busca construir um espaço enegrecido da cena, tendo como referenciais manifestações culturais do povo negro, como funk, slam, samba e religiosidades de matriz africana, assim como noções afrocentradas, como a escrevivência e o quilombismo. A dramaturgia foi desenvolvida colaborativamente pela equipe, por meio de narrativas biográficas que evocam suas experiências em relação à negritude e ao racismo. Compõe-se uma cena simultaneamente crítica e festiva, que questiona as localizações sociais dos próprios espectadores.

En este artículo queremos presentar algunas reflexiones acerca del teatro callejero de grupos en la ciudad de Buenos Aires en la actualidad. Se trazarán algunas líneas teórico-metodológicas para abordar la noción de popular en el ámbito teatral, atingiendo a la fuente de los estudios culturales, teatrales y antropológicos, para poder analizar en un segundo momento algunas narrativas de los protagonistas de este lenguaje teatral. Asimismo, se presentará brevemente la historia de un grupo en particular, elegido como referente en la ciudad de Buenos Aires: el grupo La Runfla, activo desde el año 1991, cuyas actividades artísticas se concentran en el Parque Avellaneda y contribuyeron a la recuperación de este espacio público.

O artigo debruça-se sobre a noção de obra-de-arte-total wagneriana aplicada à Arte Contemporânea. Desta forma, versa sobre o imbricamento das linguagens performativas e visuais e a dissolução da fronteira entre palco e plateia por meio da integração do espaço, de modo a fomentar a imersão do espectador. Neste contexto, diferente da relação ator-espectador, o jogo teatral é agenciado pela dinâmica espaço-espectador. Por fim, analisa trabalhos de artistas latinos americanos, entre eles, Diego Bianchi, Marta Minujín e Tania Bruguera.

O artigo reflete sobre as condições de emergência dos Colégios de Aplicação (CAPs) no país, a partir de um apanhado histórico de sua criação e do seu papel na formação docente e discente. Relaciona-se sua fundação a transformações educacionais almejadas nas primeiras décadas do século XX. Os CAPs são idealizados como campo de prática epesquisa docente para estudantes dos cursos de Didática, o que lhes confere natureza diferenciada e, em certa medida, elitista. O texto encerra com uma reflexão sobre a realidade do CAp/UFRGS, no que se refere ao ensino de Teatro, evidenciando condições favoráveis ao trabalho pedagógico e à aprendizagem de conhecimentos relacionados a essa área artística. The article reflects on the emergency conditions of the Application Schools (CAPs) in Brazil, based on a brief historical overview of the creation of these educational institutions and their role in the training of students and teachers. The text links the creation of CAPs to significant transformations envisaged in the first decades of the 20th century. CAPs are idealized as a field of teaching practice and research for students of Didactics courses, which gives them a differentiated and, to a certain extent, elitist nature. The text ends with a reflection on the reality of the CAP of the Federal University of Rio Grande do Sul (UFRGS), with regard to the teaching of Theater, showing favorable conditions for pedagogical work and the learning of knowledge related to this artistic area.

In this article we analyze the presence of laughter in the roda of Capoeira Angola, using as main fields of analysis the archetype of the trickster and the ethics of trickster style. Laughter is a socio-anthropological phenomenon that establishes the humor and the comic in the absurdities of existence and in the perception of the personal maladjustment or distraction of the individual in relation to social customs. In the popular thinking the archetype of the malandro evokes cunning, wit and ingenuity, and is highly praised among the Angoleiros. The malandragem in Capoeira Angola is discussed here from the corporal dimension, with emphasis on the game, on the joke and especially on the laughter. We analyze the course of trickster style as something that was consolidated in Brazil at the beginning of the 20th century and has greatly influenced the practice of capoeira to the present day.

Montagem Teatral de 2019. Espetáculo de Teatro-dança-movimento de rua

This essay is the account of a commented translation of Renaissance intellectual Niccolo Machiavelli’s comedy La Mandragola, adapted to Salvador da Bahia’s contemporary context. First and foremost, the translation process and its subsequent analysis allowed to highlight the importance of a careful study concerning Renaissance sexual vocabulary, in order to recreate in the text of arrival the double entendres found in the text of departure; such a study was feasible thanks to Valter Boggione’s (2016) research, which also points out political and social issues present in the play. Secondly, with the aid of Hannah Pitkin’s studies (2013), it was possible to underline some gender issues in Machiavelli’s play, in primis regarding the role of women. Practical translation challenges, amongst which the characters’ language, the hybrid features of a text that contains prose and poetry, and the historical and geographical distance between source-text culture and target-text culture, were highlighted and addressed via the technical translation procedures – particularly the concept of adaptation – systematized by Heloisa Goncalves Barbosa (2004). Finally, the authors introduced the concept of “dramaturgical transplant”, a transfer process which takes place in the culture of arrival, at the same time revitalizing the culture of departure. Further than causing the text displacement, such a process displaces the very translator.

A hipótese de análise crítica de Remote Buenos Aires do Rimini Protokoll apresentada neste artigo é que o áudio tour, na sua estrutura de deslocamento pela cidade, reproduz o controle do turismo de massas ao invés de produzir uma vivência específica do participante com a cidade e com os outros participantes. A experiência que o áudio tour possibilita aos participantes, na sua dramaturgia, é um estranhamento sobre o comportamento de massa, sobre a relação entre o humano e a máquina, e sobre a teatralidade da vida cotidiana. Falta, entretanto, uma crítica às condicionantes sócio-históricas da produção do espaço da cidade. Ao final da análise, apontamos também para uma contradição do grupo Rimini Protokoll no modo de produção da série Remote X relacionada com a lógica de turismo do circuito de festivais internacionais de teatro.

O artigo tem como objetivo sistematizar quais os eixos estruturantes da pedagogia teatral presente em alguns dos grupos que integraram Frente de Trabalhadores da Cultura Nuestra America, por meio de textos de dramaturgos e diretores e da experiência dos grupos. O intuito é identificar as características comuns nas formas organizativas e nos processos de resistência. Para isso a pesquisa recupera a história da articulação dos trabalhadores da Cultura nos anos 1960 e 1970 na América Latina, analisa o processo de composição da rede que surge inspirada nos debates, ações e propostas estéticas daquele período, a Rede de Teatro e Vídeo Político- Popular de Nuestra América.

Este trabalho teve como ponto de partida a problematização da relação entre corpo e espaço presente na dança realizada em salas de ensaio e em teatros italianos, questionando as ideias de um espaço neutro para o bailarino e de um único ponto de vista ideal para o espectador, e reconhecendo as relações de poder inerentes a essas espacialidades. A partir da reflexão sobre as criações em dança contextuais do projeto Corpo e Paisagem, defendeu-se a importância de práticas artísticas de posicionamento realizadas a partir de saberes localizados e de uma visão encarnada e contextualizada, para então rever os papéis do artista e do espectador e suas relações contemplativas e compositivas com a paisagem e com a obra artística.

This article discusses how we transform artistic experience into writing, reaching the performance dimension of this preliminary act (Turner apud Dawsey, 2005). From the friction between body/writing unveiled here, he suggests what he calls an artist/researcher of fiction (Lyra, 2011), a kind of cartographer who traces landscapes in the relationship with the self/otherness, generate electrifying moments of an academic f(r)ictional writing. It is necessary to emphasize that the framework of this text is based at the Center for Anthropology, Performance and Drama (Napedra/2005-2013); in the experiences with the subject taught by me in the graduate programs in arts at UERJ, UDESC and UFRN (2017-2019); and finally, in the production of articles, dissertations and theses developed with the research group MOTIM - Myth, Rite and Feminist Cartography in the Arts.

Through an analysis of projects developed by Edward Gordon Craig, Loie Fuller, David Tudor and Klaus Obermaier, this article discusses the discoursive and technological pressupositions of an poetics of performatization of space. It problematizes the implications for human agency when performance space is constructed so that the human being is inscribed into its dinamics in such a way that his/her agency is submitted to the discoursive logics of this space by means of an technology designed to know no boundaries anymore.

This article examines the tool denominated poetic door as a performative device that opens space-time opportunities for the poetics of the collective unpredictability on stage. It presents how it was developed, its definition and applied examples in the productions O Amor Que Habito (2018), Uma Sonata Familiar (2018) and Luar de Contos (2019) by Coletiva Teatro. In a blocked performance, space for deviation is created with the goal of intensifying a given dramatic moment, enabling multiple new layers of meaning in real time that emerge during and as a a result of the encounter between artists and audience. The degree of poetic freedom and performativity of the device are investigated as well as the required conditions and dramaturgical implications of its use. Artist and audience become continuous reconfigurators of poetic singularities.

There is a difference between considering performances as occurrences that happen in one place and recognizing them as triggers of territorialities. The purpose of this research was to analyze performative experiences conceived in Cuba, Brazil and Mexico that established feminist debates through the subversion of territorialities given a priori and their power relations. The objective was to blur hierarchical dichotomies between public and private spaces, artist and spectator, scene and political manifesto, individuality and collectivity.

In addition to a set of buildings, what is inherited from the Italian Renaissance theater is an architecture of the gaze. Leaving the Aristotelian logic of this model means exploring other ways of conceiving and organizing the visible, one of which, and the one we are going to explore, is based on the distance relations between bodies. To this end, the essay focuses on scenic experiences conceived by Lia Rodrigues and Antonio Araujo, and questions how they make us perceive the invisible.

Este estudo objetiva pensar o processo de criação artística como espaço-fronteiriço matricial. Ancorado na abordagem metodológica da bricolagem, analisa-se a criação da obra de dança performativa Tú, él, nosostros tres, inspirada em obras dos artistas mexicanos Frida Kahlo, Arturo Estrada e Nahum B. Zenil. Com isso, o processo criativo é entendido como espaço/útero modelado por interconexões e permeabilidades, gerador da obra de arte e capaz de recriar o/a próprio/a artista.

In recent years, the lecture-performance has emerged as a crucial format in the practice of contemporary theater. From a genealogical process that announces a possible identification and recognition coverage, the authors explore in recent theatrical production elements and distinctiveness that compose this hybrid theatrical practice, which absorb spatial and material elements of both the academic lecture as well the artistic performance and from that, we have the presence of a new type of the actor: the epistemologist-actor.

Applying a historizing perspective, this text presents a critical consideration of different spacial imaginations and conceptions. It articulates cientific and aesthetic, sociocultural and antropolicall paradigms in order to reflect on the various relations between the socioeconomical and political situations in which Brazil and – with regional varients – also in other countries in Latin America found themselves involved, and the processes of spatial configurations that increasingly manifested themselves during the 21st century. In doing so, the paper critically highlights the conceptual contexts for the spatial practices on which this dossier reflects. Finally, the paper calls attention to the conspicuous absence of the great voices of Brazilian cenography in the reflexive discourse on these processes in Brasil and Latinamerica in the 21st century.

Este texto é um ensaio teórico que parte de inquietações sobre a videoperformance All about that bass produzida pelo artista Royce Cherdan Lee, também conhecido como Chubbeyoncé Lee. A videoperformance foi inspirada pelo videoclipe original de mesmo título, da cantora norte americana Meghan Trainor. Tem por objetivos refletir questões relacionadas ao espaço, ao corpo e ao afeto enquanto dimensões dramatúrgicas em produções audiovisuais postadas na plataforma digital do YouTube, a partir de conceitos como: Exotopia; Heterotopia; Dramaturgia do Espaço; Corpomídia e Mídia Propagável; expor a compreensão dos conhecimentos, das subjetividades e das intervenções cênicas e sociais relativas a essa videoperformance para criar um texto de natureza evocativa, metonímica, subjetiva, nervosa e citatória. Para tais objetivos faz-se uso da Escrita Performativa enquanto modo de realizar a escrita. Em All about that bass o quintal, os corpos que o habitam e o afeto que geram as ações são os pontos de interesse desse ensaio.

O edifício teatral constrói relações profissionais e humanas, as quais desenvolvem singular trânsito entre este edifício e a cidade que o abriga. Esta perspectiva proporcionou um singular conceito de O edifício teatral constrói relações profissionais e humanas, as quais desenvolvem singular trânsito entre este edifício e a cidade que o abriga. Esta perspectiva proporcionou um singular conceito de Cenografia. A fundamentação teórica está centrada no estudo epistemológico que Michel Foucault empreendeu, ao reconhecer no século XVI a ação cognitiva de “espacializar o conhecimento”, a qual conecta o microcosmo ao macrocosmo. Este “espacializar” cognitivo será considerado de acordo com os espaços físico e virtual. O virtual será analisado a partir da plataforma digital, que permite que performance teatral e plateia se encontrem em ruas e praças, recriando as normas de confinamento.

Neste artigo visitamos um conjunto de definições sobre o uso e emprego do termo site-specific em montagens teatrais brasileiras contemporâneas. Para tanto, partimos de diversas definições iniciando pela alusão que as artes visuais fazem à expressão. Procuramos problematizar os aspectos do processo criativo considerando a palavra de agentes criativos, quando se expressam nos programas de seus espetáculos ou em entrevistas, a expressão da crítica especializada e os textos acadêmicos e universitários que procuram abordar os mais diferentes aspectos que envolvem o termo e a noção que o encerra.

O texto da conferência proferida por Marvin Carlson em outubro de 2019 na Unirio, cuja tradução apresento aqui, explora uma temática significativa para aqueles que estudam a recepção teatral. Conduzindo o leitor por diferentes espetáculos e variados grupos teatrais ao longo da história, o autor discute e comprova que, devido a certas características únicas do teatro como atividade humana, esta arte opera uma dinâmica universal de cognição e experiência, fundamentada na memória de experiências anteriores colocadas em justaposição com as novas, processo que ele intitula de ghosting e que traduzi por “assombração”.

Este artigo trata das montações monstruosas praticadas por drag queens, dançarinas burlescas e de voguing nas cidades do Rio de Janeiro, RJ, São Paulo, SP e Salvador, BA, nos anos de 2017 e 2018 e que foram fotografadas para o projeto “m0n5+r_S”, pela autora do trabalho. A série de imagens foi realizada em concursos de performance, balls e cabarés, onde a prática performativa da montação era realizada; e editada para que se evidencie os aspectos monstruosos, estranhos e grotescos das imagens. Neste texto, serão descritos alguns aspectos dessa prática, suas implicações éticas, estéticas e políticas, além de contextualizá-la na discussão sobre o queer/cuir e a comunidade LGBTQIA+, utilizando para isso conceitos de Paul Preciado, Judith Butler, Jaqueline de Jesus, Nízia Villaça e Hija de Perra. Contextualizando também as noções de monstruosidade e grotesco nesta forma artística contemporaneamente, através das ideias apontadas por Jacques Rancière, Diego Paleólogo, Muniz Sodré e Raquel Paiva.

This article deals with the study of body and its somatic and expressive practices in scenic art research. The objective is to study the creative process of the performance "Can not forget", staged by XXXXXXXXX, released in November 2016 in Goiânia-GO. Body studies and their expressiveness (based on the Body-Mind Centering® approach) were the subsidiary practices of the creation, rehearsal and presentation processes of the performance in question. The result of the research process culminated in a scenic performance held next to a old tree, like rubber tree. The study of this creative process allows to investigate some aspects that configure today the aesthetics of the contemporary theater and the performance from the perspective of the body of the actor and to reflect the dilution of the borders of the arts.

O presente estudo parte do diagnóstico realizado pelo filósofo Byung-Chul Han sobre a atual sociedade digital e neoliberal, para pensar as novas demandas que se impõem aos artistas no que diz respeito a procedimentos de criação artística e formulação de narrativas. Para tanto, serão descritas e analisadas as ações desenvolvidas pelo acionista russo Pyoter Pavlensky, entre os anos de 2012 e 2017, visando perceber como o artista tem se relacionado com o contexto apresentado e com os desafios impostos pelo cenário político, em especial a ascensão do autoritarismo na Rússia, assim como pelas inovações comunicacionais suscitadas pela utilização de plataformas virtuais. A hipótese defendida neste artigo é de que Pavlensky agencia diversas camadas discursivas, de forma consciente ou inconsciente, a saber: gesto ritual com referências arcaicas, o envolvimento de agentes do governo como consequência da eficácia ritual do gesto, a memória coletiva acerca de fatos históricos, a simbologia do espaço onde é realizada cada ação, o corpo material e a viralização de imagens simulacro nas redes sociais como forma de criar narrativas de legalidade, legitimidade e competência, as quais são necessárias no embate contra o sistema de poder dos governos da Rússia e da França, assim como são essenciais para o desvelamento das estruturas de domínio e opressão concretizadas na figura dos governos neoliberais.

A presente pesquisa busca provocar o pensamento em torno do corpo e da sexualidade a partir da noção de performatividade e do surgimento de modos de vida queer. A partir das imagens dos agenciamentos do corpo de um performer é possível refletir sobre possíveis enfrentamentos micropolíticos que contestam as categorias de sexo e gênero e, sobretudo, buscam romper com as relações naturalizadas socialmente entre o corpo, o gênero, o sexo e a sexualidade em contextos homossexuais. Assim, pretende-se refletir sobre os modos de vida criados e inventados a partir das multidões queer na medida em que colocam em evidência seus traços, fluxos, devires e desejos desterritorializando processos de subjetivação das minorias, dos seres abjetos. Portanto, podemos pensar na força e no potencial micropolítico que a construção desses modos de vida pode engendrar a partir de uma posição consciente, afirmativa e produtiva da sexualidade. Trata-se, portanto, de assumir modos de vida homossexuais como ferramentas de uma grande maquinaria desejante que não se contenta com as formas instituídas de experimentar e viver a sexualidade, afirmando-se na própria diferença.

A partir de minha experiência como capoeirista e pesquisadora das artes da cena, este artigo elabora uma reflexão acerca da capoeira angola como prática educativa contra hegemônica. Dedica-se a refletir sobre a capoeira angola e suas possíveis relações pedagógicas contextualizadas em espaços universitários dedicados a formação em artes cênicas. O estudo parte das proposições de Luiz Rufino Rodrigues Júnior sobre a Pedagogia das Encruzilhadas e encontra aproximações com a concepção pedagógica de Bell Hooks, que defende a educação como prática da liberdade. A capoeira, assim como demais conhecimentos versados pelas culturas afrodiaspóricas, emerge como uma epistemologia de fronteira, onde o corpo representa fundamental elemento de produção e partilha do saber.