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En France, l’artisanat, avec ses chambres de métiers et ses entreprises, contribue à l’enseignement professionnel à travers l’apprentissage. Après 1945, l’État privilégie la voie scolaire pour développer l’enseignement technique alors que l’artisanat veut y préserver son rôle. L’apprentissage apparaît comme un enjeu des relations État-artisanat. Après avoir mesuré la contribution de l’apprentissage artisanal à l’enseignement professionnel, cet article décrit les paradoxes du dialogue entre l’État et l’artisanat à propos de l’apprentissage du milieu des années 1950 à 1971. In France, artisanat, with its Chambers of Trades and its businesses, contributes to vocational education through apprenticeship. After 1945, the State favoured the school system to develop technical education whereas artisanat wanted to preserve its role. Apprenticeship appears as an issue at stake in State-artisanat relationships. After having estimated the contribution of craft apprenticeship within vocational education, this paper describes the paradoxes within the dialogue betwen State and artisanat about apprenticeship from the mid -1950s to 1971.

International audience; The region Occitanie was created in 2016 from the merging of two former regions, Languedoc-Roussillon and Midi-Pyrénées, which had developed at a distance from each other for several decades. Toulouse and Montpellier were regional capitals prior to the merger and are part of two distinct urban systems that have little, if no relation between them. The preparation of the new regional planning scheme SRADDET provides an opportunity to decode the positions and strategies of planning stakeholders inform and reveals a series of salient planning issues about “regional remaking” applied to a vast and contrasted territorial ensemble. We intersect these data with restructuring dynamics and with the inter-territorial alliances and articulations that we observed in the field. Occitanie as a case study thus delivers an exploratory reflection on the implementation of inter-territoriality and on the role of multi-level, territorial cooperation in the process of building complex regional ensembles.; La région Occitanie a été créée en 2016 par la fusion de deux anciennes régions, Languedoc-Roussillon et Midi-Pyrénées, qui s’étaient développées à distance l’une de l’autre depuis plusieurs décennies. Toulouse et Montpellier, chacune capitale régionale avant la fusion, s’insèrent dans deux systèmes urbains distincts qui n’ont pas ou peu de liens entre eux. L’élaboration du nouveau schéma régional d’aménagement SRADDET est l’occasion de décrypter, à travers les énoncés et les stratégies des principaux acteurs impliqués, les enjeux et les problématiques d’aménagement pour « refaire région » à partir de cet ensemble territorial vaste et contrasté. Ces données sont croisées avec les dynamiques de recomposition, les alliances et les articulations interterritoriales que l’on peut observer sur le terrain. Le cas de l’Occitanie permet ainsi de livrer une réflexion exploratoire sur la mise en pratique de l’interterritorialité et sur le rôle de la coopération territoriale multi-niveaux dans la construction d’ensembles régionaux complexes.

La nouvelle question d’histoire contemporaine posée dans le cadre des concours de l’enseignement (agrégation externe d’histoire, de géographie et capes externe d’histoire-géographie) offre l’opportunité de faire le point sur un objet – le travail – qui a connu un investissement multidisciplinaire conséquent durant les dernières décennies, que ce soit en histoire (économique, sociale, des techniques, culturelle et politique) ou dans une sociologie inscrite en perspective historique et dans d’a...

Cet article présente le cas de Pierre Bézier (1910-1999), un ingénieur issu des Arts et Métiers puis de l’École supérieure d’électricité qui a fait toute sa carrière (1933-1975) dans l’entreprise automobile Renault. Bézier a été tour à tour l’artisan d’une forme originale d’automatisation (1947), un pionnier en Europe de la commande numérique (1958), puis l’un des fondateurs, à l’échelle mondiale, de l’informatique industrielle (1966). Les « courbes et surfaces de Bézier » sont au fondement de la Conception et fabrication assistées par ordinateur (CFAO) qui ont réorganisé le design, la production de série et notre monde virtuel. Pourquoi cet innovateur important est-il resté un « inconnu célèbre » ? En confrontant les archives de l’entreprise aux documents conservés par l’un de ses ingénieurs l’article mesure le destin d’un électromécanicien de génie à l’aune de l’évolution d’une usine. Il montre qu’un parcours individuel peut requestionner le passé d’une entreprise. Comment une biographie sert-elle l’histoire globale ?

Le but de cet article est de remettre en question la centralité du récit comme moteur de la narration dans les jeux vidéo. Après avoir montré en quoi il convient de passer d’une logique de discours à une logique de monde, nous proposons, en reprenant la notion de worldness de Klastrup et Tosca que nous adaptons au contexte vidéoludique, le modèle du narrataire-enquêteur qui permet de concevoir la narration vidéoludique comme la reconstruction d’une base de données par le biais d’un monde – dans ses manifestations fictionnelles, pragmatiques et techniques – qui organise lui-même les conditions de son exploration. Ainsi, le récit se retrouve décentré dans une logique de monde qui se communique au joueur par une multiplicité de procédés. The purpose of this article is to question the centrality of narrative as the driving force behind narration in video games. After having shown how it is appropriate to move from a logic of discourse to a logic of world, we propose, by taking up the notion of worldness used by Klastrup and Tosca and adapting it to the videogame context, the model of the narrator-investigator which allows us to conceive videogame narration as the reconstruction of a database through a world – in its fictional, pragmatic and technical manifestations - which itself organizes the conditions of its exploration. In this way, the narrative finds itself off-centre in a world logic that is communicated to the player through a multiplicity of processes.

A travers l’etude d’un accident – l’explosion d’une des chaudieres du paquebot l’Industrie dans le port de Marseille en decembre 1851 – et de ses consequences judiciaires, cet article entend examiner les changements provoques par l’innovation technique dans le monde du travail maritime au cours de la premiere revolution industrielle. Le propos est centre sur la figure du mecanicien, personnage emblematique de la machine a vapeur. Il s’attache tout d’abord a retracer et a expliquer l’evolution des statuts du responsable des machines, notamment ses positions sur le navire et dans les textes reglementaires, deux elements places au cœur de l’affaire et dont les tribunaux s’emparent afin de rendre la justice. L’accident de l’Industrie permet egalement de mener l’enquete sur la question de la construction des competences et de l’identite du mecanicien. Le deuxieme tiers du xixe siecle apparait a cet egard comme un moment crucial, qui acheve de transformer le metier de mecanicien sur les navires a vapeur en veritable profession maritime.

Résumé: On parle souvent, à l’égard de la danse post-moderne américaine des années 1960 et 1970, de corps, de mouvements, de procédures chorégraphiques démocratiques. Pourtant, certains traits de ces danses (déhiérarchisation des parties du corps et des virtuosités, recherche de processus de décision collectifs...) s’opposent de manière critique à la démocratie libérale. C’est plutôt de l’anarchisme qu’elles se réclament. En s’appuyant sur trois aventures collectives américaines, et en examinant les écrits de Steve Paxton comme témoin et acteur de ces aventures, cet article se demande: Qu’est-ce qu’un postulat anarchiste permet de voir dans ces danses? Que nous apprennent les pratiques chorégraphiques sur l’anarchie? Abstract: Post-modern dances of the 1960s and 1970s in the US are often associated with democracy: with democratic bodies, movements, and choreographic procedures. Yet some of their key aspects (such as the dehierarchization of creation processes, body parts and virtuosities, the investigation of new systems of collective decisions…) directly oppose and criticize representative liberal democracies. This article proposes that anarchism, as the theory and practice of rejecting and interrogating forms of domination, could be a richer term to describe their political intents. Through a case study of three collective choreographic adventures, as well as the testimony of dancer and choreographer Steve Paxton, it asks: What can we learn about post-modern dances through the lens of anarchy? And what can we learn about anarchy through the lens of those dances? Resumo: Quando se fala da dança pós-moderna americana dos anos 1960 e 1970, fala-se com frequência de corpos, de movimentos e de procedimentos coreográficos democráticos. No entanto, certos aspectos dessas danças (des-hierarquização das partes do corpo e das virtuoses, busca de processos de decisão coletivos...) se opõem de maneira crítica à democracia liberal. Elas seriam reivindicações anarquistas, mais do que democráticas. Baseando-se em três aventuras coletivas americanas, e examinando os escritos de Steve Paxton como testemunha e ator dessas aventuras, este artigo pergunta: o que um postulado anarquista permite ver nessas danças? O que nos ensinam as práticas coreográficas sobre a anarquia?

L’improvisation musicale est souvent considérée comme se situant à la croisée d’un double continuum mettant en jeu, d’une part, le degré de spontanéité de la création, et, d’autre part, le degré de prédétermination de la performance. Le présent article confronte cette idée d’un « double continuum » de l’improvisation à une étude de cas – l’analyse du processus de création du projet Sillon, une expérience « comprovisatoire » ayant associé un compositeur et cinq improvisateurs du collectif Umlaut. Sans nier l’existence de continuités fortes entre improvisation et composition, l’article met en lumière les spécificités et singularités que les musiciens attachent à leurs différentes pratiques, par-delà leur volonté commune de parvenir à produire un objet musical « hybride »., Musical improvisation is often said to exist at the intersection of a double continuum, with the degree of spontaneity in creation on one axis, and the degree to which the performance is predetermined on the other. This article looks at the idea of the “double continuum” in improvisation using a case study—an analysis of the creative process of the project Sillon, the “comprovisatory” experiment of a composer and five improvisers from the collective Umlaut. Without denying the continuities that exist between improvisation and composition, the article sheds light on the specificity and singularity the musicians each attach to their individual practices beyond their mutual goal to produce a “hybrid” musical object

International audience; De l’ingénieur Yves Dubreil, on peut dire assurément qu’il a « un losange à la place du cœur ». Entré en 1969 à la Régie Renault, il y a effectué toute sa carrière. Il a déployé la « gestion de projet » en tant que directeur du projet Twingo (1989-1993), puis, à partir de 2003, comme directeur de l’innovation de Renault SAS. Sollicité en 2010 pour devenir président de l’association Renault Histoire, alors qu’il avait fait valoir ses droits à la retraite, il accepte cette proposition, convainc...

L’article fait l’hypothese que les images d’aujourd’hui sont habitees par les photographies, qui interviennent telles des images materielles ou mentales. Ce statut de meta-image est argumente en premier lieu par le fait que la photographie concourt a la connaissance du monde. L’article etudie ensuite son statut de modele pour des photographies a venir et, proposition centrale, analyse differentes œuvres picturales contemporaines qui thematisent la photographie. Le concept de precession emprunte a Merleau-Ponty (1964) est enfin mobilise pour preciser les effets de sens produits par ce metadiscours photographique.

Connu comme l’inventeur du « poème symphonique », Liszt entoure un grand nombre de ses oeuvres d’écrits aux formes diverses, que nous appelons « paratextes ». Ces paratextes semblent constituer un puissant moyen de médiatiser sa musique, mais qu’en est-il réellement de leur diffusion, de leur circulation et de leur réception ? Nous partirons à la recherche des textes de préface des poèmes symphoniques de Liszt, de leurs traces et de leur influence dans la presse et plus largement dans l’espace médiatique français et allemand (incluant les affiches, programmes, annonces et comptes rendus de concert), afin d’interroger leur fonction dans la médiatisation de sa musique : dans quelle mesure les paratextes permettent-ils au compositeur d’orienter l’écoute ? Et quels rôles jouent-ils dans la réception de sa musique ? Après quelques considérations sur le rôle des paratextes dans l’esthétique lisztienne, nous proposerons quelques pistes de recherche à travers plusieurs études de cas (exemples de diffusions en Allemagne, à, Paris, Angers et Nancy)., Known as the inventor of the “symphonic poem,” Liszt accompanies many of his works with writings of various forms, which we call “paratexts.” These paratexts seem to be a powerful way to get media attention on his music; but what can be said about their distribution, circulation, and reception? We will look for the prefaces of Liszt’s symphonic poems, their traces and their influence in the press and more broadly in the French and German media space (including posters, programs, announcements and concert reports), in order to question their function in the media coverage of his music: to what extent do the paratexts allow the composer to orientate the listening process? What roles do they play in music reception? After some considerations on the role of paratexts in the Lisztian aesthetics, we propose some new ideas through several case studies (diffusion in Germany, Paris, Angers, and Nancy).

International audience; "This study is about the recruitment of French ``civil engineers'' (for the private sector) schools in 1901, comparatively in particular with the recruitment during the same year of the École polytechnique, dedicated as a rule to the training of State engineers for civil or military corps. The schools integrated are the École centrale des arts et manufactures, the Écoles des mines in Paris and Saint-Étienne, the École des Ponts et Chaussées, along with two schools in Lyon, the École centrale and the École de chimie industrielle. The paper deals successively with the relative competition between those schools for their recruitment, the partially different fish ponds where they draw from, the rather privileged social backgrounds of their students, without exclusion of popular origins, the types of training, rather generalist, with an applied dimension, they offer and the widely industrial careers made by their alumni, in very different branches."; Cette étude porte sur le recrutement d'écoles françaises d'\guillemotleft ingénieurs civils \guillemotright, destinés au secteur privé, en 1901, en comparaison notamment avec celui la même année de l'École polytechnique, qui forme en principe des ingénieurs d'État pour des corps civils ou militaires. Sont intégrées l'École centrale des arts et manufactures, les écoles des mines de Paris et de Saint-Étienne, l'École des Ponts et Chaussées, ainsi que deux écoles lyonnaises, l'École centrale et l'École de chimie industrielle.L'article examine successivement la concurrence relative que se font ces écoles dans leur recrutement, les viviers partiellement différents dans lesquels elles puisent, les milieux d'origine plutôt privilégiés des élèves, sans exclusion des couches populaires, la nature des formations plutôt généralistes, avec une dimension appliquée, qu'elles proposent et les carrières très largement industrielles, dans des branches très diverses, que font leurs anciens élèves.

International audience; Unearthing a weapon in an ancient mining area during an excavation is very unlikely. The discovery made at Castel-Minier is even more important since its stratigraphical context is well characterized, dating from the 15th century. This ear-dagger of an uncommon type, found along with its scabbard, differs greatly from those known in the museum collections by its sobriety. An archaeometric study was carried out focusing on the chemical characterization of its distinct components, putting in light the choice of the assembled materials (wood, gold, lead and copper alloys). Beyond the purpose of this dagger lost in a 15th century silver mine, its study makes it possible to see for the first time a Catalan area ear dagger produced for a regional market; Il est peu commun de mettre au jour de l'armement dans un contexte archéologique minier. La découverte faite à Castel-Minier est d'autant plus importante qu'elle est intervenue dans un contexte archéologique maitrisé. Elle met en lumière une dague à oreilles de la fin du XV e siècle qui diffère largement de celles connues dans les collections par sa sobriété. C'est la première fois que cet équipement offensif est découvert en contexte archéologique. Au-delà de la raison d'être de ce poignard dans une mine d'argent au XV e siècle, son étude permet de mettre en lumière pour la première fois une dague à oreilles de facture catalane destinée à un marché bien différent de celui des exemplaires connus dans la bibliographie.

En 1679, l’affaire des poisons exposait nombre de personnalités compromises avec des empoisonneuses de profession, lorsque Donneau de Visé mit à l’affiche de l’Hôtel Guénégaud sa comédie La Devineresse, avatar de la Voisin. On retrace ici la campagne de presse adroitement orchestrée par le fondateur du Mercure galant à travers son périodique et son illustration, mais aussi par le biais de produits dérivés de la pièce, tels l’édition d’un almanach et de deux écrans de feu à mains. Présentée comme une comédie à effets, La Devineresse, décalée par rapport à son contexte socio-politique sordide, remporta un très vif succès. In 1679, several important figures were embroiled in the Affair of the Poisons, and their links to professional poisoners exposed. One of these was chiromancer and poison seller Catherine Monvoisin, known as 'La Voisin', on whom Donneau de Visé based his play La Devineresse (the fortune teller) at the Hôtel Guénégaud. In this article we study the hype carefully orchestrated by the founder of the Mercure Galant through his journal and its illustration, but also with tie-in merchandise in the form of an almanac and two hand held fire screens. The play, presented as a comedy with special effects, was far removed from the sordid socio-economic context of the Affair and was a resounding success.

Au Japon, le développement du manga et du dessin animé est indissociable de la science-fiction et du développement du genre du robot anime (dessin animé avec robot géant). S’éloignant de l’esthétique des robots géants généralement imposée par les fabricants de jouets, les créatures de Neon Genesis Evangelion mélangent science, religion et psychanalyse dans une intrigue qui reflète à la fois la situation du spectateur passionné de SF et celle du réalisateur de la série au sein de l’animation japonaise. Au niveau de la production, il s’agit d’une démonstration de la labilité du support animé pour épouser différents genres de récit, l’enveloppe SF se dissolvant, dans les épisodes finaux, dans une exhortation à ne pas fuir les difficultés, que ce soit dans la vie des personnages ou dans la production d’une série télévisée. In Japan, the growth of manga and cartoons adaptation on television can not be separate from science fiction and the development of the robot anime genre. Standing out from the traditional representation of giant robots generally imposed by toy makers, Neon Genesis Evangelion’s creatures blend science, religion and psychoanalysis in a plot that reflects the attitude of the SF amateurs and the position of the director of the series within the Japanese animation industry. At the level of production, it is a demonstration of the versatility of the animated medium and its capacity to adapt to different kinds of narrative. To show how the production conditions impact the aesthetics and the narratives, this paper explores the poetics of the medium and demonstrates that Evangelion is a metanarrative fiction that deconstructs the robot anime’s standards while exposing the process of its serial creation.

S’inspirant d’Aristote, de Quintilien et de Cicéron, les rhétoriciens anglais du XVIe siècle prescrivent le bon usage des figures et éreintent les métaphores inconvenantes ou trop audacieuses. Dans les romances (Pericles, Cymbeline, The Winter’s Tale et The Tempest), Shakespeare se plaît à contrevenir à ces prescriptions qui brident l’inventivité du poète : l’une des stratégies les plus subtiles que développe le dramaturge pour s’affranchir de ces figures imposées est le déploiement de métaphores ravivées, qui consistent à réveiller des métaphores mortes pour y redonner une charge imagée voire y déployer un sens neuf. En d’autres termes, ces figures ingénieuses brisent les chaînes des métaphores mortes qui, à force d’usage, emprisonnent en elles des sens cachés. Dans les romances, les métaphores ravivées ont également ce pouvoir de libérer un potentiel comique, y compris au sein de scènes tragiques. D’ailleurs, l’objectif est de souligner l’impact qu’ont ces figures sur l’hybridité générique des pièces tardives. Par l’emploi astucieux de ces figures, Shakespeare s’affranchit des règles de pureté générique formulées par les néo-aristotéliciens sur le continent. Dès lors, une double libération voit le jour : en brisant les chaînes de la métaphore, qui n’est plus assujettie aux prescriptions rhétoriques, le dramaturge affranchit aussi ses pièces des carcans génériques. Inspired by Aristotle, Quintilian and Cicero, sixteenth-century rhetoricians in England prescribed strict rules to elaborate an appropriate figurative speech and vilified the use of far-fetched and unchaste metaphors. In his romances (Pericles, Cymbeline, The Winter’s Tale and The Tempest), Shakespeare breaks away from these rules of decorum, which restrict the poet’s wit and imagination. One of his favourite – and probably most ingenious – strategies to unbind his tropes consists in reviving metaphors. Revived metaphors consist in restoring the visual and semantic power of dead metaphors; as a result, they often unleash new meanings that have been stagnant because of an excessive use through time. In the romances, revived metaphors also liberate laughter, even when scenes teeter on the brink of tragedy. Hence, this article aims at analysing how revived metaphors participate in creating generic hybridity in the author’s late plays. Through the daring use of revived metaphors, Shakespeare defies the generic purity that was advocated by neo-Aristotelians on the continent. Therefore, revived metaphors imply a double liberation: by breaking the shackles of dead metaphors as well as the rules of decorum, the playwright also frees his plays from generic confinement.

Natures are socially constituted. From the point of view of environmental geography, this article addresses two forms of interpretation of the relations between people and nature: representations and the anticipation of the future. How do farmers represent the natures defined by others, such as lake, river, water catchment ? In a different way. The relation of farmers to nature is specific. Their glance and their representations are forged through actions and material practices. However, time modifies these representations. Climate change disrupts the established representations of nature. It leads to consider the future in rupture with the past, i.e. for the geographer to find new methods to address the future. At the junction between research and action, the imagination of the future can be a lever to think in a renewed way the relations between social groups and nature., Les natures sont socialement constituées. Dans une perspective de géographie de l’environnement, cet article aborde deux formes d’interprétation des relations entre Homme et nature : les représentations et l’anticipation du futur. Comment des agriculteurs se représentent-ils les objets de nature définis par d’autres comme lac, rivières et bassins versants ? Différemment. Le rapport des agriculteurs à la nature est singulier. Leur regard et leurs représentations se forgent à travers des actes et des pratiques matérielles. Mais le temps modifie ces représentations. Le changement climatique vient bousculer les représentations établies de la nature. Il amène à envisager l’avenir en rupture avec le passé, c'est-à-dire pour le géographe trouver des méthodes pour aborder le futur. A la frontière entre recherche et action, l’imagination du futur peut être un ressort pour penser de manière renouvelée les relations entre les groupes sociaux et la nature.

International audience; After the Henrician reformation and the dissolution of the monasteries, as Protestantism settled as the established religion under Elizabeth I, English Catholic women who wished to take the veil had no other choice but to leave their native country to embrace religious life on the Continent, amongst local communities, often in the North of France and the Spanish Netherlands. In those convents, the refugees embodied the plight of a Catholicism without borders which, in the face of Protestant persecution, refused to be defeated and, on the contrary, grew in fervour. Yet although they proudly belonged to the universal Church of Rome, English nuns were different from their Continental Sisters. A brief study of some of the twenty-two convents founded specifically for English entrants during the seventeenth century will reveal the most salient aspects which made English convents in exile exceptional.; Après la Réforme henricienne et la dissolution des monastères, et la pérennisation d’un régime protestant sous Élisabeth I, les catholiques anglaises qui souhaitent prendre le voile n’ont d’autre choix que de quitter leur sol natal pour entrer en religion sur le continent au sein des communautés locales, souvent dans le nord de la France ou les Pays-Bas espagnols. Dans ces couvents, les réfugiées incarnent un catholicisme sans frontière qui, bien qu’attaqué par ses adversaires protestants, refuse de se soumettre mais, au contraire, redouble de ferveur. Pourtant, malgré leur appartenance revendiquée à l’Église universelle de Rome, les religieuses anglaises se distinguent de leurs consœurs continentales. Une brève étude de quelques-uns des vingt-deux couvents anglais fondés au cours du XVIIème siècle permet de lever le voile sur les aspects les plus saillants de la spécificité des couvents anglais en exil.

À travers le cas d’étude d’un projet récent d’aménagement paysager multifonctionnel en Thaïlande, cet article fait état du lien entre des processus de développement territorial, notamment en matière de gestion des ressources communes (les common pool resources – ou CPR – décrites par l’économiste Elinor Oström, 1990), et une démarche singulière de projet spatial basée sur une approche transversale et participative des enjeux liés à l’aménagement du paysage et de l’espace bâti. Le processus de conception du projet spatial a ici pour vocation de servir une démarche de développement territorial durable. Ce processus, basé sur une coopération internationale franco-thaïlandaise, sera présenté à travers un projet spatial d’aménagement des berges du lac Nong Han dans la province de Sakhon Nakhon en Thaïlande. Les enjeux liés à ce projet d’aménagement sont spécifiques à ce milieu humide aux équilibres fragiles, et au contexte économique, culturel et social du Nord-Est de la Thaïlande. Through the case study of a recent multi-purpose landscape development project in Thailand, this article shows the relationships between different regional development processes, particularly in the management of common pool resources (CPR) described by the economist Elinor Oström (1990), and a singular spatial project approach based on a transverse and participatory approach to the issues in the development of landscapes and built up areas. The design process for the spatial project is intended to serve as a sustainable regional development approach. This process, based on international cooperation between Thailand and France, will be presented in a spatial project for the development of the shores of Lake Nong Han in Sakon Nakhon province in Thailand. The challenges in this development project are specific to this vulnerable wetland area, and to the economic, cultural and social context of North-East Thailand.

La tenture des Métamorphoses, tissée à partir de 1680 durant une cinquantaine d’années, à la manufacture royale des Gobelins, est une des plus vastes productions tombées des métiers parisiens. Elle a été beaucoup tissée. Elle a toutefois été peu étudiée, essentiellement car il s’agit d’un ensemble non compris dans la production officielle des Gobelins. Les chefs d’atelier travaillaient d’après les cartons appartenant au roi ou d’après des cartons qui leur appartenaient, qu’ils commandaient eux-mêmes à des peintres de renom ou à la gloire naissante. La genèse de la tenture a longtemps été confuse. Il s’agit en fait de deux ensembles conçus à une vingtaine d’années d’écart, comprenant plusieurs jeux de modèles et dont certains sujets sont communs aux deux séries. La première série a très vraisemblablement été réalisée peu avant 1680, à partir de tableaux de différents peintres (Louis Boullogne, Charles Le Brun, René-Antoine Houasse et Charles de La Fosse) appartenant à l’entrepreneur Jean Jans. Dans les premières années du xviiie siècle, un nouveau jeu de cartons a été utilisé, toujours réalisé à partir de tableaux ou de copies de peintures de différents artistes (Louis Boullogne, Antoine Coypel, Charles de La Fosse, Nicolas Bertin, Antoine Dieu et Sébastien Leclerc). Plusieurs de ces modèles étaient des commandes royales pour Trianon, la ménagerie de Versailles et Marly. Certains avaient été exposés aux Salons de 1699 et 1704. Cette communication s’arrête sur les enjeux du tissage de ces peintures. Comment s’est opéré le passage du petit au grand format et du peint au tissé lors de l’exécution des tapisseries ? The Metamorphoses tapestry, woven at the Manufacture Royale des Gobelins over some fifty years, beginning in 1680, is one of the largest creations ever made by Parisian craftsmen. It has been extensively woven. However, it has not been thoroughly studied, as it was not included in the Gobelins official production. The workshop managers followed cartoons belonging to the king or to ones they themselves owned, which they commissioned from renowned painters and rising stars. The origins of the tapestry have long been unclear. There are in fact two groups, conceived twenty years apart, made up of several groups of models and with some subjects shared by the two groups. The first series was most likely created just before 1680, based on the work of various painters (Louis Boullogne, Charles Le Brun, René-Antoine Houasse and Charles de La Fosse) owned by the entrepreneur Jean Jans. In the early years of the eighteenth century a new set of cartoons were used, all made from paintings or copies of paintings by different artists (Louis Boullogne, Antoine Coypel, Charles de La Fosse, Nicolas Bertin, Antoine Dieu and Sébastien Leclerc). Many of these were royal commissions for Trianon, the menagerie of Versailles or for Marly. Some had been shown in the Salons of 1699 and 1704. This paper focuses on the weaving of these paintings. In creating the tapestries, how did the transition from small to large format happen, and from painted image to woven?

International audience; While the Paris Diderot University was created (1971) around an interdisciplinary project, this article proposes to study the relationship between geography and spatial planning within geography studies. The methodology is based on archival work at the national level (as part of a doctoral research) to characterize the evolution of French universities and for the case of Paris Diderot courses it is based on a series of interviews and an archival work from the presentation documents of the degrees and courses. The results are organized around a chronological approach. In the 1970s, the spatial planning is an application of geography while it has a certain epistemological crisis. Then in the 1980s, spatial planning became a vector for the professionalization of geography studies in order to bring the university closer to the job market. Since the 1990s, the spatial planning becomes more and more autonomous which modifies the relationship to geography.; Alors que l’Université Paris Diderot a été créée (1971) autour d’un projet interdisciplinaire, cet article propose d’étudier les rapports entre géographie et aménagement au sein des études de géographie. La méthodologie s’appuie sur un travail d’archives à l’échelle nationale (dans le cadre d’une recherche doctorale) afin de caractériser l’évolution des formations universitaires et, à l’échelle de Paris Diderot, sur une série d’entretiens et un travail d’archives à partir des documents de présentation des formations et des cours. Les résultats sont organisés autour d’une approche chronologique. Dans les années 1970, l’aménagement est une application de la géographie alors que celle-ci connaît une certaine crise épistémologique. Ensuite au cours des années 1980, l’aménagement devient un vecteur de la professionnalisation des études de géographie afin de rapprocher l’université du marché du travail. Depuis les années 1990, l’aménagement devient de plus en plus autonome ce qui modifie le rapport à la géographie.

Pour répondre à la question « à quel niveau sémiotique la musique communique-t-elle? », nous distinguons trois flux sémiotiques de la narrativité musicale. Le premier flux de narrativité est appelé « substance » : il correspond à la narrativité primaire, présente en toute musique, dans le son même. Le deuxième flux de narrativité est appelé « cadre » : il correspond à la manière dont le temps est organisé – problématisé – dans une oeuvre, un style, une époque. Le troisième flux de narrativité est appelé « intrigue » : il correspond à la mise en intrigue d’une oeuvre. Après avoir précisé en quoi celle-ci consiste, grâce au concept de « tension narrative », nous étudions son actualisation par l’auditeur, et plus précisément l’interaction entre le lecteur et le texte, en insistant sur trois facteurs qui rendent une telle interaction possible : l’intentionnalité, l’embodied simulation et les formes de vitalité., To answer the question “at what semiotic level does mudic communicate?”, we distinguish three semiotic flows of musical narrativity. The first flow of narrativity is called “substance”, and corresponds to primary narrativity present in all music and in sound itself. The second flow of narrativity is called “frame” and corresponds to the way time is organized – problematized – in a musical piece, a style, an era. The third flow of narrativity is called “plot” and corresponds to the emplotment of a work of art. Having clarified the nature of this emplotment by using the concept of “narrative tension”, we then study its actualization by the listener, and more specifically the interaction between reader and text, by insisting on three factors that make it possible : intentionality, embodied simulation and forms of vitality.

Cette contribution revient sur une expérience d’enseignement en urbanisme fondé sur une approche de la ville à partir des objets et des dispositifs techniques qui la constituent. Cette approche s’est construite et affirmée dans des allers-retours avec nos travaux de recherche. Ces enseignements envisagent les objets et les dispositifs de l’urbain comme instruments de la vie en ville, c’est-à-dire comme moyens de faire et de faire faire. Leur configuration privilégie la mise en situation des étudiants et le recours à l’empirie. Les enseignements sont également réalisés à deux enseignants ayant des formations et des expériences différentes et permettent de mettre en dialogue et en discussion les propositions présentées. L’article se focalise sur trois exercices mis en place dans ces enseignements : l’exploration des mondes possibles à travers les « plans », l’observation des activités sociales et du rôle des objets dans ces activités dans le cadre de cours en plein air et l’identification, à travers une enquête iconographique, des types en vigueur dans les villes contemporaines. Ces enseignements (contenus et formes) visent à interpeller les étudiants sur l’implication des objets et dispositifs de l’urbain dans l’action des publics et leurs activités sociales. L’évaluation des objets est ici pragmatique : elle s’effectue par rapport à leur appropriation aux activités sociales et aux conditions de l’action dans les sociétés actuelles. Cette orientation donnée à nos enseignements permet de montrer aux étudiants le rôle des objets dans la transformation du monde et, ce faisant, le rôle des urbanistes, qui contribuent à fabriquer ces objets, dans cette transformation. Il s’agit ainsi d’aider les étudiants futurs praticiens de l’urbain à penser la fabrication des villes et des objets urbains à l’aune des usages et des pratiques sociales en vigueur, c’est-à-dire à mieux articuler cette fabrication aux conditions de l’action ici et maintenant. This contribution describes a teaching experience in urbanism based on an approach of the city through its constitutive objects and technical devices. This approach has been developed and asserted itself in a back-and-forth process with our research work. All these courses envisage urban objects and devices as instruments of life in the city, ie. as a way to do as well as to orientate behaviors. Their configuration allows teaching through real-life situation and empirical approach. The simultaneous presence of two teachers with different backgrounds encourages discussion of the concepts presented. The present article focuses on three exercises proposed in these courses: the exploration of possible worlds through “plans”; observation of the social activities and the role of the objects in these activities during outdoor lessons; finally, the identification through an iconographic survey, of current types in contemporary cities.The content and structure of these courses aim at encouraging students to think about the role of urban objects and devices in the actions of inhabitants and in their social activities. Assessment of the objects is pragmatic: it is based on their appropriation to the social activities and to the conditions of action in contemporary societies. Our courses’ approach allows showing to students the object’s role in world transformation and, through this process, the role of urban planners who contribute to design objects in this transformation. The objective is to help future urban planners to think city and urban equipment construction regarding their use and current social practices, i.e. to better articulate this construction to the here-and-now action.

Cette recherche étudie le rôle des différents types de proximité dans les dynamiques collaboratives des espaces de coworking. À partir d’entretiens avec des acteurs des espaces de coworking situés dans des villes petites et moyennes, l’étude met en évidence que la proximité géographique ne suffit pas pour générer des collaborations et que d’autres formes de proximité sont nécessaires. Elle révèle aussi que la proximité électronique est importante pour s’affranchir des distances et que la proximité d’opportunité favorise la collaboration interorganisationnelle.

À partir de l’exposition Interior Landscape de Mona Hatoum à la fondation Querini Stampalia, présentée en 2009 parallèlement à la 53e Biennale de Venise, cet article analyse la réactualisation des collections historiques par des artistes contem­porains. Plusieurs aspects sont étudiés sur le plan muséographique : confrontation, intrusion par mimétisme et camouflage, rupture avec les modèles de stabilité au profit d’une expérience plus com­plexe pour le visiteur – et sur le plan temporel – anachronisme, juxtaposition des temps, remise en question du modèle historiciste au profit d’une approche plus engagée envers le présent. La réactualisation est définie comme une double stratégie. Une pre­mière stratégie muséale, répondant à un impératif événementiel, vise à redynamiser les collections historiques pour les rendre plus attrayantes et les sortir de leur modèle de stabilité et de perma­nence. La pratique de réactualisation est aussi l’occasion d’une seconde stratégie, critique cette fois, qui nécessite une nouvelle prise de conscience des musées face à leurs collections et qui s’inscrit dans une réflexion plus large sur le concept d’histoire. Ce second aspect de la stratégie incite les institutions muséales à repenser leur propre rapport à l’histoire et à l’historicité de leurs collections. Making as a reference Mona Hatoum’s Inte­rior Landscape exhibition presented at the Querini Stampalia Foundation in 2009 held at the same time as the 53rd Venice Bien­nale, this article seeks to analyze the how historical collections are revisited by contemporary artists. Several aspects are explored at a museographical level: confrontation, intrusion through mimesis or camouflage, disruption of classical presentation patterns in favor of a more complex experience for the visitor – and also from a temporal point of view – anachronism, temporal juxtaposition, historicist model challenged in favor of a more contemporary approach. The revisiting process is defined here as a double stra­tegy. First, the museum strategy meets the event-specific standards and aims at reviving the historical collections to make them more attractive and challenge their stability pattern and longstanding existence. The reviving practice also makes here for a second cri­tical strategy that implies a new museum awareness regarding their collections and a more in-depth thought on the concept of history. This second aspect of the strategy drives museum institu­tions to reconsider their own relation both to history and histori­city of their collections. Partiendo de la exposición Interior Landscape de Mona Hatoum, en la Fundación Querini Stampalia, presentada en el año 2009 al mismo tiempo que la 53° Bienal de Venecia, este artículo analiza la reactualización de colecciones históricas por artistas contemporáneos. Se estudian varios aspectos en el plano museográfico : confrontación, intrusión por mimetismo y camuflaje y ruptura con los modelos de estabilidad en beneficio de una experiencia más compleja para el visitante – y en el plano temporal – anacronismo, yuxtaposición de los tiempos y cuestionamiento del modelo historicista en beneficio de un enfoque comprometido hacia el presente. La reactualización se define aquí como una doble estrategia. La primera estrategia museal, que res­ponde a un imperativo relacionado a los eventos, apunta a redinamizar las colecciones históricas para hacerlas más atractivas y sacarlas de su modelo de estabilidad y de permanencia. La segunda estrategia que comprende la reactualización, es primordial, puesto que necesita una nueva toma de consciencia de los museos con respecto a sus colecciones y engloba una reflexión más amplia del concepto de historia. Este segundo aspecto de la estrategia incita a las instituciones museales a volver a estudiar su propia relación a la historia y a la historicidad de sus colecciones.

À partir de son expérience personnelle comme commissaire d’exposition, de constats effectués au cours de l’été 2008 en Suède et des travaux de différents chercheurs, l’historien d’art Patrik Steorn formule une critique queer du musée permettant non seulement de considérer une plus grande multitude de sexualités et de genres (homo-, bi-, trans-), mais aussi de dénoncer l’hétéronormativité des regards, des discours et des pratiques en place ; le queer relevant autant de l’identité que d’un outil analytique critique de cette même identité. Il part d’un constat assez simple : celui de la non-prise en compte des critères relatifs aux sexualités (hétéro-, homo-, bi-, trans-) dans les bases de données des collections muséales qu’il étudie et explique alors comment ces critères de recherche reconduisent les catégories établies et produisent du sens quant à la manière (partielle et partiale) de voir et de vouloir montrer du musée. Based on his own experience as a curator; from observations made during the summer of 2008 in Sweden, and the work of various researchers, art historian Patrik Steorn formulates a queer critique of the museum, which not only allows us to consider a greater multitude of sexualities and genres (homo-, bi-, trans-), but also to denounce the heteronormativity of existing views, discourses and practices; queer is not only about identity, it is also an analytical tool to critique this identity. He starts from a rather simple observation: that the criteria relating to sexualities (straight-, gay-, bi-, trans-) is missing in the databases of museum collections that he studies and explains how these research criteria extend the established categories and produce meaning as to the (uncomplete and partial) way of seeing and wanting to show the museum. A partir de su experiencia personal como curador, de las observaciones efectuadas durante el verano de 2008 en Suecia y de los trabajos de varios investigadores, el historiador de arte Patrik Steor formula una crítica queer del museo, la cual contempla una mayor multiplicidad de sexualidades y géneros (homo-, bi-, trans-), denunciando a la vez la heteronormatividad de las miradas, discursos y prácticas puesto que el queer constituye tanto una identidad que una herramienta analítica y crítica de la identidad misma. Partiendo de una constatación bastante simple que consiste en no tomar en cuenta los criterios relativos a las sexualidades (hetero-, homo-, bi-, trans-) de las bases de datos de las colecciones museisticas que estudia, explica cómo estos criterios de investigación dirigen las categorías establecidas produciendo significados en cuanto a la manera (parcial) de ver y querer mostrar el museo.

L’article se propose d’étudier le statut hybride de la vidéo dans la transmission contemporaine des performances filmées. Média technique d’enregistrement et de mise en mons­tration, la vidéo est aussi un dispositif esthétique de création, qui joue un rôle emblématique dans la pratique expographique contem­poraine. Il s’agit d’une dialectique entre le caractère narratif du document et la nature présentative de la performance, où le dis­positif transforme temporairement le statut des images. À l’aide de quelques exemples spécifiques – les installations performatives de Joan Jonas, l’exposition Vidéo Vintage, les performances fil­mées de Lili Reynaud-Dewar, le film de Babette Mangolte Seven Easy Pieces by Marina Abramović -, nous approfondirons les concepts de performativité du document, d’expérience contem­poraine et de passivité spectatorielle qui structurent la réflexion contemporaine sur la performance. This essay aims to study the hybrid status of videos within the contemporary transmission of filmed perfor­mances. As a recording and display medium, videos are also aesthetic instruments of creation which play a significant role in the contemporary set up of exhibitions. This creates a dialectic between the narrative aspect of documents and the very nature of performances, where the aesthetic device used for creative purposes temporarily transforms the status of the images. Through the ana­lysis of specific examples – Joan Jonas’ performance installations, the Vintage Video exhibition, Lili Reynaud-Dewar’s filmed perfor­mances, Babette Mangolte’s film: Seven Easy Pieces by Marina Abramović – we will explore and develop several concepts struc­turing contemporary reflection on performances: the performativity of documents; contemporary experience; audience passivity. El artículo tiene como objetivo estudiar el estado híbrido del vídeo en la transmisión contemporánea de las performances filmadas. Soporte tecnológico de registro y expo­sición, el vídeo es también un dispositivo estético de creación, que desarrolla un papel importante en la práctica expositiva contemporánea. Se trata de una dialéctica entre el carácter nar­rativo del documento y la naturaleza “de presentación” de la per­formance en la cual el dispositivo transforma el estado de las imágenes. Utilizando algunos ejemplos específicos – las instala­ciones/performances de Joan Jonas, la exposición Vídeo Vintage, las performances filmadas de Lili Reynaud-Dewar, el film de Babette Mangolte Seven Easy Pieces by Marina Abramović -, pro­fundizaremos los conceptos de la performatividad del documento, de la experiencia contemporánea y de pasividad espectadora que estructuran las reflexiones contemporáneas sobre las performances.

Cet article traite de la formation de la collection des figurines en terre cuite du Musee National Archeologique d’Athenes, vers la fin du 19eme siecle, et de l’enrichissement du fonds initial des lors. De plus, il decrit les criteres archeologiques et museographiques utilises pour l’exposition permanente, en 2009, d’environ 500 figurines en terre cuite, et la creation d’un parcours non seulement chronologique et geographique, mais ponctuellement thematique. This article deals with the collection of terracotta figurines of the Athens National Archaeological Museum, its formation at the end of the 19th century and its enrichment thereafter. Moreover, it presents the archaeological and museographical criteria used for the permanent exhibition in 2009 of about 500 terracotta figurines, and the subsequent creation of a chronological and geographical, but also thematic display.

International audience; Laurent Devisme, directeur de thèse, échange avec deux référents scientifiques qui encadrent des thèses en CIFRE (conventions industrielles de formation par la recherche) au sein de la société privée Keran-SCE aménagement et environnement d’une part (Matthieu Nédonchelle, désormais directeur du CISN – Crédit immobilier de Saint-Nazaire) et de l’ADDRN – Agence d’urbanisme de la région de Saint-Nazaire d’autre part (Claude Maillère). La discussion est centrée sur l’expérience de la CIFRE depuis ces « commanditaires » de recherche.

Dans La Peur en Occident, Jean Delumeau affirme que la mer est le lieu des peurs les plus profondes. Mais s’il en est ainsi, c’est que la “grande verte” est le lieu d’une mort particulièrement inquiétante: la noyade. Même disloqué, le corps du supplicié est rendu à la terre mais avant de mourir, le naufragé est emporté par les flots puis happé par les profondeurs marines. Là se produit le passage. Le noyé échappe aux regards et sa mort devient absence. C’est pour cela que dans La Tempête Gonzalo aspire à une « mort sèche » ( « I would fain die a dry death » I,1,67). Le danger et l’imprévisibilité des flots sont mentionnés plusieurs fois dans le théâtre de Shakespeare et ils sont un ressort dramatique (Le Marchand de Venise, Péricles, La Nuit des Rois). Mais la crainte des courants qui happent le naufragé est aussi liée à la présence d’un monde sous-marin et secret dont Clarence a la révélation dans un rêve. Richard III contient la description hallucinée de ce lieu qu’habitent les démons et où les nuages sont ensevelis (I,1,3-5). Le Diable, l’ennemi commun des hommes qu’on avait alors tendance à représenter dans un lieu fermé et souterrain, y a donc lui aussi élu domicile. Il est partout, même dans les profondeurs froides de la mer. L’enfer qu’évoque Claudio dans Mesure pour Mesure est presque rassurant face à celui que peint Clarence. C’est un lieu que Dante a décrit et dont la topographie était connue à l’époque. La terreur que suscite l’enfer du malheureux frère de Richard Gloucester est plus terrifiante car elle déplace une peur dans une autre. C’est la peur ultime. In La Peur en Occident, Jean Delumeau asserts that the deepest fears are related to the sea. This can be explained by the fact that the “big green” can cause people to drown and drowning is a particularly worrying form of death. Even the criminal’s dismembered body is given back to the earth; but the castaway’s is carried away by the floods then swallowed by the watery depths until the final passage occurs. The drowning sailor disappears and his death boils down to an absence. This is why, at the beginning of The Tempest, Gonzalo wishes for a “dry death.” (« I would fain die a dry death » 1,1,67). Shakespeare’s drama contains many allusions to the unpredictable and dangerous seas that serve as dramatic engines (The Merchant of Venice, Pericles, Twelfth Night). Yet the fear of the floods that carry the castaway goes hand in hand with the presence of a secret underwater world that Clarence glimpses in his dream. In Richard III, this amazing world, inhabited by devils and where the threatening clouds were buried (1,1, 3-5), is described by the dreamer. The Devil, the common enemy of man who was usually represented confined to the nether world, seems to haunt this place. He is everywhere to be found, even in the deep cold sea and Claudio’s depiction of Hell in Measure for Measure may look reassuring when compared with Clarence’s vision. The former refers to Dante’s description of it and it was familiar to Renaissance minds. The terror raised by Richard’s poor brother’s description is all the more bloodcurdling as it causes a fear to be hosted by another one. It is the ultimate fear.

À partir des sections 15a et 15b de La Petite Fille aux allumettes de Helmut Lachenmann, qui mettent en musique un extrait d’une lettre de Gudrun Ensslin, amie de jeunesse du compositeur et militante dans les mouvements étudiants ouest-allemands des années 1960, puis dans les actions de la Fraction Armée Rouge, de 1970 à sa mort en prison, en 1977, cet article interroge les relations entre écriture musicale, éthique protestante et engagement politique. Décrivant la musique des deux sections et ses principes, où prime l’exigence de l’action plutôt que l’intention, il s’interroge sur un contexte biographique et sur les conditions culturelles, historiques et politiques qui rendent possible son intégration dans une oeuvre d’art à la fin du xxe siècle., Studying sections 15a and 15b of Helmut Lachenmann’s The Little Match Girl, which set to music an excerpt from a letter written by Gudrun Ensslin, a youth friend of the composer and activist in the 1960s West German student movements, then in the actions of the Red Army Faction, from 1970 to her death in prison in 1977, this article deals with the relations between music composition, Protestant ethics and political commitment. Describing the music of the two sections and its principles, where the need for action rather than intention is paramount, it questions a biographical context and the cultural, historical and political conditions that make it possible to integrate it into a work of art at the end of the twentieth century.

International audience

En prenant pour appui l’oeuvre de dramaturges contemporains, cet article adopte une perspective phénoménologique pour analyser le rôle de l’imageacoustique dans les théâres du son d’aujourd’hui. Nous examinons entre autres comment, dans sa dimension “atmosphérique”, le son et la musique servent à représenter la température de la scène et comment ils sont utilisés pour réorienter les facultés perceptives du spectateur., Building up from the works of contemporary theatre directors, this article uses a phenomenological perspective to analyse the role of the acoustic image in today’s theatres of sound. In particular, I examine how, in their “atmospheric aspect” sound and music are used to represent the temperature of a play and how they can re-orient the perceptual faculties of spectators.

International audience; With the increasing urbanization and rapid industrial development of Port-Vila, the capital of Vanuatu, certain forms of poverty and social fragility have emerged. These changes are also reflected in urban music practices, which play a crucial role in the lives of many young people. Music is one of the ways in which youth can address marginalization. With the possibilities afforded by a number of associations, which provide musical instruments, classes and rehearsal studios, music has become more accessible to the young. It is a leisure activity with educational aspects, a means of socialization beyond social and cultural borders. It also cements networks between musicians that enrich or replace former family and community ties. Finally music offers opportunities for public expression, peaceful political demands, dreams of freedom, etc. Studying these roles of music as forms of agency for young people can shed light on many aspects of their lives in the city of Port-Vila today.; Une urbanisation et un développement industriel rapides de Port-Vila, capitale du Vanuatu, ont fait émerger certaines formes de pauvreté et de fragilité sociale. Ces changements se reflètent dans les pratiques musicales urbaines, devenues essentielles dans la vie de nombreux jeunes. Ils utilisent la musique pour faire face à leur propre marginalisation. Plusieurs associations procurent l’accès facile à des instruments, à des cours et à des studios de répétition. La musique comporte des aspects éducatifs et est un moyen de socialisation au-delà des frontières sociales et culturelles. Elle créé des liens entre les musiciens, qui enrichissent ou remplacent d’anciens liens communautaires et de parenté. Enfin, la musique offre la possibilité d’une expression publique, de revendications pacifiques, de rêves de liberté, etc. Étudier ces rôles musicaux comme une forme d’action de la jeunesse peut éclairer de nombreux aspects de la vie de ces jeunes dans la ville de Port-Vila d’aujourd’hui.

Ouverture Demonstration d’un mecanisme a la Rube Goldberg. Photogramme tire du film On the Move Science Museum, Londres, 2007 Âge de pierre, âge de bronze, âge de fer : nous avons tous appris ce refrain. De la prehistoire jusqu’a nos jours, chaque invention ou innovation trouverait sa place dans une chronologie lineaire, orientee vers toujours plus de complexite, du low tech au high tech. A peine sommes-nous entres dans l’ere digitale qu’on nous annonce deja une nouvelle epoque, marquee, ce...

Un chant peut-il pousser a tuer ? Cet article explore les rapports etroits entre musique et homicide dans une ancienne region frontiere des haut-plateaux ethiopiens. Emotions faisant perdre la tete, echauffements collectifs, precautions en tous genres : tout dans des recits de protagonistes porte a croire a une efficacite dangereuse du chant. Mais a quoi serait-elle due ? En filigrane de discours paradoxaux et au fil des performances apparaissent des enjeux cruciaux de legitimite dans le cadre de conflits interpersonnels. Mettre en lumiere certains des ressorts du passage a l’acte revient a se demander ce qui dans le chant en fait une explication si convaincante au desir de tuer.

In France, music has been neglected through many years in media education. I suggest that this exclusion is related to the meaning of critical thinking in media education; a critical approach to music is hardly compatible with the informational paradigm that prevails in media education. However, since the turn of the century, sound and music occupy a more significant place in official documentation about media education. Considering the digital turn as a long-term phenomenon, the focus of this article is on the meaning of critical thinking and its changes in the professional discourse of music teachers in French secondary schools. Taste, active listening, aesthetic judgment, creation are all related to critical thinking. Applied to music, media education would be well advised to consider these concepts.; Desde principios de los años 2000, en Francia, el sonido y la música comienzan a encontrar un lugar, todavía menor, entre los objetos de estudio censados en la documentación pedagógica relativa a la educación para los medios de comunicación. En efecto, el enfoque de la músicaconcuerda difícilmente con la concepción del sentido crítico que desarrolla la educación sobre los medios de comunicación. Considerando el cambio digital a largo plazo, el artículo estudia las variaciones semánticas de la noción de sentido crítico en los discursos profesionales de los profesores de educación musical. A las perspectivas de la educación crítica de los medios de comunicación determinadas por Jacques Piette se le añade la dimensión estética. Las nociones de gusto, de escucha atenta, de juicio estético y de creación se asocian con la del sentido crítico. La educación a los medios de comunicación musicales ganaría si se tomase en consideración esta herencia conceptual.; En France, depuis le début des années 2000, le son et la musique commencent à trouver une place, toutefois encore mineure, parmi les objets d’étude recensés dans la documentation pédagogique en éducation aux médias. En effet, l’approche de la musique s’accorde difficilement avec la conception informationnelle du sens critique que développe l’éducation aux médias. Prenant le parti de considérer le tournant numérique sur le temps long, nous nous intéressons aux variations sémantiques de la notion de sens critique dans les discours professionnels des enseignants d’éducation musicale. Aux perspectives de l’éducation critique aux médias déterminées par Jacques Piette s’y ajoute celle de dimension esthétique : les notions de goût, d’écoute attentive, de jugement esthétique et de création s’associent à celle de sens critique. L’éducation aux médias musicaux gagnerait à tenir compte de cet héritage conceptuel.

Dans un monde où les technologies numériques se démocratisent, apparaissent également des œuvres immersives déployées sur de multiples supports : les transmédias de fiction. Ces œuvres transmédias semblent amener une transformation de l'usage du médium dans la création artistique. En effet, traditionnellement, chacun décide de ce que sera la concrétisation d'une idée en œuvre par rapport à ce qu'il sait faire, à l'expérience de création qu'il a acquise dans le passé, et à son médium de prédilection. Lorsqu'un peintre crée, il verra probablement mentalement avant même d'attraper un pinceau, les pigments qu'il souhaite utiliser, le grain de la toile ou l'onctuosité de ses couleurs. Dans un élan d'anticipation de sa création, il transformera le matériel en médium. Mais que voit un artiste qui est sensibilisé à la musique, aux interfaces numériques, à la peinture, aux jeux et à la vidéo ? Quel matériel choisirait cet auteur qui n'a pas d'habitude de création attachée à un médium en particulier ? Ne pourrait-il pas voir une œuvre hybride concrétisée via différents vecteurs de création, en d'autres mots, un transmédia ? Ainsi, il existerait des auteurs capables de créer sans que leur création ne soit limitée par un médium de prédilection ; des auteurs transmédias possédant une véritable palette de médium, assemblés pour porter une même œuvre. In a world marked by the emocratization of new technologies, immersive works spread over multiple supports appear: transmedia fictions. Those transmedia art works seems to lead to a transformation of the uses of the medium in artistic creation. Indeed, each author decides usually the way to transform an idea into an art piece, according to his own skills, experiences, area of expertise and his favorite medium. When a painter creates and before he even takes a brush, he mentally foresees the pigments he wants to use, the canvas grain or colors smoothness. In momentum of anticipation, he will transform the material in a medium. But, what could foresee a versatile artist who is aware of music, digital interfaces, painting, games and videos? What material will be chosen by an author who has no predilection for a specific way of realization? Could he not see a hybrid art work realized using simultaneously various creative ways, in other words a transmedia? So, some authors could be able to create without the limit of a predilection for a specific medium; they would be transmedia authors, having an impressive range of medium and all gathered to form a unique artwork?

Plus d’un siècle avant l’opéra de Benjamin Britten Le Songe d’une nuit d’été (1960), un opéra-comique français éponyme du compositeur Ambroise Thomas (1850 pour la première version, 1886 pour la seconde), ayant quant à lui usurpé le titre de la comédie shakespearienne, connaît un franc succès sur les scènes françaises. Cette contribution se propose d’éclairer quelques aspects de la présence protéiforme de « Shakespeare après Shakespeare » dans le livret de Joseph Bernard Rosier et Adolphe de Leuven, ainsi que sa réception productive en dehors de l’Hexagone. Près d’un demi-siècle après la première individuation dramatique de l’auteur-personnage Shakespeare en France, dans la comédie d’Alexandre Duval Shakespeare amoureux (1803), les deux librettistes mettent ainsi en scène, sous couvert de l’illustre patronyme et dans une intrigue inédite, une figure d’artiste qui, sous les auspices d’une mystérieuse muse s’avérant être la reine Élisabeth Ire, passe du statut de jeune auteur débauché à la recherche de l’Amour à celui de Poète national, l’ébauche d’idylle entre les deux protagonistes se muant en apothéose finale associant pour l’éternité le personnage de Shakespeare à sa puissante souveraine. Cette appropriation de la figure du poète-dramaturge élisabéthain par le genre lyrique, s’exonérant de toute vérité historique ou biographique, se double d’un jeu intertextuel : les grands motifs du théâtre de Shakespeare plus ou moins trivialisés se retrouvent mis au service d’intrigues parallèles se recoupant à la manière de la dramaturgie shakespearienne, tandis que les scènes d’auberge, rivalisant avec leurs illustres modèles, servent l’atmosphère de l’opéra-comique. Enfin, la réécriture du personnage de Falstaff, côtoyant la figure de son créateur, rappelle aussi les affinités de l’anti-héros shakespearien avec l’opéra. More than a century before Benjamin Britten’s opera, A Midsummer Night’s Dream (1960), a French opéra-comique composed by Ambroise Thomas (Le Songe d’une nuit d’été, 1850 for the first version, 1886 for the second), which also takes its title from Shakespeare’s comedy without directly referring to it, proved to be an overwhelming success on the French stage. This paper will identify and discuss aspects of the protean presence of « Shakespeare after Shakespeare » in Joseph Bernard Rosier’s and Adolphe de Leuven’s nineteenth-century libretto, before following his productive reception outside France. Almost a half-century after the first theatrical individuation of Shakespeare as an author-character on the French stage in Alexandre Duval’s comedy Shakespeare Amoureux (1803), the two librettists place the illustrious Shakespeare in a new and original plot as an artist who, under the inspiration of a mysterious muse who turns out to be Queen Elizabeth I, is transformed from a young, merrymaking author in search of love, to a national poet ; the emerging romantic idyll between the two protagonists shifts towards a final apotheosis illustrating the lasting association in minds between national poet Shakespeare and the powerful monarch. The appropriation of the Elizabethan poet-playwright by lyrical theater, without regard for historical or biographical facts, is enriched by intertextual play: the principal themes and motifs of Shakepeare’s works, more or less transformed or trivialized, find themselves in the service of parallel intertwining plots reminiscent of Shakespearean dramaturgy, while tavern scenes that rival their illustrious predecessors contribute to the opéra-comique’s atmosphere. Lastly, representation of Falstaff socializing with his creator also recalls the affinities between the Shakespearean anti-hero and opera.

Admirés, photographiés, parcourus de long en large par les visiteurs, les grands barrages hydroélectriques font depuis longtemps l’objet d’une fascination populaire alimentée par les grands récits de la nation, du progrès et du développement durable. Cet article analyse comment l’imaginaire des grands barrages alpins s’est construit et renouvelé en interaction avec le tourisme. Partant du constat d’une diversification des usages touristiques des barrages, on pose l’hypothèse que le tourisme, l’art et les loisirs sont non seulement des révélateurs de l’évolution des représentations attachées au barrage, mais aussi des facteurs de renouvellement culturel, dans un contexte de transition énergétique et de remise en question des grands ouvrages hydroélectriques. Hydroelectric dams have long been a subject of popular fascination, fueled by the great narratives of the nation, of progress and sustainable development. This article analyzes how the symbolic representations of large hydropower dams have evolved in line with tourism practices. It supports the hypothesis that tourism and culture are both a revealer of dominant hydroelectric imaginaries, and a way to renew the public image of hydropower in a context of energy transition and criticism against large hydroelectric infrastructures.

RéSUMéOn connaît, depuis les travaux du sociologue M’Hamed Boukhobza datant des années 1980, l’impact, en Algérie, de la colonisation et des politiques de l’État indépendant sur le nomadisme. À la veille de la colonisation (1830), les personnes vivant sous la tente représentaient près de 70 % de la population totale alors que, dans les années 1960-1970, elles n’en représentaient plus que 2,5 %. Cet auteur avait noté toutefois que, malgré ce déclin, un nombre remarquable de nomades persistaient en certains lieux, notamment dans les wilayat steppiques de l’Ouest algérien. L’article s’intéresse à la persistance du nomadisme pastoral et souligne le fait qu’il a même progressé dans le sud d’une wilaya de cette région : la wilaya de Naama. Il questionne également la place qu’occupe actuellement le lien tribal au sein des populations semi-nomades. ABSTRACTSince the work done by the sociologist M’Hamed Boukhobza during the 1980s, we know how colonization and the policies conducted by the independent Algerian state have affected nomadism. On the eve of colonization (1830), 70% of the population lived in tents; but by the 1960s/1970s, no more than 2,5%. As M’Hamed Boukhobza pointed out, there is still, despite this decline, a surprising number of nomads in certain areas, especially in the steppes in western Algeria. Pastoral nomadism has even increased in the south of Naama, a province (wilaya) there. Its persistence is examined; and questions are raised about the importance of tribal bonds for these seminomadic populations.

International audience; Gestes techniques, techniques du geste. Le geste technique est reconnu comme partie intégrante d'un « patrimoine immatériel » par la richesse inégalée des métiers vivants. Comment comprendre ce mouvement du corps ouvrier dans toutes ses nuances, au fil du temps, grâce aux mots, aux images et aux traces matérielles ? Conçu par les auteurs comme outil essentiel à qui souhaite saisir...

Resume Cet article interroge les modalites et les enjeux de la transmission des savoirs issus des patrimoines immateriels afro-bresiliens. Les systemes de plans de sauvegarde inities depuis la Convention de l’Unesco de 2003 ont permis un regain d’interet pour ces savoirs autrefois relegues au second plan, en raison de leur identification a des populations subalternes. Ces plans ont modifie la perception de ces savoirs, leur place dans la societe, et le role des institutions culturelles a leur egard. Cependant, la reconnaissance en tant « qu’œuvre d’art » de ces manifestations n’est pas acquise et reste centrale pour que s’effectue, a terme, une transformation en profondeur du regard porte sur ces patrimoines.Les plans de sauvegarde proposent une selection pragmatique de savoirs pour la transmission. Certains programmes et detenteurs de ces savoirs cherchent a sauvegarder ces savoirs sans les modifier pour preserver une supposee « purete » et « authenticite ». Mais les plans operent aussi une selection et favorisent une transmission porteuse d’hybridation. L’article souligne que la question du statut artistique et de la veritable reconnaissance de ces patrimoines (qu’ils soient plus ou moins hybrides) reste non resolue.

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Pour ce musicien « litteraire » qu’est Reynaldo Hahn, le concept de « voix parlee du chant » s’inscrit dans une tentative de modelisation de la musique par la langue doublement articulee, la langue venant parfaire la configuration semiotique de la musique afin d’amplifier son effet pragmatique. En retour, la musique explore et revele les virtualites « etymologiques » du mot. Grâce a cette synergie, la musique agence des unites signifiantes, dont la fonctionnalite est contextuelle (non predefinie). C’est ce que prouve l’etude de l’heterogeneite enonciative dans un air de O mon bel inconnu (1933) : la dialogisation est exhibee par la structure tonale tandis que l’ironie est marquee par l’opposition entre les grands intervalles et le recto tono ou la cadence d’autre part, ainsi que dans l’ecriture par imitation ou le traitement musical de la syllepse semantique.

La région pampéenne argentine a depuis l’Europe une image de vastes étendues agricoles très faiblement peuplées où se pratiquent l’élevage bovin et les grandes cultures (essentiellement le soja) sur de grandes exploitations. Pourtant, dans la Province de Buenos-Aires, au sud de la capitale, les villes maillent fortement un territoire qui représente près de la moitié de la France. Les périmètres de gestion combinent des villes moyennes ou des petites villes chefs-lieux d’un district (partido) siège du gouvernement local (intendencia) et de l’administration municipale (municipio) avec des villages (pueblos)’. Dans un contexte de forte centralisation du pouvoir, la thématique de la décentralisation est au cœur des débats politiques : les municipalités revendiquent davantage de compétences, mais elles disposent de marges de manœuvre réduites. Pourtant, une analyse détaillée de différentes situations conduit à repérer des modèles de gestion contrastés : d’une part, deux municipios qui se contentent de gérer les affaires courantes en lien direct avec le gouvernement central (Necochea et Villarino). D’autre part, un municipio acteur du développement territorial qui essaie de construire un projet de territoire (Tandil). En appui à ces processus de développement territorial, deux systèmes, l’un à dimension sociale et l’autre à dimension économique, ont un rôle essentiel dans la recherche de solutions aux lourdes problématiques économiques et sociales que connaît le pays., The Argentinan Pampa has an image of vast and expanded fields structured around large farms of cereals production or breeding units. However, in the Province of Buenos Aires, around the south of the capital, the urban network structures an area of the size of nearly half of France. These areas are managed around medium-sized cities, chief towns of the district (partido) seat of local government (intendancia) and municipal (municipio) with what they call «pueblos». In a context of centralized government, the theme of decentralization is at the heart of the political debate: Municipalities ask for more responsibilities but they have very low budget. But a detailed analysis of different situations illustrates patterns of a contrasting management: First municipios who merely deal with the affairs directly related to the central government (Necochea et Villarino). On the other hand, we can observe a municipio which acts as a main character of local development (Tandil). In this perspective, they try to build a regional project by supporting two systems: One with a social dimension and another one around economic dimension to resolve serious social and economic problems., Facultad de Ciencias Agrarias y Forestales

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Jonathan Sterne est professeur a l’universite McGill a Montreal ou il dirige la chaire « Technologie et culture ». Il est connu pour ses travaux sur l’histoire industrielle et les representations culturelles du son, notamment un Sound Studies Reader et les ouvrages Une Histoire de la modernite sonore et MP3, the Meaning of a Format. Critique des theories reductrices du determinisme technique et de l’innovation, son travail insiste sur la part des imaginaires scientifiques et des conditions sociales associees aux « techniques perceptives », a l’enregistrement et aux formats de compression sonores. Plus largement, il est le promoteur d’une pratique interdisciplinaire et d’une epistemologie qui tient compte des apports de chercheurs comme Michel Foucault, Stuart Hall ou Bruno Latour. Au sein des sound studies, il se soucie plus volontiers de mettre au jour les ideologies qui construisent le son et les savoirs de l’audition comme un domaine separe, que d’instituer et de defendre l’autonomie d’un champ. Si les sound studies se sont construites par pas de cote vis-a-vis des recherches sur la musique, en etudiant les theories scientifiques et l’histoire des techniques du son, cet entretien reconnecte les apports des travaux de Sterne, et d’autres chercheurs proches, a l’etude des musiques populaires. Il fait apparaitre les conditions d’une reprise feconde de leurs concepts et de leurs methodes, sans nier les lignes de partage. Jonathan Sterne y presente une sensibilite a la musique qui puisse accueillir une politique du sonore.

International audience; This paper focuses on Cloth, A Visual and Verbal Collaboration by Paul Muldoon and Rita Duffy. Muldoon’s poetic text and Duffy’s paintings were commissioned by the Millennium Court Arts Centre in Portadown in 2007 to feature in a collaborative exhibition and catalogue under the general banner “Interrogating Contested Spaces in Post-Conflict Society”. Duffy’s images and Muldoon’s prose poem – which subtly echo W.B. Yeats’s poem “Cuchulain Comforted” – are all about delineating and crossing borders between domestic and institutional spaces; personal and political spaces; garments, skin and psyche; violence and peace; etc. Duffy’s images of vestments, shirts or handkerchiefs deprived of the human bodies that gave form to them; Muldoon’s prose focusing on flax-growing, linen production and sectarian atrocities, combine and dialogue to address questions of violence, power and impotence, posture and imposture, suture and elision, etc. This paper examines how Rita Duffy and Paul Muldoon exhume the past, appropriate it for their own creative purposes and re-view it, thus redefining the contours of the political landscape of the North. It also shows how this collaborative creation is about the whole nature of looking.

Ilya Bolotowsky (1907-1981), Study for the Hall of Medical Sciences Mural at the 1939 World’s Fair in New York, 1938/39 Huile sur toile, 76,2 x 121,9 cm. Wilson L. Mead Fund, 1977.1. The Art Institute of Chicago Photo credit: The Art Institute of Chicago / Art Resource, NY. * Study for the Hall of Medical Sciences Mural at the 1939 World’s Fair in New York (1938/39) est à la fois projection d’une œuvre à venir et survivance d’une peinture murale dont l’existence n’est connue que par le biais...