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Este artículo trata del framing lingüístico de Medellín como ciudad del reggaetón en el discurso mediático en línea, partiendo de la teoría de semántica de esquemas (frame semantics theory) de Fillmore (1977). Los esquemas más destacados que se aplican a Medellín son los de centralidad, casa y música, mientras su importancia global como centro musical se enfatiza con términos pertenecientes al esquema mundo. El uso de los esquemas de crimen y drogas sugiere que el pasado de Medellín relacionado con las drogas se integra en su nuevo perfil cultural. Otro componente de la imagen nueva de Medellín son los habitantes de la ciudad: los medios los presentan como seguidores importantes de los/las reggaetonero/as locales y los describen con un vocabulario claramente positivo que pertenece a los esquemas de amor, apoyo y casa. Aunque algunos de los textos analizados evocan estereotipos negativos sobre el reggaetón, la mayoría de los medios presentan la escuela reggaetonera de Medellín a través de los esquemas de éxito, poder y negocio.

En años recientes, hubo un gran número de compositores que ha utilizado el habla como fuente para la composición de obras instrumentales, electrónicas y electroacústicas. Este artículo examina la particular intersección entre música y lenguaje a través del análisis de la obra Speakings de Jonathan Harvey para orquesta y electrónica. Analizando las técnicas compositivas de Harvey y el uso que hace de la tecnología, en particular como ambos se relacionan con teorías existentes de la percepción del habla, del acústica y de la fonética articulatoria, se intenta entender como el compositor consiguió que un sonido orquestal sonara como la voz humana. Este logro técnico es finalmente puesto en un contexto musical más amplio para examinar el rol que el sonido del habla juega en esta pieza y las implicaciones que conlleva escuchar una orquesta hablar en relación con la narrativa de este trabajo.

The increasing participation rate in higher education has raised its own issues, such as how to fund the growth while retaining the quality of education. In Finland, it has been argued that the tuition-free higher education policy increases equality. On the other hand, in the United Kingdom, establishing a system of tuition fees supported by an income-contingent loan system for students has also been argued to increase equality. In Australia, students also face high tuition fees for higher education, as well as a support system focused on domestic students. In addition to tuition fees, entrance examinations also play a crucial part in higher education systems. In order to examine inequalities in higher education from the students’ point of view, tuition fees are scrutinised in connection with equality, and entrance examinations in relation to cultural reproduction. Comparing examples of higher music education institutions in Finland, the United Kingdom, and Australia shows that there are large differences between the tuition fees charged for domestic and international students, as well as between countries. Entrance examinations in higher music education are similar in these countries, but may include inequalities based on long traditions in the field of music, especially in classical music. By revealing misconceptions about equity in higher education, it is possible to have a critical debate about the role of tuition fee systems as they are connected with the economics of higher education, and about entrance examinations as reproducing social class inequalities. This discussion may contribute to the redefinition and reformation of more equitable and just education systems, and promote equality in general in society.

©2021 Anne Jordhus-Lier. This is an Open Access article distributed under the terms of the Creative Commons CC-BY 4.0 License (https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/). The purpose of this article is to discuss the use of discourse analysis in order to understand music teachers’ professional identities. This is done by elaborating on the theory and methodology of a study on professional identities of music teachers within the Norwegian municipal school of music and performing arts. Theoretical and methodological perspectives, including research design, analysis, results, validity and ethics, are discussed in the article. An argument in favour of discourse analysis is put forward: that it offers focus on the context, complexity and power relations of the field, as well as providing an understanding of how identities are constructed and negotiated. The use of discourse analysis in the study provided analytical tools which challenged taken-for-granted knowledge, discovered binary discursive oppositions, and unmasked power relations. The study found that teachers construct their identities within a contested discursive field where meanings are attached to the work they perform, as well as to the institutions they represent.

The practicum conversation in School of Music and Performing Arts teacher educating programs An arena for development of students’ professional understandings This article addresses the practicum training in Norwegian teacher educating programs, and focuses on the practicum conversation, where three participants of the teacher educating program meet: the student, the teacher educator and the practicum supervisor. By observing students’ practicum-related teaching in School of Music and Performing Arts (SMPA) as well as practicum conversations related to this teaching, the aim of this study is to investigate how the practicum conversation functions as an arena where students acquire professional understanding, as well as exploring the understandings of the SMPA teacher profession that appear in these conversations between the three participants. The results are discussed in light of theory of professions and socio-cultural learning theory. The article argues for the importance of students’ active participation in the community of practice, and highlights some challenges associated with the practicum conversation and the relationship between educational institutions and the practice field.

This study suggests that the pedagogy of music history for the professional training of musicians – including opera singers and future opera composers – could benefit from applying narratology to operatic analysis and acknowledging the “operatic of opera” in the organization of the artistic materials as one possible pedagogical approach. By breaking with the canonized forms of music history pedagogy, the subject content of opera history can be explored for instance through the architecture of temporal narrativization, as made possible by the multiple media types incorporated into opera. The study demonstrates this temporal narrativization through examples grouped into three main categories: “temporal sameness”, “temporal incongruence” and “non-linear temporality”. While most of the examples are drawn from the classical-romantic repertoire, the analysis also shows that new pluri-medial ways of dealing with temporality and narration have been emerged in contemporary opera. The study argues that by analyzing and illustrating the architecture of temporal narrativization as one form of the “operatic of opera” in Western operatic practice, students will gain a better understanding of the special nature of the pluri-medial nature of opera.

Denne teoretiske artikkelen drøfter mulighetene for hvordan kunnskap om leseprosessen og lese- og skriveopplæringsmetoder brukt i den norske grunnskolen kan anvendes for noteopplæring i instrumentalundervisning på nybegynnernivå, der vestlig tonal musikk ligger i fokus. Tekstlesing og notelesing synes å ha mange fellestrekk som kognitive prosesser. Gjennomgang av undervisningsmetoder i språk- og notelesing viser imidlertid flere grunnleggende forskjeller, som vektlegging av ulike metodiske elementer, progresjon i innføring av nye skrifttegn, samt valg av undervisningsaktiviteter. Artikkelen beskriver språklig og musikalsk syntaks og lesing som en kognitiv prosess, og sammenlikner populære læreverk brukt i leseopplæring i Norge i henholdsvis språk og musikk. I diskusjonsdelen blir det argumentert for at bruk av undervisningsaktiviteter som tar i bruk skriving, erfaring med klingende musikk før noteskriften introduseres, introduksjon av grunnleggende harmonilære samt tilpassing av læreverkenes layout kan ha positiv effekt på utvikling av notelesingsferdigheter på nybegynnernivå. English abstract English title: How can knowledge about language learning and teaching be used to enhance the study of music reading at the beginner level? This theoretical article aims to discuss the possibility of using teaching methods for reading and writing used in Norwegian primary schools for teaching literacy for music notation to instrumental pupils at the beginner level, focusing on western tonal music. Language and music reading have much in common as cognitive processes. However, comparison of methods for teaching how to read language and music shows several fundamental differences. They relate to the emphasis on various methodological elements, progression in the introduction of new symbols and choice of the activities used in the teaching/learning process. The article describes musical and linguistic syntax, acquisition of reading skill as a cognitive activity, and compares popular method books for teaching reading text and music in Norway. In the discussion section it is argued that the teaching activities that use writing music, experiencing various elements of music as sound before introducing musical notation and introducing basic knowledge about harmony, as well as adjusting of layout in the books for beginners, will have a positive effect on sight-reading at the beginner level.

This article illustrates how a social innovation, Figurenotes, has contributed and can contribute, through conceptual change, to the advancement of equity in Basic Education in the Arts (BEA), Finland’s publicly funded system of extracurricular music education. BEA has traditionally been characterised by structures and pedagogical practices–such as the use of Western standard music notation–that influence the accessibility of music studies. The theoretical framework for this interview study consists of change-theoretical concepts: namely, social innovation, multiple streams, and policy windows. The findings are presented at two levels. First, the innovation process of Figurenotes is described to explain social innovation development. Second, three different strands of discourse on the concept of special music education expose the educational policy change generated by this innovation. The findings suggest that the use of Figurenotes has raised awareness of inequity in the institutional agenda and has encouraged this problem to be addressed through the public policy process. The opening of this policy window is critically discussed in relation to the establishment of the field of special music education, and in relation to inclusion and equity policies as well as exclusion.

Esta pesquisa teve como objetivo geral mapear e analisar as publicações acerca do ensino coletivo de violão nos Anais dos Encontros s da ABEM entre os anos 2003- 2017. A partir do método de pesquisa bibliográfica, a investigação categorizou e analisou as publicações nesta fonte de divulgação cientifica específica. Através da análise e reflexões sobre os materiais coletados, foram identificadas: 51 publicações já realizadas na temática no período 2003-2017; realizou-se a quantificação de incidências das palavras chave; identificou-se 22 trabalhos de pesquisa e outros 29 de relatos de experiência, os quais foram categorizados pelos seus objetivos correspondentes; da mesma forma categorizou-se os níveis acadêmicos dos trabalhos, separados por aqueles que são de monografia, mestrado, doutorado e especialização. Finalmente, identificou-se os contextos sociais e culturais que permeiam o desenvolvimento das práticas ou investigações encontradas.

Este artigo apresenta apontamentos, sobre uma possível interpretação da forma sonata clássica adaptada para um contexto atonal, no primeiro movimento do Quarteto de cordas n. 3 de Heitor Villa-Lobos. No âmbito da música brasileira, Villa-Lobos foi o compositor que mais escreveu quartetos de cordas. No cenário internacional da música do século XX, sua produção está em segundo lugar em termos quantitativos. Todavia, algumas análises mais antigas com base apenas nos parâmetros da música tonal, defendem a ideia de que Villa-Lobos não utilizou a forma sonata em seus quartetos de cordas. No entanto, análises mais recentes demonstram a habilidade de Villa-Lobos em adaptar a forma sonata para um contexto não-tonal, assim como fizeram outros compositores vanguardistas. No caso do primeiro movimento do Quarteto de cordas n. 3 é possível notar a manipulação das classes de alturas que demarcam as entradas das seções, em substituição as relações tonais da forma sonata clássica. Sendo assim, torna-se patente a proficiência composicional de Villa-Lobos, ao manusear um dos gêneros mais consagrados da música de câmara europeia (Quarteto de Cordas) e uma das estruturas formais mais significativas da música ocidental (Forma Sonata).

Este texto busca observar os pontos e contrapontos comuns que se encontram entre o Ritual do Candomblé e a Sala de Concerto. Discutindo seus cânones, similaridades e diferenças através da visão de Christopher Small (1987), que observa a Sala de Concerto como parte de um ritual que inclui o “musicar”, ou “musicking”, e que traz além do ato da execução musical, todo um conjunto de etiquetas que acontecem nas duas agências, que incluem ações semelhantes e comportamentos de pessoas, desde o regente até o vendedor de ingressos. Por outro lado, as visões de Jorge Vasconcelos (2010), Sacramento de Almeida (2009) e Vitor da Trindade (2019), pesquisadores do Candomblé, com vivência no mundo dos Orixás como Ogan Omoloyê do Ilê Axé Jagun, vistos aqui como profissionais da música.

São dois os campos de reflexão necessários para um pensamento material, radical e consequente sobre a relação entre música e sociedade. O primeiro deles, o da determinação social da música. O segundo deles, o do papel político da música e também do músico. Aponto aqui, filosoficamente, para estas duas problemáticas, suas bases estruturais e suas consequências políticas.

Il percorso didattico, rivolto al primo biennio della scuola secondaria di secondo grado, contestualizza in breve la figura di Giuseppe Verdi nella storia del melodramma italiano dell’Ottocento; indi illustra la drammaturgia di Rigoletto, profondamente immersa nella realtà sociale ed estetica del suo tempo e spiega perché il soggetto fosse così tanto amato da Verdi, che lo difese a spada tratta – e con successo, nella sostanza – dalla mannaia della censura. Il percorso si focalizza sulla didattica dell’ascolto della «Donna è mobile», volta a far comprendere ai discenti struttura e significato del libretto, della musica e il peculiare impiego nel dramma di quest’ultima. «La donna è mobile» – una canzone da osteria e nel contempo il canto più vivamente radicato nel dramma che sia stato mai concepito – si ascolta tre volte nel corso dell’opera, musicalmente sempre un po’ diversa, e sempre per ragioni drammatiche. La terza enunciazione dà vita ad una delle catastrofi più efficaci e sconvolgenti nel teatro tragico d’ogni tempo: una catastrofe tutta basata sul suono e sul canto, ovvero sul senso dell’udito che prevale sul senso della vista. La lezione della «Donna è mobile» è che nell’opera lirica è il testo musicale ad avere “l’ultima parola” sul testo verbale e sul testo visivo., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

Lo scopo dell’articolo è proporre una riflessione sul rapporto tra università e conoscenza, oggi minacciato da derive di tipo economicistico, burocratico e valutativo, assunte spesso con poche problematizzazioni. Il modo di intendere questo rapporto ha invece conseguenze rilevanti sul funzionamento delle università e, ancora di più, sul sapere che esse dovrebbero costruire in maniera indipendente e libera. L’articolo è suddiviso in tre parti. Nella prima parte si individuano tre principali funzioni che l’università esercita sulla conoscenza (preservare, trasmettere ed estendere la conoscenza). Nella seconda parte si discutono in chiave epistemologica alcuni aspetti fondamentali del rapporto tra università e conoscenza: aspetti epistemici legati alla concezione del sapere e aspetti legati alla struttura sociale della conoscenza. Infine, nella terza parte si discutono le condizioni per una relazione comunicazionale tra specialisti e tra discipline in grado di integrare questi aspetti., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

Em síntese, neste dossiê, apresenta-se, transcrito e editado, o profícuo diálogo que se desenvolveu entre a banca e o público a respeito da pesquisa em artes. A íntegra do evento encontra-se disponível na Plataforma YouTube[1]. Essas falas, gravadas e transcritas, passaram por edição e revisão até à sua configuração final, expressa neste documento, em caráter mais conciso e formal. Ainda em relação ao seu processo de edição, agradece a Daniel Portioli Rolnik, Técnico para Assuntos Administrativos do Departamento de Música da FFCLRP-USP, a transcrição exímia que possibilitou ao organizador apresentar este texto final. [1] https://www.youtube.com/watch?v=4UyqFi-UnlU&t=19028s&ab_channel=USPFILARM%C3%94NICARubensRussomannoRicciardi

Este texto lança um olhar sobre o cenário da pandemia de Covid-19 no início de 2020, período que ocasionou profundas transformações na sociedade e reconfigurações no campo da educação musical. É apontada uma diferenciação entre ações de ensino remoto realizadas de forma emergencial e a educação a distância (EAD), quando aplicada com planejamento, pedagogias específicas e condições tecnológicas favoráveis. Na Universidade Federal de São Carlos (UFSCar), instituição que serve como base para as reflexões aqui apresentadas, há um processo bem elaborado e estruturado na Licenciatura em Educação Musical, oferecido na modalidade a distância em parceria com o projeto Universidade Aberta do Brasil (UAB). Em contrapartida, diversas instâncias da instituição discutiram ações emergenciais para lidar com a necessidade de distanciamento social, utilizando recursos tecnológicos como apoio. A partir do contexto pandêmico, emergiram também debates em vários âmbitos na internet, promovendo discussões no sentido de lapidar aulas on-line de instrumentos musicais. Percebe-se nesse contexto o surgimento de um novo paradigma, no qual a comunicação síncrona, por meio de softwares de videoconferência, poderá ter um papel mais relevante do que tinha em modelos de trabalho anteriores, como no exemplo do curso UAB. O presente trabalho oferece elementos específicos para aulas on-line de bateria, buscando a superação de adversidades não somente no período de enfrentamento do Covid-19, mas também para desafios que permanecerão no pós-pandemia.

Nel suo Cours complet d’harmonie et de composition (1806) Jérôme-Joseph Momigny ha offerto sia una parafrasi del primo tempo del Quartetto in Re minore K 421 di W.A. Mozart, sia una doppia analisi del primo movimento della Sinfonia in Mi@ n. 103 di Joseph Haydn. Nel primo caso ha rivestito le frasi della composizione mozartiana con i versi di un diverbio tra Didone e il fuggiasco Enea, fornendone nel contempo un’analisi armonica e strutturale. Nel caso di Haydn, a una prima analisi essenzialmente formale ha aggiunto una analyse pittoresque et poétique concepita come una drammatizzazione: il soggetto illustra le contrastanti reazioni dei villici alla minaccia di un temporale, con le preghiere, i commenti, i motteggi e i battibecchi che ne conseguono. In entrambi i casi Momigny segmenta la composizione in ‘periodi’ di senso compiuto. Non si fonda dunque su un modello morfologico prestabilito – l’idea stessa della forma sonata nel 1806 non era peranco formulata – bensì ricerca i nessi logici e formali nella coerenza narrativa data dalla successione e concatenazione degli episodi musicali. Questa traduzione in parole di un costrutto complesso e articolato come il primo tempo della Sinfonia di Haydn è senz’altro arbitraria ma non impertinente. Ha comunque il pregio di attenuare quel divario tra povera denotazione e doviziosa connotazione che è peculiare del linguaggio musicale. Peraltro l’attacco stesso della Sinfonia 103 dà un esempio da manuale di quanti limiti affliggano il potere della parola nei confronti del linguaggio musicale. Dalle fonti non risulta infatti con certezza come vada eseguito il “rullo di timpani” che l’ha resa famosa., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

O texto a seguir pontua a importância do ensino musical durante a Educação Infantil propagada nos ordenamentos pedagógicos voltados para essa faixa etária, mais intensamente esboçado na Base Nacional Comum Curricular (BRASIL, 2018). Também se preocupou em apontar como a Teoria Desenvolvimental de Vigotski pode fundamentar parte das ações, práticas e atividades ali presentes, subsidiando uma proposta de ensino artístico que toma para si aspectos voltados para a valorização histórico social deste ensino. A partir desse relato fica notório a necessidade de implantarmos um ensino musical que se estenderá desde a fase infantil até a educação básica.

La retorica classica designa col nome di ekphrasis la dettagliata descrizione verbale di un oggetto o soggetto concreto, ossia la conversione in parole di qualcosa che si intende far “vedere” ponendolo sotto gli occhi di chi legge. Campo privilegiato di applicazione sono le arti visive, la cui critica è chiamata a rendere con parole immagini vuoi reali vuoi di fantasia, traducendole dalla fissità del dato visivo alla sequenza temporale di un discorso verbale. Nel caso dell’arte musicale la ekphrasis punta a restituire in parole sequenze sonore a loro volta temporalmente orientate, e in ciò diverge dalla rappresentazione verbale delle arti visive, le quali vivono in una dimensione spaziale. Senonché in musica i significati, che pure esistono, non sono generalmente denotati secondo un sistema semantico determinato, e necessitano perciò di processi di transcodificazione e di prestiti lessicali. Anche nella descrizione poetica di un’opera d’arte visiva (p.es. i sonetti in cui il Marino descrive, animandola e drammatizzandola, l’immagine della metamorfosi di Dafne in alloro nel gruppo marmoreo del Bernini) la ekphrasis può sfociare nella fioritura di tropi poetici che determinano un netto incremento semantico. Tale arricchimento del significato è addirittura ancor più necessario nella ekphrasis musicale, che tendenzialmente sposta l’oggetto della rappresentazione dal dato fisico-acustico, o dal sistema semiografico specifico, alle sensazioni che esso produce nell’ascoltatore. Di fatto la mélophrasis – così è stata di recente ribattezzata –, più che appuntarsi sul testo musicale, finisce per riguardare l’effetto suscitato, e dunque il fruitore e i di lui processi di interiorizzazione. Ne consegue un cospicuo slittamento dalla denotazione alla connotazione, mediante ampio (ma non per questo incontrollato) ricorso a procedimenti metaforici, applicati vuoi alle immagini sonore della composizione, vuoi alle componenti prossemiche e ambientali dell’esecuzione, vuoi infine agli specifici fonosimbolismi offerti da talune partiture., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

Stephen Collins Foster (1826-1864) è una figura cruciale per la storia della popular music e per la storia americana: autore di canzoni note a livello globale come, fra le tante, Susanna o Old Folks at Home, è stato definito nel 1951 con una risoluzione del Congresso «il padre della musica popular americana». Ciò nonostante, da alcuni decenni la sua opera e la sua stessa figura sono al centro di un dibattito acceso che ne sta comportando la rimozione tanto dal mondo musicale quanto da quello civile. Il contributo propone un percorso didattico mirato alla conoscenza di quest’autore, comunque fondamentale, colmando fra l’altro una sostanziale lacuna nella letteratura musicologica italiana. Esso si rivolge in primo luogo alla Scuola secondaria di primo grado. Tuttavia, nei suoi cardini concettuali può essere utile anche per la Scuola secondaria di secondo grado e per i corsi italiani d’università o conservatorio di Storia della popular music., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

L’essenza della musica oltre che nel suono è insita nella materialità degli oggetti che quel suono graficamente rappresentano, concretamente producono, idealmente descrivono: libri, strumenti, dipinti. La storia e la didattica della musica, dunque, devono annoverare anche questi oggetti fra i propri percorsi di ricerca e di insegnamento, tanto più se questi sono rivolti ad illustrare il senso ed il ruolo della musica in una determinata epoca o presso uno specifico ambiente. Col supporto metodologico di studi di matrice antropologica sul concetto di dono, sul significato sociale del collezionismo, e sulle funzioni simboliche degli oggetti posseduti, richiesti o donati, questo studio sonda l’efficacia ermeneutica di questa prospettiva indagando lo specifico collezionismo musicale del duca di Urbino Guidubaldo II Della Rovere mettendo in luce quanto gli interessi del duca per gli oggetti musicali abbiano contribuito a definire la di lui identità ed il suo ruolo nelle relazioni con signori di altri Stati del suo tempo., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

The establishment of the romantic genius, full of anguish and misunderstood, who dies in misery, has followed the flow of historical mystification since the 18th century, in the figure of Mozart. Transferred to the tropics, this character was personified in Father Jose Mauricio Nunes Garcia, black composer of the Court of D. Joao VI in Brazil, who would have Marcos Portugal as his rival and antipode – the true Salieri of Portugal / Brazil. Through our research, that analyzed all the Modinha Newspapers published in Lisbon from 1792 to 1796, and the Imperial Modinhas that were published by Mario de Andrade in 1930, one can see, furthermore, that the genre modinha, cultivated by Jose Mauricio in at least four surviving pieces, has motivic links that can characterize him as belonging to an incipient nationalization of Brazilian music. Based on this argument, it was possible to draw a profile of the Father that demystifies the aura of genius, since his modinhas, specifically “Marilia, si me nao amas…”, bring characters that remind us the popular Brazilian oral tradition. Modinha, a song that would resonate in its own masses to constitute a Brazilianness in music, would not be a genre that brings together urban folk and popular influences, and the fact that Jose Mauricio composed in this style would not bring him closer to the traditional currents of neo-troubadour rhetoric?

Nella prima parte dell’articolo si delinea una tipologia della recensione e della saggistica musicali in base al grado di presupposizione richiesta al lettore e alla capacità-volontà dell’autore di rivolgersi ai non addetti ai lavori. Nella seconda parte si illustrano esempi di insegnamento e di saggistica musicali adatti a chi non sa leggere la musica. Nella terza parte si espone il ruolo della metafora nella trattazione musicologica e si esemplificano alcuni tratti linguistici e stilistici (gli aulicismi) peculiari della scrittura sulla musica., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

In questo articolo viene presentata una panoramica generale sul tema ‘attitudine musicale e test di attitudine musicale’ con una attenzione centrata sulla ricerca del didatta e psicologo della musica americano Edwin Gordon (1927-2015). Dopo un rapido sguardo al dibattito sull’origine della ‘musicalità’ e alla storia dei test di attitudine musicale e delle prime forme di sperimentazione al riguardo, verranno approfondite e racchiuse in un unico scritto, l’intera ricerca di Gordon e le speculazioni, idee, scoperte, e investigazioni che ne sono derivate: fonte e sviluppo dell’attitudine musicale, natura e caratteristiche, audiation come ‘pensiero musicale basato su una comprensione sintattica della musica’ e test attitudinali musicali (MAP, AMMA, PMMA, IMMA, AUDIE). Uno sguardo finale alla critica e alla ricerca legate ai test permetterà di tenere viva e riportare la riflessione su un binomio nuovamente attuale: valutazione e educazione., Musica Docta, Vol. 10 (2020)

The present text analyses the two conceptions of interdisciplinarity – the a-historical conception and the dialectic historical conception, both in the sciences and in education. Under this perspective, the interdisciplinary syllabuses will be assessed with the purpose of minimizing the epistemological fragmentation that was established after the Cartesianism. In this sense, in an integrated way, the education supervisors must present interdisciplinary syllabus proposals focused on three epistemological dimensions - the ethical, cultural and social dimensions. The reports hereby produced are basically founded in the works of M. F. Gomes da Silva (2009) and A. C. Lopes and E. Macedo (org) (2005). The text culminates with the analysis of E. Fubini, among other musicologists, pointing out the epistemological isolation present in the contemporary musical production, which confirms a fragmented and hyper-specialized musical practice, in the opposite way of a hybrid cultural pattern set up in the contemporary society.

Research has indicated that one-to-one teaching in higher music education in Western classical music typically favours technical over interpretive aspects of musicianship, and imitation of the teacher's rather than the student's explorative interpretation. The aim of the present study is to investigate students' and teachers' understandings of how musical interpretation of Western classical music is learned in this context. Semi-structured qualitative interviews with six piano students and four teachers in Sweden were conducted and hermeneutically analysed using haiku poems and poetical condensations. The analysis found that the conditions for learning musical interpretation centred upon students achieving a high level of autonomy, as affected by three key aspects of teaching and learning: (1) the student’s and the teacher's understandings of what musical interpretation is, (2) the student's experience of freedom of interpretation as acknowledged by the teacher, and (3) (expectations of) the student's explorative approach. As none of these aspects were reported as being explicitly addressed during lessons, there might be a need for both teachers and students to verbalise them more clearly to support piano students' development. Validerad;2021;Nivå 1;2021-01-13 (alebob)

Recent studies of female guitar students in upper secondary school ensemble education suggest that girls behave, and are encouraged to behave, in more immanent ways than boys. They seem to receive less encouragement to stretch their bodies and become full musical human beings. Instead they become the second musical sex. During the course of my work with the problem of how to create space for girls playing the electric guitar in educational settings, I have continually found myself wondering how to create educational spaces and relations in ways that let all pupils, independent of sex, realize ideas, transcend as musical bodies, and become what they already are. If teachers and pupils are interrelated bodies, teachers must be aware of how they use their bodies when it comes to creating space for all pupils to develop and stretch out their bodies. The actions of the music teacher, as a musical body, must be balanced in relation to the other musical bodies in the room, as well as to physical preconditions, goals, visions, and expectations of the students. In this article, I want to delve into the subject of bodily interaction, teachers’ responsibilities, and questions of intentional educational bodily relations. The aim is to share my close reading of Young’s philosophical thinking regarding gender structures and especially female comportment, motility, and spatiality, and develop a set of prerequisites for intentional bodily (music) educational relations. With a starting point in research-based inspiration and motivation for conducting the current philosophical investigation, I share my close reading of Young’s theories regarding female situated bodies. Continually I relate to excerpts from two interviews with female guitar students, exemplifying musical body-relational experiences. Finally I share and reflect upon a developed thinking about mindful bodily (music) educational relations.

This article examines the development of reflection-in-musicking in a Write an Opera project at a Norwegian upper secondary school. As part of a PhD project, this case study focuses on a group of seven participants collaborating to create music for an opera with a professional composer facilitating the process. Interviews, observations and video-recordings make up the body of the empirical material. Theories of musicking (Small 1998) and reflection-in-action (Schön, 1983, 1987), and a sociocultural perspective, have been central to understanding the creative practices examined in this study. Learning features found build on socially and culturally co-constructed repertoires of experience, knowledge and skills. Three modes of reflection-in-musicking are identified from the empirical data: aesthetic, artistic and structural.

This article explores the meaning and function of streaming media as a potential facilitator of musicalBildung. Taking the affordances of streaming media technologies as a starting point, the article thusfocuses on the formative and cultivating dimensions a music streaming service such as Spotifymight offer. The specific aim of this article is to describe and analyse how musical Bildung may evolvewithin a Spotify context from a user perspective. To address the aim from the point of view of musiceducation, Spotify users’ activities and experiences of streaming media interactions were accessed,inspired by internet-related ethnography. Stimulated recall interviews, focusing on the participants’experiences as well as their actual use of Spotify’s streaming service, were conducted, recorded, andtranscribed. The generated material was subjected to co-operative hermeneutic content analysis.The results illuminate how Bildung evolves in users’ encounters with the service and with art mediatedvia Spotify. Relevant topics occurring in the human-art-technology relationship of Bildung from aHeideggerian perspective were Being-possible, the ability-to-be, and Spotify as the Other. In sum, itcan be stated that Bildung evolves when Spotify exceeds the thingness of the Other, becoming a workof art in itself, throwing the user into Being.

The overall aim of this single case study is to find aspects of musical leadership relevant to ensemble conducting, using the theory of practice architectures to analyze a record producer’s practice. Data generation is performed mainly through transcripts and reflection logs based on YouTube interviews and videos. Insights into ensemble conducting are offered by exploring the following question: “What aspects of musical leadership relevant to conducting can be identified by applying the theory of practice architectures to an analysis of record producer Daniel Lanois’s practice?” The materials are analyzed based on three contexts of interpretation of meaning in hermeneutics. The theory of practice architectures serves as the analytical lens for the third context of interpretation. Main findings from this study are extracted into nine concepts that may serve as aspects of musical leadership relevant to conducting: a fast communication system, a self-adjusting act, black dubs, locations, operating by limitation, master station, the philosophical fiber, preparing, and sonic ambience. These and similar concepts may offer new insights into ensemble conducting in contexts similar to recording situations.

espanolLa integracion de la musica para conjuntos instrumentales en el ceremonial religioso durante el transito del siglo XVIII al XIX es una tematica que ha cobrado cierta relevancia en los ultimos anos en la agenda musicologica espanola e hispanoamericana. En el presente texto se analiza concretamente la inclusion de musica instrumental durante aquellas ceremonias o actos religiosos que, como las procesiones, se caracterizaban por el desplazamiento de comitivas mas o menos numerosas. El analisis de la documentacion administrativa procedente de dieciseis instituciones eclesiasticas espanolas evidencia, por un lado, la pervivencia de los ministriles en estas ceremonias hasta bien entrado el siglo XIX, en su funcion tradicional de alternar con el coro o la capilla de musica, y revela, por otro, la participacion de los conjuntos instrumentales modernos desde ubicaciones fijas, en sustitucion del organo o de los propios ministriles, con el objetivo de solemnizar el movimiento de las procesiones, los celebrantes y/o las autoridades religiosas. Finalmente, algunos repertorios musicales, titulados como versos o marchas, ilustran el tipo de piezas que podian escucharse durante estos eventos. EnglishThe integration of music for instrumental ensembles into religious ceremonies during the transition from the eighteenth to the nineteenth centuries is a subject that has gained importance in recent years in Spanish and Spanish-American musicology. This article analyses the inclusion of instrumental music during these ceremonies or religious acts that, like processions, were characterised by the translation of small or large entourages. The analysis of the administrative documentation from sixteen Spanish ecclesiastical institutions shows, on the one hand, the continued existence of minstrels in these ceremonies until well into the nineteenth century, in their traditional role of alternating with the choir or the music chapel. On the other, it reveals the participation of modern instrumental ensembles from fixed locations, replacing the organ or the minstrels themselves, with the objective of solemnising the movement of the processions, the celebrants and/ or the religious authorities. Finally, certain musical repertories, titled versos or marches, illustrate the type of pieces that could be heard during these events.

Este estudio muestra la evolución comercial, transmisión y modelos de la música de inspiración patriótica que se distribuyó en Valencia en la Guerra de la Independencia Española (1808- 1814). Se aborda la identificación de diferentes obras relacionadas con este género, así como los establecimientos de venta que las anunciaron en la prensa local durante dicho periodo, confrontando la información obtenida con la referente a otros anuncios de lotes similares publicados en prensa foránea que pudieron haber comercializado material de características parecidas. También se ha planteado la correspondencia entre el volumen de anuncios y los acontecimientos bélicos que tuvieron eco en la vida de Valencia. Además, se identifica a dos copistas que ejercieron su labor en la ciudad, documentando algunas de sus transcripciones y composiciones conservadas en la Biblioteca Nacional de España. Por último, se ofrecen ejemplos de diferentes tipologías de este género musical que se han podido documentar en los periódicos valencianos.

Los cuatro cantorales mozárabes copiados en Toledo por orden del Cardenal Jiménez de Cisneros como parte de la restauración del rito hispánico contienen las melodías de la misa completa y de una pequeña parte del oficio. Este trabajo está centrado en el primero de los cantos del propio de la misa, el officium. Su antífona sigue parcialmente un sistema de composición formularia identificado por Imbasciani, pero hasta ahora no se había abordado el análisis de sus versículos. En este trabajo se aborda por primera vez dicho estudio, comprobándose que, en la mayoría de los casos, todos siguen una misma y sencilla estructura de composición. Esto permite plantear un debate acerca de su posible ascendencia medieval: por un lado, su extrema sencillez podría haberles permitido sobrevivir a lo largo de los siglos por tradición oral, pero, por otro, se trata de un esquema modal derivado con mucha probabilidad del canto gregoriano. The four Mozarabic choirbooks copied in Toledo by order of Cardinal Jiménez de Cisneros as part of the restoration of the Hispanic rite contain the melodies from the complete Mass and a small part of the Office. This article focuses on the first chant of the Mass Proper, the officium. Its antiphon partially follows Imbasciani’s system of formulaic composition, but its recitative verses have not been analysed until now. This study addresses the study of these verses for the first time, proving that most of them follow one very simple compositional structure. This opens up a discussion about their possible Medieval origin: on the one hand, their extreme simplicity might have allowed these choirbooks to survive over the centuries by oral tradition, but, on the other hand, their modal scheme is probably derived from Gregorian chant.

espanolDurante la Restauracion borbonica, las ceremonias solemnes sirvieron para proyectar una imagen de la monarquia identificada con la nacion y con el catolicismo. La musica ayudo a estos fines, ocupando un lugar privilegiado en las ceremonias tanto festivas como religiosas de la Corte espanola, en actos publicos y privados que tuvieron lugar en la Real Capilla y en los salones del Palacio Real. Si bien perviven tendencias estilisticas anteriores representadas en el gusto de la aristocracia por la opera italiana, asistimos a un impulso de las practicas musicales dentro del espiritu de renovacion de la epoca, con presencia del repertorio de autores nacionales. La musica aparece vinculada a la labor de mecenazgo ejercida por el rey Alfonso XII, la reina consorte Maria Cristina y la infanta Isabel, bajo el consejo del conde de Morphy. Gracias a la documentacion conservada en el Archivo General de Palacio y a las noticias de la prensa historica, nos aproximamos a los diferentes ambitos en que se desarrolla la musica en Palacio y senalamos sus diferentes aspectos ceremoniales. De esta manera, pretendemos llamar la atencion sobre un campo poco estudiado y suscitar el interes hacia cuestiones que precisaran de un mayor estudio y desarrollo. EnglishDuring the Bourbon Restoration, solemn ceremonies served to project an image of the monarchy identified with nation and Catholicism. Music assisted in this, playing an important part in both festive and religious ceremonies at the Spanish Court, in public and private events which took place at the Real Capilla and in the halls of the Palacio Real. Although earlier stylistic trends represented by the aristocracy’s penchant for Italian opera continued, this period also bore witness to a boost in musical practices within the spirit of renewal, with the presence of music by Spanish composers. Music was linked to the patronage exerted by King Alphonse XII, Queen consort Maria Christina and the Infanta Isabel, with guidance from Count Morphy. Using the documentation preserved at the Archivo General de Palacio and the contemporary press, this article examines the different ambits of music making at the Palace and discusses its diverse ceremonial aspects. It thus seeks to draw attention to a little-studied field and spark interest in questions that require further study.

Este trabajo estudia el empleo de la música en la manipulación del pasado histórico. En concreto, se estudia el uso político y simbólico del canto y la liturgia hispánicos por el franquismo para justificar el acceso a un poder adquirido de manera ilegítima. El sistema de propaganda del régimen franquista recurrió con frecuencia a la simbología imperial en las ceremonias de estado como una de sus principales representaciones de poder. La primera de estas ceremonias fue la celebración de la victoria en la Guerra Civil, que culminó en mayo de 1939 con una fastuosa acción de gracias en la que se empleó el ritual visigodo para la unción de reyes, un ritual cargado de simbolismo con el que se intenta mostrar a Franco como “rey ungido” y resaltar su continuidad con la monarquía histórica hispánica. En la ceremonia se empelaron símbolos, gestos y repertorio litúrgico-musical del ritual de coronación de los reyes visigodos. Este repertorio se tomó de manuscritos medievales cuyas melodías no se pueden transcribir debido a que su notación musical no indica la altura de los sonidos. Por ello, y tal y como sucedió con otras restauraciones coetáneas (espacios arquitectónicos, reliquias, tipografías, etc.), se recrearon varias melodías presuntamente visigodas para transmitir un mensaje de tradición y continuidad con la realeza histórica.

espanolLas palabras de origen griego “diatonico”, “cromatico” y “enarmonico” han suscitado varias controversias a lo largo de la historia de la musica, ya que sus significados no han sido siempre claros ni compartidos por todos aquellos que las usaban. En este articulo se plantea una revision historica de los conceptos tras estas palabras a partir de las fuentes de teoria musical que han llegado hasta nuestros dias, partiendo de los usos actuales de los terminos y analizando los diferentes significados que estos han tenido en distintos momentos historicos. Asi mismo, se reflexiona sobre la necesidad que tenemos los musicologos de recurrir al analisis historico de los terminos tecnicos que utilizamos, tanto para consensuar significados actuales, como para poder abordar con garantias el estudio de las fuentes textuales historicas en las que esos terminos son utilizados. EnglishThe words ‘diatonic’, ‘chromatic’ and ‘enharmonic’, of Greek origin, have provoked several disputes throughout music history, as their meanings have not always been clear or shared by all those who used them. This article presents a historical revision of the concepts behind these terms based on the music-theory sources that have come down to us, beginning with the present-day uses of the terms and analysing the different meanings they have acquired at different points in history. It also reflects on the need musicologists have to resort to the historical analysis of the technical terms we use, both to agree on present-day meanings and to be able to successfully undertake the study of the historical textual sources in which these terms are used.

Giacomo Puccini (1858-1924) solo estuvo una vez en España. Fue durante los meses de febrero a marzo de 1892, en los que viajó desde Italia a Madrid para supervisar los ensayos de Edgar y asistir a su posterior estreno en el Teatro Real. A diferencia de Giuseppe Verdi años antes, Puccini apenas tuvo tiempo para conocer otras ciudades españolas. Los ensayos absorbieron todo su tiempo y, tras el estreno, rápidamente regresó a Milán. Edgar fue la primera ópera de Puccini que consiguió estrenarse fuera de Italia, de ahí su importancia para entender la recepción del músico en el extranjero y, sobre todo, en España. Por todo ello, en este artículo pretendemos estudiar el estreno de la primera ópera de Puccini en España, la recepción de la obra y del compositor italiano en Madrid, así como la estancia del músico en la mencionada ciudad. Giacomo Puccini (1858-1924) only travelled to Spain once. This trip took place during the months of February and March 1892, when he came to Madrid to supervise the rehearsals of Edgar and attend its subsequent premiere at the Teatro Real. Unlike Giuseppe Verdi years earlier, Puccini barely had time to visit other Spanish cities. The rehearsals took up all of his time and, after the premiere, he quickly returned to Milan. Edgar was Puccini’s first opera to be premiered outside Italy, hence its importance for understanding the composer’s reception abroad and particularly in Spain. This article thus seeks to examine the premiere of Puccini’s first opera in Spain, the reception of the work and the Italian composer in Madrid, as well as his visit to the city.

No artigo há um estudo conceitual sobre o canto. Por conta da indústria da cultura, o canto milenar passou a ser chamado de canto lírico. Essa expressão, contudo, não faz sentido. O canto da indústria da cultura se impôs soberano na ditadura da opinião pública. Mas é um tipo de história recente de cerca de um século. O artigo propõe que, numa perspectiva histórico-musicológica, mais adequado seria chamar o canto na arte e na arte popular simplesmente de canto, já o canto na indústria da cultura de canto de microfone.

Resenha sobre nova edição em formato digital, revisada e modernizada, do primeiro volume da série de livros didáticos Educação Musical através do Teclado de Maria de Lourdes Junqueira Gonçalves e Cacilda Borges Barbosa (livro do aluno - 9a. edição e manual do professor- 3a. edição). Essa edição digital é resultado do trabalho de pesquisa de Tiago Batistone com bolsa de Iniciação Científica PIBIC sob a supervisão e coordenação da Profa. Dra. Ingrid Barancoski, professora titular da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO).

A realização artística e pedagógica do projeto de extensão cultural aqui descrito permite a discussão de uma formação musical fundamentada na articulação das áreas do ensino superior - Ensino, Pesquisa e Extensão - com a interação e complementariedade (Morin,2012) entre as três principais atividades musicais - poética, prática e teoria - e das disciplinas e conteúdos do currículo do curso superior de música como alternativa para uma formação musical com potência crítica, enfrentando a estrutura de fragmentação e compartimentação do conhecimento e habilidades instalada nos processos pedagógicos. Nesse recorte descrevemos e apreciamos a montagem do espetáculo O Grande Circo Místico, com as canções compostas por Chico Buarque e Edu Lobo baseadas no poema homônimo de Jorge de lima, realizado por dois programas de extensão do Centro de Artes e Departamento de Música da Universidade do Estado de Santa Catarina Udesc/FLORIANÓPOLIS com três grupos musicais e um grupo de atores, produzido pela Pró-Reitoria de Extensão e Cultura dessa universidade.

Esta investigación surgió ante la necesidad de comprender los significados construidos a partir de la música como eje de transformación social para la paz en una comunidad del contexto rural en el departamento de Nariño. Esta incidencia social mediante la música se ubicó en las periferias del municipio de San Juan de Pasto llamados corregimientos o veredas donde existe beneficio directo para niños, niñas y jóvenes de la comunidad. Por lo tanto, identificó como objeto de estudio a la Asociación Banda Escuela de Música Guadalupana del corregimiento de Catambuco, territorio ubicado en la cabecera municipal de San Juan de Pasto. Mediante un estudio de caso se buscó describir y analizar la incidencia de sus procesos musicales en la transformación social y sus cambios significativos en esta región. Esta investigación comprendió tres etapas de ejecución realizadas en los meses de enero y febrero del año 2019 respectivamente. Lo anterior, identificó la importancia de la acción comunitaria de la música como transformador social para la paz a partir de la construcción de valores humanos en la formación del ser como fundamento, que surge en comunidades de la zona rural. Esto último identificándose como problemática de investigación necesaria para contextualizar la vinculación de este tipo de procesos musicales que responden a necesidades específicas de su propio contexto, que interactúa con las dinámicas socioculturales constantemente siendo así un aspecto fundamental y aporte valioso para Colombia en la construcción de Paz y la transformación social mediante la música desde la zona rural. Esta incidencia social influyó en las dinámicas afectivas de la comunidad beneficiada a nivel personal, familiar y de las relaciones interpersonales. Este impacto social se expresó a su vez en un cambio cultural para esta comunidad, cuna de talento artístico.

The present article is based on the research work Musica para ver: Sistematizacion de la experiencia (Music to see: Systematization of experience); a qualitative research, which approached the music education program Musica para ver intended to unveil the subjective transformations of the participants in the city of Medellin between 2014-2016, to recognize the scope of the program and to strengthen its strategies. This research was made with 16 teenage music students with visual disabilities (VD) and their families in Medellin – Colombia, revealing the changes the participants had on the creation of their subjectivity, abilities development, life’s project, emotional bonds and transformation towards a positive concept of the disability in their families, all through music learning. This article aims to complement the conceptual referent of this research and create a record of the learnings unveiled from the research and derived from he researcher’s consideration surrounding the increase of self-determination with the musical practice of people with visual disabilities (VD). To this effect, the research briefly breaks down the characteristics and the impediments for the development of self-determined behaviors, there is an approximation to the changes in the regulations and the principles of Music Education that allows a more inclusive music classes. Ultimately, the research backs the thesis of collective musical practice encouraging the development of self-determination in people with VD.

Este texto se configura como um ensaio onde abordo elementos da música de protesto negra, especialmente, o gênero conhecido como funk carioca, procurando estabelecer relações com outras abordagens históricas da música de protesto negra no Brasil, principalmente, as produzidas durante os anos de chumbo da ditadura militar brasileira. A metodologia utilizada para a construção deste texto foi a revisão bibliográfica e a análise de diferentes músicas, consideradas enquanto música de protesto, em especial, Rap da Felicidade (CIDINHO; DOCA, 2007) e Rap do Silva (MC Marcinho, 2007), que se estruturaram como ponto de partida para os processos reflexivos.

Este estudo pretende suscitar o saber da antiga e rica tradição milenar de cantar e reinterpretar a torá ou Bíblia hebraica conhecida por Te amim ha-mikra ou cantilenas. Este fenômeno litúrgico musical permitiu a um determinado grupo de pessoas a estruturar um sistema organizacional com a qual realizaram a implementação de um agrupamento de sons funcional de leitura Bíblica que mais tarde veio a se tornar notações musicais que se propagaram por todas as comunidades judaicas, conservando suas particularidades assim como a assimilação do costume local pelos judeus, externalizando desta maneira, através da música, suas origens sem deixar de apropiar-se da tradição por onde passavam.

El objeto de este artículo es narrar metodológicamente el proceso mediante el cual se construyó un concierto de grado, el cual partió de la siguiente pregunta: ¿Cómo lograr que un recital de grado en canto lírico resulte ameno e interesante para todos los asistentes? Tal interrogante surgió a partir del interés en conservar la atención de la audiencia inexperta durante todo el concierto. Para lograrlo, se partió del análisis de recitales anteriores y se obtuvo una serie de elementos estructurantes que fueron modificados, con el fin de generar una puesta en escena coherente e integral capaz de mantener la atención del público, sus resultados se analizados cualitativa y cuantitativamente y serán descritos en el texto.