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Ce texte propose une étude préliminaire des informations relatives aux musiques et aux danses pratiquées par les esclaves afro-étatsuniens, contenues dans les entretiens recueillis – plus de 2 000, collectés de 1936 à 1938 – pendant le New Deal de Franklin Delanoe Roosevelt par les enquêteurs du Federal Writers’ Project de la Works Progress Administration. Il présente les circonstances dans lesquelles danses et musiques pouvaient être pratiquées ainsi qu’une première analyse des répertoires chantés, des danses et des instruments de musique mentionnés dans les entretiens. Il vise à mettre en lumière les dynamiques de création qui se renforceront après l’émancipation et aboutirent au xxe siècle à l’invention de nouvelles musiques par les Afro-Étatsuniens et à identifier les éléments d’un stock mémoriel auquel musiciens et militants des droits civiques puisèrent dans les années 1950 et 1960. Dans ces entretiens, d’anciens esclaves eurent l’occasion d’évoquer leur vie, leurs activités et leurs attitudes face à la servitude. En dépit des nombreux défauts qui ont entaché le recueil de ces récits (enquêteurs sans formation sociologique ou anthropologique, blancs dans leur grande majorité, alors que le racisme était omniprésent dans les États où les entretiens ont été collectés), ils constituent une source d’information inestimable sur les expériences et les sentiments des esclaves, notamment en ce qui concerne leurs pratiques culturelles durant les dernières décennies avant l’abolition de l’esclavage. Ils évoquent à maintes reprises les moments où il leur était possible de faire de la musique, profane ou sacrée, et de danser ; les répertoires qu’ils pratiquaient ; les instruments qu’ils utilisaient. Ces textes, dont l’essentiel est désormais accessible sur internet, montrent que la musique et la danse constituaient des activités indispensables à la survie dans un univers de violence absolue et de déshumanisation. À partir d’un recensement des passages d’entretiens où sont mentionnées ces activités, cet article s’attarde sur les relations maîtres-esclaves – variables d’une exploitation à une autre, d’une brutalité sadique dans certains cas à un paternalisme relativement tolérant dans d’autres – et les stratégies d’appropriation d’éléments de cultures européennes ou amérindiennes développées par les esclaves. Il suggère que ces stratégies, dans le cadre de ces relations, analysées à la lumière de la théorie de la créolisation formulée par le poète et philosophe martiniquais Édouard Glissant, ont mis en mouvement des « dépassantes imprévisibles » à partir desquelles se sont développées des dynamiques de création. Celles-ci s’épanouiront après l’abolition et aboutiront à l’émergence de musiques originales au xxe siècle. En dépit de l’» oubli » de l’esclavage et des musiques qui y furent inventées qui toucha une partie de la population afro-étatsunienne dans la première moitié du xxe siècle et affecta les recherches sur les cultures afro-étatsuniennes, une mémoire pratique, notamment dans le chant religieux, n’en continua pas moins de s’épanouir, sans nostalgie ni idéalisation, dans le seul maintien dynamique de ce qui avait été amorcé aux temps de la subjugation. Les pratiques musicales et chorégraphiques des esclaves des années 1840 aux années 1860 ont ainsi constitué un stock mémoriel auquel il a été abondamment puisé à partir des années 1950 dans le cadre d’entreprises de renouvellement du jazz et des luttes pour les droits civiques menées par les Afro-Étatsuniens. This paper proposes a preliminary study of information on the music and dance of African American slaves found in interviews—more than 2 000, collected from 1936 to 1938—gathered during Franklin Delanoe Roosevelt’s New Deal by investigators of the Federal Writers’ Project of the Works Progress Administration. These interviews gave ex-slaves the opportunity to tell about their lives in general, their various activities, and their attitudes towards slavery. In spite of the many flaws that marred the interviews, because of the methods used to record the ex-slaves’ narratives (the investigators did not have any training in sociology or anthropology; the great majority of them were white; their putting questions to African Americans at a time when racism was still ubiquitous often induced a form of self-censorship on the part of their interlocutors), they represent an invaluable source of information about the lived experience of slavery and the slaves’ activities, especially their cultural practices. The ex-slaves interviewed recalled the moments when they had the possibility of making music, of singing and dancing, the repertories, secular or religious, they interpreted, and the musical instruments they played. These texts, most of which are now accessible on the internet, show that music and dance were activities that were indispensable to survival in a world of absolute violence and dehumanisation. Based on a survey of passages where the interviewees mention these activities, this paper considers the various types of master-slave relationships—from sadistic brutality to relatively tolerant paternalism—as well as the strategies of appropriation of elements of European and native Indian culture deployed by slaves, and analyses them under the lens of the creolisation theory elaborated by the Martinican poet and philosopher Édouard Glissant. In that perspective, the music and dances performed by the slaves appear to have set in motion “unpredictable overreaching forces” (dépassantes imprévisibles) that underpinned creative dynamics which culminated in the invention of original styles of music in the 20th century. In spite of the fact that slavery, and its music and dances, were deliberately “forgotten” by some sections of the African American population in the first half of the 20th century, affecting the research done on these practices, a practical memory survived, especially in the field of religious singing. Without nostalgia or idealisation, this was the only dynamic continuation of what had been created during the times of enslavement. This endowed the slaves’ musical and chorographical practices from the 1840s to the 1860s with a powerful potential, both humanly liberating and culturally creative, which provided an abundant source of inspiration for jazz musicians of the 1950s and 1960s, and for activists of the Civil Rights Movement. Este texto propone un estudio preliminar de las informaciones sobre músicas y danzas practicadas por los esclavos afro-estadunidenses que aparecen en las entrevistas realizadas –más de dos mil, entre 1936 y 1938– durante el New Deal de Franklin Delanoe Roosevelt por los investigadores del Writers’ Project de la Works Progress Administration. Se presentan las circunstancias en las que danzas y músicas podían ser practicadas así como un primer análisis de los repertorios cantados, de las danzas y de los instrumentos de música mencionados en las entrevistas. Se busca poner en evidencia las dinámicas de creación que se reforzarán después de la emancipación y que desembocarán durante el siglo xx en la invención de nuevas músicas por los afro-estadunidenses, así como identificar los elementos de un stock memorial al que músicos y militantes podrán recurrir en los años 1950 y 1960. En estas entrevistas, antiguos esclavos tuvieron la oportunidad de evocar su vida, sus actividades y sus actitudes frente a la servidumbre. A pesar de los escollos que afectaron la recopilación (investigadores sin formación sociológica o antropológica, en su mayoría blancos siendo que el racismo era omnipresente en los Estados donde se trabajó), los relatos constituyen una inestimable fuente de información sobre las experiencias y los sentimientos de los esclavos, especialmente en lo que se refiere a sus prácticas culturales en las últimas décadas previas a la abolición de la esclavitud. En muchos de ellos se evoca los momentos en que podían hacer música, profana o sagrada, y bailar; cuáles eran los repertorios; los instrumentos que utilizaban. Estos textos, que en lo fundamental ya están accesibles a través de internet, muestran que la música y la danza constituían actividades indispensables para la supervivencia en un universo de violencia absoluta y de deshumanización. A partir de un inventario de los fragmentos en los que se mencionan estas actividades, el artículo se interesa por las relaciones amos-esclavos –variables de una explotación a otra, desde una brutalidad sádica en algunos casos a un paternalismo relativamente tolerante en otros– y por las estrategias de apropiación de elementos de culturas europeas o amerindias desarrolladas por los esclavos. Se sugiere que estas estrategias, en el marco de estas relaciones, analizadas a la luz de la teoría de la creolización formulada por el poeta y filósofo martiniqués Édouard Glissant, pusieron en marcha “resultantes imprevisibles” (“dépassantes imprevisibles”) a partir de las cuales surgieron dinámicas de creación. Estas se desarrollarán plenamente después de la abolición y desembocarán en la emergencia de músicas originales durante el siglo xx. A pesar del “olvido” de la esclavitud, y de las músicas que fueron inventadas, lo que afectó una parte de la población afro-estadunidense en la primera parte del siglo xx y también las investigaciones sobre culturas afro-estadunidense, una memoria práctica, especialmente en el canto religioso, siguió desarrollándose sin nostalgia ni idealización, en la simple mantención dinámica de lo que había sido iniciado en tiempos de subyugación. Las prácticas musicales y coreográficas de los esclavos de los años 1840 a los años 1860 constituyeron así un stock memorial al que se pudo ampliamente recurrir a partir de los años 1950 en el marco de una renovación del jazz y de las luchas por los derechos cívicos llevadas a cabo por los afro-estadunidense. Este texto propõe um estudo preliminar das informações sobre as músicas e as danças praticadas pelos escravos afro-estadunidenses nas entrevistas realizadas – mais de 2000, recolhidas entre 1936 e 1938 – durante o New Deal de Franklin Delanoe Roosevelt pelos investigadores do Federal Writers’ Project da Works Progress Administration. Apresentamos as situações em que danças e músicas podiam ser praticadas assim como uma primeira análise dos repertórios cantados, das danças e dos instrumentos musicais referidos nestas entrevistas. Pretendemos destacar as dinâmicas de criação que se intensificaram depois da emancipação, resultando na invenção de novas músicas por Afro-Estadunidenses no século xx, assim como identificar os elementos de uma base memorial a que recorreram músicos e militantes dos direitos cívicos nos anos 1950 e 1960. Nestas entrevistas, antigos escravos tiveram a oportunidade de evocar suas vidas, suas atividades e suas atitudes perante a escravidão. Apesar dos muitos defeitos do recolhimento desses relatos (investigadores sem formação sociológica ou antropológica, brancos na sua maioria enquanto o racismo era omnipresente nos Estados em que foram recolhidos), eles constituem uma fonte de informação valiosa sobre as experiências e os sentimentos dos escravos, em particular no que diz respeito as suas práticas culturais durante as últimas décadas, antes da abolição da escravidão. Eles evocam muitas vezes os momentos em que era possível fazer música, profana ou sagrada, e dançar; os repertórios que praticavam; os instrumentos que tocavam. Esses textos, dos quais muitos estão agora disponíveis na Internet, mostram que a música e a dança eram atividades indispensáveis para sobreviver num contexto de violência absoluta e de desumanização. Partindo de um recenseamento das passagens de entrevistas em que são referidas essas atividades, este artigo considera as relações senhores-escravos — variando segundo o lugar, de uma brutalidade sádica em alguns casos até um paternalismo relativamente tolerante em outros — e as estratégias de apropriação de elementos das culturas europeias ou ameríndias desenvolvidas pelos escravos. Sugerimos que essas estratégias, no quadro destas relações, analisadas na perspectiva da teoria da crioulização elaborada pelo poeta e filósofo Edouard Glissant, movimentaram « aberturas imprevisíveis » a partir das quais se desenvolveram dinâmicas de criação. Estas irão florescer depois da abolição, resultando no aparecimento de músicas originais no século xx. Apesar do « esquecimento » da escravidão, e das músicas que foram então inventadas, envolvendo uma parte da população afro-estadunidense na primeira metade do século xx e influenciando as pesquisas sobre as culturas afro-estadunidense, uma memória prática, nomeadamente no canto religioso, continuou a florescer, sem nostalgia nem idealização, mantendo dinâmico o que tinha sido iniciado no tempo da submissão. As práticas musicais e coreográficas dos escravos dos anos 1840 até 1860 constituíram assim uma base memorial que foi bastante investida a partir dos anos 1950 no quadro da renovação do jazz e das lutas pelos direitos cívicos levadas a cabo pelos Afro-Estadunidenses.

Fondé sur des données ethnographiques recueillies lors d’une mission de terrain aux Seychelles, l’article s’intéresse aux paroles de chansons en créole seselwa comme site discursif et performatif de production du mémorial musical. En présentant et en analysant les paroles de chansons populaires seychelloises, le texte a pour objectif d’interroger les modalités de fabrique du mémorial musical à travers ce médium particulier. Il s’agit ainsi, d’une part, de comprendre comment la mémoire des traites et des esclavages est véhiculée par l’évocation de genres musicaux spécifiques ; et d’autre part, comment la fabrique du mémorial musical seychellois s’appuie sur – et contribue à produire – une acception de la créolisation comme marque identitaire de l’archipel et de son histoire. In fine, l’article soulève d’autres enjeux liés à la place et au rôle des Seychelles dans une économie mémorielle et culturelle globalisée, montrant l’agentivité des chanteurs et des musiciens dans la fabrique d’un mémorial musical composite et inclusif tourné vers l’expression de la créolité. La première partie de l’article prend la pièce musicale Kastor, écrite et composée par Patrick Victor, comme point de départ à la réflexion. L’intrigue, qui s’inspire d’une figure historique citée dans des documents de l’administration coloniale britannique conservés dans les archives nationales, fait du personnage de Kastor le symbole du marronnage et de la lutte contre l’esclavage aux Seychelles. Les musiques utilisées dans la pièce en lien avec les thèmes de la traite esclavagiste, du marronnage, de la créolisation s’inscrivent ainsi dans le processus de définition postcoloniale de l’identité nationale seychelloise. La deuxième partie poursuit l’exploration de paroles de chansons produites par certains musiciens seychellois rencontrés sur le terrain, et montre comment elles façonnent – et transmettent – l’association entre musique, mémoire et créolisation. Par l’évocation de genres musicaux et dansés traditionnels (séga, moutya, kanmtolé, romans) et d’instruments de musique (triangle, tambour, mandoline, violon) en lien avec leurs contextes de production historique, le mémorial musical seychellois se construit en étroite interaction avec l’histoire des Seychelles, la mémoire des traites esclavagistes et le processus de créolisation. La troisième partie démontre comment les enjeux du mémorial musical traité dans l’article dépassent le cadre insulaire des Seychelles et de l’océan Indien, pour tendre vers l’expression d’une pan-créolité transocéanique et rhizomatique. Les chanteurs seychellois conçoivent en effet leur créolité comme prise dans leur « relation » – au sens glissantien du terme – aux autres territoires créoles et ce, à différentes échelles, dans l’océan Indien d’abord, mais aussi au-delà dans le monde. En exprimant une histoire partagée qui se prolonge dans la contemporanéité, marquée par l’esclavage, la colonisation et la créolisation, l’ensemble des référents mobilisés par les artistes concourt à faire émerger le mémorial musical seychellois en l’inscrivant dans un dialogue transocéanique avec d’autres insularités ou territoires créoles. Les analyses successives des paroles de chansons proposées dans l’article documentent la façon dont le mémorial musical seychellois se constitue dans un dialogue constant entre l’histoire locale de l’archipel, les dynamiques sociales et culturelles de la région indianocéanique, la conception d’une pan-créolité transocéanique susceptible d’être menée par les Seychelles, mais aussi l’agentivité de ses musiciens à l’ère contemporaine. Based on ethnographic data collected during fieldwork in the Seychelles, this article focuses on song lyrics in seselwa creole as a discursive and performative site of the musical production of memory. By presenting and analyzing the lyrics of some popular Seychellois songs, this essay investigates the making of the musical memorial through this particular medium. On the one hand, it aims at understanding how the memory of the slave trade is conveyed by the evocation of specific music and dance genres; on the other hand, how the making of the Seychellois musical memorial is based on—and contributes to producing—the meaning of creolization as an identity mark specific to the archipelago and its history. Beyond that, the essay raises other issues pertaining to the place and role of the Seychelles in a globalized memorial and cultural economy, and shows the agency of singers and musicians in the making of an inclusive and composite musical memorial attuned to the expression of creoleness. The first part of the article takes the musical piece Kastor, written and composed by Patrick Victor, as a starting point for reflection. While the plot is inspired by a historical figure quoted in documents of the British colonial administration preserved in the national archives, Kastor becomes the symbol of maroonage and the fight against slavery in the Seychelles. The music used in the piece in connection with the themes of the slave trade, marooning and creolization thus contributes to the process of the postcolonial definition of the Seychellois national identity. The second part of the essay continues to deal with song lyrics produced by certain Seychellois musicians encountered in the field by showing how they shape—and transmit—the association between music, memory and creolization. By evoking traditional music and dance genres (séga, moutya, kanmtolé, romans) and musical instruments (triangle, drum, mandolin, violin)—in connection with the historical contexts in which they were produced—the Seychellois musical memorial is therefore linked to the history of the Seychelles, the memory of the slave trade and the process of creolization. The third part shows how the issues of the musical memorial treated in the article go beyond the insular framework of the Seychelles and the Indian Ocean, tending rather towards the expression of a transoceanic and rhizomatic pan-creoleness. Seychellois singers indeed conceive of their creoleness as caught up in their ‘relationship’—in the Glissantian sense of the term—with other creole territories, and this to differing degrees, first in the Indian Ocean but also beyond, in the world. By expressing a shared history that extends into the contemporary world, marked by slavery, colonization, and creolization, all the references mobilized by the artists thus contribute to framing the Seychelles’ musical memorial in a transoceanic dialogue with other island cultures or creole territories. The analysis of the song lyrics proposed in the article documents successively the ways in which the Seychellois musical memorial is thus constituted, in a constant dialogue between the local history of the archipelago, the social and cultural dynamics of the Indian Ocean region, and the conception of a transoceanic pan-creoleness which the Seychelles could lead. Eventually the essay shows the agency of Seychellois musicians in the contemporary world. A partir de datos etnográficos recogidos durante un trabajo de campo en las islas Seychelles, el artículo se interesa por las letras de canciones en criollo seselwá en tanto sitio discursivo y performativo de producción de un memorial musical. Presentando y analizando las letras de canciones populares, el texto se propone interrogar la manera en que se forma este memorial musical a través de ese medio particular. Se trata entonces, por un lado, de entender de qué manera se vehicula la memoria de las tratas y de las esclavitudes a través de la evocación de géneros musicales específicos; y, por otro lado, de qué manera la constitución del memorial musical toma apoyo en –y contribuye a producir– una acepción de la creolización (o “criollización”) en tanto marca identitaria del archipiélago y de su historia. Más allá, el artículo plantea otros desafíos relativos al lugar y al rol de las Seychelles en una economía memorial y cultural globalizada, mostrando la capacidad de agencia de cantantes y músicos tal como se expresa en la creación de un memorial inclusivo que apunta a la expresión de lo criollo. La primera parte del artículo toma como punto de partida de la reflexión la pieza musical Kastor, escrita y compuesta por Patrick Victor. Siendo que la intriga se inspira en una figura histórica citada en los documentos de la administración colonial británica conservados en los archivos nacionales, Kastor se convierte en el símbolo del cimarronaje (marronnage) y de la lucha contra la esclavitud en las Seychelles. Las músicas utilizadas en la pieza vinculadas con los temas de la trata esclavista, del cimarronaje, de la creolización se inscriben así en el proceso de definición postcolonial de la identidad nacional en las Seychelles. La segunda parte prosigue la exploración de las letras hechas por músicos seychellenses conocidos durante el trabajo de campo, mostrando cómo moldean –y transmiten– la asociación entre música, memoria y creolización. A través de la evocación de géneros musicales y danzas tradicionales (séga, moutya, kanmtolé, romans), como también de los instrumentos (triángulo, tambor, mandolina, violín) y en relación con sus contextos históricos de producción, el memorial musical se construye en estrecha interacción con la historia de las Seychelles, la memoria de las tratas y el proceso de creolización. La tercera parte de este artículo muestra cómo los desafíos que plantea el memorial tratado en el artículo van más allá del marco insular de las Seychelles y del océano Índico, tendiendo a la expresión de un pancriollismo transoceánico y rizomático. Los cantantes seychellenses conciben en efecto su criollismo desde el prisma de su “relación” –en el sentido que le otorga Édouard Glissant al término– con los otros territorios criollos, y esto a diferentes escalas, en el océano Índico primero, pero también en otras partes del mundo. Expresando una historia compartida que se prolonga en la contemporaneidad, marcada por la esclavitud, la colonización, y la creolización, el conjunto de los referentes movilizados por los artistas contribuye a la emergencia del memorial musical, inscribiéndolo en un diálogo transoceánico con otras insularidades u otros territorios criollos. Los análisis sucesivos de las letras de las canciones propuestas en el artículo documentan la manera en que el memorial musical se constituye en un diálogo constante entre la historia local del archipiélago, las dinámicas sociales y culturales en el océano Índico, la concepción de un pancriollismo transoceánico susceptible de ser llevada a cabo por las Seychelles, pero también la capacidad de agencia de sus músicos en la era contemporánea. Baseado nos dados etnográficos recolhidos durante uma missão de campo nas Seicheles, este artigo considera a letra das canções em crioulo seselwa enquanto lugar discursivo e performático de produção do memorial musical. Apresentando e analisando a letra das canções populares das Seicheles, pretende-se questionar as modalidades de construção do memorial musical através desse meio particular. Trata-se, por um lado, de entender como a memória do tráfico e da escravidão anda veiculada pela evocação de géneros musicais específicos, e por outro lado, como a construção do memorial musical das Seicheles assenta – e contribui para produzir – na relevância da crioulização como marca identitária do arquipélago e de sua história. O artigo também considera o lugar e o papel das Seicheles numa economia memorial e cultural globalizada, revelando a agentividade dos cantores e dos músicos na construção de um memorial musical inclusivo focado na expressão da crioulidade. A primeira parte do artigo enfoca a peça musical Kastor, escrita e composta por Patrick Victor, como ponto de partida da reflexão. Inspirando-se numa figura histórica presente na documentação da administração colonial britânica conservada nos arquivos nacionais, Kastor tornou-se o símbolo do maroonage e da luta contra a escravidão nas Seicheles. As músicas utilizadas nesta peça relacionadas com os temas do trato escravista, do maroonage e da crioulização, participam do processo de definição pós-colonial da identidade nacional das Seicheles. A segunda parte continua a examinar as letras de canções produzidas por alguns músicos das Seicheles encontrados no campo, mostrando como elas modelam – e transmitem – a associação entre música, memória e crioulização. Evocando géneros musicais e danças tradicionais (séga, moutya, kanmtolé, romans) e instrumentos de música (triângulo, tambor, mandolina, violino) em relação com os seus contextos históricos de produção, o memorial musical das Seicheles desenvolve-se em interação com a história das Seicheles, a memória do tráfico e o processo de crioulização. A terceira parte mostra como o alcance do memorial musical considerado neste artigo ultrapassa o quadro insular das Seicheles e do Oceano Índico, apontando para a expressão de uma pan-crioulidade transoceânica e rizomática. Os cantores das Seicheles percebem sua crioulidade como presa na sua « relação » – no sentido empregado por Glissant – com os outros territórios crioulos, em escalas diversas, primeiro no Oceano Índico, mas também no mundo. Ao manifestar uma história partilhada que continua na contemporaneidade, marcada pela escravidão, a colonização e a crioulização, o conjunto das referências mobilizadas pelos artistas contribui para o surgimento do memorial musical das Seicheles, participando de um diálogo transoceânico com outras insularidades ou territórios crioulos. As análises de letras de música propostas neste artigo documentam o modo como o memorial musical das Seicheles formou-se num diálogo constante entre a história local do arquipélago, as dinâmicas sociais e culturais da região, a concepção de uma pan-crioulidade protagonizada pelas Seicheles, mas também a agentividade de seus músicos na época contemporânea.

A história da África está marcada por dois eventos devastadores: a escravidão e a colonização. Da escravidão, o continente sofreu várias vítimas. O navio negreiro engoliu grande parte da juventude Africana. Muitos pais foram privados de sua progenitura. As consciências foram marcadas de forma indelével. No entanto, entre aqueles que, apesar disso, deixaram o continente e aqueles que ficaram há uma ligeira diferença. O segundo evento sujou a consciência dos africanos que ficaram. É nesta perspetiva que o duo martiniquense Césaire-Fanon fala de atropelamento cultural ou de bloqueio identitário pois o colonizado até dúvida da sua própria existência. Ele é, portanto, cortado das suas fontes e raízes culturais para sofrer um enxerto forçado. Mas a cultura imposta embora dominante, ainda não limpa por completo a cultura local. Há uma sobrevivência da autoctonia no esquema cultural em que navega o colonizado sob dominação estrangeira. O nível mais visível é o linguístico. Vai nascer um falar crioulo que é uma mistura da língua do colono com alguns vestígiosdo falar indígena. É portanto neste contexto de distorção cultural que surge a noção de regresso para as raízes culturais africanas tão celebrado pelos mentores da Negritude nomeadamente Aimé Césaire da Martinica ou Francisco José Tenreiro de São Tomé e Príncipe.

Resumo A consciência histórica tem sido o grande desafio das sociedades que desejam compreender sua identidade e se configurar no tempo. Provavelmente esse seja o esforço que Édouard Glissant, autor martinicano, tenha assumido por meio de suas obras: o árduo exercício de recuperar na opacidade da história os fragmentos dispersos que participam da composição das identidades caribenhas e latino-americanas. Esse artigo busca apresentar o pensamento desse autor, recuperando sua compreensão de memória, história, literatura e oralidade, que se apresentam em forma de novas categorias conceituais como rastros-resíduos, poética da relação ou caos-mundo. A partir de sua obra, reconstruímos sua trajetória analítica para a elaboração do conceito de crioulização. Abstract Historical awareness has been the great challenge of societies wishing to understand their identity and to shape themselves in time. Probably this is the effort that Édouard Glissant, a martinican author, has assumed through his works: the arduous exercise in recovering in the opacity of history the scattered fragments that participate in the composition of the Caribbean and Latin American identities. This article seeks to present the author's thinking, recovering his understanding of memory, history, literature and orality, which present themselves in the form of new conceptual categories such as traces-residues, poetics of the relation or chaos-world. From his work, we reconstruct his analytical trajectory for the elaboration of the concept of creolization.

O presente relatório pretende fazer uma abordagem ao processo de montagem da comédia popular crioula “Once Upon a Time in Ribeira Bote”, cuja estreia teve lugar na última edição do Festival Internacional de Teatro do Mindelo - Mindelact 2020. Este tipo de comédia surgiu em meados do século XX, no seio dos clubes recreativos da cidade do Mindelo em Cabo Verde, centrando-se na abordagem cómica de acontecimentos predominantemente urbanos e caracterizando-se por uma pujante crítica social onde se destacava o tom brejeiro, provocatório e malicioso. Neste sentido, serão apresentados exemplos práticos de recobro da tradição da Comédia Popular Crioula - que é uma componente fundamental para a compreensão da identidade do teatro cabo-verdiano. Após uma introdução em torno da história da comédia crioula em Cabo Verde, faz-se um enquadramento do projeto cénico a nível dramatúrgico, social, histórico, cultural e linguístico. O exercício cénico, tal como é comum nas comédias deste género, parte da vivência e histórias da população do Mindelo, focando-se mais exatamente no bairro da Ribeira Bote. Desta forma, far-se-á uma descrição da investigação realizada no âmbito das histórias e tradições do bairro, no campo social, folclórico e musical que serviram de base para a montagem dramatúrgica. Por fim, relatar-se-ão os resultados obtidos com a realização do exercício cénico relativamente às opções de encenação, ao ritmo do espetáculo, ao registo de interpretação, à iluminação, à dramaturgia e à receção do público na noite da estreia, fazendo uma ligação entre estes momentos e a identidade do teatro cabo-verdiano. This report intended to approach the process of producing the creole comedy Once Upon a Time in Ribeira Bote, which premiere took place in the latest edition of the Mindelo International Theater Festival - Mindelact 2020. This type of comedy appeared in the beginning of the 20th century in the recreational clubs of the city of Mindelo in Cape Verde, focusing on the comical approach of urban events and being characterized by a vigorous social criticism, with a provocative and malicious tone. In this sense, practical examples recovering the tradition of the Popular Creole Comedy will be included, which is a fundamental component for understanding the identity of Cape Verdean theater. After a theoretical introduction and a historical review of the Creole comedy in Cape Verde, the scenic project is framed at a dramaturgical, social, historical, cultural and linguistic level. The scenic exercise as is common in comedies of this kind, originates from the experiences and stories of the population of Mindelo, focusing more precisely on the Ribeira Bote neighborhood, thus describing the investigation carried out within the context of the neighborhood's histories and traditions, in the social, folkloric and musical fields that served as the basis for this dramaturgical montage. Finally, there is a demonstration of the results obtained with the performance of the scenic exercise regarding staging options, the rhythm of the show, the recording of interpretation, lighting, dramaturgy and the reaction of the audience on the night of the premiere making a relation between these moments and the identity of Cape Verdean theater.

RESUMO Em 1988, Derrida formulava um enunciado programático para os filósofos, jubilatório para os tradutores: “Plus d’une langue!”. Este artigo parte de uma retomada da palavra de ordem derridiana, uma re-petição que permite esgueirar-se para um pensamento vivo, intimamente ligado a uma aposta da tradução. Depois de dar a essa aposta seu alcance amplo, busca-se examinar como, em cada língua, o “Plus d’une langue” funciona como agenciação-desconstrução, isto é, como operação imanente e intensiva de tradução infralinguística. Ora, se essa multiplicidade interna às línguas como redes idiomáticas aponta para um potencial de transmissão “aquém” do encontro entre duas línguas, é esse encontro entre as línguas como singularidades idiomáticas que define tradicionalmente a prática da tradução como transformadora e, eventualmente, trânsfuga. Nessa perspectiva, o avesso da reflexão proposta releva o paradigma da tradução como circulação entre-duas-línguas, para problematizá-lo e avaliar a possibilidade de ultrapassá-lo. Para além da topologia do entre, e se houver mais de duas línguas, traduzir é ainda concebível? Isso implica uma tentativa de forçagem e, talvez, de oxigenação das teorias da tradução historicamente confinadas pela Linguística. O resultado desse esforço, ele próprio guiado pela radicalização final da lógica do “Plus d’une langue” mediante um “Encore plus de langues”, é uma interrogação sobre a tradução como onda de choque translinguística e sobre o escândalo do ato do tradutor. O que sobra da arte da tradução quando o tradutor “cai fora” do sagrado pacto de tradução e recusa, na ausência patenteada de relação, qualquer reciprocidade entre as línguas? ABSTRACT In 1988, Derrida formulated a programmatic statement for philosophers, which is a jubilatory encouragement for translators: “Plus d’une langue!”. This paper starts from a resumption of the Derridian watchword, a re-petition that makes us gest inside a living thought, intimately linked to a challenge of translation. After giving this challenge its more extended reach, we seek to examine how, in each language, the mechanism of “Plus d’une langue” works as agenciation-deconstruction, that is, as an immanent and intensive operation of infralinguistic translation. Yet, if this internal multiplicity of languages as idiomatic networks points to a potential of transmission “below” the encounter between two languages, it is this encounter between languages as idiomatic singularities that traditionally defines the translation as transformative and, eventually, transgressive practice. Based on such outlook, the flip side of this reflection focuses on the paradigm of the translation as a circulation between two languages, to problematize it and evaluate if it would be possible to go beyond it. Overcoming the topology of the between, and with more than two languages, is translating still conceivable? This means attempting to force and, perhaps, to oxygenate translation theories, historically confined by Linguistics. The result of this effort, which is finally guided by the radicalization of the logic of “Plus d’une langue” through an “Encore plus de langues”, is an inquiry about translation as a translinguistic shockwave, and about the scandal of the translator’s act. What remains of the art of translation when the translator “fucks off”, getting out of the sacred pact of translation and refusing, for a patent lack of relationship, any reciprocity between languages?

Rivista Italiana di Educazione Familiare, Vol. 15 No. 2 (2019): n° 2 luglio-dicembre 2019

RESUMO: Este trabalho busca efetuar uma reflexão sobre a diversidade e identidade cultural na pluralidade imaginativa ativa expressa nos diversos repositórios simbólicos, artísticos, religiosos, sociais, econômicos, linguísticos, dentre outros, que nos cercam. O contato e mútua interferência entre os povos forçam-nos, atualmente, a rever os conceitos de cultura e de identidades em termos planetários sob o ângulo da dispersão rizomática e não mais sob a ótica estreita de uma visão de mundo com raiz única e universal. Nesse contexto, é a diversidade que passa a ser valorizada. Entretanto, como reconhecer e valorizar essa teia rizomática de relações sem desvalorizar o individual? É o que buscaremos demonstrar a seguir. PALAVRAS-CHAVE: Diversidade, identidade, individualidade, rizoma, crioulização. __________________________ ABSTRACT: This work seeks to reflect on diversity and cultural identity in the active imaginative plurality expressed in the various symbolic, artistic, religious, social, economic, linguistic, and other repositories that surround us. Contact and mutual interference between peoples force us today to revise the concepts of culture and identities in planetary terms under the rhizomatic scattering angle and no longer under the narrow view of a world view with a single universal root. In this context, it is the diversity that comes to be valued. However, how to recognize and value this rhizomatic web of relationships without devaluing the individual? This is what we will try to demonstrate next. KEYWORDS: Diversity, identity, individuality, rhizome, creolization.

Portuguese creoles were instrumental in bringing sub-Saharan Africa into the intercontinental systems of the Atlantic and Indian Ocean. In the Atlantic Islands a distinctive creole culture emerged, made up of Christian emigrants from Portugal, Jewish exiles and African slaves. These creole polities offered a base for coastal traders and became politically influential in Africa - in Angola creating their own mainland state. Connecting the African interior with the world economy was largely on African terms and the lack of technology transfer meant that the economic gap between Africa and the rest of the world inexorably widened. African slaves in Latin America adapted to a society already creolised, often through adroit forms of cultural appropriation and synthesis. In eastern Africa Portuguese worked within existing creolised Islamic networks but the passage of their Indiamen through the Atlantic created close links between the Indian Ocean and Atlantic commercial systems. Resumo: Os crioulos portugueses foram fundamentais para integrar a África subsaariana aos sistemas intercontinentais do Oceano Atlântico e do Oceano Índico. Nas ilhas atlânticas emergiu uma cultura crioula distinta, composta por emigrantes cristãos vindos de Portugal, judeus exilados e escravos africanos. Essas políticas crioulas ofereceram uma base para comerciantes costeiros e se tornaram politicamente influentes na África - em Angola criando seu próprio país continental. Conectar o interior africano com a economia mundial foi, em grande medida, feita em termos africanos, mas a falta de transferência de tecnologia significou que o fosso econômico entre África e o resto do mundo aumentou inexoravelmente. Escravos africanos na América Latina adaptaram-se a uma sociedade já crioulizada, muitas vezes por meio de formas hábeis de apropriação e síntese cultural. Na África Oriental, o português trabalhou em já existentes redes islâmicas crioulizadas, mas a passagem de naus da carreira das Índias através do Atlântico criou vínculos estreitos entre os sistemas comerciais do Oceano Índico e do Atlântico.

O principal objetivo do estudo é dimensionar o conceito semiótico de crioulização de modo a compreender tanto os encontros culturais quanto o choque de culturas por meio dos processos sígnicos da tradução e da intraduzibilidade que sustentam a comunicação. Para isso distinguiu-se o campo conceitual em que fronteira, para além de limite, designa linha de tensão entre os elementos em contato, caso das línguas, foco da abordagem semiótica de Iúri Lótman. Como campo empírico desse experimento analítico, situa-se o processo de crioulização quando da aventura ibérica no além-mar, no encontro com o continente africano e na ulterior diáspora africana para o território brasileiro. Espera-se assim redimensionar as implicações geopolíticas em termos de luta, resistência e explosão da condição estrangeira e da informação nova que emerge quando da permanência das relações de intraduzibilidade., The main purpose of the study is to scale the semiotic concept of creolization in order to understand both the cultural encounters as the clash of cultures through the sign processes of translation and untranslatability that support communication. For that distinguished the conceptual field that border, beyond limit, designate voltage line between the elements in contact, the case of languages, focus of semiotic approach of Yuri Lotman. As empirical field this analytical experiment, lies the creolization process when the Iberian adventure overseas, the meeting with the African continent and the African diaspora later to Brazil. It is expected resize the geopolitical implications of struggle, resistance and explosion of foreign status and new information that emerges when the permanence of untranslatability relations.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Línguas Estrangeiras e Tradução, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, 2018. Esta dissertação apresenta as estratégias tradutórias utilizadas em Riwan ou le chemin de sable, por Ken Bugul. Por meio do levantamento de etnotermos, de estratégias e de marcadores específicos, percebemos que a escritora valoriza os ecos do multilinguismo em sua narrativa, além de evidenciar diferenças culturais intrínsecas a questões linguísticas, principalmente quando há a valorização da língua nacional wolof e da crioulização (por meio da utilização de wolofal-francês e wolofal-árabe), mesmo sendo a língua francesa a língua oficial do Senegal. Ressaltamos também a influência da língua árabe por esta ser a língua da religião islâmica, que é dominante no país. Bugul constrói, assim, uma poética multilíngue que representa o seu país de origem, característica da literatura africana contemporânea. Nesse contexto, o objetivo desta pesquisa é abordar as estratégias de tradução de Ken Bugul na sua escrita literária e discutir os ecos do multilinguismo, importante para o estudo da tradução. Tal pesquisa se baseia nos princípios teóricos e metodológicos que constituem e fundamentam a tradução etnográfica, o que tornou possível o levantamento de itens lexicais relevantes. O levantamento dos etnotermos e da presença de outras línguas, como o inglês, o árabe, o português e o espanhol, se deu pela organização da ordem de aparecimento na obra; seleção da unidade lexical; identificação da língua; trecho em que o item lexical aparece no romance; identificação da estratégia tradutória utilizada; e tradução. Por meio da análise, definimos e exemplificamos as estratégias de tradução presentes na narrativa: definição/nota de rodapé, inferência/tradução literal, hiperonímia/hiponímia, explicação/aposto e não-tradução. This dissertation presents the translation strategies used in Riwan ou le chemin de sable, by Ken Bugul. Through the study of ethno-therms, strategies and specific markers, we notice that the author values the echoes of multilingualism in her narrative, as well as evidence of cultural differences intrinsic to linguistic issues, especially when there is the valorization of national language Wolof and creolization through the use of Wolofal-French and Wolofal-Arabic), even though French is the official language of Senegal. We also emphasize the influence of the Arabic language because this is the language of the Islamic religion, which is dominant in the country. Bugul thus constructs a multilingual poetic that represents his country of origin, characteristic of contemporary African literature. In this context, the aim of this research is to approach the translation strategies of Ken Bugul in his literary writing and to discuss the echoes of multilingualism, important for the study of translation. This research is based on the theoretical and methodological principles that constitute and base the ethnographic translation, which made it possible to collect relevant lexical items. The study of the ethno-therms and the presence of other languages, such as English, Arabic, Portuguese and Spanish, was organized by the order of appearance in the work; lexical unit selection; identification of the language; the passage in which the lexical item appears in the novel; identification of the translation strategy used; and translation. Through the analysis, we define and exemplify the translation strategies present in the narrative: definition / footnote, literal inference / translation, hyperonymy / hyponymy, explanation / aposto and non-translation.

Ao examinar a diáspora dos judeus sefarditas na Senegâmbia do século XVII, o livro de Peter Mark e José da Silva Horta traz uma valiosa contribuição não somente para a diáspora sefardita pelo mundo, mas também para a história da formação do mundo atlântico e para o entendimento do processo de crioulização que deu origem à s sociedades crioulas atualmente existentes na costa ocidental da África (em Cabo Verde, Guiné-Bissau e, em menor extensão, em Serra Leoa).

Entrevista com Wilson Trajano Filho, professor titular do Departamento de Antropologia da Universidade de Brasília. Os leitores poderão seguir com o autor um percurso que vai da música à antropologia, e da antropologia às pesquisas em África – estas especialmente dedicadas à reflexão sobre representações nacionais, colonialismo português, cultura popular e crioulização.

Entrevista com Wilson Trajano Filho, professor titular do Departamento de Antropologia da Universidade de Brasília. Os leitores poderão seguir com o autor um percurso que vai da música à antropologia, e da antropologia às pesquisas em África – estas especialmente dedicadas à reflexão sobre representações nacionais, colonialismo português, cultura popular e crioulização.

Tese de Doutoramento, Comunicação, Cultura e Artes, Faculdade de Ciências Humanas e Sociais, Universidade do Algarve, 2016 Importando o conceito de crioulização, da linguística para os estudos culturais, e mais concretamente para o domínio das artes cénicas, a presente tese descreve a metodologia da crioulização cénica, enquanto corolário identitário do teatro pós-moderno cabo-verdiano e síntese do percurso histórico do teatro em Cabo Verde. Tendo como ponto de partida uma reflexão sobre a problemática da crioulização nos mais recentes debates tidos em diversas disciplinas, como a Linguística, História, Antropologia e Sociologia, o presente estudo passa por uma análise do processo histórico cabo-verdiano, que parte de um território inabitado e, portanto, pode considerado um laboratório modelar que reflete como poucos o processo de crioulização cultural. Partindo desse pressuposto, faz-se uma descrição daqueles que são considerados os principais parâmetros da identidade cabo-verdiana. Ao fazer-se, de seguida, uma viagem pormenorizada pela história do teatro em Cabo Verde, desde os primeiros fenómenos parateatrais até à modernidade, procura-se comprovar que o teatro da Nação resulta fundamentalmente da História da Nação, e que graças a essa estrada de duplo sentido é possível entender melhor a identidade desta conhecendo a história do teatro cabo-verdiano, os seus protagonistas e principais características. A crioulização cénica, da qual se definem os parâmetros e se analisam quatro estudos de caso, torna-se, pela sua metodologia específica, um paradigma da identidade cénica caboverdiana, reflexo de múltiplas raízes, influências, ritmos, tradições e, ao mesmo tempo, resultado de um trabalho artístico contemporâneo, imbuído de um espírito multidisciplinar e colectivo. Importing the concept of Creolization from Linguistics into Cultural Studies and, more precisely, into the field of the Performing Arts, the present thesis describes the methodology behind theatrical creolization as the corollary of the sense of national identity in post-modern caboverdean theater and a synthesis of the historical journey of theater in Cabo Verde. Beginning with a reflection on the issues related to creolization in the most recent debates in various different disciplines, such as Linguistics, History, Anthropology and Sociology, this study includes an analysis of Cabo Verde’s historical process, which began with an uninhabited territory and, as such, may be considered a model laboratory that reflects the process of cultural creolization like few other places in the world. Using this assumption as a foundation, the study describes what are considered the main parameters of caboverdean identity. In subsequently embarking upon a detailed journey through the history of theater in Cabo Verde, from the first paratheatrical phenomena up to the modern era, it seeks to prove that the Nation’s theater is fundamentally the result of the Nation’s history, and that, thanks to this two-way road, it becomes easier to understand the Nation’s identity through familiarity with caboverdean theater, its protagonists and its main characteristics. Theatrical creolization, the parameters of which are defined and four case studies of which are analyzed, becomes, through its specific methodology, a paradigm of caboverdean theatrical identity, a reflection of its multiplicity of roots, influences, rhythms and traditions and, at the same time, a result of contemporary artistic work imbued with a multidisciplinary and collective spirit.

This thesis intends to examine the inevitably precarious stances that the writer Germano Almeida constantly seeks out within Cape Verdean society. Starting from the premise that by definition literary expression constitutes a reflection on its own existence within the fictional universe it creates, this study intends, first, to illustrate how Germano Almeida, through his scenography, manages to position his work both within the power structure and on the literary scene of Cape Verde. The first part of the analysis focuses on the special relationship between literature and politics in both colonial and post-colonial society, the inclusion of humor and irony in scholarly literature, the conflict that arises between a well-established oral tradition and actual writing with the latter playing a singular role within a highly differentiated bilingual society. Lastly, the gap between the expected and the real reactions to Almeida’s work is examined. The second part of the analysis illustrates Germano Almeida’s desire to participate actively in shaping Cape Verdean society. If Almeida’s first fictions systematically deconstruct traditional representations of a rural and cohesive Creole society, more recent works definitely depict the traits of a primarily urban society that is forced to constantly deal with contingencies. The third part of this study highlights Almeida’s constant desire to place the diversity of Creole experiences on a time continuum that not only gives meaning to the past but also provides greater command of the future and the possibility to thus avoid the danger of grotesquely repeating history. In the end, the study of these time-space configurations makes it obvious that their author sees himself not only as a full member of Cape Verdean society but also as an objective, and therefore, informed observer.; Cette thèse a pour ambition d’interroger les positions inévitablement instables que ne cesse de briguer l’écrivain Germano Almeida au sein de la société capverdienne. Partant du principe que l’énonciation littéraire est constitutivement tenue de réfléchir dans l’univers fictionnel qu’elle construit les conditions de sa propre existence, cette étude vise d’abord à montrer comment Germano Almeida met en place des scénographies qui lui permettent de négocier l’inscription de ses œuvres tant dans le champ du pouvoir que dans le champ littéraire du Cap-Vert. Dans la première partie, l’analyse porte sur les rapports spécifiques qu’entretiennent littérature et politique dans un espace d’abord colonial puis post-colonial, l’introduction de l’humour et de l’ironie dans la littérature « savante », la tension entre une oralité revendiquée et une écriture effective qui prend une dimension particulière dans un espace linguistique diglossique et finalement les écarts entre la réception planifiée et la réception effective de son œuvre. La deuxième partie met en évidence la volonté chez Germano Almeida de participer à la configuration de l’espace social capverdien. Si les premières fictions almeidiennes ont systématiquement déconstruit les représentations traditionnellement rurales et intégrées de la société créole, les plus récentes dessinent en définitive les contours d’une société plutôt urbaine qui ne cesse de faire face à la contingence. La troisième partie fait justement ressortir une volonté constante d’inscrire les diverses expériences créoles dans un continuum temporel qui permette non seulement de donner sens au passé mais également d’avoir une meilleure maîtrise de l’avenir et d’échapper ainsi au danger de la répétition carnavalesque de l’histoire. L’étude de ces configurations spatio-temporelles met finalement en évidence le fait que leur énonciateur se conçoit non seulement comme un élément à part entière de la société capverdienne mais également son observateur distancié et donc averti.

This thesis intends to examine the inevitably precarious stances that the writer Germano Almeida constantly seeks out within Cape Verdean society. Starting from the premise that by definition literary expression constitutes a reflection on its own existence within the fictional universe it creates, this study intends, first, to illustrate how Germano Almeida, through his scenography, manages to position his work both within the power structure and on the literary scene of Cape Verde. The first part of the analysis focuses on the special relationship between literature and politics in both colonial and post-colonial society, the inclusion of humor and irony in scholarly literature, the conflict that arises between a well-established oral tradition and actual writing with the latter playing a singular role within a highly differentiated bilingual society. Lastly, the gap between the expected and the real reactions to Almeida’s work is examined. The second part of the analysis illustrates Germano Almeida’s desire to participate actively in shaping Cape Verdean society. If Almeida’s first fictions systematically deconstruct traditional representations of a rural and cohesive Creole society, more recent works definitely depict the traits of a primarily urban society that is forced to constantly deal with contingencies. The third part of this study highlights Almeida’s constant desire to place the diversity of Creole experiences on a time continuum that not only gives meaning to the past but also provides greater command of the future and the possibility to thus avoid the danger of grotesquely repeating history. In the end, the study of these time-space configurations makes it obvious that their author sees himself not only as a full member of Cape Verdean society but also as an objective, and therefore, informed observer.; Cette thèse a pour ambition d’interroger les positions inévitablement instables que ne cesse de briguer l’écrivain Germano Almeida au sein de la société capverdienne. Partant du principe que l’énonciation littéraire est constitutivement tenue de réfléchir dans l’univers fictionnel qu’elle construit les conditions de sa propre existence, cette étude vise d’abord à montrer comment Germano Almeida met en place des scénographies qui lui permettent de négocier l’inscription de ses œuvres tant dans le champ du pouvoir que dans le champ littéraire du Cap-Vert. Dans la première partie, l’analyse porte sur les rapports spécifiques qu’entretiennent littérature et politique dans un espace d’abord colonial puis post-colonial, l’introduction de l’humour et de l’ironie dans la littérature « savante », la tension entre une oralité revendiquée et une écriture effective qui prend une dimension particulière dans un espace linguistique diglossique et finalement les écarts entre la réception planifiée et la réception effective de son œuvre. La deuxième partie met en évidence la volonté chez Germano Almeida de participer à la configuration de l’espace social capverdien. Si les premières fictions almeidiennes ont systématiquement déconstruit les représentations traditionnellement rurales et intégrées de la société créole, les plus récentes dessinent en définitive les contours d’une société plutôt urbaine qui ne cesse de faire face à la contingence. La troisième partie fait justement ressortir une volonté constante d’inscrire les diverses expériences créoles dans un continuum temporel qui permette non seulement de donner sens au passé mais également d’avoir une meilleure maîtrise de l’avenir et d’échapper ainsi au danger de la répétition carnavalesque de l’histoire. L’étude de ces configurations spatio-temporelles met finalement en évidence le fait que leur énonciateur se conçoit non seulement comme un élément à part entière de la société capverdienne mais également son observateur distancié et donc averti.

O presente trabalho está inserido na discussão sobre as relações entre literatura e canção. Pertencentes à cena musical pernambucana, as canções de Chico Science & Nação Zumbi sugerem uma libertação estética, aproximando a canção da literatura oral. Em sintonia com isso, o objetivo desta pesquisa é analisar três canções do álbum Afrociberdelia (1996), de Chico Science & Nação Zumbi, são elas: “Mateus Enter”, “O Cidadão do Mundo” e “Etnia” (as três primeiras canções do disco). A análise busca evidenciar como essas três canções desarticulam ou afrouxam os nós da diferença colonial (MIGNOLO, 2003). Para isso, dialoga-se sobretudo com a compreensão de crioulização de Glissant (2005 e 2011), a qual trata do hibridismo a partir de uma perspectiva pós-colonial. This work discusses about the relationship between literature and song. In this sense, in the music scene of Chico Science & Nação Zumbi suggest an esthetical freedom, approaching songs to oral literature. Linked to that, this research aims to analyze three songs from the Afrociberdelia (1996) album, composed by Chico Science & Nação Zumbi, namely: “Mateus Enter”, “O Cidadão do Mundo” and “Etnia” (the three first songs from this disco). This analyzis aim to clarify how those songs untie or loose the knots of colonial segregation (MIGNOLO, 2003). For that, we dialogue with a comprehension of “creolezation” as used by Glissant (2011; 2005), that studies hybridism from a post-colonial perspective.