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RESUMO Por meio da análise de seu posicionamento e de suas estratégias de inserção na Universidade, o presente artigo coloca em perspectiva o papel fundador do trabalho de mestrado Anamorfas, da Profa. Dra. Regina Silveira, em relação à pesquisa em Poéticas Visuais na ECA-USP, como referência metodológica fundante para o programa de pós-graduação em Artes Visuais e seu desenvolvimento posterior, bem como para a problematização das formas de arquivo e circulação de produção acadêmica. ABSTRACT Through the analysis of its positioning and its insertion strategies at the University, this article puts in perspective the founding role of the master’s work Anamorfas, by Prof. Dr. Regina Silveira, in relation to research in Visual Poetics at ECA-USP as a grounding methodological reference for the postgraduate program in Visual Arts and its subsequent development, as well as for problematizing the forms of archive and circulation of academic production. RESUMEN A través del análisis de su posición y estrategias de inserción en la Universidad, este artículo pone en perspectiva el papel fundador del trabajo de maestría Anamorfas, de la Profesora Dra. Regina Silveira, en relación con la investigación de Poéticas Visuales en ECA-USP, como referencia metodológica fundacional para el programa de posgrado en Artes Visuales y su posterior desarrollo, así como para problematizar las formas de archivo y circulación de la producción académica.

[ES] La herida en la cuarta piel es un trabajo de investigación artística teórico-práctica que emerge desde la observación de lo social, para abordar un diálogo íntimo en torno al vínculo generado con los espacios. A través de la noción de psicogeografía y la deriva, articulamos un análisis reflexivo sobre la construcción de las identidades colectivas que orientaremos hacia cuestiones de lo común y sobre la politización de las emociones respecto al contexto geográfico apelando a la noción de refugio y pertenencia. Construimos una práctica artística situada y contextualizada en su tiempo, que aporte una crítica cercana sobre las maneras de afectación hacia el entorno compartido haciendo uso del lenguaje y las narrativas poéticas que refuerza el carácter íntimo y sensible de la creación artística, formalizándola a través de lo sonoro, la fotografía analógica, la instalación y la escritura, entre otras., [EN] The wound in the fourth skin is a theoretical-practical artistic research work that emerges from the observation of the social, to address an intimate dialogue around the link generated with the spaces. Through the notion of psychogeography and drift, we articulate a reflective analysis on the construction of collective identities that will be oriented towards questions of commonality and the politicization of emotions regarding the geographical context by appealing to the notion of refuge and belonging. We build an artistic practice situated and contextualized in its time, which provides a close critique on the ways of affecting the shared environment by making use of language and poetic narratives that reinforce the intimate and sensitive nature of artistic creation, formalizing it through sound, analog photography, installation and writing, among others.

Submitted by Simone Maisonave (simonemaisonave@hotmail.com) on 2022-04-06T10:54:30Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_Catia_Maria_Vieira.pdf: 9369477 bytes, checksum: df33a9926805b11991fb7cd0f9d2564b (MD5) Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2022-04-08T14:33:48Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertacao_Catia_Maria_Vieira.pdf: 9369477 bytes, checksum: df33a9926805b11991fb7cd0f9d2564b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2022-04-08T14:33:48Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertacao_Catia_Maria_Vieira.pdf: 9369477 bytes, checksum: df33a9926805b11991fb7cd0f9d2564b (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2022-02-23 Sem bolsa A presente dissertação busca investigar a atuação e a influência da indústria corporal na formação da subjetividade feminina contemporânea. A partir de proposta poética, buscamos a reflexão sobre o impacto da moda no cotidiano, destacando os regimes de visualidade e visibilidades vigentes na nossa sociedade. Dessa forma, o trabalho apresenta como problema o impacto da indústria corporal na construção do sujeito mulher, aspectos que desvelam processos da representação feminina, manipulações, violência, inversões e imposições. Ao contextualizar a história da moda na produção poética desenvolvida, buscamos problematizar as formas como as corporações suscitam o desejo ao consumo em massa, e por que são as mulheres os principais alvos dessa indústria, assim como, um levantamento de artistas que apresentam, em suas obras, o discurso sobre o corpo como objeto na manipulação da aparência. A partir da análise realizada sobre os aportes teóricos e artísticos, compreendemos as consequências que o avanço da moda provoca e acarreta sobre a imagem e vida da mulher contemporânea, pelo impacto da promoção do caráter de desejo e de sedução, armadilha da exigência de uma estética provida por revistas, cinema, televisão e posteriormente, pela internet. Para tal fim, utilizamos autores como: Jean Baudrillard (1995), ao abordar o consumo associado à expressão de felicidade; assim como obras de Gilles Lipovetsky (2006; 2017) e Zygmaun Bauman (2001), ao tratar da sedução e espetacularização, consumo e novas técnicas de comunicação, condicionando produção, difusão e consumo, bem como os referenciais artísticos, Vanessa Beecroft, Barbara Kruger, Cindy Sherman e Nazareth Pacheco, referências da proposta poética apresentada nesta pesquisa. A partir da elaboração de narrativas poéticas que têm o corpo e a imagem como suporte, refletimos sobre aprisionamento e empoderamento de papeis sociais femininos na contemporaneidade, assim como a busca por uma nova ressignificação do consumo e formação de subjetividades. The present dissertation seeks to investigate the activity and influence of the body industry in the formation of contemporary female subjectivity. From a poetic proposal, we seek to reflect on the fashion impact on everyday life, highlighting the regimes of visuality and visibilities prevailing in our society. In this way, it presents as a problem the impact of the body industry on the vision of the woman subject, aspects that reveal processes of female representation, manipulations, violence, inversions and impositions. Contextualizing the fashion history in the developed poetic production, I look for discuss the ways corporations evoke the massive consumption desire, and why women are the main targets of this industry, as well as mapping artists who present in their works the discourse about body as an object in the manipulation of appearance. By theoretical and artistic contributions analysing, we understand the consequences that the fashion progress causes and results on the contemporary women image and life, due to the impact of promoting the character of desire and seduction, trap of demanded aesthetic provided by magazines, cinema, television and later on internet. For that purpose, authors such as Jean Baudrillard were used to address consumption related to happiness expression; as well as works by Gilles Lipovetsky (2006; 2017) and Zygmaun Bauman (2001) when dealing with seduction and spectacularization, consumption and new communication techniques, conditioning production, diffusion and consumption, as well as artistic references, Vanessa Beecroft, Barbara Kruger, Cindy Sherman and Nazareth Pacheco, poetic proposal references presented in this research. From poetic narratives elaboration that have body and image as it support, we reflect about the imprisonment and empowerment of female social roles in contemporary times, as well as the search for a new resignification of consumption and subjectivities formation.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A escola pública por muito tempo vem buscando estratégias para melhoria do processo ensino-aprendizagem, de forma a se repensar este processo de transmissão de conhecimento por meio de modelos e fórmulas prontas, trazidas pelo professor e desenvolvida de maneira quase mecânica pelo aluno. Na Escola Estadual Professora Sílvia de Alencar Zschaber esta situação se modificou com a inserção da Mostra de Arte desenvolvida anualmente, cujo objetivo é o de desenvolver a aprendizagem por meio da arte e consequentemente descobrir talentos, como também o de trazer a comunidade a fazer parte deste processo. Assim, esta pesquisa visa entender como as práticas metodológicas podem modificar o cotidiano dos alunos desta escola, que há muito vinham desestimulados, sem perspectiva de melhorias na aprendizagem. O objetivo da pesquisa é refletir e analisar minha prática docente em arte e verificar quais as ações que alteraram a rotina de ensinar e aprender desta escola. Por isso, busca-se entender as mudanças que ocorreram após a inserção da mostra, ao mesmo tempo em que observa-se quais foram os mecanismos que trouxeram para dentro dos muros da escola a efetiva participação da família, de outras escolas, de pessoas de outros bairros e, até mesmo, de outras cidades. Para tal fim, busca-se compreender as práticas docentes junto aos alunos e, a partir dessa análise, identificar como a arte pode contribuir para a melhoria do processo de aprendizagem/formação e da transformação da realidade na qual estão inseridos. O projeto da mostra de arte, objeto desta pesquisa, teve início em novembro de 2007 e perdura até a presente data, tornando-se parte do calendário permanente da escola em questão. Para dar fundamentação teórica a estas discussões,esta pesquisa alicerçou-se em autores como Iavelberg (2003) quando se analisa que para trabalhar práticas de ensino de arte, é imprescindível ter o gosto pelo ensinamento da arte, Richter (2003) quando traz apontamentos sobre a experiência da arte em sala de aula e seus desafios frente ao professor/aluno e por Buoro (2009) no momento em que relacionamos as realidades vivenciadas dentro do contexto em sala de aula. Portanto, a proposta da mostra de arte, dentro da escola, foi a de proporcionar aprendizagem contínua e interdisciplinar, constituindo-se como principal objeto dessa pesquisa. Aprendizagem esta pode ser comprovada, a partir de experiências significativas trazidas aos discentes através da Mostra de Arte na Escola Sílvia de Alencar Zschaber, tornando-os capazes de apreciar, refletir e elaborar artisticamente seu contexto social, interferindo criticamente sob o modo de aprendizagem e produção dos alunos. The public school for a long time has been seeking strategies to improve the teaching-learning process, in order to rethink this process of knowledge transmission through ready-made models and formulas, brought by the teacher and developed almost mechanically by the student. At Professora Sílvia de Alencar Zschaber State School this situation changed with the insertion of the Art Exhibition annually created, whose objective is to develop learning through art and consequently discover talents, as well as bringing the community to be part of this process. Thus, this research aims to understand how methodological practices can modify the daily lives of students from this school, who had been discouraged for a long time, with no prospect of improvements in learning. The objective of the research is to reflect and analyze my teaching practice in art and to verify which actions have changed the routine of teaching and learning at this school. Therefore, we seek to understand the changes that occurred after the art exhibition was inserted, while observing the mechanisms that brought into the school walls the effective participation of the family, other schools, people from other neighborhoods and even other cities. For thus, we seek to understand teaching practices with students and, based on this analysis, identify how art can contribute to improving the learning/training process and the transformation of the reality in which they are inserted. The art exhibition project, object of this research, started in November 2007 and lasts until the present date, becoming part of the permanent calendar of the school in question. To give a theoretical foundation to these discussions, this research was based on authors like Iavelberg (2003) when it is analyzed that to work art teaching practices, it is essential to have a taste for teaching art, Richter (2003) when he brings notes about the experience of art in the classroom and his challenges vis-à-vis the teacher/student and by Buoro (2009) in the moment we relate the realities experienced within the context in the classroom. Therefore, the proposal of the art exhibition, inside the school, was to provide continuous and interdisciplinary learning, constituting itself as the main object of this research. This learning can be proven, based on significant experiences brought to students through the Art Exhibition at Sílvia de Alencar Zschaber School, making them capable of appreciating, reflecting and elaborating artistically their social context, interfering critically under the mode of learning and production from the students. Dissertação (Mestrado)

Orientador: Ivanir Cozeniosque Silva Acompanha 15 gravuras em metal, aquarela, tempera e trechos literarios escritos sobre imagens, coloridas e em preto em branco, acondicionadas em caixa Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A dissertação trata de uma exposição dos trabalhos práticos, de um memorial justificativo sobre o processo de criação de meus Livros de Horas. A exposição é uma instalação de uma pequena biblioteca, denominada de ¿GABINETE real DE LEITURA¿, onde o visitante poderá ler os livros que desejar. Os livros são encadernações artesanais, e tratam dos seguintes assuntos: linguagem híbrida, gravura em metal, aquarela, têmpera e de trechos literários escritos sobre as imagens Abstract: The dissertation is about the exhibition, the description memorial and justifiable of the creation process of the litle library, with the name ¿CABINET real OF READING: books of hours¿, the visiting could to read anybooks. The books are craft binding, and is about: hybrid lunguage, to make of image of engraving, watercolour, pieces of literary text writing upon the images O exemplar da BCCL contém os documentos originais Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes

Orientador: Luise Weiss Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa em Arte é sobre a realização de uma produção artística que permeia a gravura, o objeto e a instalação. As obras foram criadas a partir da análise da produção do autor, verificando as principais características técnicas e elementos conceituais de suas obras mais recentes. Para embasamento dos processos criativos foram escolhidos quatro artistas contemporâneos brasileiros, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss e Rubem Valentim, que apresentam distintas temáticas que serviram como sintonia para a criação das obras híbridas realizadas pelo autor. As questões teóricas e processuais são estudadas, resultando numa análise reflexiva sobre a poética visual proposta Abstract: This Art research is about the execution of an artistic production which approaches engraving, object and instalation. The artworks had been created from the analysis of the author's production, verifying the main technical characteristics and conceptual elements from his more recent artworks. As basis for the creative processes were chosen four Brazilian contemporary artists, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss and Rubem Valentim, who presents distinct thematics which had served as linking to the creation of the hybrid artworks carried through by the author. The theoretical and procedural questions are studied, as a result of a reflexive analysis about the poetic's visual proposed Doutorado Doutor em Artes

Orientador: Haroldo Gallo Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A Rua do Porto, como é em geral conhecida a Avenida Beira Rio, na cidade paulista de Piracicaba, há 182 anos promove a Festa do Divino Espírito Santo. Nascida da devoção do povo do lugar como forma de agradecimento pelas graças alcançadas em nome do Divino, a Festa é uma das mais representativas da cidade. Comporta em sua estrutura diversas práticas, as quais identificamos neste trabalho como sendo as poéticas constituintes do evento, suas formas simbólicas. Para o desenvolvimento desta Tese tomamos o evento enquanto obra visual. Assim, recorremos à obra teórica de Fayga Ostrower, a autores da Geografia Humanística, a estudiosos do folclore e da cultura popular, à obra sociológica de Antonio Candido e a estetas. A presente proposta limitou-se à observação da realização da Festa no período de julho de 2005 a julho de 2008. É possível hoje pontuar, buscando-se lá na tese inicial, a qual tinha como hipótese a pergunta se haveria uma estética caipira definida nas manifestações plásticas populares do interior paulista, a afirmação de que há tal estética, principalmente se tomarmos tal sentido enquanto conjunto de realizações de caráter artístico-criativo expresso sobre a forma de realização visual. São ainda possíveis de serem sistematizadas de acordo com a poética presente nesta existência cultural. É a evidência dela, desta estética, que levou à constituição deste trabalho. Neste sentido, o que no começo pontuava-se enquanto dúvida, ou enquanto vaga certeza mediada por apontamentos gerais, aos poucos, resultante de uma observação e análise mais pontuais, pôs-se a transformar-se, ao ganhar qualitativamente sustentação argumentativa, amparada tanto pelas observações em campo, quanto a partir de teorias estéticas, da abordagem histórica e de outros saberes das Humanidades. Abstract: Rua do Porto (Porto Street), as is known Beira Rio Avenue, Piracicaba city, São Paulo State, Brazil, has been promoting for 182 years the Feast of the Holy Ghost. Born form devotion of local people and a form to thank for the gracefulness they catch up in the name of Holy Ghost, the Feast is one of the most representatives in the city. It has in its structure, several practices that we identify in this work as Poetics constituent (make up) of the event, and its symbolic forms. To develop this thesis we use the event while a visual work. So we appealed from Fayga Ostrower's theorist work to authors of Humanistic Geography and studious of folk and popular culture, to sociologic work of Antonio Candido and aesthetes. The present proposal limited to observe the Feast celebrated in the period of July 2005 to July 2008. It is possible today to be on the point, looking for in the thesis, that had as hypothesis the question if there was one aesthetic country culture of São Paulo state, defined in its demonstrations of popular plastic art of paulista countryside, the statement that there is in this aesthetic, principally if we get the sense as a group of features with a nature artistic creative showed in a form of visual features. It is already possible to be a system according to each poetic present in this cultural existence. This evidence of aesthetic leads to this work. In this sense, what is in the beginning point while a doubt, or while a vague certainty mediated for notes, little by little, as a result of a careful view, modifying, when gained quality argue support, as much observation in field as starting by aesthetics theory from historical approach and other humanities knowledge. Doutorado Doutor em Artes

Orientador: Silvana Mabel Serrani Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem Resumo: Esta dissertação aborda a obra poética de Jorge Ricardo Aulicino, considerando elementos do Objetivismo argentino e marcas específicas da poética do autor. Dentre elas, a dissertação enfoca o cruzamento de linguagens com as artes visual e musical. Estudam-se o olhar, a construção de cenas poéticas e de sentidos, examinando planos e focos na poetização, o tom dialogal construído por Aulicino e a articulação de mundos que acontece em seus poemas. Na última seção, é analisado um elemento crucial em sua poesia: o elemento narrativo-ficcional presente na construção da cena poética. Nas conclusões, depreende-se que o elemento dialogal e o polifônico na obra de Aulicino compreendem jogo de vozes. Ele pode se dar com interlocutores concretos, sendo incluído pelo poeta em situações dialogais. Tais situações estão, frequentemente, associadas à autorreflexão do eu lírico ou, a outra voz que pode não ser a de um interlocutor individual, mas uma voz genérica. Ela pode estar incluída no poema em estilo linear ou não, nos termos bakhtinianos. Outro elemento recorrente na obra do Aulicino e que podemos considerar característico de sua poética é a contradição entre a concretude e a intangibilidade/imaterialidade, implícitos ou êxtases no cotidiano. Em Aulicino, a indagação poético-existencial integra a cena, revelando-nos a busca do eu-lírico pela veracidade das formas de captação da realidade. Na obra de nosso poeta, o ponto de injunção em que se dá a representação artística do que se quer expressar na cena poética tem por base a expressão da diversidade de sentimentos demonstrados pelo sujeito-lírico que iluminam o "mundo real" Abstract: This dissertation is about the poetic works of Jorge Ricardo Aulicino. It considers elements of the Argentinian Objectivism and specific brands of Aulicino¿s poetic. The focus of this work is on intersection of languages with the visual arts and music. The poetic view, the construction of poetic scenes and senses are studied by examining plans and focus in poetry, dialogue tone built by Aulicino and linkage of worlds that happens in his poems. The last part considers a crucial element in his poetry: narrative-fiction element in the construction of the poetic scene. In the conclusion, it is seen that dialogue tone and polyphonic elements in Aulicino¿s poetic work make up a set of voices. It can be actual interlocutors included by the poet in dialogue¿s situations. Such situations are frequently associated with the self-reflection of a persona or, another voice that may not be a single interlocutor, but a generic voice, which may be included on poem in linear style or not, in Bakhtin terms. Others elements in Aulicino¿s work that we can consider characteristic of his poetry are the contradiction between the concreteness and the intangibility/immateriality, as well as ecstasies presents in every day life. In Aulicino, poetic-existential inquiries integrate the scene by revealing to us the persona's search for veracity of ways of sensing reality. In Aulicino's work, the expression of the diversity of feelings demonstrated by the persona who enlightens the "real world" is the point in which the artistic representation of what you want to express in the poetic scene happens Mestrado Teoria e Crítica Literária Mestre em Teoria e História Literária

Eu, Léo Pimentel Souto, nesta pesquisa de doutoramento, ao mesmo tempo em que, investigo meus processos criativos, crio, de modo anárquico, uma genealogia cartográfica de inteligência|open|source insurgente de minha própria poética multimídia ancestro:|:gambi[A]punk (gambiarra + anarcopunk como alternativa brasileira ao “cyberpunk”), mediante um método que torna a prática zineira (em especial anarcopunk) em um gesto zineasta meta-artístico. Gesto triplo que, ao mesmo tempo, traz o “movimento” (kinesis) como elemento de composição, a colagem como meio de construção epistemológico/artístico e o artesanal como atitude política-existencial. Genealogia anárquica cartográfica de inteligência|open|source insurgente que, assim o é por ato de quebra de “código”. Quebra para tramar, dialeticamente por meio do que nomeei de jogos de encruzilhada, auto|bio|etno|geo|gráfica. Trama, em jogo dialético, que se insurge contra as linguagens alienadas das mídias, fazendo com que minha auto|bio|etno|geo|grafia adquira um sentido muito próprio e peculiar no que diz respeito aos meus rastros genealógicos cartográficos: a [A]₦(c)[A]R(q)tØgЯ[A]ʄᴉ[A] (lê-se: anarctografia), cartografia e artografia anárquicas por descentralizarem seus elementos constitutivos e tecerem nós de criação poética entre minha história de vida voluntária (autobiografia pu₦k:|:filósϕfo, anArquista:|:herɘge, hack3r:|:amAdor e quɘer:|:aЯtificiAlis†a) e a história pegajosa de minha etnia negríndia (amálgama bastarda entre duas grandes civilizações de futuros impedidos) que me atravessa (pois antecede meu nascimento e permanecerá após minha morte) e me constitui (marcos coletivos que são reconhecidos em minha autoria) – autoetnografia como algo que me atravessa e me constitui sem a intervenção de minha vontade. Essa tessitura, [A]₦(c)[A]R(q)tØgЯÁʄᴉc[A] (\anarctográfica\), faz coincidir meus processos criativos com a construção de minha poética, ambas auto|bio|etno|geo|gráficas. E, seu modo de apresentar-se é o da composição multi|trans|midiática de um zine em campo expandido, ou seja, situado dentro da expansão da categoria zine: vídeo, música, texto, performance, remix de objetos, etc. Composição cuja expansão se move como força:|:distorsiva:|:por:|:desobediência (d²) dentre e entre mídias/suportes diversos, e ato experimental, no caso meu gesto zineasta meta-artístico, como em um experimento:|:que:|:a:|:tudo:|:se:|:põe:|:à:|:prova (↕Ǝ↔) também em campo expandido: eu (autopoiesis), obra (poiesis), público (heteropoiesis) e cosmos (multipoiesis). Em autopoiesis (eu): constituo-me como Amante da Heresia, rastros de um artista multimidiático “degenarado” a partir do que um dia se constituiu como “amigo da sabedoria” (filósofo), e hoje em relação mais promíscua com a produção de saberes e de artes: meus textos, minha escrita, palavra e pontuação tornam-se “escritoclastia” [Dᴉ₴toЯSᴉvA ʄ(Ǝip)]; minhas imagens desenhadas, fotografadas, filmadas, remixadas, tornam-se “iconofagia” [Dᴉ₴toЯSᴉvA ʄ(ɨ)]; meus audiovisuais, vídeos, filmes, tornam-se “rastros de vistas” [Dᴉ₴toЯSᴉvA ʄ(ЯѴim)]; e minhas músicas e trilhas tornam-se “ruidalização” [Dᴉ₴toЯSᴉvA ʄ(Я♫Ἶ↑)]. Autoconstituição esta cujo agir zineiro tornou-se gesto zineasta meta-artístico. Em poiesis (obra), por exemplo, a presente tese, torna-se uma Teszine. Ou seja, uma tese:|:com:|:tesão:|:em:|:ser:|:zine: que pode ser entendido como uma tese se expandindo por campos daquilo que ela não é, ao mesmo tempo, como um zine também em expansão por tudo o que não o caracterizava até então – e esta expansão em mão dupla se realizando como a força maior de um gozo. Nela, prazerosamente, tudo se distorce ao mesmo tempo em que, o distorcido, torna-se elemento de linguagem: páginas (layout), palavras (grafia e conceituação), formatação (Normas ABNT) e visualidade (relação entre texto e imagem). Em movimentos distorsivos sensuais, sinuosos pela dialética dos jogos de encruzilhada, ela torna-se: tanto experimento em si mesmo, (um zine, expandido em complexidade e profundidade, levado ao estatuto de propositor de um modo particular de investigação e abordagens intelectuais e poéticas próprias), quanto um convite para que, quem tenha contato com ela, torne-se também audiência:|:experimento:|:expandido – contemplação, ativa, labiríntica e em expansão. De aqui emerge sua heteropoiesis (público – audiência:|:experimento:|:expandido): do não-eu e da necessidade da conversação, é preciso se ter, ao menos, encaminhamentos iniciais para a melhor compreensão e fruição de minha poética-distorsiva auto|bio|etno|geo|gráfica, e, de aqui, seguirmos rumo a um debate desde processos criativos entre realizador e fruidor/a, ambos/as experimentos. Encaminhar mas sem pretender calar qualquer polifonia – ambos/as em forças distorsivas próprias. E, por fim, multipoiesis (cosmos), ou seja, a minha obra multi|trans|mídia poética|criativa|política|filosófica realizada e, todo o universo ficcional|político|existencial que ela evoca. Sua aparição fundamental cosmogônica, se dá como obra meta-artística. Esta, insurgida pelos jogos de encruzilhada entre a via da [A]₦(c)[A]R(q)tØgЯ[A]ʄᴉ[A] de minha vida, do espaço entre minha mais tenra idade de experimentos e os contornos de uma estética de ancestralidade gambi[A]punk ([A]₦c3₴tЯ0:|:g[A]mbᴉ[A]pU₦k – entendida como construção geo-histórica local de uma ficção ancestral global) e a via daquilo que chamo de m[E]t[A]²Яtᴉ₴t₳:|:da:|:ᴉ₦cƎЯt[E]ž₳ (\meta-artista da incerteza\), ou seja, a consagração de uma vida de experimentos artísticos nas mais diversas mídias, em sua prática política, ora militante, ora criativa, por um mundo melhor, e suas radicais reflexão filosóficas correspondentes. I, Léo Pimentel Souto, in this PhD research, while investigating my creative processes, I create, in an anarchic way, a cartographic genealogy of intelligence|open|source insurgent from my own multimedia poetics ancestor:|:gambi[A]punk [“gambiarra” (“do a MacGyver on something”) + anarcopunk as a Brazilian alternative to “cyberpunk”], using a method that turns zine practice (especially anarcopunk) into a meta-artistic film-zine-maker gesture. A triple gesture that, at the same time, brings “movement” (kinesis) as an element of composition, collage as a means of epistemological/artistic construction and craft as a political-existential attitude. Anarchic cartographic genealogy of insurgent|open|source|intelligence, which is so by act of breaking “code”. It breaks to plot, dialectically through what I have called crossroads games, auto|bio|ethno|geo|graphyc. Plot, in a dialectical game, that rises up against the alienated languages of the media, making my auto|bio|ethno|geo|graphy acquire a very specific and peculiar sense with regard to my cartographic genealogical traces: a [A]₦(c)[A]R(q)tØgЯ[A]₱h¥ (reads: anarchtography), anarchic cartography and artography for decentralizing their constituent elements and weaving poetic nodes between my voluntary life story (autobiography pu₦k:|:philosopher, anarchist:|:herɘge, hack3r:|:amAteur and quɘer:|:aЯtificiAlis†) and the sticky history of my black ethnicity (bastard amalgam between two great civilizations of impeded futures) that crosses me (because it precedes my birth and will remain after my death) and constitutes me (collective milestones that are recognized in my authorship) – autoethnography as something that crosses me and constitutes me without the intervention of my will. This texture, [A]₦(c)[A]R(q)tØgЯ[A]₱hᴉc (\ anarchtographic \), makes my creative processes coincide with the construction of my poetics, both auto|bio|ethno|geo|graphic. And, his way of presenting himself is that of the multi|trans|media composition of a zine in an expanded field, that is, situated within the expansion of the zine category: video, music, text, performance, remix of objects, etc. Composition whose expansion moves as a force:|:distortive:|:by:|:disobedience (d²) among and between different media/supports, and an experimental act, in this case my zineasta meta-artistic gesture, as in an experiment:|:that:|:it:|:is:|:put:|:to:|:the:|:test (↕Ǝ↔) also in expanded field: me (autopoiesis), work (poiesis), public (heteropoiesis) and cosmos (multipoiesis). In autopoiesis (I): I constitute myself as Lover of Heresy, traces of a multimedia artist “degenerate” from what was once a “friend of wisdom” (philosopher), and today in a more promiscuous relationship with the production of knowledge and the arts: my texts, my writing, words and punctuation become “scriptoclasm” [Dᴉ₴tøЯtᴉ₦g ʄ(Ǝip)]; my images drawn, photographed, filmed, remixed, become “iconophagy” [Dᴉ₴tøЯtᴉ₦g ʄ(ɨ)]; my audiovisuals, videos, films, become “trails of views” [Dᴉ₴tøЯtᴉ₦g (Яvᴉm)]; and my songs and tracks become “to noiseficate” (action of turning into noise) [Dᴉ₴tøЯtᴉ₦g ʄ(Я♫Ἶ↑). This self-constitution whose zine action has become a meta-artistic film-zine-maker gesture. In poiesis (work), for example, the present thesis, becomes a Teszine. In other words, a horny:|:thesis:|:on:|:being:|:a:|:zine: which can be understood as a thesis expanding into fields of what it is not, at the same time, like a zine also in expansion for everything that did not characterize it until then – and this two-way expansion taking place as the greatest force of enjoyment. In it, pleasantly, everything is distorted at the same time that, the distorted, becomes an element of language: pages (layout), words (spelling and conceptualization), formatting (ABNT Norms) and visuality (relationship between text and image). In sensual distorting movements, sinuous by the dialectic of crossroads games, it becomes: so much experience in itself, (a zine, expanded in complexity and depth, brought to the status of proposer in a particular way of investigation and intellectual and poetic approaches own), as well as an invitation for those who have contact with it to become an audience:|:experiment:|:expanded – contemplation, active, labyrinthine and expanding. From here emerges its heteropoiesis (audience – audience:|:experiment:|:expanded): from the non-self and the need for conversation, it is necessary to have, at least, initial directions for the better understanding and enjoyment of my poetic-distortion auto|bio|ethnic|geo|graphical, and, from here, we will proceed towards a debate from creative processes between director and user, both experiments. Forward but without intending to silence any polyphony – both in their own distorting forces. And, finally, multipoiesis (cosmos), that is, my multi|trans|poetic|creative|political|philosophical work carried out, and the entire fictional|political|existential universe that it evokes. Its fundamental cosmogonic appearance occurs as a meta-artistic work. This, insurgent by the games of crossroads between the path of the [A]₦(c)[A]R(q)tØgЯ[A]₱h¥ of my life, of the space between my youngest age of experiments and the contours of an aesthetic of gambiarra ancestry [A] punk ([A]₦c3₴t0Я:|:g[A]mbᴉ[A]pU₦k – understood as the local geo-historical construction of a global ancestral fiction) and the path of what I call it m[E]t[A]²Яtᴉ₴t:|:of:|:Ц₦cƎЯt[₳]ᴉ₦t¥ (\meta-artist of uncertainty\), that is, the consecration of a lifetime of artistic experiments in the most diverse media, in its political practice, now militant, now creative, for a better world, and its corresponding radical philosophical reflections. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Este texto integra uma pesquisa em artes visuais voltada ao atravessamento espacial enquanto objeto de estudo e conceito operatório. Refere-se a uma poética conduzida em diferentes linguagens artísticas, contextos de inserção e aportes teóricos, atenta a fluências de passagem, a circuitos de entrada e de saída. Sob o signo do atravessamento, o processo criativo alcança múltiplos espaços, impregnando-se de variações atmosféricas. No intuito de tornar tangível e movente tal assunto de pesquisa, seu desenvolvimento perpassa quatro lócus de criação, alusivos a instâncias e situações práticas: Espaço Mental, Sala Fechada, Zona de Passagem e Área Aberta. Os tipos de espaço são apresentados em quatro cadernos-seção, os quais evocam condições de atividade e tópicos relacionados a cada circunstância de contato. Para tanto, a metodologia de investigação considera particularidades da condução criativa, consoante às bases da poiética e da cartografia, além de experimentar associações e recursos favoráveis ao atravessamento. Em cursividade indisciplinar, vinte e seis proposições inéditas foram concebidas ao longo da investigação, envolvendo ensaios gráficos, diagramas elétricos, sinais para ambientes fechados, intervenções ao ar livre, distorções imagéticas e a produção de pulsos energéticos que realmente atravessam as paredes do recinto expositivo. Junto aos resultados poéticos, encontros com saberes das artes, filosofia e ciências compõem os cadernos-seção, destacando perspectivas do pós-estruturalismo e da fenomenologia bem como discussões sobre matéria e imaterialidade, crítica instituinte e táticas cotidianas. Como abertura de um fazer artístico empenhado em pensar e praticar dinâmicas de passagem, a presente tese tanto evidencia os componentes de seu processo quanto redige considerações sobre os limites e excedentes do visível, autonomia técnica e trânsitos coextensivos entre criação e entorno. This text integrates a visual art-based research focused on spatial traversing as an object of study and operative concept. It refers to a poetics conducted in different artistic languages, contexts of insertion and theoretical contributions, with attention to passing fluences, through entrance and exit circuits. Under the sign of traversing, the creative process reaches multiple spaces, impregnating itself with atmospheric variations. In order to make this research subject tangible and moving, its development spans four locus of creation, alluding to practical instances and situations: Mental Space, Closed Room, Passing Zone and Open Area. The types of space are presented in four notebook-sections, which evoke conditions of activity and topics related to each circumstance of contact. To this purpose, the research methodology considers particularities of creative conduct, depending on the bases of poïétique and cartography, in addition to experimenting with associations and favorable resources to the traversing practice. In indisciplined cursivity, twenty-six unprecedented propositions were conceived throughout the investigation, involving graphic essays, electrical diagrams, indoor signs, outdoor interventions, distorted images and the manufacture of devices that actually traverse the walls of the exhibition space. Along with the poetic results, encounters with arts, philosophy and sciences knowledge compose the notebook-sections, emphasising perspectives of post-structuralism and phenomenology as well as discussions on matter and immateriality, instituent criticism and everyday tactics. As an opening to an artistic practice committed to thinking and practicing dynamics of passage, this thesis highlights the components of its process and writes considerations about the limits and surpluses of the visible, technical autonomy and co-extensive transits between creation and environment.

Orientador: Márcio Donato Périgo Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Através da gravura em relevo em cores e da técnica da quadricromia, produzi uma série de trabalhos em que a construção da cor figura como elemento central. A série de gravuras é composta por sete imagens principais, trabalhadas a partir de registros fotográficos, as quais se desdobram em variações tonais, de matiz, saturação e luminosidade, durante o processo de impressão das mesmas. A manipulação da imagem através da gravação das matrizes e das cores através da impressão, com as características de procedimento da xilogravura, despertou uma série de questionamentos, e alguns deles são desenvolvidos na presente tese. Muitas dessas questões me acompanham desde o período da pesquisa em mestrado, quando trabalhava com pintura. A transposição de assuntos de uma técnica para outra, observando quais características se preservam, quais perseveram, e quais mudanças ocorrem, também possibilitou uma série de reflexões sobre a poética visual que estou desenvolvendo, e também sobre uma possível área de intersecção entre os procedimentos pictóricos e gráficos no estudo da cor Abstract: I have produced several four-color relief printing series of works, in which the construction of color is the central matter. These series of prints were developed through the printing process, where I have explored the variations of tone, hue, saturation and luminosity of seven main images, obtained from photographic records. The image manipulation acquired through the engraving process of the matrices and the color manipulation obtained through the printing process were the starting points to a series of questions that are being presented in this thesis. Many of these issues were already present in my painting researches since my Master's period. The transposition of subjects from one technique to another made me observe which features are preserved and which changes occur. It also made possible to reflect about the development of my own visual poetics, and a possible intersection area between the pictorial and the graphic procedures in the color study Doutorado Artes Visuais Doutor em Artes

Submitted by Simone Maisonave (simonemaisonave@hotmail.com) on 2020-09-30T01:03:20Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_Mirna_Xavier_Goncalves.pdf: 2918158 bytes, checksum: be34dfd74b62234b1ea89d04eaf7690e (MD5) Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2020-10-06T01:26:20Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertacao_Mirna_Xavier_Goncalves.pdf: 2918158 bytes, checksum: be34dfd74b62234b1ea89d04eaf7690e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Made available in DSpace on 2020-10-06T02:00:31Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertacao_Mirna_Xavier_Goncalves.pdf: 2918158 bytes, checksum: be34dfd74b62234b1ea89d04eaf7690e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2020-08-12 Sem bolsa O tarô com suas cartas envoltas em mitos, narrativas e símbolos são parte do mistério que anima esta pesquisa. A motivação busca desvendar processos criativos e envolve questões que permearam meu cotidiano como pesquisadora imersa no campo da arte – e como taróloga. Utilizando as cartas como conceitos, este trabalho se volta à memória e ao trabalho de outros artistas e pesquisadores – passando por Aby Warburg, Lygia Clark, Hélio Oiticica e outros – para elaborar uma parceria entre estas cartas seculares e a contemporaneidade. O estudo combina dispositivos autorais para entabular as relações; cartas, mapas, desenhos e obras formam um texto visual, conforme o Atlas Mnemosyne de Warburg, que funda a tríade mito-tarô-arte. The tarot, its cards wrapped in myth, stories and symbols, are the background of this research, that reaches for the questions that permeated my daily life as a student, researcher and as well as a tarologist. Using the cards as concepts, this work turns itself towards memory and to the works of other artists and art researchers (such as Aby Warburg, Lygia Clark, Helio Oiticica and others) in order to elaborate a fellowship between these ancient cards and contemporaneity. This study also proposes a visual collection in order to externalize these visual relationships, aiming to grasp the concept of Atlas, brought to life by Warburg, to complete the triad myth-tarot-art in a way that correlates the image and the content introduced by this dissertation.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Desc-Arte is a research in Visual Arts, whose realization process combines photography, video and installation, and aims to question the discard through artistic creation, in order to sensitize through the photographic reframed and to verify how it is discard out in Santa Maria RS. The transmutation of objects without art in art has existed since Marcel Duchamp, and has become an unavoidable reality in the contemporary practice of art. Therefore, Desc-Arte proposes a work that questions and sensitizes, in the expectation of provoking the awareness of a sustainable practice in relation to what is consumed and rejects, particularly, in this locality. Art, because it is aesthetic, is also political and lends itself to artistic practice and theoretical formalization about disposal. In this sense, centralizing the present work as a means of resignifying the gaze from the discard opportunistizes the transmutation of this object without art to the art that this project sustains. For that, re-signifying the discarded objects through the look of the image as a poetry that transforms makes the insignificance given to the discard a means of raising awareness of the recurring problem in today's society. To this end, works by renowned artists and authors, through which the issue of disposal in Santa Maria was addressed, and in authors of photography and art who contribute to clarify the issues support it. Questioning what it means to give visibility to what seems insignificant to many and to see how the public power of this locality treats the problem were goals followed with intensity. Sustaining the path is the question: would art not contain the necessary contents capable of sensitizing and raising awareness of entire layers of society that discards and, at the same time, becomes a victim of its own acts? Desc-Arte é uma pesquisa em Artes Visuais, cujo processo de realização conjuga fotografia, vídeo e instalação, e tem como objetivo questionar o descarte através da criação artística, no intuito de sensibilizar através do olhar fotográfico ressignificado e de verificar como ele é realizado em Santa Maria, RS. A transmutação dos objetos sem arte na arte existe desde Marcel Duchamp e se tornou uma realidade incontornável na pratica contemporânea da arte. Portanto, Desc-Arte propõe um trabalho que questiona e sensibiliza, na expectativa de provocar a conscientização de uma prática sustentável em relação ao que se consome e rejeita, particularmente, na localidade citada. A arte, por ser estética, é também política e se presta à prática artística e à formalização teórica sobre o descarte. Nesse sentido, centralizar o presente trabalho como meio de ressignificação do olhar a partir do descarte oportuniza a transmutação desse objeto sem arte para a arte que este projeto sustenta. Para tanto, ressignificar pelo olhar da imagem os objetos descartados como poética que transforma faz da insignificância dada ao descarte um meio de conscientização do problema recorrente na sociedade atual. Esta pesquisa centrada no descarte através da arte abre pistas interessantes e necessárias que permitem pensar, conscientizar e agir para o bem comum na sociedade santa-mariense, ainda carente de ações sustentáveis nesse quesito. Para tanto, sustenta-se com obras de artistas renomados e autores, através dos quais foi abordada a questão do descarte em Santa Maria, e em autores da fotografia e da arte que contribuem para esclarecer as questões abordadas. Questionar o que significa dar visibilidade ao que parece insignificante para muitos e verificar como o poder público desta localidade trata o problema foram metas seguidas com intensidade. Sustentando o percurso fica a pergunta: não conteria a arte os conteúdos necessários capazes de sensibilizar e conscientizar camadas inteiras da sociedade que descarta e, ao mesmo tempo, torna-se vítima de seus próprios atos?

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa pretende evidenciar uma relação de desdobramento na produção abstrata do século XX a partir do enfoque de três artistas em campos distintos: Piet Mondrian (1872-1944) na pintura, Alexander Calder (1898-1976) na escultura e Hélio Oiticica (1937-1980) com uma proposta híbrida de caráter participativo do espectador. Apesar da notável importância à cor que cada um destes artistas confere à sua produção, o ritmo é o elemento fundamental deste estudo, sendo aquilo que se transforma e altera a abordagem do espectador com a obra de arte. Em Mondrian, o ritmo se apresenta através de sugestão, num jogo de cores e formas na tela que traz dinamismo aos olhos de quem a aprecia; em Calder, o caráter cinético de sua obra faz com que as estruturas se reorganizem a cada momento, num ritmo que se concretiza no tempo; em Oiticica, a obra não existe enquanto a participação do público não se efetiva, num ritmo ditado pela experiência participativa. O que busca este estudo, portanto, é evidenciar que nos três casos existe uma linha similar no que diz respeito à exploração significativa de cores e formas que conquista e configura novas possibilidades de apresentação. De forma a complementar estes pontos, a pesquisa analisa, também, dados sobre o papel que a teorização do fazer artístico ocupa para cada um dos artistas selecionados, apoiando-se no conceito de "obra aberta" de Umberto Eco para evidenciar de que modo seu incomum gênio ao mesmo tempo apolíneo e dionisíaco, bem como a valorização de aspectos racionais e intuitivos, potencializa sua obra Abstract: The present study intends to showcase an unfolding relation in the abstract art of the twentieth century, focusing on three artists in different fields: Piet Mondrian (1872-1944) in painting, Alexander Calder (1898-1976) in sculpture and Hélio Oiticica (1937-1980) in an interactive hybrid proposition. Despite the remarkable emphasis on color that each of these artists puts in their artwork, rhythm and its new explorations are the transformative elements in this dissertation. In Mondrian’s artistic production, rhythm presents itself through a suggestive interaction of colors and shapes on canvas; in Calder’s, there is actual rhythm in the kinetic structure that is constantly reorganizing the figures; in Oiticica’s, the rhythm is dictated by an effective interaction between artwork and beholder. What this study seeks, therefore, is to demonstrate that in all three cases there is a similar line regarding the exploration of colors and shapes, with each artist arranging new possibilities to present their artwork and to expand the viewer’s perception of the piece. In order to complement these points, this dissertation also analyzes the importance of artistic theory for each of these artists, while it relies on Umberto Eco’s "open work" concept to showcase how their unusual genius, both Apollonian and Dionysian, as well as the appreciation of rational and intuitive aspects, potentiates their artwork Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Ivanir Cozeniosque Silva Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A presente pesquisa em poéticas visuais articula questões provenientes de minha prática artística com xilogravuras desde os tempos da graduação em artes plásticas, associadas ao desenvolvimento de uma produção textual. Considerando os procedimentos relativos à xilogravura e à pintura, explorou-se o trânsito entre eles a partir da noção de hibridismo entre as linguagens. Investigam-se as possibilidades do diálogo entre procedimentos gráficos e pictóricos, e, também, por meio desses processos, buscou-se relacionar meu processo de criação com conceitos que deles emergem, como o tempo e a memória. Tendo a paisagem como base empírica da produção visual, apresenta-se a relação entre gravuras e fotografias, a fim de observar como ela promove convergências e divergências no percurso do fazer. Além disso, o presente estudo também propõe aproximar-se da produção de artistas contemporâneos que experimentam essas formas de expressão, testando seus limites, no intuito de articular referenciais da História da arte, da fenomenologia e da fotografia, entre outros. Entrevistas com artistas brasileiros foram realizadas para compor um memorial, no qual procuro compreender vestígios de seus processos criativos e relações possíveis na construção de minhas imagens. Palavras-chave: poéticas visuais; xilogravura; pintura; fotografia; processo criativo Abstract: This research in visual poetics articulates issues from my artistic practice with woodcut dating back from the time of graduation in arts, associated, now, with textual production. Considering the procedures related to woodcut and painting, the transit between them was explored from the notion of hybridism between languages. The dialogue possibilities between graphic and pictorial procedures are investigated, and, through those processes, a relation was stablished between my creation process and concepts that emerge from those; such as time and memory. With the landscape as the empirical basis of visual production, the relation between printmakings and photographs are presented, in order to observe how that promotes convergences and divergences in the course of doing. In addition, the present study also proposes to approach the production of contemporary artists who try those forms of expression, testing their limits, in order to articulate references of Art history, phenomenology and photography, among others. Interviews with Brazilian artists were conducted, aiming to compose a memorial, in which I seek to understand traces of their creative processes and possible relations in the construction of my images. Keywords: visual poetics; woodcut; painting; photography; creative process Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

This work arises from the experience of teaching practice and theoretical studies developed over the years with the literary text, specifically, visual poetics. In this investigation, we sought to disseminate this poetics and, within this vast universe, we chose Augusto de Campos. Thus, this research, besides crediting visibility to the mentioned poet, approaches the possibility of the study of the visual poetics and its relations with the diverse media. For the appreciation of the poems in the lines of this study, we seek to broaden our discussion, which seeks to observe the dialogues between Augusto de Campos intermedia visual poetry and literature teaching, especially in contemporary times, whose readers are born in the primacy of multimedia communication. Our general objective was therefore to establish an investigative and dialectical approach to the experimental poetics of Augusto de Campos with the teaching of literature today, based on the critical study of intermedia poems, using the concepts extracted from the General Theory of Signs, by Charles Sanders Peirce. In the objectives of a more specific nature, we discuss about Concretism and the experimental poetry of Augusto de Campos and his literary contributions; we point out the mode of semiotic attribution and intermedia relations and their transfigurations and creative combinations with other systems, in a corpus composed of five poems: Poema-bomba, Cidade, SOS, Greve, Criptocardiograma. In the meantime, we analyze the subsidies of this experimental poetry leveraged by technological digital media for the teaching of literature, considering a broader conception of text in consonance with a society where technology advances gradually. The research is qualitative, bibliographic and exploratory, descriptive and explanatory of critical and theoretical studies. The research is qualitative, bibliographic and exploratory, descriptive and explanatory of critical and theoretical studies. Our theoretical contribution included studies by Peirce (1975, 2005), Campos (1975, 1986, 2017, 2018, among others), Nöth (1996, 1997), Plaza (2003), Pignatari (1975, 1979; Santa Clara (2014) and Dick Higgins (1984), Lajolo (2001, 1984), Pinheiro (2002), Colomer (2007), Ferraz Júnior (2004, 2005, 2014, 2017), among others. The assessment also included the Base Nacional Comum Curricular, High School Phase, BNCC (2017, 2018), Referenciais Curriculares para o ensino médio na Paraíba (2006) and the Orientações Curriculares Nacionais para o ensino médio (2006) (2006), which subsidize teaching in Brazil. In addition, we applied a semistructured interview with the poet Augusto de Campos, which dealt with the legacy of Concretism in Brazil, its poetic course, the approaches of experimental texts in basic education and the new projects as author. We construct not only a description and analysis, but also seek to promote discussions about a reading experience in a specific sociocultural set that gains more relevance in a contemporary context. RESUMÉN. Este trabajo surge a partir de la vivencia de la práctica docente y de estudios teóricos desarrollados a lo largo de los años con el texto literario, específicamente, las poéticas visuales. En esa investigación, procuramos divulgar esa poética y, dentro de ese vasto universo, elegimos Augusto de Campos. Así, esa investigación, además de creditar visibilidad al poeta mencionado, aborda la posibilidad del estudio de las poéticas visuales y sus relaciones con los diversos medios. Para la apreciación de los poemas en los lecamentos de ese estudio, buscamos ampliar nuestra discusión, que busca observar los diálogos entre la poética visual intermedia de Augusto de Campos y la enseñanza de literatura, especialmente en la contemporaneidad, cuyos lectores nacen en el primado de la comunicación multiidiática. Nuestro objetivo general fue, por lo tanto, establecer un enfoque investigativo y dialéctico de la poética experimental de Augusto de Campos con la enseñanza de literatura en la actualidad, a partir del estudio crítico de poemas intermedia, utilizando los conceptos extraídos de la Teoría General de los Signos, de Charles Sanders Peirce. En los objetivos de naturaleza más específica, discutimos acerca del Concretismo y de la poesía experimental de Augusto de Campos y sus contribuciones literarias; y en el corpus compuesto por cinco poemas: Poema-bomba, Cidade, SOS, Greve, Criptocardiograma. En el ínterin, analizamos los subsidios de esa poesía experimental potencializada por los medios digitales tecnológicos para la enseñanza de literatura, considerando una concepción más amplia de texto en consonancia con una sociedad donde la tecnología avanza gradualmente. La investigación se configura cualitativa, bibliográfica y exploratoria, descriptiva y explicativa de estudios críticos y teóricos. Nuestro aporte teórico contó con los estudios de Peirce (1975, 2005), Campos (1975, 1986, 2017, 2018, among others), Nöth (1996, 1997), Plaza (2003), Pignatari (1975, 1979; Santa Clara (2014) y Dick Higgins (1984), Lajolo (2001, 1984), Pinheiro (2002), Colomer (2007), Ferraz Júnior (2004, 2005, 2014, 2017), entre otros. La apreciación transcurrió por la Base Nacional Comum Curricular, Etapa secundaria, BNCC (2017, 2018), por los Referenciais Curriculares para o ensino médio na Paraíba (2006) y por las Directrizes Curriculares Nacionais para o ensino médio (2006), que subsidian la enseñanza en el Brasil. Además, aplicamos una entrevista semiestructurada con el poeta Augusto de Campos, que versó sobre el legado del Concretismo en Brasil, su recorrido poético, los enfoques de textos experimentales en la educación básica y los nuevos proyectos como autor. Construimos no sólo una descripción y análisis, pero también buscamos promover discusiones sobre una experiencia de lectura en un conjunto sociocultural específico que gana mayor relevancia en el contexto contemporáneo. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Este trabalho surge a partir da vivência da prática docente e de estudos teóricos desenvolvidos ao longo dos anos com o texto literário, especificamente, as poéticas visuais. Nessa investigação, procuramos divulgar essa poética e, dentro desse vasto universo, elegemos Augusto de Campos. Assim sendo, essa pesquisa, além de creditar visibilidade ao poeta mencionado, aborda a possibilidade do estudo das poéticas visuais e suas relações com as diversas mídias, como o vídeo e o computador. Para a apreciação dos poemas nos liames desse estudo, buscamos ampliar nossa discussão, que procura observar os diálogos entre a poética visual intermídia de Augusto de Campos e o ensino de literatura, especialmente na contemporaneidade, cujos leitores nascem no primado da comunicação multimidiática. Nosso objetivo geral foi, portanto, estabelecer uma abordagem investigativa e dialética da poética experimental de Augusto de Campos com o ensino de literatura na atualidade, a partir do estudo crítico de poemas intermídia, utilizando os conceitos extraídos da Teoria Geral dos Signos, de Charles Sanders Peirce apontando caminhos de estudo dos textos. Nos objetivos de natureza mais específica, discutimos num primeiro momento acerca do Concretismo e da poesia experimental de Augusto de Campos e suas contribuições literárias; Num segundo momento, apontamos o modo de atribuição semiótica e relações intermídia e suas transfigurações e combinações criativas com outros sistemas, num corpus composto por cinco poemas: Poema-bomba, Cidade, SOS, Greve, Criptocardiograma. E num terceiro momento, nesse ínterim, analisamos os subsídios dessa poesia experimental potencializada pelas mídias digitais tecnológicas para o ensino de literatura, considerando uma concepção mais ampla de texto em consonância com uma sociedade onde a tecnologia avança gradativamente. A pesquisa se configura qualitativa, bibliográfica e exploratória, descritiva e explicativa de estudos críticos e teóricos. Nosso aporte teórico contou com os estudos de Peirce (1975; 2005), Campos (1975; 1986; 2017; 2018, entre outros), para delinear acerca da poética visual; Nöth (1996;1997), Plaza (2003), Pignatari (1975;1979;1987), Santaella (1986; 1992; 1995; 2000; 2004), Ferraz Júnior (2004; 2005; 2014; 2017), Claus Clüver (2014) e Dick Higgins (1984), para discutir sobre intermidialidade e Semiótica e, por fim, Lajolo (2001; 1984), Pinheiro (2002), Colomer (2007), entre outros para debater ensino de literatura. A apreciação transcorreu ainda pela Base Nacional Comum Curricular, Etapa ensino médio, BNCC (2017, 2018), pelos Referenciais Curriculares para o ensino médio na Paraíba (2006) e pelas Orientações Curriculares Nacionais para o ensino médio (2006), que subsidiam o ensino médio no Brasil. Além disso, aplicamos uma entrevista semiestruturada com o poeta Augusto de Campos, que versou sobre o legado do Concretismo no Brasil, seu percurso poético, as abordagens de textos experimentais na educação básica e os novos projetos enquanto autor. Construímos não apenas uma descrição e análise, mas também buscamos promover discussões sobre uma experiência de leitura num conjunto sociocultural específico que ganha maior relevância em contexto contemporâneo.

My art research revolves around my intimate landscapes, my body landscape. Everything is a tangle about the main issues that guide my artistic production from 2016 to 2018. A survey of plantations on the landscape, of my seed-body that wants to grow here, and of the earth-world I inhabit, besides the desire to germinate in the landscape, interweaving this network.Throughout the text, I try to reflect on the forces that affect my works of art and my process of creation, exploring my relationship with the inside and the outside of myself, knowing myself as places. From the field of Visual Poetics, I entwine theory and experience in order to understand a little of what moves me. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES A minha pesquisa gira em torno das minhas paisagens íntimas, meu corpo paisagem. Tudo é um emaranhado acerca das principais questões que norteiam minhas obras “Fluxus” e “Fios da memória”. Uma pesquisa feita de plantios sobre a paisagem, do meu corpo-semente que aqui se quer gestar e do mundo-terra que habito, além do desejo de germinar na paisagem, entrelaçando essa rede. Procuro ao longo do texto refletir sobre as forças que afetam as minhas obras de arte e o meu processo de criação, a exemplo da entropia, explorando a minha relação com o interior e o exterior de mim, me sabendo lugares. A partir do campo das Poéticas Visuais, entrelaço teoria e experiência, a fim de entender um pouco do que me move.

O artigo apresenta uma reflexão acerca da produção de imagens em um contexto pós-digital, abordando a influência das tecnologias digitais em práticas artísticas artesanais. Por um lado, as produções em arte desde a modernidade têm evidenciado sobreposição de procedimentos e técnicas, apropriações, ampliação das linguagens e hibridismos. Por outro lado, a popularização das tecnologias digitais e a incorporação dessas em larga escala faz com que a presença das mesmas em etapas nos processos artísticos aconteça de forma naturalizada, mesmo naqueles que não têm as tecnologias como questão central de investigação. Conclui-se que as mudanças ocorridas por meio da naturalização das tecnologias digitais em nosso cotidiano e a forma como estas estão nos afetando atualmente, oferecem um novo olhar às estratégias utilizadas pelos artistas e colocam ainda novos problemas a eles.Abstract The article presents a reflection about the production of images in a post-digital context, addressing the influence of digital technologies on artisanal artistic practices. On the one hand, the productions in art since the modernity have evidenced overlapping of procedures and techniques, appropriations, amplification of languages and hybridity. On the other hand, the popularization of digital technologies and the incorporation of these on a large scale makes their presence in stages in the artistic processes happen in a naturalized way, even in those which do not hold the technologies as a central research question. We conclude that the changes that have taken place through the naturalization of digital technologies in our daily lives, and the way they are currently affecting us, offer a new look at the strategies used by artists and pose new problems for them.

El presente artículo refleja desde el marco de la globalización las nefastas políticas de inmigración practicadas en Europa a través del film Jupiter's Moon (Kornél Mundruczó, 2017), que se postula como una denuncia social implícita contra las agresivas actuaciones del gobierno húngaro en su intervención, harto violenta, contra los refugiados sirios. Mediante un relato ficcional, la película reconstruye por analogía esa sociedad, y añade un poderoso discurso metafórico al que incorpora elementos fantásticos, no exentos de aliento poético. Todo ello comporta una acción enunciativa que pone en evidencia el propio discurso y mantiene vigilante la posición espectatorial, que deviene crítica. Esta capacidad de los textos de ficción para producir discursos sobre la realidad más inmediata no solo les permite desarrollar una acción informativa, sino que, en muchas ocasiones, precisamente por la conciencia crítica del espectador, apuntan en su fruición hacia la reflexión y la acción moral sobre sus entornos. Desde este punto de vista, la metáfora es una fuente inagotable de recursos discursivos y aquí, en concreto, nos ha servido para remitirnos a la problemática social de la inmigración. This article focuses the nefarious immigration policies performed in Europe from the perspective of globalization the social complaint through the film Jupiter's Moon (Kornél Mundruczó, 2017), which is running against the aggressive actions of the Hungarian government, known to intervene in a very violent way against Syrian refugees. Through a fictional story, the film reconstructs, by analogy, that society and it adds a powerful metaphorical discourse where it incorporates fantastic elements, not lacking from poetic encouragement. All this entails an enunciating action, that highlights the discourse itself and keeps the spectatorial position watchful, becoming critical. This ability of fiction texts to produce discourses on the most immediate reality, it doesn't just allow them to develop an informative action but, on many occasions, precisely because of the critical awareness of the spectator, in his joy, they point towards reflection and moral action on their environments. From this point of view, metaphor is an inexhaustible source of discursive resources, and here, in particular, it has been useful to us to refer to the social problems of immigration.

El presente artículo refleja desde el marco de la globalización las nefastas políticas de inmigración practicadas en Europa a través del film Jupiter's Moon (Kornél Mundruczó, 2017), que se postula como una denuncia social implícita contra las agresivas actuaciones del gobierno húngaro en su intervención, harto violenta, contra los refugiados sirios. Mediante un relato ficcional, la película reconstruye por analogía esa sociedad, y añade un poderoso discurso metafórico al que incorpora elementos fantásticos, no exentos de aliento poético. Todo ello comporta una acción enunciativa que pone en evidencia el propio discurso y mantiene vigilante la posición espectatorial, que deviene crítica. Esta capacidad de los textos de ficción para producir discursos sobre la realidad más inmediata no solo les permite desarrollar una acción informativa, sino que, en muchas ocasiones, precisamente por la conciencia crítica del espectador, apuntan en su fruición hacia la reflexión y la acción moral sobre sus entornos. Desde este punto de vista, la metáfora es una fuente inagotable de recursos discursivos y aquí, en concreto, nos ha servido para remitirnos a la problemática social de la inmigración. This article focuses the nefarious immigration policies performed in Europe from the perspective of globalization the social complaint through the film Jupiter's Moon (Kornél Mundruczó, 2017), which is running against the aggressive actions of the Hungarian government, known to intervene in a very violent way against Syrian refugees. Through a fictional story, the film reconstructs, by analogy, that society and it adds a powerful metaphorical discourse where it incorporates fantastic elements, not lacking from poetic encouragement. All this entails an enunciating action, that highlights the discourse itself and keeps the spectatorial position watchful, becoming critical. This ability of fiction texts to produce discourses on the most immediate reality, it doesn't just allow them to develop an informative action but, on many occasions, precisely because of the critical awareness of the spectator, in his joy, they point towards reflection and moral action on their environments. From this point of view, metaphor is an inexhaustible source of discursive resources, and here, in particular, it has been useful to us to refer to the social problems of immigration.

O principal objetivo desta pesquisa é produzir um documentário, que tenha como tema a experiência dos participantes do movimento estudantil, no âmbito da UFG entre os anos de 1979 e 1985, período final da ditadura militar brasileira. Aquele documentário foca as reações a imagens produzidas sobre e pela juventude estudantil universitária da UFG naquela época. O documentário também lida com material de pesquisa documental escrita e iamgética. Buscamos construir uma trilha sonora original e também gerada por processo de sampling, ou seja, remontagem de material sonoro existente. A trilha sonora é elemento de expressão e posicionamento político. Procuramos situar o contexto histórico daquelas vivências e propor, para o ãmbito deste trabalho, questões e problemas da relação entre imagem e memória. Este trabalho propõe também três novas categorias descritivas, nomeadas de rede rizonômica de micro poderes, visagem e acreção simbólica The main objective of this research is to produce a documentary that has as theme the experience of the participants in the studente movement, in UFG context, between 1979 and 1985, the last moments of Brazilian military dictatorship. That documentary focuses on reaction to images produced about and by youth college students at that time. The documentary will also deal with research of images and material documents. We will try to build an original soundtrack also genereted by sampling process, that is, sound reassembly of existing material. The soundtrack will be an element of expression and politica ideology. This work also proposes three new descriptive categories: micro power rizonomic network, visagem and symbolic accertion. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG

ste texto é uma reflexão que integraliza meu processo poético e de pesquisa e que tem por objeto a criação de um pensamento visual através da investigação dos processos de produção de gravuras relacionados à lembrança, à saudade e às memórias afetivas que se acumulam e se apagam durante nossas vidas. São fundamentais em minha pesquisa as imagens dos álbuns de família, as coleções de guardados pessoais, os objetos de uso cotidiano e as ferramentas de oficio. Impressões e matrizes podem ser objetos carregados de memória, e seu processo de gravação e impressão resulta rico em vestígios, rastros, restos, acúmulos, texturas, fantasmagorias e apagamentos. Neste contexto compartilho como a minha experiência durante o processo da experimentação da produção de gravuras foi parte integrante na ressignificação de conteúdos e produção artística. This text is a reflection of my research and poetic process that aims at the creation of a visual way of thinking through the investigation of the processes of production of engravings related to “saudade” and affective memories that are accumulated and fade during our lives. Images of family albums, collections of personal belongings, everyday objects and craft tools are important in my research. Imprints and printing plates can be objects loaded with memory, where their engraving process is rich in traces, accumulations, textures, phantasmagoria and blur. In this context I share how my experience during the process of experimenting with the production of engravings was an integral part of the re-signification of contents and artistic production

The paper explores various elements of the visual poetics of “A Little Life” by Hanya Yanagihara, a contemporary American novel writer. Ekphrastic descriptions prevail in the text and take part in multiple ways of the text’s integrity. On the one hand, they enable to create the atmosphere of the American art life of the XX-XXI cent. On the other, they are to provoke the exposure of the protagonist's hidden memories and in such a way to develop the plot. Visual and photographic images turn out to be the kind of assemblage, which configures the evidences of poignant experience of the protagonist (punctum) around lines of novel’s confessional and existential themes. The objectification of the subject, experience, and body is also among the functions of visual artifacts. Apart from this, the vulnerability, being captured in the picture or photo, destroys the well-done narrative about the Self, reveals the repressed memories and painful experience and allows a reader to get beyond what has been said. In addition, the spatial frame of the novel can be easily visualized in the protagonist's circular route through the streets of New York and relates to trauma relapse. Construction and subsequent deconstruction of the places of safety and the new successful life story of the protagonist is the other way of discovering the Self and the inescapability of traumatic experience.

The essay that follows brings the experience of the artist in conducting a search in Visual Poetics and emphasizes their methodological choices. The research highlighted the links established during the process of creating artwork, seeking to maintain a close relationship with the textual production, research attribute. Radical in its dialectic, the course generated multiple contamination between theory and practice relying on authors who inaugurated the field of poetics as a philosophy of creation, namely, Paul Valéry and René Passeron. These authors, and others that followed him, showed the possibility of processes and actions, related to artistic practice, find their space among academics and so cause markedly innovative and profitable detours. O ensaio que segue traz a experiência da artista na realização de uma pesquisa em Poéticas Visuais e enfatiza as suas escolhas metodológicas. A pesquisa salientou os vínculos estabelecidos durante o processo de criação de trabalhos artísticos, buscando manter uma relação de proximidade com a produção textual, sendo esta relação um atributo da pesquisa. Radical em sua dialética, o percurso gerou múltiplas contaminações entre teoria e prática apoiando-se em autores que inauguraram o campo da Poética, como filosofia da criação, na Universidade, a saber, Paul Valéry e René Passeron.Tais autores, e outros que os seguiram, mostraram a possibilidade de processos e ações, vinculados ao fazer artístico, encontrarem seu espaço entre os acadêmicos e assim provocarem desvios de rota marcadamente inovadores e profícuos.

This proposal in Visual Poetics, developed in the line of research in Art and Visuality, investigates the language of painting and its relationship in the contemporaneity about the transitory aspects, ephemerals and duration, taking into account the symbolic image of the cactus. The object of study occurs through pictorial [de]constructions that provide a visual transformation indicating the passage of time with the performance (or not) of mechanisms or devices that interfere in the physical appearance of the painting, and at the same time, these ones need the accompaniment (attendance) of the process by the action of the artist together at the work. The research period was between 2013 and 2014 and took into account the artistic practices along with the theoretical reflections about the route of my creative process. The acquired results of the research are made up of a succession of stages or different transient pictorial phases that characterize the visuality of poetics. The writing that is said in this dissertation follows arranged by two parts. The first one deals with the [de]construction of poetic with emphasis on the work Inconstant States (2013), respectively, presenting the process of steps, experiments, materials, techniques and even how occurred the idea (research design). Finally, the second part, deals with the extension of poetic starting from the perspective of the deployment of other relevant studies that discuss and deepen this research in Visual Arts. Essa proposta em Poéticas Visuais, desenvolvida na linha de pesquisa em Arte e Visualidade, investiga a linguagem da pintura e suas relações na contemporaneidade sobre aspectos transitórios, efêmeros e de duração, levando em conta a imagem simbólica do cacto. O objeto de estudo dá-se por meio de [des]construções pictóricas que apresentam uma transformação visual indicando a passagem do tempo com a atuação (ou não) de mecanismos ou dispositivos que interfiram na aparência física da pintura, sendo que ao mesmo tempo, estas necessitam do desvelamento (acompanhamento) do processo pela ação do artista junto ao trabalho. O período de investigação ocorreu entre 2013 e 2014 e levou em consideração as práticas artísticas juntamente com as reflexões teóricas acerca do percurso do meu processo criativo. Os resultados obtidos na investigação constituem-se de uma sucessão de etapas ou distintas fases pictóricas transitórias que caracterizam a visualidade da poética. A escrita que consta nesta dissertação segue disposta por meio de duas partes. A primeira trata da [des]construção da poética com ênfase na obra Estados Inconstantes (2013), respectivamente, apresentando o processo das etapas, dos experimentos, dos materiais, das técnicas e inclusive de como surgiu a ideia (concepção da pesquisa). Por último, a segunda aborda a extensão da poética partindo pelo viés do desdobramento de outros trabalhos relevantes que discutem e aprofundam essa investigação em Artes Visuais.

A pesquisa teórico-poética descrita aqui aborda o corpo feminino deseducado como espaço político de resistência frente à regulamentação institucional dos corpos. Através da criação da performance “Pagando Calcinha” e de seus registros visuais e audiovisuais são abordadas, direta ou indiretamente, questões relacionadas à performatividade de gênero, circuitos regulatórios do corpo feminino e sua profanação, corpo como suporte e como objeto de arte, fotografia e vídeo como registros de ação artística e como obras autônomas, dentre outros assuntos, visando compreender o extenso campo de discussão sobre o tema. Em seus objetivos, busca a verificação da emergência do corpo enquanto tema de estudo no campo das artes integradas no século XX com enfoque na produção de artistas mulheres a partir da segunda metade do século passado; a compreensão dos conceitos de normatização, disciplina e resistência em Michel Foucault e profanação em Giorgio Agambem. Busca ainda a pesquisa das especificidades técnicas, conceituais e estéticas da fotografia e do vídeo enquanto registros documentais da performance; e também a análise dos aspectos formais, contextuais e conceituais de obras artísticas e artefatos culturais relacionados ao corpo político e discursivo e às artes do corpo (performance e body art). A metodologia empregada é a Pesquisa em Poéticas Visuais/Pesquisa em Arte, orientada pelo percurso criativo, através da abordagem do objeto artístico a partir de uma reflexão sobre o processo de criação. Nesse sentido, a pesquisa se concentrou em torno do fazer artístico como fonte de discussão prática, buscando experimentações e desdobramentos na produção poética através de linguagens híbridas. The theoretical-poetics research described here addresses the uneducated female body as a political resistance against the institutional regulatory bodies. Through the creation of the performance "Pagando Calcinha" and its visual and audiovisual records are addressed, directly or indirectly, issues related to gender performativity, regulatory circuits of the female body and its profanation, and the body as an support and object of art, photography and records video as artistic action and as autonomous works, among other things, seeking to understand the extensive field of discussion on the topic. In discussion about your goals, seek verification of the emergence of the body as a subject of study in the field of integrated arts in the twentieth century with focus on the production of women artists from the second half of the last century; understanding the concepts of standardization, discipline and endurance in Michel Foucault and profanation in Giorgio Agambem. Searching also research of technical, conceptual and aesthetic specificities of photography and video as documentary records of performance; and also the analysis of the formal, contextual and conceptual aspects of artworks and cultural artifacts related to the political and discursive body and the body arts (performance and body art). The methodology is the Visual Poetics Research / Research in Art, guided by creative path through the approach of the art object from a reflection on the process of creation. In this sense, the research focused around the art-making as a source of practical discussion, seeking trials and developments in poetic production through hybrid languages.

Esta dissertação é resultante do projeto de pesquisa realizado através do Programa de Pós-graduação em Arte e Cultura Visual, nível mestrado, da FAV-UFG, e visa apresentar o tema da representação de identidades estranhas em videoclipes, partindo de uma investigação no campo, acompanhada de análises dos clipes da artista Lady Gaga, para a construção do meu discurso videográfico no videoclipe “Electric Guitar”. O principal objetivo é dar continuidade aos discursos audiovisuais de formato subversivo, que consistam em produtos primários complexos os quais contemplem diversos parâmetros de abordagem audiovisual, explorando o sensorial e estabelecendo vínculos com questões de teor histórico, sociológico, cultural etc. O primeiro capítulo apresenta Lady Gaga e seu trabalho artístico que, curiosamente, defende minorias com uma postura favorável da cantora, ainda que ela esteja inserida no star system. O segundo capítulo introduz a temática dos estranhos, explica este conceito a partir de diálogos teóricos e, também, aborda a presença dos estranhos em videoclipes. Já o terceiro capítulo foca no estudo do videoclipe como formato audiovisual, trata da sua relevância na cultura visual e dos seus desdobramentos na mídia. O quarto capítulo volta a tratar dos discursos videográficos de Lady Gaga, porém, com foco na análise de alguns dos seus videoclipes, selecionados de acordo com o tema desta pesquisa. O quinto e último capítulo trata da experiência criativa do videoclipe “Electric Guitar” e do meu objetivo de reforçar as discussões sobre o “estranho” buscando expandir as fronteiras do senso comum a respeito do videoclipe por meio do emprego de novas linguagens, sem promover uma fuga da estética plástica predominante no pop. This dissertation results of the research developed throughout the Master’s Degree course within the Art and Visual Culture Graduate Program in FAV-UFG. It aims to investigate de representation of uncanny identities in music videos, starting out with some analysis of Lady Gaga’s videos, in order to develop my videographic discourse in my music video “Electric Guitar”. The main goal is to continue creating subversive audiovisuals, which consist in primary and complex products that contemplate several parameters of approach, exploring sensorial matters and establishing bonds with historical, sociological and cultural issues. The first chapter presents Lady Gaga and her artistic body of work which, curiously, defends minorities in spite of the singer being inserted into the star system. The second chapter introduces concept of “the uncanny”, from teoretical dialogues and, also, addresses their presence in music videos. The third chapter focuses on the study of music video as a audiovusal format, its relevance in visual culture and how they develop through media. The forth chapter reapproaches Lady Gaga’s music videos, selected according to this investigation theme, focusing on their analysis. The last chapter discusses the creative experience of “Electric Guitar” through my goal of reassuring the relevance of studying the uncanny and, also, my attempt to expand music video’s frontiers by employing new perspectives to them, without escaping the plastic aesthetics predominant in pop. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES