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Este artículo reconstruye la trayectoria y re- lación de los miembros de la saga de plateros compostelanos apellidados Otero, con origen en el siglo XIX y prolongada hasta la actualidad, demostrando la gran importancia que tuvieron en la ciudad. Gracias al vaciado de prensa histó- rica hemos hallado decenas de noticias que nos han permitido conocer, ubicar y atribuir piezas inéditas, mientras que el trabajo en el archivo municipal nos ha permitido reconstruir su árbol genealógico y ubicación de los obradores men- cionados en el registro industrial, datos con- trastados con entrevistas a sus sucesores. Este trabajo pretende contribuir al conocimiento contextual de una disciplina tan importante en la configuración artística de Compostela, pero paradójicamente olvidada por la historiografía.

Most of the towns, villages and monasteries located along the various historic Caminos that led pilgrims to the tomb of St. James in Santiago de Compostela produced no medieval or early modern chronicles of their own. They lack the most basic written or graphic reports of their artistic and monumental possessions, despite the importance of those stopping points for international travellers since the ninth century. By contrast, there are abundant narratives composed by the pilgrims who travelled through those sites, documents which offer descriptions of buildings and artwork they saw along their paths. During the decade from 2009 to 2019 various governmental and research institutions have given us new critical editions of these travellers' accounts with varying sorts of detail for the study of the Camino's historical and artistic legacy. This study surveys some of the most interesting texts chronologically from the earliest reports until the twentieth century. From about 70 years ago, most travel narratives devolve into promotional copy for mere tourism.

En la Edad Media, la presencia animales, tanto reales como fantásticos, sobre los soportes escrito y escultórico tiene una finalidad genérica de transmisión de valores considerados de conocimiento o cumplimiento necesario. El presente artículo examinará los usos fundamentales en que se materializan, tomando como marco general de estudio la sociedad de la Galicia medieval y atendiendo tanto a las fuentes en que figuran –piedra y pergamino– como a las cuestiones que transmiten. Para ello definiremos dos esferas y las leeremos desde ópticas diferentes: la escrita, de receptor individual y cierta formación en lectoescritura, una imagen destinada a sugerir cierto contenido a una persona concreta e interesada que desentraña el texto; y la escultórica, más pensada para una audiencia colectiva que sin embargo asume los conceptos de manera particular, en la funcionalidad ejemplarizante de una biblia pauperum más adecuada al nuevo pórtico románico y de proyección más íntima y alegórica de lo privado., In the Middle Ages, the presence of animals, both real and fantastic, on written and sculptural holders, has the generic purpose of transmitting values considered of necessary knowledge or compliance. This article will examine the fundamental uses in which they materialize, taking the society of medieval Galicia as a general framework of study and paying attention both to the sources in which they appear –stone and parchment– as well as to the issues they convey. To do this, we will define two spheres and we will read them from different perspectives: the written one, for an individual receiver with some training in literacy, an image intended to suggest certain content to a specific and interested person that unravels the text; and the sculptural one, more designed for a collective audience that nevertheless assumes the concepts in a particular way, in the exemplary functionality of a biblia pauperum more appropriate to the new Romanesque portico and with a more intimate and allegorical projection of the private.

La historia musical de Iberoamérica -entendida no solo como espacio geográfico sino también como comunidad cultural global- ha estado determinada por una extensa y diversificada red de comunicaciones que mantenía interconectada una pluralidad de regiones y ecosistemas. Partiendo del enfoque interpretativo de las redes de intercambio, este volumen analiza cómo la existencia de rutas de comunicación moldeó la movilidad de músicos, repertorios, prácticas e ideologías, configurando una dinámica y compleja estructura reticular que permite entender el universo sonoro iberoamericano como parte de un conjunto interaccionado.

El objetivo de este trabajo es dar a conocer una serie de noticias inéditas sobre piezas de platería compostelana de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, que en su mayoría se encuentran en paradero desconocido. La metodología empleada ha sido el vaciado de la Hemeroteca de la Universidad de Santiago de Compostela, donde hemos trabajado como fuentes con más de treinta periódicos compostelanos y de ámbito gallego, hallando cientos de noticias al respecto. Creemos que los textos escogidos demuestran que en la cronología propuesta existió en Santiago una generación de plateros muy importante, olvidada por la historiografía, además de desvelar la construcción de suntuosas obras de platería. Entre ellas destacan las piezas civiles, muy poco conservadas en Galicia, y sobre todo las encargadas para homenajear a políticos y personajes importantes del momento. Las noticias demuestran que en Compostela se construyeron extraordinarias obras con programas de iconografía clásica y de los más variados estilos, pasando del Neogótico al Clasicismo y el Barroco, con especial relevancia, por su originalidad, del Modernismo de raíz catalana.

This paper studies the medieval sculpture of Christ crucified known as Santo Cristokept in the cathedral of San Martiño de Ourense in the northwest of the Iberian Pen-insula. Firstly the analysis will focus on the impact this image has had over the centu-ries on the sacred topography and spatial configuration of this cathedral, includingchanges in the naming of altars, alterations to existing volumes, and even the creationof new spaces for worship and devotion. Secondly, the liturgical and ritual uses thiscrucifix would have had in the late Middle Ages will be investigated, particularly as avisual centrepiece during liturgies commemorating the Cross and its hypothetical ma-nipulation during the dramatized ceremonies of Holy Week. Furthermore, some con-siderations are devoted to the possible changes in its liturgical reception in the late15th and early 16th centuries, when the idea of veiling and unveiling the image be-came central. Finally, the changing status of this image as one of the cathedral's relicswill be examined, a reality that can be traced verbatim to the 16th century.

El título de esta contribución constituye de algún modo un homenaje a Serafín Moralejo Álvarez, ingeniero de nuevas vías de acercamiento al arte medieval y redactor de uno de los textos básicos para abordar la iconografía del apóstol Santiago, titulado: «Santiago y los caminos de su imaginería» (Moralejo Álvarez, 1993: 75-89). Este texto condensa todos los aspectos fundamentales de esta iconografía y sus fuentes. El balance y equilibrio que se reconoce en todas las aportaciones de Serafín Moralejo convierten también este artículo en otro más donde todos los elementos embrionarios básicos del tema están identificados, manteniendo una frescura y actualidad digna de ser recordada.

Los símbolos que la tradición ha aplicado a la Virgen María tienden a identificarse, en los estudios de cultura visual, como los “símbolos de las letanías marianas” o “símbolos de la letanía lauretana”. El presente artículo rastrea su origen en la patrística y su presencia en la Edad Media y Moderna, demostrando que su uso trasciende ampliamente las composiciones litánicas y ofreciendo una posible explicación para esta (mal)interpretación generalizada. Igualmente, propone sistematizar en cuatro grandes fórmulas la tipología general de Virgen acompañada de símbolos, al tiempo que evidencia cómo el significado de estos viene condicionado por la representación mariana que completan. Finalmente, aborda la presencia aislada de los mismos, planteando tanto qué pudo favorecer su autonomía, como la necesidad de cuestionarse dicha independencia. The symbols that have been traditionally applied to the Virgin Mary tend to be referred to in visual studies as the “symbols of the Marian litanies” or “symbols of the Laurentian/Lauretanian Litany”. This article traces their origin in Patristics and their presence in the Middle Ages and Modern Age, demonstrating that their use widely transcends litany compositions and offers a possible explanation for this widespread (mis)interpretation. At the same time, it aims to establish a systematic categorization of the general typology of the Virgin accompanied by symbols within four broad frameworks. Additionally, it seeks to provide evidence of how the meaning of these symbols is conditioned by the Marian representation they complete. Finally, it addresses their isolated presence, raising questions about what might have contributed to their autonomy and emphasizing the importance of scrutinizing this independence., The symbols that have been traditionally applied to the Virgin Mary tend to be referred to in visual studies as the “symbols of the Marian litanies” or “symbols of the Laurentian/Lauretanian Litany”. This article traces their origin in Patristics and their presence in the Middle Ages and Modern Age, demonstrating that their use widely transcends litany compositions and offers a possible explanation for this widespread (mis)interpretation. At the same time, it aims to establish a systematic categorization of the general typology of the Virgin accompanied by symbols within four broad frameworks. Additionally, it seeks to provide evidence of how the meaning of these symbols is conditioned by the Marian representation they complete. Finally, it addresses their isolated presence, raising questions about what might have contributed to their autonomy and emphasizing the importance of scrutinizing this independence

How did the first ever exposure to Roman imported material culture at inland sites affect local material culture practices? What does this reveal about the speed and nature of cross-cultural influence between Roman and Iron Age communities? And about the specific dynamics of integration within the Roman Empire of inland sites? Our ability to address these key questions about the exposure of Iron Age communities to the Roman world is hampered by a research bias in classical archaeology towards the study of ceramics contexts from coastal sites. In this paper we present the first replicable quantified contextualised ceramics data analysis to address these questions, through a study of more than 150,000 sherds from inland sites in the northwestern Iberian Peninsula. We conclude that century-long gradual changes in local common wares and amphorae from Iron Age traditions to Roman-inspired forms reflect changing food production and consumption behaviours. This transition is also reflected in an increasing presence of imported Roman goods. Our results suggest very gradual but increasing integration with the Roman world and ceramic data patterns correlate with known events from textual sources: Caesar’s campaign, the Augustan Cantabrian wars, and the Flavian reforms

Objetivo: el propósito de este artículo es determinar si la reforma de las cofradías que comienza a realizarse en 1769 en la Metrópoli se establece en la Venezuela de finales del siglo XVIII y cuáles fueron las consecuencias reales de la implantación. Metodología: para ello se trabajó con fuentes primarias de la época, conservadas actualmente en 12 fondos de 7 archivos diferentes y se comparó lo ahí expuesto con lo aplicado en otras zonas hispanas. Originalidad: este texto representa el primer estudio que aborda el proceso de reforma de las cofradías en la Venezuela dieciochesca; lo trabaja desde un punto de vista histórico y de las manifestaciones culturales, con especial énfasis en la música, y abre una nueva vía de estudio sobre el proceso de control regio de los territorios americanos por parte de la corona española. Conclusiones: el resultado de la investigación muestra que, si bien en Venezuela el proceso fue iniciado, la reforma fue todavía de menor calado que la peninsular. Existió, efectivamente, una apuesta por una religiosidad ilustrada, alejada de la superstición, el sincretismo y las formas barrocas pero los cambios políticos y económicos fueron casi nulos. Planteo aquí dos causas de ello: el apego a la ley que ya tenían las cofradías venezolanas y la prudencia política, que disuade a las autoridades de implantar los cambios que podían ser mal recibidos por la población., Objective: The purpose of this article is to determine whether the reform of the brotherhoods, started in 1769 in the Metropoli, was established in late XVIII century Venezuela, and what the real consequences of its implementation were. Methodology: In order to do so, primary sources were consulted, which are being preserved at the moment in twelve collections of seven different archives; its contents were compared with cases of other hispanic areas. Originality: This text represents the first study to analyze the reformation process of eighteenth century Venezuelan brotherhoods. It does so from a historical perspective, considering cultural manifestations with emphasis on music, and opens up a new field of study about the process of royal control of American territories by the Spanish Crown. Conclusions: The result of the research shows that, despite having been started in Venezuela, the reform’s weight was even less remarkable than its peninsular counterpart. There was indeed interest in an enlightened religiousness, distant to superstition, syncretism and baroque aesthetic, but political and economic changes were almost nonexistent. I suggest here two possible reasons for this: Venezuelan brotherhoods’ respect for the law, and political caution, which prevented the authorities from introducing changes that could be negatively received by the population, Objetivo: este artigo determina se a reforma das confrarias que começa a realizar-se em 1769 na Metrópole foi estabelecida na Venezuela de finais do século XVIII e quais foram as reais consequências de sua implementação. Metodologia: para isso, trabalhou-se com fontes primárias da época, atualmente preservadas em 12 coleções de 7 arquivos diferentes, e comparou-se o aí exposto como o aplicado em outras áreashispânicas. Originalidade: este texto representa o primeiro estudo que aborda o processo de reforma das confrarias na Venezuela setecentista. Isso, desde um ponto de vista histórico e das manifestações culturais, com especial ênfase na música e abre um novo caminho de estudo sobre o processo de controle real dos territórios americanos pela coroa espanhola. Conclusões: o resultado da investigação mostra que, embora na Venezuela o processo tenha sido iniciado, a reforma ainda foi menos importante que a peninsular. Houve, efetivamente, uma aposta por uma religiosidade ilustrada, afastada da superstição, o sincretismo e das formas barrocas, mas as mudanças políticas e econômicas foram quase nulas. Proponho aqui duas causas disso: a adesão à lei que as confrarias venezuelanas já tinham e a prudência política, que dissuade às autoridades de implementar mudanças que puderam ser mal recebidas pela povoação

La imagen funeraria del faraón se creó en base al sarcófago, la máscara, los cartonajes, las telas, los adornos y los amuletos. Todos estos elementos, acompañados por una iconografía del Más Allá, conectan con lo divino para permitir la transfiguración del cuerpo y alma del enterrado en su paso hacia la Vida Eterna. El presente trabajo tiene por objeto el análisis del sentido simbólico de la cultura material que acompaña a la momia en el Antiguo Egipto. Así como destacar la importancia de la monarquía egipcia como el eje vertebrador del sistema de creencias de una cultura mítico-religiosa. Las interpretaciones de autores relevantes, la lectura de los textos funerarios y el análisis de la iconografía y restos materiales que han llegado hasta nosotros, nos permiten realizar un trabajo actualizado sobre los conceptos clave del significado de la imagen mortuoria egipcia. Teniendo siempre presente que la Egiptología se trata de un campo de estudio que se reescribe cada día, y sobre todo, en el ámbito funerario, muchas de sus interpretaciones no deben tomarse como trabajos concluyentes., A imaxe funeraria do faraón creouse en base ao sarcófago, a máscara, os cartonaxes, as teas, os adornos e amuletos. Todos estos elementos, acompañados por unha iconografía do Máis Alén, conectan co divino para permitir a transfiguración do corpo e alma do enterrado no seu paso á Vida Eterna. O presente traballo ten por obxeto o análise do sentido simbólico da cultura material que acompaña a momia no Antigo Exipto. Así como destacar a importancia da monarquía exipcia como o eixe vertebrador do sistema de creenzas dunha cultura mítico-relixiosa. As interpretacións de autores relevantes, a lectura dos textos funerarios e a análise da iconografía e restos materiais que chegaron até nós, permítenos realizar un traballo actualizado sobre os conceptos clave do significado da imaxe mortuoria exipcia. Tendo sempre presente que a Exiptoloxía trátase dun campo de estudo que se reescribe cada día, e sobre todo, no ámbito funerario, moitas das súas interpretacións non deben tomarse como traballos concluintes., The funerary image of the pharaoh was created based on the sarcophagus, the mask, the cartonnage, ornaments and amulets. All these elements, accompanied by an iconography of the Hereafter, connect with the divine to allow the transfiguration of the body and soul of the buried in his step towards Eternal Life.The present work aims to analyze the symbolic meaning of the material culture that accompanies the mummy in Ancient Egypt. As well as highlighting the importance of the Egyptian monarchy as the backbone of the belief system of a mythical-religious culture.The interpretations of relevant authors, the reading of the funerary texts and the analysis of the iconography and material remains that have come to us, allow us to perform an updated work on the key concepts of the meaning of the Egyptian mortuary image.Bearing in mind that Egyptology is a field of study that is rewritten every day, and above all, in the funerary sphere, many of its interpretations should not be taken as conclusive works.

En este TFG intentaremos tratar cómo Lady Gaga desde sus inicios en 2006 hasta la publicación de su segundo álbum en 2011 genera un personaje que termina sacrificando en el momento más elevado de su carrera. Una historia a través de uno de los iconos del pop del siglo XXI llena de sangre, vísceras y perversión. Además, reflejaremos también cómo es capaz de sortear la muerte romántica del joven artista gracias a este sacrificio poético., Neste TFG intentaremos tratar como Lady Gaga dende os seus inicios en 2006 ata a publicación do seu segundo álbum en 2011 xenera un personaxe que termina sacrificando no momento máis elevado da súa carreira. Unha historia a través dun dos iconos do pop do século XXI chea de sangue, vísceras e perversión. Ademáis reflexaremos tamén como é capaz de sortear a morte romántica do xoven artista grazas a este sacrificio poético., In this TFG we'll try to process how Lady Gaga since her beginning in 2006 to the release of her second album in 2011 forms a character which ends up sacrificing in the highest point of her carreer. A story through one of the XXI's century pop icon full of blood, viscera and perversion. On top of that, we'll show how she's capable of tossing the romantic death of the young artist thanks to this poetic sacrifice.

En el contexto de los años noventa, el deseo colectivo de forjar nuevos espacios de sociabilidad produce un cambio en el panorama artístico que fue teorizado por Nicolas Bourriaud, quien publica su obra Estética relacional en 1998. Este cambio puede ser analizado a partir de la exposición Les ateliers du Paradise (1990) en la que aparecen las primeras obras relacionales que se consolidarán en Traffic (1996) con una serie de artistas que reformulan la relación entre el espectador y la obra, situando al primero como protagonista. Es a partir de la exposición de 1996 cuando aparece por primera vez el término “estética relacional”, que propone la interacción como un principio fundamental de la práctica. Las obras relacionales continúan su apogeo hasta comienzos de los años 2000, cuando surgen debates críticos y teóricos de visibilidad internacional alrededor de la estética relacional. Esta proyección global se verá reflejada en theanyspacewhatever (2008), una exposición que, a modo de epílogo, permite realizar una retrospectiva de las prácticas relacionales con los diez artistas que han estado presentes en las exposiciones más relevantes del movimiento como Rirkrit Tiravanija, Liam Gillick, Angela Bulloch y Dominique Gonzalez-Foerster., No contexto dos anos noventa, o desexo colectivo de forxar novos espazos de sociabilidade xera un cambio no panorama artístico que foi teorizado por Nicolas Bourriaud, quen publica a súa obra Estética relacional en 1998. Este cambio pode ser analizado a partir da exposición Les ateliers du Paradise (1990) na que aparecen as primeiras obras relacionais que se consolidarán en Traffic (1996) cunha serie de artistas que reformulan a relación entre o espectador e a obra, situando ao primeiro como protagonista. É a partir da exposición de 1996 cando aparece por primeira vez o termo “estética relacional”, que propón a interacción como un principio fundamental da práctica. As obras relacionais continúan o seu apoxeo ata comezos dos anos 2000, cando xorden debates críticos e teóricos de visibilidade internacional arredor da estética relacional. Esta proxección global verase reflectida en theanyspacewhatever (2008), unha exposición que, a modo de epílogo, permite realizar unha retrospectiva das prácticas relacionais cos dez artistas que estiveron presentes nas exposición máis relevantes do movemento como Rirkrit Tiravanija, Liam Gillick, Angela Bulloch e Dominique Gonzalez-Foerster., In the 1990s, the collective desire to forge new spaces of sociability changed the artistic panorama, theorised by Nicolas Bourriaud, who published his work Relational Aesthetics in 1998. This change can be analysed starting with the exhibition Les ateliers du Paradise (1990), in which the first relational works appear, which will be consolidated in Traffic (1996) with a series of artists who reformulate the relationship between the spectator and the work, placing the former as the protagonist. From the 1996 exhibition, the term "relational aesthetics" appears for the first time, proposing interaction as a fundamental principle of the practice. Relational works flourished until the early 2000s when internationally visible critical and theoretical debates about relational aesthetics emerged. This global projection will be reflected in theanyspacewhatever (2008), an exhibition that, as an epilogue, allows a retrospective of relational practices with the ten artists who have been present in the most important exhibitions of the movement, such as Rirkrit Tiravanija, Liam Gillick, Angela Bulloch and Dominique Gonzalez-Foerster.

Tomando como punto de partida algunhas das coplas froito das “recollidas” realizadas, e especialmente as que se atopan no Cancioneiro Popular Galego de Dorothé Schubarth e Antón Santamarina, afondaremos no papel destinado á muller dentro da música tradicional galega, así como nos instrumentos destinados de xeito hexemónico a elas, destacando os de percusión considerados como “menores”, tales como cunchas, culleres, pandeireta, pandeiro, etc. A maiores, teranse en conta os lugares de convivencia propios para o desempeño desta actividade musical: as típicas foliadas, festas, pero tamén os lugares de traballo, facendo especial fincapé nos cantos vinculados a actividades de labor. A música sempre estivo presente no día a día da sociedade e segue a desempeñar un papel relevante nos nosos días; por iso, finalmente, abordaremos a situación actual na que se atopa a música tradicional galega e algunhas novas propostas de incorporación de estilos, ritmos e instrumentos (que non son propiamente galegos) a este tipo de música., Tomando como punto de partida algunas de las coplas resultado de las “recollidas” realizadas, y especialmente las que se encuentran en el Cancioneiro Popular Galego de Dorothé Schubarth y Antón Santamarina, profundizaremos en el papel destinado a la mujer dentro de la música tradicional gallega, así como en los instrumentos destinados de forma hegemónica a ellas, destacando los de percusión considerados como “menores”, tales como conchas, cucharas, pandereta, pandero, etc. A mayores, se tendrán en cuenta los lugares de convivencia propios para el desempeño de esta actividad musical: las típicas foliadas, fiestas, pero también los lugares de trabajo, haciendo especial hincapié en los cantos vinculados a actividades de labor. La música siempre estuvo presente en el día a día de la sociedad y sigue desempeñando un papel relevante en nuestros días; por eso, finalmente, abordaremos la situación actual en la que se encuentra la música tradicional gallega y algunas nuevas propuestas de incorporación de estilos, ritmos e instrumentos (que no son propiamente gallegos) a este tipo de música., Taking as a starting point some of the couplets that result from the “recollidas” performed, and especially those found in the Cancioneiro Popular Galego by Dorothé Schubarth and Antón Santamarina, we will delve into the role of women in traditional Galician music, as well as the hegemonic instruments assigned to them, highlighting the percussions considered “minor” such as shells, spoons, the tambourine, etc. Furthermore, the proper places of coexistence for the performance of this musical activity will be taken into account: typical “foliadas”, parties, but also workplaces, with special emphasis on songs linked to labor activities. Music has always been present in the day-to-day of society and continues today to play an important role; for this reason, lastly, we will address the current situation in which traditional Galician music finds itself as well as propose the incorporation of some new styles, rhythms and instruments (that are not properly Galician) to this type of music.

En el presente trabajo se pretende indagar en la variación del género cinematográfico de las road movies que bebe directamente de la tradición literaria del viaje que se inicia con La Odisea (Homero, VIII a.C). Para ello, se abordará la idea del viaje en el cine como introspección de los personajes, algo que comienza en el western y que desembocará en esta variación ofreciendo dos objetos de estudio: Fresas salvajes (Ingmar Bergman, 1957) y La eternidad y un día (Theo Angelopoulos, 1998). Sin embargo, antes de comentarlos, se debe hacer un recorrido histórico de este género a través de la selección de cuatro ejemplos: La carreta fantasma (Victor Sjöström, 1921), 8 1⁄2 (Federico Fellini, 1963), La prima Angélica (Carlos Saura, 1974) y Big Fish (Tim Burton, 2003), en todos ellos de una forma u otra la muerte acecha a los protagonistas, por lo que deben emprender un viaje tanto físico como íntimo para conocerse, perdonarse y conseguir que les perdonen. Posteriormente, se hará un recorrido por la filmografía tanto de Theo Angelopoulos como de Ingmar Bergman para comprender la diferencia entre sus contextos culturales y sociales. Una vez dada esta base, se procede a investigar sobre los dos filmes en los que las diferencias se marcan por el lenguaje cinematográfico que emplean y las similitudes se resaltan a través de un análisis iconográfico sobre distintas alegorías., No presente traballo pretendese indagar na variación do xénero cinematográfico das road movies que bebe directamente da tradición literaria da viaxe que se inicia con A Odisea (Homero, VIII a.C). Para iso, abordarase a idea da viaxe no cine como introspección das personaxes, algo que comeza no western e que desembocará nesta variación ofrecendo dous obxectos de estudo: Amorodos salvaxes (Ingmar Bergman, 1957) e A eternidade e un día (Theo Angelopoulos, 1998). Sen embargo, antes de comentalos, debese facer un percorrido histórico deste xénero a través da selección de catro exemplos: La carreta fantasma (Victor Sjöström, 1921), 8 1⁄2 (Federico Fellini, 1963), La prima Angélica (Carlos Saura, 1974) e Big Fish (Tim Burton, 2003), en todos eles dunha forma ou outra a morte acecha aos protagonistas, polo que deben emprender unha viaxe tanto física como íntima para coñecerse, perdoarse e conseguir que lles perdoen. Posteriormente, farase un percorrido pola filmografía tanto de Theo Angelopoulos como de Ingmar Bergman para comprender a diferencia entre os seus contextos culturais e sociais. Unha vez dada esta base, procedese a investigar sobre os dous filmes nos que as diferenzas marcanse polo lenguaxe cinematográfico que empregan e as similitudes resaltanse a través dunha análise iconográfica sobre distintas alegorías., The present work aims to explore the variation within the cinematographic genre of road movies, which draws directly from the literary tradition of the journey that began with The Odyssey (Homer, 8th century BC). To accomplish this, the idea of the journey in cinema will be approached as a means of introspection for the characters, something that originates in the Western genre and culminates in this variation, offering two case studies: Wild Strawberries (Ingmar Bergman, 1957) and Eternity and a Day (Theo Angelopoulos, 1998). However, before discussing them, a historical overview of this genre will be provided through the selection of four examples: The Phantom Carriage (Victor Sjöström, 1921), 8 1⁄2 (Federico Fellini, 1963), Cousin Angelica (Carlos Saura, 1974), and Big Fish (Tim Burton, 2003). In all of these films, in one way or another, death looms over the protagonists, prompting them to embark on both a physical and intimate journey to discover themselves, seek forgiveness, and obtain forgiveness from others. Subsequently, a journey through the filmography of both Theo Angelopoulos and Ingmar Bergman will be undertaken to comprehend the difference between their cultural and social contexts. With this foundation established, an investigation into the two films will proceed, where differences will be delineated by the cinematic language they employ, and similarities will be highlighted through an iconographic analysis of various allegories.

Los cambios a nivel conceptual que se dieron en el campo de la museología en la segunda mitad del siglo XX también encontraron su traducción física en la arquitectura de los museos. Tras una primera parte dedicada al origen de los museos y su arquitectura, y a las transformaciones a nivel museológico y arquitectónico que se dan a partir de los años 60, la parte más importante del trabajo está constituida por el análisis comparativo de tres museos españoles que dan fe de la eclosión museística que tuvo lugar en España en los años 80 y 90 del siglo XX. Se estudian los diferentes tipos de respuesta del MNAR, el CGAC y el Guggenheim Bilbao a una serie de aspectos: su organización interior (tipos de salas, circulación, sistemas de iluminación natural y disposición de la recepción), la relación con el entorno urbano en el que se asientan y su cumplimiento de la funcionalidad aún siendo obras de arte icónicas., Os cambios a nivel conceptual que se deron no campo da museoloxía na segunda metade do século XX tamén encontraron a súa tradución física na arquitectura dos museos. Tras unha primeira parte adicada á orixe dos museos e a súa arquitectura, e ás transformacións a nivel museolóxico e arquitectónico que se dan a partir dos anos 60, a parte máis importante do traballo está constituída pola análise comparativa de tres museos españois que dan fe da eclosión museística que tivo lugar en España nos anos 80 e 90 do século XX. Estúdanse os diferentes tipos de resposta do MNAR, o CGAC e o Guggenheim Bilbao a unha serie de aspectos: a súa organización interior (tipos de salas, circulación, sistemas de iluminación natural e disposición da recepción), a relación co entorno urbano no que se asentan e o seu cumprimento da funcionalidade aínda sendo obras de arte icónicas., The conceptual changes that took place in the field of museology in the second half of the 20th century led to adjustments in the architecture of the museums as well. In the first part of the essay I focus on the origin of museums along with their architecture and the transformations that they have gone through since the 60s onwards. The central part of the essay is devoted to the comparative analysis of three Spanish museums that may represent the flourishing emergence of museums during the 80’s and 90’s in Spain. Three museums that offer different solutions to several aspects are studied, they are The MNAR, The CGAC and The Guggenheim Bilbao. The aspects we study include: the organisation (types of rooms; circulation; systems of natural illumination and the layout of reception); the relationship with the urban surroundings where they are located and the fulfilment of their goal even though they are iconic works of art.

Este trabajo pretende ser un breve análisis de la figura mítica del laberinto del Minotauro a través de su representación iconográfica en la cerámica griega, siguiendo para ello la línea de una de sus muchas posibilidades interpretativas: el laberinto como espacio sagrado iniciación. Apoyándose en las fuentes textuales clásicas que construyen los trazos del mito, el trabajo revisará las resoluciones iconográficas del espacio laberíntico que se han utilizado en la pintura vascular, para después centrar el análisis en la cerámica ática de figuras rojas. Para una aproximación a la interpretación del laberinto, se recurrirá a una breve y condensada revisión de la bibliografía que ha estudiado el valor iniciático del laberinto. Siguiendo, con sentido crítico, esta línea interpretativa, el trabajo abordará el estudio de las piezas de cerámica desde un análisis de la iconografía y del contenido que esta puede aportar al estudio del mito y de su representación., Este traballo pretende ser unha breve análise da figura mítica do labirinto do Minotauro a través de súa representación iconográfica na cerámica grega, seguindo para iso a liña dunha das súas moitas posibilidades interpretativas: o labirinto como espazo sagrado de iniciación. Apoiándose nas fontes textuais clásicas que constrúen os trazos do mito, o traballo revisará as resolucións iconográficas do espazo labiríntico que se empregaron na pintura vascular, para despois centrar a análise na cerámica ática de figuras vermellas. Para una aproximación á interpretación do labirinto, recorreráse una breve e condensada revisión da bibliografía que estudou o valor iniciático do labirinto. Seguindo, con sentido crítico, esta liña interpretativa, o traballo abordará o estudo das pezas de cerámica dende unha análise da iconografía e do contido que esta pode aportar ao estudo do mito e da súa representación., This work aims to be a brief analysis of the mythical figure of the Minotaur’s labyrinth though its iconographic representation in Greek pottery, following one of many interpretative possibilities: the labyrinth as a sacred space of initiation. Taking its base from the classical textual sources that shape the outlines of the myth, this work will review the iconographic resolutions of the labyrinthine space used in vase painting, to then focus the analysis on Attic red-figure pottery. To approach the interpretation of this mythical space, a brief but concise review of the literature that has studied the initiatory value of the labyrinth will be employed. Following with critical criteria this interpretive line, the work will study the ceramic pieces though an analysis of their iconography as well as the contents that it can provide to the study of the myth and its depictions.

Arte e moda son dúas correntes primarias, innatas e necesarias para o desenrolo expresivo das persoas. Desde o Paleolítico ata a actualidade, os seres humanos procuraron deixar a súa pegada no seu hábitat dunha maneira ou doutra. A finais do século XX ocorreron unha serie de cambios sociais e políticos que fixeron que a sociedade caese nun estado de descontento, rexeitamento e quebrantador ca orde establecida. Isto desencadeou a aparición de diferentes subculturas configuradas desde os estamentos minorizados e marxinais da poboación. Nelas xurdiron e se desenrolaron dúas correntes coma a Street Art e o Street Style. O punto de interese deste traballo focalízase na mostra de como evolucionaron ambos movementos; como comenzaron a ser estilos e estéticas pertencentes a zonas discriminadas pola sociedade, para converterse nas modas sociais das que as elites se apropiaron, sendo no día de hoxe aceptadas e buscadas pola sociedade das grandes metrópoles., Arte y moda son dos corrientes primarias, innatas y necesarias para el desarrollo expresivo de las personas. Desde el Paleolítico hasta la actualidad, los seres humanos buscaron dejar su huella en su hábitat de una manera u otra. A finales del siglo XX ocurrieron una serie de cambios sociales y políticos que hicieron que la sociedad cayese en un estado de descontento, rechazo y quebrantador con el orden establecido. Esto desencadenó la aparición de diferentes subculturas configuradas desde los estamentos minorizados y marginados de la población. En ellas surgieron y se desarrollaron dos corrientes como el Street Art y el Street Style. El punto de interés de este trabajo se focaliza en la muestra de cómo evolucionaron ambos movimientos; cómo comenzaron a ser estilos y estéticas pertenecientes a zonas discriminadas por la sociedad, para convertirse en las modas sociales de las que las elites se apropiaron, siendo en el día de hoy aceptadas y buscadas por la sociedad de las grandes metrópolis., Art and fashion are two primary currents, innate and necessary for the expressive development of people. From the Paleolithic to the present, human beings sought to leave their mark on their habitat in one way or another. At the end of the 20th century, a series of social and political changes occurred that caused society to fall into a state of discontent, rejection and break with the established order. This triggered the appearance of different subcultures configured from the minority and marginalized classes of the population. Two currents such as Street Art and Street Style arose and developed in them. The point of interest of this work is focused on the sample of how both movements evolved; how styles and aesthetics belonging to areas discriminated against by society began to be, to become the social fashions that the elites appropriated, being today accepted and sought after by the society of the large metropolises.

En 1914 una nueva forma de guerra creó la necesidad entre los artistas de una nueva forma de representación. Por ello, en una época de insólitos cambios y acontecimientos, el arte dio un vuelco y el mundo comenzó a ser plasmado de otra manera. Otto Dix fue uno de los grandes representantes de la figura del artista alemán de principios del siglo XX y su obra será la base de la que parta el actual trabajo. A través de esta, exploraremos la Gran Guerra y algunas de sus consecuencias en la sociedad alemana de la década de los veinte. Dix asumió el rol de narrador y testigo con la finalidad de mostrar sus vivencias en el frente, situándonos entre cadáveres de compañeros, en las duras jornadas bajo tierra en las trincheras, o frente a los rostros desfigurados por el terror y el sufrimiento; del mismo modo que nos hará ver cómo fue la vida en las ciudades de posguerra en Alemania, repletas de prostitución y veteranos que vagaban por las calles. Se trata de un conjunto de imágenes que captan la miseria, incertidumbre y crisis existencial y económica que, por momentos, fueron camuflados bajo una máscara de indiferencia en entornos de entretenimiento y embriaguez., En 1914 unha nova forma de guerra creou a necesidade entre os artistas dunha nova forma de representación. Por iso, nunha época de insólitos cambios e acontecementos, a arte transformouse e o mundo comezou a plasmarse doutra maneira. Otto Dix foi un dos grandes representantes da figura do artista alemán de principios do século XX e a súa obra será a base da que parta o actual traballo. A través desta, exploraremos a Gran Guerra e algunhas das súas consecuencias na sociedade alemá da década dos vinte. Dix asumiu o rol de narrador e testemuña ca finalidade de amosar as súas vivencias na fronte, situándonos entre cadáveres de compañeiros, nas duras xornadas baixo terra nas trincheiras, ou fronte os rostros desfigurados polo terror e o sufrimento; do mesmo modo que nos fará ver como foi a vida nas cidades de posguerra en Alemaña, repletas de prostitución e veteranos que vagaban polas rúas. Trátase dun conxunto de imaxes que captan a miseria, incerteza e crises existencial e económica que, por momentos, foron camuflados baixo unha máscara de indiferenza en contornas de entretemento e embriaguez., In 1914 a new form of warfare created a need among artists for a new form of representation. Thus, at a time of unusual changes and events, art was turned upside down and the world began to be depicted in a different way. Otto Dix was one of the great representatives of the German artist of the early 20th century and his work will be the basis for the present work. Through it, we will explore the Great War and some of its consequences for German society in the 1920s. Dix took on the role of narrator and witness in order to show his experiences at the front, placing us among the corpses of comrades, in the hard days underground in the trenches, or in front of faces disfigured by terror and suffering; in the same way, he will show us what life was like in the post-war cities of Germany, full of prostitution and veterans wandering the streets. It is a set of images that capture the misery, uncertainty and existential and economic crises that, at times, were camouflaged under a mask of indifference in environments of entertainment and drunkenness.

Este Trabajo de Fin de Grado se centra en las vanitas, género que, tras independizarse de las naturalezas muertas, consigue definirse y conformarse como una forma de representación basada en la idea de mortalidad y fugacidad de la vida. A lo largo del estudio se explicará en qué consisten, las diferencias de su representación en los países católicos y protestantes y finalmente su iconografía. Por medio de diferentes objetos como relojes, velas, lentes, pompas de jabón, etc.; y de una gran variedad de obras, se comentarán y ejemplificarán los significados que estos elementos tienen dentro de las representaciones de vanitas. Pese a que el estudio se centra en la Edad Moderna, concretamente en el período Barroco, se lleva a cabo una aproximación a la trascendencia que tuvo este género en estilos artísticos posteriores como el posimpresinismo, simbolismo o cubismo, entre otros., Este Traballo de Fin de Grao céntrase nas vanitas, xénero que, tras independizarse das naturezas mortas, consegue definirse e conformarse coma unha forma de representación baseada na idea de mortalidade e fugacidade da vida. Ó longo do estudo explicarase en que consisten, as diferenzas da súa representación nos países católicos e protestantes e finalmente a súa iconografía. Por medio de diferentes obxectos coma reloxos, candeas, anteollos, burbullas de xabón, etc.; e dunha grande variedade de obras, comentaranse e exemplificaranse os significados que estes teñen dentro das representacións de vanitas. Pese a que o estudo céntrase na Idade Moderna, concretamente no periodo Barroco, lévase a cabo unha aproximación á trascendencia que tuvo este xénero en estilos artísticos posteriores coma o posimpresionismo, simbolismo ou cubismo, entre outros., This Final Degree Project focuses on vanitas, a genre that, after becoming independent from still lifes, manages to define and shape itself as a form of representation based on the idea of mortality and transience of life. Throughout the study we will explain what they consist of, the differences in their representation in Catholic and Protestant countries and finally their iconography. By means of different objects such as clocks, candles, glasses, soap bubbles, etc.; and a great variety of works, the meanings that these elements have within the representations of vanitas will be commented and exemplified. Although the study focuses on the Modern Age, specifically on the Baroque period, an approach to the transcendence that this genre had in later artistic styles such as post-impressionism, symbolism or cubism, among others.

Este trabajo aborda la relación entre el mundo tardoantiguo-hispanovisigodo y el Omeya y como estos adoptan, a su llegada a la Península Ibérica, tanto características constructivas como piezas materiales para incluír en las edificaciones oficiales, aportando una nueva impronta oriental que perdurará siglos en el arte local. Se analizará el cambiante uso y concepción del spolia a lo largo de los años en Al-Ándalus; y también un examen en profundidad el uso de expolio material en la mezquita aljama de Córdoba, la procedencia del mismo y las posibles interpretaciones en cuanto a su lugar en las sucesivas salas de oraciones., Este traballo aborda a relación entre o mundo tardoantiguo-hispanovisigodo e o Omeia e como estes adoptan, á súa chegada á Península Ibérica, tanto características construtivas como pezas materiais para incluír nas edificacións oficiais, achegando un novo sinal oriental que perdurará séculos na arte local. Analizarase o cambiante uso e concepción do spolia ao longo dos anos en Al-Ándalus; e tamén un exame en profundidade o uso de espolio material na mesquita alxama de Córdoba, a procedencia do mesmo e as posibles interpretacións en canto ao seu lugar nas sucesivas salas de oracións., This work addresses the corelation between the late-antique & Hispano-Visigoth world and the Umayyad and how they adopt, upon their arrival in the Iberian Peninsula, both constructive characteristics and material pieces to be included in official buildings, providing a new oriental imprint that will last centuries in the local art. The changing conception and use of the spolia over the years in Al-Andalus will be analyzed; also an in-depth examination of the use of material looting in the mosque of Córdoba, its origin and the possible interpretations regarding its place in the different prayer rooms.

A partir do século XII, trala chegada dunha reliquia ósea do apóstolo Santiago e dunha copia incompleta do Codex Calixtinus, a cidade de Pistoia consagrouse como a “Compostela Italiana”, quedando baixo o padroado do santo e mergullada no seu culto. O acontecemento resultou tan relevante, que a cidade toscana quedou fixada coma unha das etapas fundamentais da peregrinación italiana a Santiago, xa que conseguiu conformar un novo lugar de devoción ao apóstolo no altar de San Jacopo da catedral pistoiense. Todos os intercambios socioculturais realizados nas peregrinacións italianas a Compostela foron os que axudaron a adoptar na cidade unha iconografía propia nas artes visuais e na arquitectura local, ademais de incorporar un culto xacobeo particular que estaba adaptado ao contexto propio da cidade, e que sempre se viu influído pola haxiografía, as tradicións e a cultura local compostelá. A creación deste novo centro de peregrinación cristiá en Italia foi iniciado hai nove séculos, e continúa vixente na actualidade coa presente irmandade de ambas cidades., A partir del siglo XII, tras la llegada de una reliquia ósea del apóstol Santiago y de una copia incompleta del Codex Calixtinus, la ciudad de Pistoya se consagró como la “Compostela Italiana”, quedando bajo el patronato del santo y sumergida en su culto. El acontecimiento resultó tan relevante, que la ciudad toscana quedó fijada como una de las etapas fundamentales de la peregrinación italiana a Santiago, ya que consiguió conformar un nuevo lugar de devoción al apóstol en el altar de San Jacopo de la catedral pistoyense. Todos los intercambios socioculturales realizados en las peregrinaciones italianas a Compostela fueron los que ayudaron a adoptar en la ciudad una iconografía propia en las artes visuales y en la arquitectura local, además de incorporar un culto jacobeo particular que estaba adaptado al contexto propio de la ciudad, y que siempre se vio influido por la hagiografía, las tradiciones y la cultura local compostelana. La creación de este nuevo centro de peregrinación cristiano en Italia fue iniciado hace nueve siglos, y continúa vigente en la actualidad con la presente hermandad de ambas ciudades., From the 12th century onwards, following the arrival of a bone relic of the Apostle St. James and an incomplete copy of the Codex Calixtinus, the town of Pistoia was consecrated as the "Italian Compostela", coming under the patronage of the saint and immersed in his cult. The event was so important that the Tuscan town became one of the fundamental stages of the Italian pilgrimage to Santiago, as it succeeded in creating a new place of devotion to the apostle on the altar of San Jacopo in Pistoia's cathedral. All the socio-cultural exchanges that took place during the Italian pilgrimages to Compostela were what helped the city to adopt its own iconography in the visual arts and in local architecture, as well as incorporating a particular Jacobean cult that was adapted to the city's own context, and which was always influenced by the hagiography, traditions and local Compostelan culture. The creation of this new centre of Christian pilgrimage in Italy was initiated nine centuries ago, and continues to this day with the present twinning of the two cities.

A través dun percorrido que abarca dende o Renacemento ao Barroco búscase establecer os diferentes tipos iconográficos das representacións dos arcanxos canónicos: San Miguel, San Gabriel e San Rafael, procurando tamén as súas orixes no mundo antigo. Para isto préstase atención aos episodios que protagoniza cada arcanxo e que contribúen a xerar a súa tipoloxía conceptual. Na mesma liña, tamén se atende a tradición que continúan esas mesmas imaxes nas rexións hispanas de América. Por outra parte, repárase na tipoloxía iconográfica dos Sete Príncipes Celestes, orixinaria de Europa pero con unha importante difusión nos virreinatos americanos. Deste xeito, póñense en valor os retratos grupais nos que aparecen tanto os arcanxos canónicos como os apócrifos., A través de un recorrido que abarca desde el Renacimiento al Barroco se busca establecer los diferentes tipos iconográficos de las representaciones de los arcángeles canónicos: San Miguel, San Gabriel y San Rafael, buscando también sus orígenes en el mundo antiguo. Para esto se presta atención a los episodios que protagoniza cada arcángel y que contribuye a generar su tipología conceptual. En la misma línea, también se atiende a la tradición que continúan esas mismas imágenes en las regiones hispanas de América. Por otra parte, se presta atención a la tipología iconográfica de los Siete Príncipes Celestes, originaria de Europa, pero con una importante difusión en los virreinatos americanos. De este modo, se ponen en valor los retratos grupales en los que aparecen tanto los arcángeles canónicos como los apócrifos., Through a journey from the Renaissance to the Baroque, the aim is to establish the different iconographic types of the representations of the canonical archangels: Saitn Michael, Saint Gabriel and Saint Raphael, also looking for their origins in the ancient world. For this, attention is paid to the episodes that each archangel stars in and that contributes to generating its conceptual typology. Along the same lines, attention is paid to the tradition that these same images continue in the Hispanic regions of America. On the other hand, attention is paid to the iconographic typology of the Seven Heavenly Princes, originally from Europe, but with an important diffusion in the American viceroyalties. In this way, special attention is put on the episodes where the different archangels play a major role.

En este trabajo intentaremos asomarnos a la historia de la ciudad de Santiago de Compostela a través del estudio de un ámbito urbano: Praza de Cervantes. Veremos su desarrollo morfológico en el contexto de configuración de la ciudad medieval y la consolidación del espacio como plaza civil y mercado destacado en Compostela. Además de analizar el urbanismo y sus arquitecturas, nos interesa perfilar su carácter social, económico y cultural dentro de la historia de la ciudad, viendo cómo se van modificando los usos de la plaza según la época. Su persistente carácter laico la hace rica en tipologías arquitectónicas civiles (ayuntamiento, dependencias de abastecimiento público, banca, etc.) y, sobre todo, residenciales (entre las que destacan casonas aristocráticas y vivienda burguesa decimonónica) Pese a esta orientación secular, no debemos desestimar la interesante parroquia de San Bieito, el primer edificio documentado que organiza este ámbito urbano, el cual, más que plaza, es un nodo ensanchado. La relación de la ciudad con su entorno también se hace patente en este cruce de caminos que por mucho tiempo se denominaba Praza do Campo., Neste traballo intentaremos asomarnos á historia da cidade de Santiago de Compostela a través do estudo dun ámbito urbano: Praza de Cervantes. Veremos o seu desenvolvemento morfolóxico no contexto da configuración da cidade medieval e a consolidación do espazo como praza civil e mercado destacado en Compostela. Ademais de analizar o urbanismo e as súas arquitecturas, interésanos perfilar o seu carácter social, económico e cultural dentro da historia da cidade, vendo como van mudando os usos da praza segundo a época. O seu persistente carácter laico faina rica en tipoloxías arquitectónicas civís (concello, dependencias de abastecemento público, banca, etc.) e, sobre todo, residenciais (entre as que destacan casonas aristocráticas e vivendas burguesas do XIX). Máis aló da súa orientación secular, non debemos desestimar a interesante parroquia de San Bieito, o primeiro edificio documentado que organiza este ámbito urbano, o cal, máis que praza, é un nodo ensanchado. A relación da cidade co seuentorno tamén se fai patente neste cruzamento de camiños que por moito tempo se denominaba Praza do Campo., In this work, we are going to see the history of Santiago de Compostela by studying an urban area: Praza de Cervantes. We will see its morphological development within the context of the configuration of the medieval city and the consolidation of this space as a civil square and a marketplace in Compostela. Furthermore, after analyzing the urbanism and its architectures, we are going to define its social, economic and cultural aspects across the history of the city in order to see how the uses of the square are modified and developed accross time. Its persistent secular character makes it rich in civil architectural typologies (city hall, public services, bank, etc.) and, above all, residential typologies (among wich aristocratic houses and nineteenth-century bourgeois dwellings stand out); without forgetting the parish of San Bieito, being the first documented building that organizes this urban area, which also functions as a widened node. The relationship of the city with its environment is also evident in the crossroads traditionally named Praza do Campo.

En este trabajo se aborda la evolución del cine de animación español en su papel como educador, a través del análisis de seis filmes: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno & José María Blay, 1945), que fue el primer largometraje de animación producido en España y el primero en color en Europa, en la que los ideales del régimen se ven encarnados por un niño heroico. Alegres vacaciones (José María Blay & Arturo Moreno, 1948) es una película que exalta de forma patriótica las zonas más turísticas de España. Érase una vez… (José Escobar, Alejandro Cirici Pellicer, 1950) que nos permite hablar del papel de la mujer en el franquismo. Sueños de Tay-Pi (Franz Winterstein & José María Blay, 1952) es una película perdida que desarrolla una alegoría política. Por último, El mago de los sueños (Francisco Macián, 1966) es un filme en el que ya no encontramos referencias directas a la moral cristiana, y los protagonistas son niños preocupados por los estudios y por divertirse. A través de estos ejemplos, podemos observar cómo el régimen influyó en el contenido y las temáticas de las películas, y cómo evolucionaron tanto la técnica como los valores morales de la sociedad española durante este período., Neste traballo abórdase a evolución do cinema de animación español no seu papel como educador, a través da análise de seis filmes: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno & José María Blay, 1945), que foi a primeira longametraxe de animación producida en España e a primeira en cor en Europa, na que os ideais do réxime se ven encarnados por un neno heroico. Alegres vacacións (José María Blay & Arturo Moreno, 1948) é unha película que enaltece de forma patriótica as zonas máis turísticas de España. Érase una vez... (José Escobar, Alejandro Cirici Pellicer, 1950) que permítenos falar do papel da muller no franquismo. Sueños de Tay-Pi (Franz Winterstein e José María Blay, 1952) é unha película perdida que desenvolve unha alegoría política. Por último, El mago de los sueños (Francisco Macián, 1966) é un filme no que xa non atopamos referencias directas á moral cristiá, e os protagonistas son nenos preocupados polos estudos e por divertirse. A través destes exemplos, podemos observar como o réxime influíu no contido e nas temáticas das películas, e como evolucionaron tanto a técnica como os valores morais da sociedade española durante este período., In this work, we address the evolution of Spanish animation cinema in its role as an educator through the analysis of six films. "Garbancito de la Mancha" (Arturo Moreno & José María Blay, 1945) was the first feature-length animated film produced in Spain and the first color film in Europe, embodying the ideals of the regime through a heroic child. "Alegres vacaciones" (José María Blay & Arturo Moreno, 1948) is a film that patriotically exalts the most touristic areas of Spain. "Érase una vez…" (José Escobar, Alejandro Cirici Pellicer, 1950) allows us to discuss the role of women during Franco's regime. "Sueños de Tay-Pi" (Franz Winterstein & José María Blay, 1952) is a lost film that develops a political allegory. Finally, "El mago de los sueños" (Francisco Macián, 1966) is a film where direct references to Christian morality are no longer found, and the protagonists are children concerned about their studies and having fun. Through these examples, we can observe how the regime influenced the content and themes of the films and how both the technique and moral values of Spanish society evolved during this period.

Pese a la consideración general del paisaje como una realidad en sí misma, ajena a la existencia de un espectador, numerosos estudios han señalado el carácter cultural de este fenómeno. Se trataría, en definitiva, de un constructo producido a raíz de la proyección de la mirada del ser humano, con toda su carga significativa, sobre el espacio físico. Con todo, el concepto de paisaje no llegó a formarse hasta el Renacimiento, para el caso occidental, y en un contexto muy específico que es el del arte. Desde entonces, se ha ido transformando y ensanchando sus límites en todas direcciones: desde el género pictórico a las actitudes conceptuales; de la estética sublime a los nuevos planteamientos ecologistas. Con esto presente, este trabajo analizará el tratamiento del paisaje gallego desde sus orígenes en el Romanticismo, con el fin de poder establecer las distintas miradas con las que la plástica contemporánea lee hoy nuestro territorio. Para ello se pondrá el foco en el estudio de diez artistas representados en la colección de la Diputación de A Coruña: Luis Loureiro, Vari Caramés, Guillermo Aymerich, Juan Lesta, Alfonso Abelenda, Jorge Peteiro, Xurxo Lobato, Víctor Hugo Costas, Christian Villamide e Irene Grau. De modo que los resultados particulares permitan ser extrapolables a un marco más general., A pesar da consideración xeral da paisaxe como unha realidade en si mesma, allea á existencia dun espectador, numerosos estudos sinalaron o carácter cultural deste fenómeno. Trataríase, en definitiva, dun construto producido a raíz da proxección da mirada do ser humano, con toda a súa carga significativa, sobre o espazo físico. Con todo, o concepto de paisaxe non chegou a formarse até o Renacemento, no caso occidental, nun contexto moi específico que é o da arte. Desde entón, foi transformándose e ensanchando os seus límites en todas as direccións: dende o xénero pictórico ás actitudes conceptuais; da estética sublime ás novas propostas ecoloxistas. Con isto presente, este traballo analizará o tratamento da paisaxe galega dende os seus orixes no Romanticismo, co fin de establecer as distintas miradas coas que a arte contemporánea le hoxe o noso territorio. Para iso porase o foco no estudo de dez artistas representados na colección da Deputación da Coruña: Luis Loureiro, Vari Caramés, Guillermo Aymerich, Juan Lesta, Alfonso Abelenda, Jorge Peteiro, Xurxo Lobato, Víctor Hugo Costas, Christian Villamide e Irene Grau. De xeito que os resultados particulares permitan extrapolarse a un marco máis xeral., Despite the general consideration of the landscape as a reality in itself, detached from the existence of a spectator, numerous studies have pointed out the cultural nature of this phenomenon. It would be, ultimately, a construct produced as a result of the projection of the human gaze, with all its significant implications, onto physical space. However, the concept of landscape did not fully form until the Renaissance, in the Western context, and in a very specific context, that of art. Since then, it has been transforming and expanding its boundaries in all directions: from the pictorial genre to conceptual attitudes, from the sublime aesthetics to new ecological approaches. With this in mind, this work will analyze the treatment of the Galician landscape from its origins in Romanticism, in order to establish the different perspectives with which contemporary art today interprets our territory. To do this, the focus will be on the study of ten artists represented in the collection of the Diputación de A Coruña: Luis Loureiro, Vari Caramés, Guillermo Aymerich, Juan Lesta, Alfonso Abelenda, Jorge Peteiro, Xurxo Lobato, Víctor Hugo Costas, Christian Villamide, and Irene Grau. The specific results will thus be extrapolatable to a broader framework.

La pintura costumbrista barroca ha sido, con frecuencia, la menos valorada en nuestro país, sin embargo, es sumamente prolífica. Para entender esta paradoja, nos centraremos en estudiar la valoración que se da a lo cotidiano, partiendo de Flandes; e indagaremos en un posible origen de la pintura de género. Por otra parte, es fundamental entender la profunda relación que existe entre los artistas y la cultura de su tiempo; en cómo la literatura ayuda en el proceso de creación de la obra, constituyendo, en muchas ocasiones, los propios episodios de la narrativa nacional los temas representados. El teatro será brevemente tratado a propósito de la mentalidad del decoro, de cómo el barroco y la sociedad se impregnan de un aura teatral y puramente dramática. Todo ello, a través de los ejemplos del joven Velázquez y de Murillo en el contexto sevillano, un marco cultural magnífico al que llegan las imprescindibles influencias flamencas e italianas a través de la estampa y del grabado., A pintura costumista barroca foi, con frecuencia, a menos valorada no noso país, porén, é sumamente prolífica. Para entender este paradoxo, centrarémonos en estudar a valorización que se lle dá ao cotián, partindo de Flandes; indagaremos nunha posible orixe da pintura de xénero. Por outra banda, é fundamental entender a profunda relación que existe entre os artistas e a cultura da súa época; en como a literatura axuda no proceso de creación da obra, constituíndo, en moitas ocasións, os propios episodios da narrativa nacional os temas representados. O teatro tratarase brevemente a propósito da mentalidade do decoro, de como o barroco e a sociedade se impregna dun aura teatral e puramente dramática. Todo iso, a través de exemplos do mozo Velázquez e Murillo no contexto sevillano, un marco cultural magnífico ao que chegan as imprescindibles influencias flamencas e italianas a través da estampa e do gravado., Baroque genre painting has often been undervalued in our country; however, it is incredibly prolific. To understand this paradox, we will focus on studying the appreciation given to the mundanity, starting from Flanders; we will delve into a possible origin of genre painting. Furthermore, it is essential to understand the profound relationship that exists between artists and the culture of their time, and how literature aids in the process of creating a work, often representing episodes from the national narrative. Theatre will be briefly addressed in relation to the mentality of decorum, and how the Baroque and society became infused with a theatrical and purely dramatic aura. All of this will be explored through the examples of the young Velázquez and Murillo in the context of Seville, a magnificent cultural environment influenced by essential Flemish and Italian influences through prints and engravings.

Este trabajo tiene como objetivo estudiar la representación idealizada de la mujer triste o deprimida en el mundo del arte en el siglo XIX y en el XXI. En primer lugar, analizaremos los arquetipos de mujer perfecta desde la perspectiva del hombre del siglo XIX, creados desde círculos intelectuales como los prerrafaelitas, y cómo estos afectaron a las representaciones artísticas femeninas. En la segunda parte, nos trasladaremos hasta la actualidad para observar cómo ha evolucionado este ideal en el cine, la televisión, la música y la moda, y la manera en la que ha sido, en cierto sentido, reapropiado por ellas mismas, sobre todo en comunidades online. El objetivo es intentar determinar si ha sido posible un cambio sustancial de los ideales decimonónicos machistas en esta nueva ola de tristeza femenina., Este traballo ten como obxectivo estudar a representación idealizada da muller triste no mundo da arte no século XIX e no XXI. En primeiro lugar, analizaremos os arquetipos de muller perfecta dende a perspectiva do home do século XIX, creados dende círculos intelectuais como os prerrafaelitas, e como estes afectaron ás representacións artísticas femininas. Na segunda parte, trasladarémonos ata a actualidade para observar como foi evolucionando este ideal no cine, a televisión, a música e a moda, e a maneira na que foi, en certo sentido, reapropiado por elas mesmas, sobre todo en comunidades online. O obxectivo e intentar determinar se foi posible un cambio substancial dos ideais decimonónicos machistas nesta nova ola de tristura feminina., This work aims to study the idealized representation of the sad or depressed woman in art in the 19th and 21st centuries. In the first place, we will analyze the archetypes of the perfect woman from the perspective of the 19th century man, created in intellectual circles like the pre-Raphaelites, and how these affected the female artistic representations. In the second part, we will move to the present to observe how this ideal has evolved in cinema, television, music and fashion, and the way it has been reappropriated by women themselves, especially in online communities. The objective is to try to determine if a substantial change of sexist nineteenth-century ideals has been possible in this new wave of female sadness.

Este trabajo trata sobre las prácticas artísticas colaborativas y el caso de tres colectivos artísticos contemporáneos. También se tratará como estas prácticas artísticas colaborativas en sus diversas formas responden a una concepción actual, aunque el sistema de arte se resista a reconocerlas como tales, priorizando un modelo basado en el individualismo y las distintas variantes del artista-genio. Estas prácticas mantienen en su discurso y principios el aspecto político, promoviendo así el trabajo colectivo. Desde las vanguardias hasta los colectivos actuales, todos se alejaron del sistema de arte imperante en el momento, suponiendo una nueva visión. Además, centraré el estudio en tres colectivos de distintos territorios geográficos; Group Material (EE.UU), Estrujenbank (España) y Chto Delat (Rusia), acabando con un colectivo actual, FAFSWAG, cuyo discurso y narrativas tienen que ver mucho con debates actuales. Así mismo, presentaré brevemente el caso del colectivo indonesio ruangrupa, quienes fueron seleccionados para comisariar la edición de 2022 de la documenta de Kassel, siendo el primer colectivo en hacerlo., Este traballo trata sobre as prácticas artísticas colaborativas e o caso de tres colectivos artísticos contemporáneos. Tamén se tratará como estas prácticas artísticas colaborativas nas súas diversas formas responden a unha concepción actual, aínda que o sistema de arte resístase a recoñecelas como tales, priorizando un modelo baseado no individualismo e as distintas variantes do artista-xenio. Estas prácticas manteñen no seu discurso e principios o aspecto político, promovendo así o traballo colectivo. Desde as vangardas ata os colectivos actuais, todos afastáronse do sistema de arte imperante no momento, supoñendo unha nova visión. Ademais, centrarei o estudo en tres colectivos de distintos territorios xeográficos; Group Material (EE.UU), Estrujenbank (España) e Chto Delat (Rusia), acabando cun colectivo actual, FAFSWAG, cuxo discurso e narrativas teñen que ver moito con debates actuais. Así mesmo, presentarei brevemente o caso do colectivo indonesio ruangrupa, quen foi seleccionados para comisariar a edición de 2022 de documenta de Kassel, sendo o primeiro colectivo en facelo., This work deals with collaborative artistic practices and the case of three contemporary art collectives. It will also discuss how these collaborative artistic practices in their various forms respond to a current conception, although the art system is reluctant to recognize them as such, prioritizing a model based on individualism and the different variants of the artist-genius. These practices maintain in their discourse and principles the political aspect, promoting, in this way, collaborative work. From the avant-garde to the current collectives, all of them moved away from the prevailing art system at the time, assuming a new vision. In addition, I will focus the study on three collectives from different geographical territories; Group Material (USA), Estrujenbank (Spain) and Chto Delat (Russia), ending with a current collective, FAFSWAG, whose discourse and narratives have a lot to do with current debates. I will also briefly present the case of the Indonesian collective ruangrupa, who were selected to curate the 2022 edition of documenta Kassel, the first collective to do so.

El Nuevo Cine Coreano, cuyo origen debe situarse a mediados de la década de los 90, ha conseguido llegar a cinéfilos, aficionados e interesados de todo el mundo por sus distintivas particularidades. Estas características incluyen la hibridación del género, la diversidad de propuestas, el trasfondo crítico sobre un sistema corrupto o la violencia impregnada en una sociedad que ha experimentado el proceso democrático, la incursión extranjera, el cambio de una industria conservadora y la lucha por la supervivencia de su cinematografía. Para abordar este objeto de estudio, se ha llevado a cabo un proceso que parte desde el enfoque global de la repercusión que todo producto coreano ha experimentado en las últimas décadas, hasta un caso de estudio centrado en profundizar sobre ciertos aspectos de la filmografía de Park Chan-wook y Bong Joon-ho. Concretamente, se destacan las distintas críticas sociales, la ambigüedad moral y la representación de personajes que rondan en torno a la idea de héroe y monstruo., O Novo Cine Coreano, cuxa orixe debe situarse a mediados da década dos 90, conseguiu chegar a cinéfilos, afeccionados ou interesados de todo o mundo polas súas distintivas particularidades. Estas características inclúen a hibridación do xénero, a diversidade de propostas, o transfondo crítico sobre un sistema corrupto ou a violencia impregnada nunha sociedad que experimentou o proceso democrático, a incursión estranxeira, o cambio dunha industria conservadora e a loita pola supervivencia da súa cinematografía. Para abordar este obxecto de estudo, levouse a cabo un proceso que parte dende o enfoque global da repercusión que todo produto coreano experimentou nas últimas décadas, ata un caso de estudo centrado en profundizar sobre certos aspectos da filmografía de Park Chan-wook e Bong Joon-ho. Concretamente, destácanse as distintas críticas sociais, a ambigüidade moral e a representación con respecto á idea de heroe e monstruo., The New Korean Cinema, whose origin must be placed in the mid-1990s, has managed to reach cinephiles, fans and interested people from all over the world due to its distinctive particularities. These characteristics include the hybridization of genre, the diversity of proposals, the critical background on a corrupt system or the violence impregnated in a society that has experienced the democratic process, the foreign incursion, the change of a conservative industry and the struggle for the survival of its cinematography. In order to address this object of study, the process starts from the global approach of the repercussions that every Korean product has experienced in recent decades, to a case study focused on delving into certain aspects of the filmography of Park Chan-wook and Bong Joon-ho. Specifically, this project highlights the different social criticisms, the moral ambiguity and the representation of characters that surround the idea of hero and monster.

El presente trabajo tiene como objetivo estudiar las representaciones de los arquetipos de la femme fatale y la femme fragile en la moda contemporánea, más concretamente en las colecciones de Alexander McQueen, Thierry Mugler y John Galliano. Estos tipos de la mujer fatal y la mujer frágil nacieron gracias a la literatura; con el fin de dar coherencia al uso de estos en la narrativa del trabajo, se procede a exponer las teorías sociológicas y antropológicas de los imaginarios colectivos, así como, el papel que tienen tanto el mito como la literatura en ellos. A continuación, se desarrollará la construcción de los arquetipos de la femme fatale y la femme fragile desde una visión histórica y artística. Seguidamente, se pasará a abordar la vinculación de la mujer fatal a las colecciones de McQueen y Mugler, para finalmente, vincular a la mujer frágil a los diseños de John Galliano., O presente traballo ten como obxectivo estudar as representacións dos arquetipos da femme fatale e a femme fragile na moda contemporánea, máis concretamente nas coleccións de Alexander McQueen, Thierry Mugler e John Galliano. Estes tipos, da muller fatal e a muller fráxil naceron grazas á literatura; co fin de dar coherencia ao uso destes na narrativa do traballo, procédese a expoñer as teorías sociolóxicas e antropolóxicas dos imaxinarios colectivos, así como, o papel que teñen tanto o mito como a literatura neles. A continuación, desenvolverase a construción dos arquetipos da femme fatale e a femme fragile desde unha visión histórica e artística. Seguidamente, pasarase a abordar a vinculación da muller fatal ás coleccións de McQueen e Mugler, para finalmente, vincular a muller fráxil aos deseños de John Galliano., The present work aims to study the representations of the archetypes of the femme fatale and the femme fragile in contemporary fashion. More specifically in the collections of Alexander McQueen, Thierry Mugler and John Galliano. This types, the femme fatale and the femme fragile, were born thanks to literature; in order to give coherence to the use of these in the narrative of the work, we proceed to expose the sociological and anthropological theories of the collective imaginaries, as well as, the role of myth and literature in them. Following after, the link of the femme fatale to the collections of McQueen and Mugler will be addressed, to finally, link the femme fragile to the designs of John Galliano.

El presente trabajo consiste en un temprano esfuerzo académico por sintetizar la historia del jazz en Galicia, así como de formalizar un análisis de la propuesta musical de los artistas de jazz gallegos. Para ello se estudiará el recorrido del género desde inicios del siglo XX, con un notable desarrollo a partir de los años setenta, teniendo en cuenta los diversos métodos de difusión a los que se recurre para su consolidación (locales, escuelas, festivales y medios de comunicación). El estudio historiográfico pretende asimismo aportar una visión clara y objetiva del género dentro del contexto contemporáneo. Con respecto al análisis artístico, se orientará hacia el caso concreto del trío compostelano Sumrrá, con especial atención en aspectos esenciales como su trayectoria artística, proceso creativo, influencias musicales y relación con el arte conceptual y la performance. De entre su amplia propuesta musical, estudiaremos el álbum 6 mulleres (2018) por ser significativo en cuestión de perspectiva de género y ejemplo de la inclusión del discurso feminista en el arte y el jazz., O presente traballo consiste nun temprano esforzo académico por sintetizar a historia do jazz en Galicia, así como de formalizar unha análise da proposta musical dos artistas de jazz galegos. Para isto estudiase o percorrido do xénero dende inicios do século XX, cun notable desenvolvemento a partires dos anos setenta, tendo en conta os diversos métodos de difusión aos que se recorre para a súa consolidación (locales, escolas, festivais e medios de comunicación). O estudo historiográfico pretende asemade aportar unha visión clara e obxectiva do xénero dentro do contexto contemporáneo. Con respecto á análise artística, oriéntase ao caso concreto do trío compostelán Sumrrá, con especial atención en aspectos esenciais como a súa traxectoria artística, proceso creativo, influencias musicais e relación co arte conceptual e a performance. De entre a súa amplia proposta musical, estudaremos o álbum 6 mulleres (2018) por ser significativo en cuestión de perspectiva de xénero i exemplo da inclusión do discurso feminista no arte e no jazz., This present work consists of an early academic effort to summarize the history of jazz in Galicia, as well as to formalize an analysis of the musical proposal of Galician jazz artists. To this end, the genre’s path will be studied from the beginning of the 20th century, with a remarkable development since the 1970s, taking into account the various methods of dissemination incurred for its consolidation (venues, schools, festivals and mass media). The historiographical study also aims to provide a clear and objective view of the genre within the contemporary context. Regarding the artistic analysis, it will focus on the specific case of the Compostelan trio Sumrrá, with special attention to essential aspects such as their artistic career, creative process, musical influences and relationship with conceptual art and performance. From its broad musical proposal, we will study the album 6 mulleres (2018), for being meaningful in terms of gender perspectives and an example of the inclusion of feminist discourse in art and jazz.

Les Luthiers es un grupo argentino que mezcla el humor con la música y que cuenta con una trayectoria de más de cinco décadas. Sus espectáculos y actuaciones, que en algunos casos han contemplado hasta tres generaciones distintas, se caracterizan por un depurado humor casi lexicográfico y plagado de referencias clásicas, y el empleo de instrumentos llamados “informales”, aquellos creados por ellos mismos a partir de materiales comunes o cotidianos que podrían considerarse poco o nada nobles para tal fin; desde pequeños instrumentos creados con restos desechados y convenientemente reutilizados, hasta grandes derroches de material. A lo largo de estos últimos cincuenta años, Les Luthiers, de la mano de Johann Sebastian Mastropiero, su compositor de cabecera y personaje más conocido, han presentado decenas de instrumentos, recorrido cientos de formas y géneros musicales, ideado miles de ingeniosos juegos de palabras, y provocado millones de carcajadas; por lo que después de todos estos años, es inevitable que surja la eterna e irresoluta pregunta: ¿Son humoristas que hacen música o músicos que hacen humor?, Les Luthiers é un grupo arxentino que mistura o humor ca música, e que conta cunha traxectoria de máis de cinco décadas. Os seus espectáculos e actuacións, que nalgúns casos teñen contemplado ata tres xeracións distintas, caracterízanse por un depurado humor casi lexicográfico e plagado de referencias clásicas, e polo emplego de instrumentos chamados “informais”, aqueles creados por eles mesmos a partir de materiais comúns ou cotiás que poderían considerarse pouco ou nada nobres para tal fin; dende pequeños instrumentos creados con restos refugados e convenientemente reutilizados, ata grandes dilapidacións de material. Ó longo destes últimos cincuenta anos, Les Luthiers, da man de Johann Sebastian Mastropiero, o seu compositor de cabeceira e personaxe máis coñecido, teñen presentado decenas de instrumentos, percorrido centos de formas e xéneros musicais, ideado miles de inxeniosos xogos de palabras, e provocado millóns de gargalladas; polo que tras todos estes anos, e inevitable que xurda a eterna e irresoluta pregunta: Son humoristas que fan música ou músicos que fan humor?, Les Luthiers is an Argentine group that mix humor and music, with a long career of more than five decades. Their shows and performances, in some cases seen by three different generations, are characterized for his fine, almost lexicographical, sense of humor and full of classical references, and for the use of named informal instruments, which were made by themselves with common and daily items that are not considered fine materias; from the little instruments, made with waste remains and conveniently reused, to big wastes of materials. Throughout this last fifty years, Les Luthiers, with Johann Sebastian Mastropiero, their first composer and most famous character, have shown dozens of the instruments, played hundreds of musical forms and genres, made thousands of clever playwords, and caused millions of laughs; so after all these years, it’s inevitable to think about the eternal and unresolved question: Are they musical comedians or comical musicians?

En el presente trabajo, se pretende analizar e investigar acerca de las prácticas efectuadas con el uso del cuerpo como soporte artístico, dentro del movimiento del Body Art, entre las décadas de 1960 y 1980. Para ello, se ahondará dentro del Arte Conceptual, en las prácticas relativas al Performance Art. Con ello, se pretende analizar la teoría, tanto del Performance como del Body Art, los objetivos y bases de su arte así, en particular, como la simbología, el ritual, lo grotesco, lo violento y provocativo que las obras adscritas al Body Art desprenden. Al igual que la relación entre artista, arte y observador, desde el punto de vista de los artistas del Performance y el Body Art. Se trata de un estudio sobre como el cuerpo adquiere un uso y sentido dentro del arte contemporáneo, pasando el artista y espectador de un segundo plano, a ser centro de la obra, empleando el cuerpo como una herramienta, soporte, material y obra artística en si misma desde la segunda mitad del siglo XX y llegando hasta nuestros días. Una vez claras las bases de ambos movimientos, en especial del Body Art, se realiza un recorrido por ejemplos y prácticas artísticas que se han desarrollado en esta variante del Performance Art o del Conceptual, las cuales he querido recoger por su importancia dentro del Body Art., O presente traballo, pretende analizar e investigar acerca das prácticas efectuadas como empleo do corpo como soporte artístico, dentro do movemento do Body Art, entre as décadas de 1960 e 1980. Para iso, afondarase dentro da Arte Conceptual, nas prácticas relativas ao Performance Art. Con iso, preténdese analizar a teoria, tanto do Performance Art coma do Body Art, os obxetivos e bases da sua arte así, en particular, coma da simboloxía, o ritual, o grotesco, o violento e provocativo que as obras adscritas ao Body Art desprenden. Ao igual ca relación entre artistas, arte e observador, dende o punto de vista dos artistas do Performance e o Body Art. Trátase dun estudo sobre como o corpo adquire un uso e sentido dentro da arte contemporánea, pasando o artista e espectador dun segundo plano, a ser centro da obra, empregando o corpo como ferramenta, soporte, material e obra artística en si mesma, dende a segunda metade do século XX e chegando ata os nosos días. Unha vez claras as bases de ambos movementos, en especial do Body Art, realizaráse un percorrido por exemplos e prácticas artísticas que desenvolvéronse nesta variante do Performance Art ou do Conceptual, as cales e querido recoller pola sus importancia dentro do Body Art., In the present work, it’s intended to analyse and investigate about the practices carried out with the use of the body as an artistic support, within the Body Art movement, between the 1960s and 1980s. For this, it’ll delve into Conceptual Art, in practices related to Performance Art. With this, it’s intended to analyse the theory, both of Performance and Body Art, the objectives and bases of their art, as well as the symbology, ritual, grotesque, violent and provocative that the works ascribed to Body Art give off. Like the relationship between artist, art and observer, from the point of view of Performance and Body Art artists. It is a study on how the body acquires a use and meaning within contemporary art, passing the artist and viewer from a background, to be the center of the work, using the body as a tool, support, material and artistic work in itself since the second half of the 20th century and up to the present day. Once the bases of both movements are clear, especially Body Art, a tour of examples and artistic practices that have been developed in this variant of Performance Art or Conceptual is carried out, which I wanted to collect due to their importance within Body Art.

Este artículo explora el florecimiento de los obradores de platería en la Compostela del tránsito del siglo XIX al XX a través de la prensa histórica, cuyo vaciado nos ha permitido conocer más de un millar de noticias relativas a los artífices y su importancia en la sociedad. Destacan aquellas que se refieren a la hechura de piezas, que nos han permitido identificar obras anónimas y documentar suntuosos encargos para los personajes más distinguidos de la época.

El presente artículo tiene como objetivo dar a conocer una serie de noticias inéditas sobre Eduardo Rey Villaverde y su hijo Santiago Rey Montero, dos plateros que, a pesar de haber sido apenas mencionados en los estudios, hemos comprobado que tuvieron una gran importancia en el panorama artístico de la época. El fundamento metodológico del mismo ha sido el trabajo en archivos para ofrecer un contexto documental en el que enmarcar a los plateros, y demostrar su interés a través de la valoración, variedad e importancia de sus encargos, así como las menciones a su fama en la Compostela de la época. También hemos conseguido reconstruir su árbol genealógico, ubicar sus obradores y dar a conocer una serie de piezas inéditas hasta el momento.

Una reciente exposición en Santiago de Compostela ha recogido la trayectoria del platero Julio Lado Martínez, último testigo de una saga centenaria de plateros compostelanos. El objetivo de este artículo es dar a conocer nuestra investigación sobre dicha familia centrándonos en los miembros anteriores a Julio, en la cual, a través del vaciado documental de los archivos de la ciudad, hemos sido capaces de recopilar una enorme cantidad de documentos, especialmente noticias de prensa histórica, que nos hablan de importantes obras desaparecidas, entre las que sobresalen aquellas ofrecidas a importantes políticos o incluso a los reyes de España.

En este texto abordaremos un breve recorrido de la promoción turística del Camino de Santiago a partir de la creación de la marca Xacobeo en 1993, evolución que culminará en el actual Año Santo 2021, con la particularidad de la necesaria adaptación del fenómeno a la escena post-COVID. Comparando el material previsto y el finalmente emitido y difundido, veremos el cambio promocional llevado a cabo por las instituciones, especialmente por la Xunta de Galicia, dando una imagen del Camino como un producto perfecto para reactivar el sector y hacerlo de la mano de un tipo de turismo seguro, sin masificación, al aire libre, y ligado a un fenómeno espiritual y liminar tan recurrente en tiempos de crisis.

En este artículo se realiza un recorrido por las diferentes piezas medievales conservadasen Galicia en las que se plasma de algún modo la imagen de Cristo crucificado. Ante la enormeheterogeneidad de piezas localizadas, este estudio realiza un inventario exclusivamente de obras producidas en piedra y madera, aportando una clasificación tipológica de estas y una breveinterpretación de sus funciones. Así, la principal finalidad de este trabajo es ofrecer una aproximaciónal panorama gallego que pueda servir de recurso para los estudios académicos interesados enrealizar un análisis comparativo en el que incluir la realidad gallega., This paper draws an itinerary through the different medieval pieces preserved in Galicia in which the image of the crucified Christ is depicted. Given the enormous heterogeneity of the pieces, this study is devoted to making an inventory exclusively of works produced in stone and wood. It provides a typological classification of these artworks and a brief interpretation of their functions. Thus, the main purpose of this paper is to offer an approach to the Galician panorama that can serve as a resource for academic studies interested in conducting a comparative analysis in which to include the Galician reality.

No presente traballo, analizarase o percorrido do discurso artístico-cultural entre os Estados Unidos e a Unión Soviética, dende o estalido da Revolución de Outubro aos primeiros anos da Guerra Fría. Así, preténdese facer unha aproximación á articulación dos diferentes movementos artísticos de cada potencia en relación á defensa ideolóxica dos principios propios. Para isto, presentaranse un análise do contexto histórico e do relato político, a fin de comprender as tendencias estéticas que foron impulsadas por cada país e a estruturación artística das mesmas., En el presente trabajo, se analizará el recorrido del discurso artístico-cultural entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, desde el estallido de la Revolución de Octubre hasta los primeros años de la Guerra Fría. Así, se pretenderá realizar una aproximación a la articulación de los diferentes movimientos artísticos de cada potencia en relación a la defensa ideológica de los prinicipios propios. Para ello, se presentará un análisis del contexto histórico y del relato político, a fin de comprender las tendencias estéticas que fueron impulsadas por cada país y la estructuración artística de las mismas., This degree thesis focuses on the development of the cultural-artistic discourse between the United States and the Soviet Union, from the outbreak of October Revolution until the first years of the Cold War. The main objective is to establish the connections between the different artistic movements developed by each power and the ideological defense of their own principles. In order to do so, an analysis of both the historical context and the political discourse will be presented so as to understand the aesthetical trends that were fostered by each country and their artistic structure.

Menchu Lamas (Vigo, 1954) es una destacada figura dentro del panorama artístico gallego, protagonista de una prolífica trayectoria, perpetuada a lo largo de cuarenta años. Así, este trabajo pretende abordar un sintético recorrido que parte desde sus inicios, a finales de la década de los setenta, vinculados con la producción gráfica como miembro del Colectivo da Imaxe, hasta su incursión en la pintura, de la mano de Atlántica, y la paulatina consolidación de su identidad artística, proyectada hasta la actualidad. Todo ello permitirá formular la existencia de una retroalimentación constante entre gráfica y pintura en su obra, así como abordar las contraposiciones existentes entre las manifestaciones artísticas contraculturales y las de la transvanguardia, fuertemente promocionada en los años ochenta., Menchu Lamas (Vigo, 1954) é unha destacada figura dentro do panorama artístico galego, protagonista dunha prolífica traxectoria, perpetuada ao longo de corenta anos. Así, este traballo pretende abordar un sintético percorrido que parte dos seus inicios, a finais da década dos setenta, vinculados coa produción gráfica como membro do Colectivo da Imaxe, ata a súa incursión na pitunta, da man de Atlántica, e a paulatina consolidación da súa identidade artística, proxectada ata a actualidade. Todo isto permitirá formular a existencia dunha retroalimentación constante entre gráfica e pintura na súa obra, así como abordar las contraposiciones existentes entre las manifestaciones artísticas contraculturales y las de la transvanguardia, fuertemente promocionada en los años ochenta., Menchu Lamas (Vigo, 1954) is an outstanding figure on the Galician art scene, the protagonist of a prolific career, perpetuated over forty years. So, this work aims to take a synthetic review that starts from her beginnings, at the end of the seventies, linked to graphic production as a member of the Colectivo da Imaxe, to her incursion into painting, with Atlántica, and the gradual consolidation of her artistic identity, projected to the present day. All this will make it possible to formulate the existence of a constant feedback between graphics and painting in his work, as well as to address the existing counterpositions between countercultural artistic manifestations and those of the trans-avant-garde, strongly promoted in the eighties.

El cambio que vive la sociedad japonesa en el último siglo será un fenómeno muy particular que no encuentra parangón en otro territorio. La radical transformación que sufre el país hallará su reflejo en las artes, y por lo tanto, en el cine. En el presente trabajo se pretende explorar el contrastado cambio que se da en el tratamiento de las imágenes configuradoras de la cultura nipona mediante la producción cinematográfica. Así, haremos un recorrido a través de la historia de la cinematografía de Japón, atendiendo al primer momento que vive el medio fílmico, cuyos valores coinciden con los profesados desde el gobierno y que tienen un alto componente de tradicionalismo, para luego adentrarnos en las nuevas alternativas que surgen a finales de siglo y que traducen la imagen de los nuevos tiempos. El objeto principal de estudio serán las filmografías de los cineastas de la neo-eiga, quienes llevarán el nuevo estilo hasta las últimas consecuencias., O cambio que vive a sociedade xaponesa no último século será un fenómeno moi particular que non atopa parangón noutro territorio. A radical transformación que sofre o país terá o seu reflexo nas artes, e polo tanto, no cinema. No presente traballo preténdese explorar o contrastado cambio que se da no tratamento das imaxes configuradoras da cultura nipona mediante a producción cinematográfica. Así, faremos un percorrido a través da historia da cinematografía de Xapón, atendendo ao primeiro momento que vive o medio fílmico, cuxos valores coinciden cos profesados dende o goberno e que teñen un alto compoñente de tradicionalismo, para logo adentrarnos nas novas alternativas que xorden a finais de século e que traducen a imaxe dos novos tempos. O obxecto principal de estudo serán as filmografías dos cineastas da neo-eiga, que levan o novo estilo ata as últimas consecuencias., The change that Japanese society experienced in the last century will be a very particular phenomenon that is unparalleled in any other territory. The radical transformation that the country underwent will find its reflection in the arts, and therefore, in the cinema. In the present work, we intend to explore the contrasting change that occurs in the treatment of the images that shape Japanese culture through cinematographic production. Thus, we will take a tour through the history of Japanese cinematography, paying attention to the first moment that the film medium lives, whose values coincide with those professed from the government and that have a high component of traditionalism, and then we will delve into the new alternatives that arise at the end of the century and that translate the image of the new times. The main subject of study will be the filmographies of the neo-eiga filmmakers, who will take the new style to the extreme.

En el presente trabajo se analizan los sepulcros de cinco miembros de la familia Andrade. La elección de estos sepulcros permitirá trazar una evolución de las armaduras y armas utilizadas por los caballeros gallegos de los siglos XIV al XVI. Además, este análisis ayudará a explorar el panorama político y social de Galicia y nos introducirá en el ideal caballeresco del final de la Edad Media. En el contexto de ejecución de estos sepulcros destaca la importancia de las últimas voluntades, y desde la corriente historiográfica del estudio de las mentalidades, permite comprender cómo se entendía la muerte, buscando estos personajes la fama póstuma para no caer en el olvido y dejar un registro de sus actos a través de la escultura funeraria. Este estudio también aborda las influencias artísticas presentes entre Galicia y Portugal, la itinerancia de los talleres por el territorio luso-galaico, y la permanencia y desarrollo de determinadas tipologías sepulcrales., No presente traballo analízanse os sepulcros de cinco membros da familia Andrade. A elección destes sepulcros permitirá trazar unha evolución das armaduras e armas utilizadas polos cabaleiros galegos dos séculos XIV ao XVI. Ademais, esta análise axudará a explorar o panorama político e social de Galicia e introduciranos no ideal cabaleiresco do final da Idade Media. No contexto de execución destes sepulcros destaca a importancia das últimas vontades, e dende a corrente historiográfica do estudo das mentalidades, permite comprender cómo se entendía a morte, buscando estes personaxes a fama póstuma para non caer no esquecemento e deixar un rexistro dos seus actos a través da escultura funeraria. Este estudo tamén aborda as influencias artísticas presentes entre Galicia e Portugal, a itinerancia dos talleres polo territorio luso-galaico, e a permanencia e desenvolvemento de determinadas tipoloxías sepulcrais., The present work analyzes the sepulchres of five members of the Andrade family. The choice of these tombs will allow to trace an evolution of the armour and weapons used by Galician knights from the 14th to 16th centuries. In addition, this analysis will help explore the political and social panorama of Galicia and introduce us to the chivalric ideal of the end of the Middle Ages. The context of the execution of these tombs highlights the importance of last wills, and from the historiographic trend of the study of mentalities, it allows to understand how death was viewed, with these characters seeking posthumous fame so as not to fall into oblivion and leave a record of their acts through funerary sculpture. This study also approaches the artistic influences present between Galicia and Portugal, the roaming of workshops throughout the Portuguese-Galician territory, and the permanence and development of certain sepulchral typologies.

La correspondencia llegó a ser el soporte perfecto para algunos artistas de la segunda mitad del siglo pasado interesados en difundir las nuevas ideas experimentales y conceptuales. La decepción sobre el arte de masas, las élites artísticas y el mercado del arte, sumado a la creciente accesibilidad de las tecnologías como las fotocopiadoras y el boom de los medios de comunicación como herramientas culturales, llevaron a concebir y definir el mail art. A lo largo de este trabajo se revisarán los principales sucesos y artistas que fueron definiendo la red de arte correo y los proyectos que formaron parte de esta de manera internacional entre finales de la década de los cincuenta y principios de los ochenta, poniendo especial atención en los sesenta y setenta. El contenido se centrará en las propuestas tanto postales, como editoriales y las respectivas convocatorias que sirvieron para explorar la creación de una de las primeras redes artísticas a nivel global, la red eterna., Correspondence became the perfect support for some artists of the second half of the last century who were interested in spreading the new experimental and conceptual ideas. The disappointment with the art of masses, the artistic elites and the art market, combined with the growing accessibility of technologies such as fotocopying and the boom of media as cultural tools led to the conception and definition of mail art. Throughout this project the main events and artists who defined the network of mail art and the propositions that were part of this from the late 1950s to the early 1980s will be revised, with special attention to the 1960s and ‘70s. The content will focus on the postal and editorial propositions, as well as the respective events that allowed the creation of one of the first global artistic networks, the eternal network.

El presente Trabajo de Fin de Grado tiene como objetivo analizar la acción cultural protagonizada por cuatro mujeres artistas en la Galicia del primer Franquismo: Julia Minguillón, Dolores Díaz Baliño, Carmen R. de Legísima y Carmen Corredoira. Para ello, se ha vaciado la escasa bibliografía existente, rastreo de información mediante hemeroteca, investigación de archivo y trabajo de campo. El objetivo es conocer las actividades que ejercían las mujeres, cómo se llevaban a cabo y cuál fue su resultado. Como marco cronológico se acota el primer franquismo, ya que se trata de un momento histórico con un panorama artístico todavía pendiente de análisis en profundidad. Gracias a esta investigación se amplía el espectro de estudios de género en el arte, desmitificando creencias arraigadas al franquismo con base en ideas simplistas. Como resultado, se demuestra, mediante datos inéditos, la relevancia de estas mujeres, así como su acción cultural intensa y constante., Neste Traballo Fin de Grao preténdese analizar a acción cultural desenvolvida por catro mulleres artistas na Galicia do primeiro franquismo: Julia Minguillón, Dolores Díaz Baliño, Carmen R. de Legísima e Carmen Corredoira. Para iso, baleirouse a escasa bibliografía existente, seguimento da información a través dunha hemeroteca, investigación de arquivos e traballo de campo. O obxectivo é coñecer as actividades que realizan as mulleres, como se realizan e cal foi o seu resultado. Como marco cronolóxico acótase o primeiro franquismo, xa que se trata dun momento histórico cun panorama artístico aínda pendente de análise en profundidade. Grazas a esta investigación amplíase o espectro dos estudos de xénero na arte, desmitificando crenzas enraizadas no franquismo a partir de ideas simplistas. Como resultado, demóstrase, mediante datos inéditos, a relevancia destas mulleres, así como a súa acción cultural intensa e constante., The purpose of this Final Degree Project is to analyze the cultural action carried out by four women artists in the Galicia of the first Francoism: Julia Minguillón, Dolores Díaz Baliño, Carmen R. de Legísima and Carmen Corredoira. For this, the scarce existing bibliography has been emptied, tracking of information through a newspaper library, archive research and field work. The objective is to know the activities carried out by women, how they were carried out and what was their result. All of this delimited in the chronological framework of the first Franco regime, since it is a historical moment with artistic panorama still pending in-depth analysis. Thanks to this research.Thanks to this research the spectrum of gender studies in art is broadened, demystifying beliefs rooted in Francoism based on simplistic ideas. As a result, it is demonstrated, through unpublished data, the relevance of these women, as well as their intense and constant cultural action.

El Barroco Compostelano irradiaba su influjo por toda Galicia. Urbes, pueblos e, ineludiblemente, los pazos, transformaron sus jardines y engalanaron sus fachadas y patios con sus escenográficas aportaciones. El Pazo de Faramello, nacido barroco en el XVIII, poseyó la primera y única industria papelera de Galicia durante veinte años. Su Real Fábrica, instalada en las terrazas del cañón del río Angueira a su paso por Rois, fue fundada por un genovés, Bartolomé Piombino. Jacobo Gambino, su compatriota, padre del escultor José Gambino, será su maestro papelero. A la muerte de Piombino, el pazo es heredado por la familia del marido de su hija, los Rivero de Aguilar, que lo conservarán en propiedad hasta nuestros días. En este trabajo se indaga sobre las sucesivas transformaciones acontecidas en la propiedad durante sus más de tres siglos de vida. La investigación realizada se basa, principalmente, en fuentes bibliográficas, hemerográficas y en el trabajo de campo., O Barroco Compostelán irradiaba o seu influxo por toda Galicia. Urbes, pobos e, ineludiblemente, os pazos, transformaron os seus xardíns e engalanaron as súas fachadas e patios con as súas escenográficas achegas. O Pazo de Faramello, nado barroco no XVIII, poseeu a primeira e única industria papeleira de Galica durante vinte anos. A súa Real Fábrica, instalada nas terrazas do cañón do río Angueira ao seu paso por Rois, foi fundada por un xenovés, Bartolomé Piombino. Jacobo Gambino, o seu compatriota, pai do escultor José Gambino, será o seu mestre papeleiro. A morte de Piombino o pazo é herdado pola familia do marido da súa filla, os Rivero de Aguilar, que o conservarán en propiedade ata os nosos días. Neste traballo indágase sobre as sucesivas transformacións acontecidas na propiedade durante os seus máis de tres séculos de vida. A investigación realizada se basa principalmente, en fontes bibliográficas, hemerográficas e no traballo de campo., The Baroque of Compostela was spreading its influence all over Galicia. Towns, villages and, inevitably, manor houses, modified its gardens and embellished its façades and yards with the Baroque aesthetic. The Pazo de Faramello, born during the Baroque, in the 18th century, owned the one and only paper mill in Galicia for twenty years. Its Royal Factory, sitted on the river Angueira canyon terraces in Rois, was founded by a Genovese man, Bartolomé Piombino. Jacobo Gambino, his compatriot, father of the sculptor José Gambino, will be its master manufacturer. When Piombino dies, the manor house is inherited by his doughter´s husband family, the Rivero de Aguilar, to whom will belong to the present. The successive transformations happened inside the property will be studied in this work. The research is mainly based in bibliographical, hemerographic sources and in a fieldwork.

O que se pretende abordar neste traballo é un achegamento a cinco obras de Bruce Nauman (Fort Wayne, 1941) nas que o espectador xoga un papel esencial e específico. Partirase dun contexto histórico-artístico para comprender as condicións que rodean ao artista, seguido dunha introdución aos primeiros anos da súa carreira. Tras isto, a análise das cinco obras, que son: Get Out of My Mind, Get Out of This Room (1968), Live-Taped Video Corridor (1970), Going Around the Corner Piece (1970), Body Pressure (1974) e Raw Materials (2004). Todas estas pezas tiveron un papel esencial no proceso de activación do espectador que ten lugar na arte contemporánea a partir dos anos 60., The aim of this paper is to approach five works by Bruce Nauman (Fort Wayne, 1941) in which the viewer plays an essential and specific role. It will start with an overview of the art-historical context to understand the conditions surrounding the artist, followed by an introduction to the early years of his career. After this, the analysis of the following selection of his work, which are: Get Out of My Mind, Get Out of This Room (1968), Live-Taped Video Corridor (1970), Going Around the Corner Piece (1970), Body Pressure (1974) and Raw Materials (2004). All these pieces played an essential role in the process of activation of the spectator that takes place in contemporary art from the 1960s onwards.

O presente traballo consta de dúas partes diferenciadas. En primeiro lugar procúrase facer unha aproximación á realidade arquitectónica na alta Idade Media en territorio portugués. Abórdanse debates historiográficos, estilísticos e terminolóxicos como a cuestión mozárabe ou o termo «reconquista». Alén disto, tamén se tratan obras concretas do patrimonio conservado, como São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa ou São Pedro de Balsemão. A segunda parte trata as restauracións «en estilo» que o Estado Novo executou sobre o devandito patrimonio altomedieval, e como afectaron tanto ó seu estado actual como ó estudo do mesmo., O presente trabalho consiste em duas partes diferenciadas. Em primeiro lugar procura-se fazer uma aproximação à realidade arquitectónica no território português da alta Idade Média. Abordam-se debates historiográficos, estilísticos e terminológicos, como a questão moçárabe ou o termo «reconquista». Além disto, tratam-se também obras concretas do património conservado, como São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa ou São Pedro de Balsemão. A segunda parte trata as restaurações «estilísticas» que o Estado Novo realizou sobre o citado patrimonio altomedieval, e como tenhen afetado tanto no seu estado atual como no estudo do mesmo., El presente trabajo consta de dos partes diferenciadas. En primer lugar se busca una aproximación a la realidad arquitectónica en el territorio portugués de la alta Edad Media. Se abordan debates historiográficos, estilísticos y terminológicos, como la cuestión mozárabe o el término «reconquista». Además de esto se tratan obras concretas de patrimonio conservado, como como São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa o São Pedro de Balsemão. La segunda parte trata de las restauraciones «en estilo» que el Estado Novo realizó sobre el mencionado patrimonio altomedieval, y como han afectado tanto su estado actual como el estudio del mismo., This work consists of two distinct parts. Firstly, it approaches the architectural reality of the early Middle Ages in Portuguese territory. It deals with historiographical, stylistic and terminological debates, such as the Mozarabic matter or the term ‘reconquest’. In addition, specific works of preserved heritage, such as São Frutuoso de Montélios, São Pedro de Lourosa or São Pedro de Balsemão, are dealt with. The second part deals with the restorations ‘in style’ that the Estado Novo carried out on the aforementioned early medieval heritage, and how they have affected both its current state and the study of it.

En el siguiente Trabajo de Fin de Grado se aborda el concepto de accesibilidad universal y su aplicación en algunos casos concretos en el patrimonio, pasando también por la normativa legal y el marco institucional vigente ahora mismo en nuestro país, las soluciones que se están aportando a esta situación acorde a la normativa, y si se cumple o no la misma. Con este trabajo se pretende concienciar acerca de la situación que viven las personas con diversidad funcional en nuestro país, en lo que a acceso a la cultura y patrimonio se refiere, y qué podemos hacer para solucionarlo., No seguinte Traballo de Fin de Grao abórdase o concepto de accesibilidade universal e a súa aplicación nalgúns casos concretos no patrimonio, pasando tamén pola normativa legal e o marco institucional vixente agora mesmo no noso país, as solucións que se están a aportar a esta situación acorde á normativa, e se se cumpre ou non a mesma. Con este traballo preténdese concienciar acerca da situación que viven as persoas con diversidade funcional no noso país, no que a acceso á cultura e patrimonio se refire, e que podemos facer para solucionalo., The following Final Degree Project deals with the concept of universal accessibility, and its application in some specific cases in heritage, as well as going through the legal regulations and the institutional framework currently in force in our country, the solutions that are being provided to this situation in accordance with the regulations and whether or not they are being complied with. The aim of this work is to raise awareness about the situation of people with functional diversity in our country in terms of access to culture and heritage and what we can do to solve it.