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The paper intends to explore the possible contributions of speculative pragmatism to the sociology of art, by reflecting on the controversies and resolutions that cross different actors and social practices when before the performance art and its modes of propagation. To do so, I will seek, on the one hand, from a dialogue with speculative pragmatism, to characterize the main aspects that constitute the performative experience. And on the other hand, to examine how this artistic experience challenges thinking about art, and specifically the sociology of art, while also mobilizing new developments for social theory., El texto se propone explorar los posibles aportes del pragmatismo especulativo a la sociología del arte, reflexionando sobre las controversias y resoluciones que atraviesan diferentes actores y prácticas sociales frente a la performance y sus modos de propagación. Para ello, buscaré, por un lado, desde un diálogo con el pragmatismo especulativo, caracterizar los principales aspectos que constituyen la experiencia performativa. Y por otro lado, examinar cómo esta experiencia artística desafía el pensamiento sobre el arte, y específicamente la sociología del arte, al mismo tiempo que moviliza nuevos desarrollos para la teoría social., Cet article vise à explorer les contributions possibles du pragmatisme spéculatif à la sociologie de l'art, en réfléchissant aux controverses et aux résolutions qui traversent différents acteurs et pratiques sociales devant la la performance et à ses modes de propagation. Pour ce faire, je chercherai, d'une part, à partir d'un dialogue avec le pragmatisme spéculatif, à caractériser les principaux aspects qui constituent l'expérience performative. Et d'autre part, examiner comment cette expérience artistique interpelle la pensée sur l'art, et en particulier la sociologie de l'art, tout en mobilisant également de nouveaux développements pour la théorie sociale., O texto pretende analisar os principais aspectos que constituem a experiência performática, bem como analisar as contribuições do pragmatismo-especulativo para renovação do campo da sociologia da arte. O texto estrutura-se em três partes: 1) contextualização do trabalho no âmbito do projeto de pesquisa Protocolos de musealização de ações performáticas em museus públicos de arte e a sua problemática desde o ponto de vista sociológico; 2) definição do conceito de experiência; 3) verificação do rendimento analítico desse conceito para a pesquisa em arte performática. Como conclusão central, o texto buscou sistematizar as maneiras pelas quais a sociologia pragmática-especulativa pode fornecer acesso às complexas redes de atores e práticas sociais envolvidas na produção artística contemporânea.

Resumo: O texto pretende analisar os principais aspectos que constituem a experiência performática, bem como analisar as contribuições do pragmatismo-especulativo para renovação do campo da sociologia da arte. O texto estrutura-se em três partes: 1) contextualização do trabalho no âmbito do projeto de pesquisa Protocolos de musealização de ações performáticas em museus públicos de arte e a sua problemática desde o ponto de vista sociológico; 2) definição do conceito de experiência; 3) verificação do rendimento analítico desse conceito para a pesquisa em arte performática. Como conclusão central, o texto buscou sistematizar as maneiras pelas quais a sociologia pragmática-especulativa pode fornecer acesso às complexas redes de atores e práticas sociais envolvidas na produção artística contemporânea. Résumé: Ce texte vise à analyser les principaux aspects qui constituent l’expérience performatique, ainsi que les apports du pragmatisme spéculatif au renouvellement du champ de la sociologie de l’art. Le texte est structuré en trois parties: 1) contextualisation du travail dans le cadre du projet de recherche Protocoles de muséalisation des actions performatiques dans des musées publics d’art et sa problématique du point de vue sociologique; 2) définition du concept d'expérience; 3) vérification de l’efficience analytique de ce concept pour la recherche en art performatique. Comme conclusion centrale, il s’agit dans ce texte de systématiser les formes mises en oeuvre par la sociologie pragmatique spéculative qui permettent de donner accès aux réseaux d’acteurs et de pratiques sociales complexes engagés dans la production artistique contemporaine. Abstract: The aim of this paper is to analyze the main aspects that constitute the performance experience, as well as to examine the contributions of speculative-pragmatism to the renewal of the field of sociology of art. The text is structured in three parts: 1) a contextualization of the work within the scope of the research project Protocols for the Musealization of Performative Actions in Public Art Museums and its problematic from the sociological point of view; 2) a definition of the concept of experience; 3) verification of the analytical yield of this concept for research in performance arts. As a main conclusion, the text sought to systematize the ways in which pragmatic-speculative sociology may provide access to the complex networks of actors and social practices involved in contemporary artistic production.

&nbsp, A partir de uma interpretação de Pagan Mysteries in the Renaissance (1958), obra de Edgar Wind, pretendemos propor uma compreensão de como o processo de institucionalização da História da Arte como disciplina acadêmica moldou os rumos e os métodos das pesquisas realizadas na área ao longo do século XX. Mas, acima de tudo, pretendemos considerar as formas como a escrita de Wind incorpora essa institucionalização Em seguida, voltamos nossa atenção para Theory of Art versus Aesthetics (1925), obra-chave de um jovem Wind, que marca algumas continuidades e rupturas em relação à sua obra mais madura, somente para lermos novamente, com um olhar renovado, o texto publicado no final dos anos cinquenta.

The present essay seeks to problematize the current condition of research in the arts by reviewing and reformulating a series of texts produced in the course of a decade for an editorial project focused on the topic, namely as it relates to the historical horizon of the arts and the discourses construed around them as well as to artistic creation, in a reflection that poses methodological, epistemological and hermeneutical questions. (…) Thus, our effort supports a kind of artistic research developed within poiesis, which unleashes the need for a new argument from the artist in order to confront other reasons in his poietic.

Les arts plastiques et la pensée critique au Portugal, tout au long de la période que nous délimitons entre le début du Marcellisme (1968) et la fin du XXe siècle (2000), constituent un territoire détude fècond. Il est déjà possible de comprendre ce panorama, parfois complexe, en raison des mutations politiques, sociales et culturelles qui à cette èpoque survenaient dans la vie portugaise, notamment avec la Révolution d'Avril 1974 et la chute de la dictature qui s'ensuivit, mais aussi avec sa propre voie vers la stabilisation de la démocratie. L'objet de cette étude se fonde, donc, sur des événements, parcours, artistes, oeuvres, politiques culturelles, instituitions, enseignement artistique, publications, périodiques spécialisées, problématisation et critique, et trait d0union, bien sûr, avec la toile de fond internationale.

A iminência dos desenvolvimentos tecnocientíficos observados sobretudo a partir dos anos 1960 tem ampliado as maneiras como artistas podem se expressar, principalmente mediante a adoção e colaboração com interfaces inteligentes, que cada vez mais assimilam qualidades humanas e são capazes de assistir a criação. Deste cenário emerge o acoplamento homem-máquina, que embaralha a práxis e se materializa na hibridação – uma simbiose que adota o corpo enquanto metáfora para simbolizar sistemas complexos de naturezas distintas, orgânicas e inorgânicas. A partir do entendimento da necessidade de se refletir sobre a criatividade artística na dimensão artificial, experimentadas numa dinâmica de cocriação, o artigo irá destacar algumas características de um cenário em que a gestação de obras artificializadas implica a adoção de discursos antropomorfizados capazes de assimilar a metamorfose que simboliza tanto uma nova geração de imagens técnicas, quanto um novo momento para a arte e a ciência. A análise se constrói a partir das noções de imagem técnica (FLUSSER), incorpora o pensamento de sistemas enquanto corpos (ZUANON) e apresenta brevemente as noções de embodiment, emoção e sociabilidade (SUCHMAN) como elementos para pensar os próximos passos da criação assistida por interfaces inteligentes. A plataforma de criação Playform auxilia a construção da narrativa.

Dissertação (Mestrado) — Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, Brasília, 2021. A presente pesquisa tem por objetivo cotejar o conceito panofskyano de habitus, apresentado no livro Arquitetura Gótica e Escolástica, de 1951, com as representações iconográficas da passagem bíblica da Última Ceia. Consideramos, primeiramente, que abarca conformações plásticas do referido tema a partir de transposições de tipos iconográficos anteriores, referentes a temas grecorromanos envolvendo a comensalidade, na produção visual paleocristã, dedicando especial atenção a seu contexto e antecedentes históricos. Paralelamente à análise de pinturas e relevos significativos em processos de estabilização e transformações estilísticas até o Renascimento, buscou-se apresentar e discutir pontos fundamentais do desenvolvimento diacrônico do conceito de habitus segundo a proposta metodológica de Erwin Panofsky, que remonta a antecedentes aristotélico-tomistas. Este movimento metodológico permitiu apreender certos elementos que relacionam a iconografia e o conceito em questão, procurando compreender qual seria a qualidade de tal relação. Tal cotejamento, realizado no extenso recorte temporal mencionado, objetivou, em seguida, verificar a interação do conteúdo imagético e das proposições conceituais à luz do conceito panofskyano, propondo que as transfigurações iconográficas já apresentariam um arcabouço substancial passível de ser submetida à correlação que Erwin Panofsky denominou uma análise de “causa-e-efeito”, em contraposição a uma perspectiva de “evolução das formas”. Na última etapa da pesquisa, realizou-se um salto temporal de modo a verificar, sob uma perspectiva histórica, diferentes retornos à iconografia da Última Ceia, a partir da constituição da acepção panofskyana do conceito de habitus, considerando seu debate à época da publicação do referido livro, entre seus detratores e sua adoção por Pierre Bourdieu. Finalmente, discutiu-se a viabilidade de uma reconsideração metodológica do habitus em história da arte, a partir da proposição de Adi Efal Lautenschläger, paralelamente à identificação de reverberações a nós contemporâneas do tema da Última Ceia em suas cristalizações pela cultura visual da virada do século XX para o XXI. Desse modo, buscou-se, ainda que com ressalvas, recolocar à baila a discussão do conceito de habitus no atual debate sobre as bases teórico-metodológicas do campo disciplinar da história da arte, a partir de um tema tão pregnante da cultura greco-judaico-cristã, como a Última Ceia, e suas mais diversas apropriações e deslocamentos. This research aims to compare the Panofskian concept of habitus, presented in the book Gothic and Scholastic Architecture, from 1951, with iconographic representations of the biblical passage of the Last Supper. First, we consider that it encompasses plastic conformations of the referred theme from transpositions of previous iconographic types, referring to Greco Roman themes involving commensality, in the paleochristian visual production, dedicating special attention to its context and historical background. Parallel to the analysis of paintings and significant reliefs in stabilization processes and stylistic transformations until the Renaissance, an attempt was made to present and discuss fundamental points of the diachronic development of the concept of habitus according to the methodological proposal of Erwin Panofsky, which dates back to Aristotelian-Thomists antecedents. This methodological movement allowed us to apprehend certain elements that relate iconography and the concept in question, trying to understand what would be the quality of such a relationship. Such comparison, carried out in the extensive time frame mentioned, aimed to verify the interaction of the imagery content and conceptual propositions in the light of the Panofskian concept, proposing that the iconographic transfigurations would already present a substantial framework capable of being subjected to the correlation that Erwin Panofsky called an analysis of “cause and-effect”, as opposed to a perspective of “evolution of forms”. In the last stage of the research, a time leap was made in order to verify, from a historical perspective, different returns to the iconography of the Last Supper, from the constitution of the Panofskian meaning of the concept of habitus, considering its debate at the time of publication of the referred book, among its detractors and its adoption by Pierre Bourdieu. Finally, the feasibility of a methodological reconsideration of the habitus in art history was discussed, based on the proposition of Adi Efal Lautenschläger, in parallel with the identification of reflections to us contemporary to the theme of the Last Supper in its crystallizations by the visual culture of turn of the 20th to the 21st century. In this way, we sought, albeit with reservations, to bring back to the fore the discussion of the concept of habitus in the current debate on the theoretical-methodological bases of the disciplinary field of art history, based on such a pregnant theme of Greek-Jewish-Christian culture, like the Last Supper, and its most diverse appropriations and displacements1 .

Submitted by Sarah Duarte (sarahmd4@hotmail.com) on 2021-10-26T14:15:31Z No. of bitstreams: 1 tese sarah marques duarte - completa.pdf: 26361845 bytes, checksum: 8349e6c09cce91380596f5f0322d09e8 (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2021-11-01T12:36:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese sarah marques duarte - completa.pdf: 26361845 bytes, checksum: 8349e6c09cce91380596f5f0322d09e8 (MD5) Made available in DSpace on 2021-11-01T12:36:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese sarah marques duarte - completa.pdf: 26361845 bytes, checksum: 8349e6c09cce91380596f5f0322d09e8 (MD5) Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado da Bahia (FAPESB) A presente investigação aborda ações participativas propostas por artistas ‘latino- americanes’ na contemporaneidade. Estas mostram-se como poderosas formulações para o que aqui percebemos como dimensão central nos movimentos/práticas de descolonização da arte, dos corpos, dos sujeitos, das subjetividades e, centralmente, da vida: a potência de liberação das sensibilidades. As propostas investigadas problematizam a arte como tecnologia de perpetuação do paradigma estético europeu, desviam-se da supremacia do capital, deslocam a ideia da arte como disciplina/técnica, entre outras questões, e, principalmente, provocam permeabilidades - acesso ao saber-do-corpo. Aqui, a abertura poética é vista como forma de impulsionar gestos de criação e cooperação, em consequência, como modo de provocar transformações nas políticas de subjetivação próprias à modernidade/colonialidade. A pesquisa inscreve-se no campo das artes e observa proposições que convidam a pessoa ‘espectadora’ ao ato poético, prática aqui entendida como corpolítica - por desafiar o instituído e projetar futuros desviantes. Entre os objetivos da tese destacam-se a identificação, descrição e estudo de proposições; a articulação entre ações das décadas de 1960/70 e atuais; a reflexão em torno das estratégias empregadas por artistas para o convite ao encontro e à criação; a observação de seus impulsos e intenções, bem como de que urgências despontam. Para a abordagem destas questões, o referencial teórico foi composto por vozes de artistas, ‘pensadories’ da performance, da arte contemporânea, da arte latino-americana, dos conceitualismos e da opção decolonial. As ações observadas foram identificadas em festivais, encontros, catálogos e plataformas virtuais de eventos; foram utilizados depoimentos, realizadas entrevistas com artistas/‘propositories’, bem como experiências práticas que compõem o corpo da investigação. Ao estudar estas proposições, explicitou-se que a participação é tática poética que irrompe do desejo des artistas de promover transformações nos âmbitos macro e micropolíticos, de ‘despertar’ mundos outros neste mundo. O entendimento da vida como criação é motor para a formulação de tais operações poéticas. Assim, as ações observadas convocam ‘le espectadore’ a fazer/pensar a ‘obra’, criando-a e, em consequência, recriando o mundo. Um devir potencializador da diferença, de singularidades, subjetividades outras, composições de realidade coletivamente e processualmente produzidas. The present investigation addresses participatory actions proposed by contemporary Latin American artists. These are shown as powerful formulations, in what are perceived as central dimensions in movements for, and practices of, the decolonization of art, bodies, subjects, subjectivities, and most centrally, of life: that is, as potential forces of liberating sensibilities. The investigated proposals problematize art as a technology perpetuating the European aesthetic paradigm, deviate from the supremacy of capital, and displace the idea of art as a discipline and technique, among other issues, whilst, in the main, provoking permeability and access to ‘knowledge-of-the-body’. Here, poetic openness is seen as a way of impelling gestures of creation and cooperation, and as a result, a way of provoking transformations to politics of subjectivation proper to modernity/coloniality. The research is situated in the field of the arts and addresses propositions that invite the ‘spectator’ into the poetic act, a practice here understood as corpolítica – challenging instituted norms and projecting deviant futures. Amongst the objectives of the thesis are the identification, description, and study of propositions per se; articulations between actions from the 1960s to 1970s and current ones; reflections on strategies employed by artists to come together and create; as well as observations of their impulses, intentions, and issues of urgent importance which came to light. In addressing these areas, the theoretical framework developed has been composed of artists’ voices, theorists of performance, contemporary art, and Latin American art, alongside conceptualizations of the decolonial option. Actions observed were identified in festivals, meetings, catalogues, and virtual platforms for events; with accounts and interviews of respective artists and idealizers carried out and drawn on, along with other practical experiences which make up the main body of the investigation. Whilst studying these propositions, it was made clear that participation was seen as a poetic tactic that erupts from the desire of artists to promote transformations in the macro and micro political spheres, to ‘awaken’ other worlds in this world. An understanding of life as creation is the engine for the formulation of such poetic operations. Thus, the observation of actions included invitations to ‘spectator’ to do and think about the ‘work’, creating it, and in doing so, recreating the world. It is therefore a becoming and a potential realizer of difference, of singularities, and other subjectivities, with compositions of reality produced processually and collectively. La presente investigación aborda acciones participativas propuestas por artistas latinoamericanes en la contemporaneidad. Estas se muestran como poderosas formulaciones para lo que percibimos aquí como una dimensión central en los movimientos/prácticas de descolonización del arte, de los cuerpos, de los sujetos, de las subjetividades y, centralmente, de la vida: la potencia de liberación de las sensibilidades. Las propuestas investigadas problematizan el arte como tecnología que perpetúa el paradigma estético europeo, se desvían de la supremacía del capital, desplazan la idea del arte como disciplina/técnica, entre otras cuestiones, y, principalmente, provocan permeabilidades -acceso al saber-del-cuerpo. Aquí, la apertura poética se ve como una forma de potenciar gestos de creación y cooperación, en consecuencia, como modo de provocar transformaciones en las políticas de subjetivación propias a la modernidad/colonialidad. La investigación se inscribe en el campo de las artes y observa proposiciones que invitan a la persona “espectadora” al acto poético, práctica aquí entendida como corpolítica, por desafiar a lo instituidos y por proyectar futuros en desvíos. Entre los objetivos de la tesis se destacan la identificación, descripción y estudio de proposiciones; la articulación entre acciones de los años sesenta/setenta y actuales; la reflexión sobre las estrategias empleadas por les artistas para invitar al encuentro y la creación; la observación de sus impulsos e intenciones, así como de qué urgencias surgen. Para abordar estos temas, el marco teórico estuvo compuesto por voces de artistas, pensadores de performance, arte contemporáneo, arte latinoamericano, conceptualismos y la opción decolonial. Las acciones observadas fueron identificadas en festivales, reuniones, catálogos y plataformas virtuales para eventos; se utilizaron testimonios, se realizaron entrevistas con artistas / propuestas, así como experiencias prácticas que conforman el cuerpo de la investigación. Al estudiar estas proposiciones, quedó claro que la participación es una táctica poética que surge del deseo de les artistas de promover transformaciones en las esferas macro y micropolíticas, de ‘despertar’ otros mundos en este mundo. La comprensión de la vida como creación es el motor para la formulación de tales operaciones poéticas. Así, las acciones observadas invitan a les espectadories a hacer/pensar la “obra”, creandola y, en consecuencia, recreando el mundo. Un devenir potenciador de la diferencia, de las singularidades, subjetividades otras, composiciones de la realidad colectiva y procesualmente producidas.

Orientador: Anna Paula da Silva Gouveia Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa teve por objetivo investigar a utilização da perspectiva na arte contemporânea por meio do trabalho da artista plástica brasileira Regina Silveira. Uma das preocupações foi analisar as questões que estão por trás da presença da perspectiva dentro da produção artística atual, como por exemplo, a crítica à natureza da imagem e seus meios de representação, a manipulação do ponto de vista, a simulação e a ilusão do espaço e ainda como deformação no caso das anamorfoses. Todas essas questões foram permeadas pela teoria da percepção visual e da psicologia da percepção em análises das obras da artista brasileira, seus trabalhos gráficos (desenhos e gravuras), objetos e instalações a partir do final dos anos 70 até os mais atuais, como também os chamados desenhos preparatórios e as maquetes, que são projetos nos quais a artista desenvolve as idéias de seus trabalhos e são neles que mais se percebe a manipulação da perspectiva. Também foram analisados trabalhos de outros artistas que discutiram ou discutem as mesmas questões que a artista brasileira, como por exemplo, Marcel Duchamp e Jan Dibbets. Essa análise mostrou que cada período histórico possui sua visão de mundo e uma maneira de dirigir o olhar para um determinado ponto de vista, portanto uma maneira de utilizar a perspectiva. Nos dias atuais, a subversão do olhar do espectador e, ainda, a destruição da estabilidade de sua percepção causada por essa subversão, fazem da manipulação do ponto de vista a partir do uso da perspectiva, uma atitude contemporânea no trabalho desses artistas Abstract: This research was intended to investigate the use of perspective in contemporary art through the work of the Brazilian artist Regina Silveira. One of the concerns was the issues behind the presence of perspective within the current artistic production, for example, the critical of the image¿s nature, the resources of representation, the manipulation of viewpoint, the simulation, the space illusion and the deformation as in the case of anamorphosis. All these questions were related to the theory of visual perception and the psychology of perception in analyses of the Regina Silveira¿s work, in graphics (drawings and prints), objects and installations from the end of 70 to the current, but also the called preparatory drawings and models, that are projects in which the artist develops the ideas of their work and more if realizes the manipulation of perspective. Were also analyzed works of other artists who discussed or discuss the same issues as the Silveira, for example, Marcel Duchamp and Jan Dibbets. The analysis showed that each historical period has its vision of the world and to deal the look for a particular viewpoint, so a way to use the perspective. Nowadays, the subversion of the look of the spectator and, yet, the destruction of stability of their perception caused by such subversion, make the manipulation of viewpoint a contemporary attitude in the work of such artists Mestrado Mestre em Artes

This article discusses the issue of the pictorial gesture potency in Carolee Schneemann’s creating process and how her use of herself body allowed her to question whether she could, in addition to an image be also an image maker: a poetic and theoretical juxtaposition at the same time, which causes specific displacements in her performative work. This study aims to correlate operatory concepts around the nymph as a theoretical object, with special attention to its accessories in movement, in the Warburgian sense, from the examination of iconological paths and theoretical approaches inaugurated by Aby Warburg, having as focus the crossings between painting and the body arts. RÉSUMÉ Cet article traite de la question de la puissance du geste pictural dans le processus de création de Carolee Schneemann et de la façon dont son utilisation du corps lui a permis de se demander si elle pouvait, en plus d’une image, être aussi une image maker: à la fois une juxtaposition poétique et théorique qui provoque des déplacements spécifiques dans son œuvre performatique. On cherche corréler les concepts opératoires autour de la nymphe en tant qu’objet théorique, avec une attention particulière à ses accessoires en mouvement, dans le sens warburgien à partir de l’examen des parcours iconologiques et les approches théoriques inaugurés par Aby Warburg, ayant comme accent les croisements entre la peinture et les arts du corps. RESUMO O artigo discute a questão da pujança do gesto pictórico no processo de criação de Carolee Schneemann e de como sua utilização do corpo permitiu a ela questionar se poderia, além de uma imagem, ser também uma image maker: a um só tempo uma justaposição poética e teórica, que causa deslocamentos específicos em sua obra performática. Objetiva-se cotejar conceitos operatórios em torno da ninfa como objeto teórico, com especial atenção a seus acessórios em movimento, no sentido warburguiano, a partir do exame de percursos iconológicos e abordagens teóricas inaugurados por Aby Warburg, tendo como escopo os atravessamentos entre a pintura e as artes do corpo.

Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 La tesis del fin del arte es una de las más controvertidas que se han manejado en el ámbito de la Estética. Hegel sentó las bases del asunto cuando impartió sus Lecciones sobre estética a lo largo de la década de 1820. Desde entonces, numerosos autores han abordado la cuestión para realizar sus particulares indagaciones en torno al supuesto acabamiento del arte. Este trabajo pretende, en primer lugar, presentar la línea de argumentación hegeliana y sus implicaciones a partir de la misma y de las diversas interpretaciones que otros autores han hecho de ella. En relación con ello, resaltaremos también la labor de Arthur C. Danto, con su obra Después del fin del arte, para enfocar el planteamiento que nos concierne desde una perspectiva más actual. En segundo lugar, intentaremos ilustrar dicha tesis en relación a la evolución del arte de la pintura hacia el Informalismo. Por fin, en las conclusiones, intentaremos posicionarnos en relación al asunto. ¿Realmente puede hablarse de la muerte del arte? A tese do fin da arte é unha das máis controvertidas que se manexaron no ámbito da Estética. Hegel sentou as bases do asunto cando impartiu as súas Leccións sobre estética ao longo da década de 1820. Desde entón, numerosos autores abordaron a cuestión para realizar as súas particulares indagacións en torno ao suposto acabamento da arte. Este traballo pretende, en primeiro lugar, presentar a liña de argumentación hegeliana e as súas implicacións a partir da mesma e das diversas interpretacións que outros autores fixeron dela. Por iso resaltaremos tamén o labor de Arthur C. Danto, coa súa obra Despois do fin da arte, para enfocar a formulación que nos interesa desde unha perspectiva máis actual. En segundo lugar, tentaremos ilustrar dita tese en relación á evolución da arte da pintura cara a o Informalismo. Por fin, nas conclusións, tentaremos posicionarnos en relación ao asunto. Realmente pode falarse da morte da arte? The thesis of the end of art is one of the most controversial theses that have been dealt with in the field of Aesthetics. Hegel laid the foundations of the issue when he gave his Lessons on Aesthetics in the 1820s. Since then, numerous authors have approached the question in order to carry out their own particular enquiries into the supposed completion of art. This paper aims, firstly, to present the Hegelian line of argument and its implications based on it and the various interpretations that other authors have made of it. We will therefore also highlight the work of Arthur C. Danto, with his work After the End of Art, in order to approach the idea that concerns us from a more contemporary perspective. Secondly, we will try to illustrate this thesis in relation to the evolution of the art of painting towards Informalism. Finally, in the conclusions, we will try to position ourselves in relation to the question: can we really speak of the death of art?

Tradução da sgunda parte do estudo sobre o sistema das artes.

O artigo pretende apresentar e discutir as principais teses defendidas por Alva Noë, recentemente publicadas em Strange Tools (2015), sobre a questão da natureza humana e, especialmente, sobre a natureza da arte. O argumento principal de Noë consiste em explicar a natureza humana através da noção de atividades organizadas e, consequentemente, a arte em termos de uma reorganização exibitiva dessas atividades organizadas; dividindo, portanto, dois níveis distintos de engajamento atitudinal humano. O artigo também apresenta e discute a abordagem enativista à percepção de Noë, por entender que ela gera implicações interessantes para nossa compreensão atual sobre o estatuto da percepção, tanto em filosofia e em estética, quanto em arte.Palavras-chave: Arte; Natureza humana; Atividades organizadas; Enativismo; Alva Noë.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Investigação de um panorama acerca da história da arte na cidade de Uberlândia, sob a égide da formação e consolidação de seu mercado. Para tanto foram levantados em outras pesquisas fatos históricos a respeito dos primeiros artistas da cidade que articularam seus trabalhos no mercado local. A partir do mapeamento dos espaços de arte que não existem mais e alguns que ainda permanecem no circuito, tivemos a percepção de uma dinâmica cultural em transformação nas galerias comerciais de arte, concomitantemente ao desenvolvimento do curso de artes plásticas da Universidade Federal de Uberlândia e outros grupos independentes como a AICA - Artes Integradas CAMARU. As parcerias entre artistas e marchands foram crescentes a partir dos anos 1960 e foi notável a importância do casal Lourdes e Celso Queiroz no processo de comercialização da arte na cidade. Destacamos a Galeria Elizabeth Nasser como ponto- chave na profissionalização do mercado em Uberlândia nos anos 1990 principalmente pela divulgação das suas exposições atreladas à produção e impressão de catálogos com textos críticos. O tratamento dos dados acumulados foi feito a partir de um recorte temporal nas décadas de 1980 e 90, porém não desconsideramos o período anterior dos precursores do mercado na cidade dos anos 1950 a 70 Este trabalho foi dividido em dois capítulos, no primeiro intitulado “Aproximações no tempo e no espaço do campo artístico em Uberlândia” tratamos dos aspectos sociais da estruturação do circuito de arte e abordamos a metodologia utilizada para a pesquisa de campo. No segundo capítulo intitulado “Articulações das instâncias legitimadoras da arte no circuito fora do eixo” buscamos revelar as estratégias de legitimação dos artistas frente às novas instituições e formatos do meio cultural local. Investigation of a panorama about the history of art in the city of Uberlândia, under the aegis of the formation and consolidation of its market. To this end, historical research on the first artists of the city that articulated their work in the local market was made in other researches. From the mapping of spaces of art that no longer exist and some that still remain in the circuit, we had the perception of a cultural dynamic in transformation in the commercial art galleries, concomitantly to the development of the plastic arts course of the Federal University of Uberlândia and others Independent groups such as AICA - CAMARU Integrated Arts. The partnerships between artists and dealers were growing since the 1960s and it was remarkable the importance of the couple Lourdes and Celso Queiroz in the process of marketing the art in the city. We emphasize the Elizabeth Nasser Gallery as a key point in the professionalization of the market in Uberlândia in the 1990s mainly for the dissemination of its exhibitions linked to the production and printing of catalogs with critical texts. The treatment of the accumulated data was made from a temporal cut in the 1980s and 1990s, but we did not disregard the previous period of market precursors in the city from the 1950s to the 70s. This work was divided into two chapters, the first entitled "Approximations In the time and space of the artistic field in Uberlândia "we deal with the social aspects of the structuring of the art circuit and we approach the methodology used for field research. In the second chapter entitled "Joints of the legitimating instances of art in the off-axis circuit" we seek to reveal the strategies of legitimating artists in front of the new institutions and formats of the local cultural milieu. Dissertação (Mestrado)

Resumo O texto a seguir apresenta a contribuição de Yve-Alain Bois ao colóquio “Hubert Damisch, l’art au travail”, organizado em homenagem ao autor de Théorie du nuage, em Paris, pelo Institut National d’Histoire de l’Art, nos dias 8 e 9 de novembro de 2013. O relato rememora o convívio de Bois com Hubert Damisch e Roland Barthes, autores cujos seminários ele frequentou no início dos anos 1970. Abstract The following text presents the contribution of Yve-Alain Bois to the colloquium “Hubert Damisch, l’art au travail”, a homage to the author of Théorie du nuage organized in Paris by the Institut National d’Histoire d’Art in November 8th and 9th 2013. The report recalls the author’s relationship with Hubert Damisch and Roland Barthes, whose seminars Bois attended to during the early 1970’.

resumo Três textos centrais sobre Cubismo escritos nas primeiras décadas do século XX se distinguem pelo esforço de acompanhar de modo original as descobertas e formulações de Picasso, Braque, Léger e Juan Gris. Seus autores, Carl Einstein, Daniel-Henry Kahnweiler e Vincenc Kramář, fizeram leituras criativas do cubismo e defenderam a busca dos pintores por estabelecer novas compreensões do espaço baseadas na experiência vivenciada. Eles descartaram a concepção metafísica do espaço enquanto medida de valor espiritual, se esforçaram por evitar descrições baseadas em sentimentos e entenderam a experiência da arte a partir da interpenetração de elementos físicos e psíquicos. Apresentamos aqui algumas características desses três textos. abstract Three central texts on Cubism written in the first decades of the 20th century distinguish themselves by the effort of following the discoveries and formulations of Picasso, Braque, Leger and Juan Gris in an original way. The authors, Carl Einstein, Daniel-Henry Kahnweiler and Vincenc Kramář, made creative readings of Cubism and defended the painters’ quest for establishing new understandings of space based on experience. They discarded the metaphysical conception of space as an indication of spiritual value, strove to avoid descriptions based on feelings, understood the experience of art from the interpenetration of physical and psychic elements. Here are some characteristics of these three texts.

Tradução da primeira parte do estudo sobre o sistema das artes. Translation to portuguese