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Piero Dorazio has been one of the most important element of relation between Italian art and the United States during the Fifties and Sixties. For this volume, dedicated to the way Italian and U.S. art has come to confront with reciprocal advantage, the essay concerns how Dorazio has tqaken part in some editorial and exhibitive enterprises that gave the opportunity to trasnfer some of euopean values in abstract art to America and to present american art in Europe. In the final part is also considered the evolution of Dorazio's art around 1954-1955, after his first long stay in the United States.

The text is an exploration about the themes of spiritual and sacred art in the works of Lucio Fontana, as one of the entries in the dictionary dedicated to the Italian artist.

In 1912 Futurist promoter, Filippo Tommaso Marinetti, organized a "tournée" of exhibitions, starting froma Galeria Bernheim-Jeune in Paris, that touched different centers of the new art. Particularly, two of the exhibitions have been realized in the Netherlands, in Amsterdam and in Rotterdam, where in 1913 Boccioni exhibited the first futurist sculptures. The text, for an exhibition that has the goal to confront Futurist art with other avant-gardes in one of the most important european museums has been an insight on the works exhibited in those shows and their reviews, peculiarly in the Netherlands.

The text regards the way into which the Italian artist Francesco Somaini has confronted with the themes of sacred art, with particular attention to the works he realized at the end of the Sixties for a project about the relation to life, death and regeneration in his way of creating plastic forms for a "retablo" that he exhibited during a show in Palazzo Te in Mantova. That project has been object of a reprise in his thinking about his work in a letter to the Italian critic Enrico Crispolti, very close to the artist. The opportunity to exhibit all the scultpures that were part of that project, with the documents and pictures concerning that moment, permitted to pursue the reflections about the terms into which Somaini related to the themes of "sacred" as part of his inspiration and his way of creating in his sculpture of different moments, starting with the "Crosses" he realized at the end of the Fifties.

The other long text elaborated for the catalogue of the exhibition dedicated to the works of Dorazio between 1963 and 1968 is a lecture about the peintings that have been part of the exhibition. The works are divided in groups of them, selected with attention to the shapes, the combination of foms and the positions of them in the evolution of the painter, with indepths about most of the themes they suggest.

The essay is the main critical text in the big volume dedicated to the works of Piero Dorazio painted between 1963, when he left his former season of "textures" and starts a new way of creating forms with colours and stripes intertwined. This moment is very prcious for his position in the art world, concerning also the moment of great success and interest in the United States, wher the Italian artist teaches at the Penn State Unviersity in Philadelphia. In the essay his painting is confronted with the themes and the situations of an international horizon, concerning also his theoretical reading of a turning point in the Second World War art.

The text is an insight about the relationships between the artist Sergio Dangelo and the city of Albisola, that have been an important center for international art of the Fifties-Sixties. Besides of his works realized in Albisola with ceramics, in the text different moments of the way of looking at Albisola in the works and in the texts by Sergio Dangelo are taken in consideration.

The essay is a contribute about the relationships between abstract art of the Fifties-Sixties and futurism heritage, in the peculiar way the Italian artist Piero Dorazio played a role in this kind of relation. Piero Dorazio, indeed, has been one of the artist based in Rome after the Second World War who helps to rediscover Balla's art and in his paintings of the Sixties dedicated a personal hommage to the futurist painter.

The text is a reconstruction of the relationships between Max Ernst and Paul Eluard. Eluard with his wife Gala hosted the painter in the first part of the Twenties and during that time Ernst realized an entire cycle of mural paintings of the wall of the house, in Eaubonne, around Paris. After a lot of time the daughter of Paul Eluard and Gala has detached the paintings, that have been sold in singular parts. Now, some of them have been presented in the exhibition dedicated to the artist in Milan. The text concerns the importance of these paintings, for their subjects and for the relationships between the artist and the poet, in the definition of Surrealism.

The essay introduces the main theme of Remo Gaibazzi's work from the Seventies on, that is the subject of the book dedicated to the artist by the Foundation created to preserve his work and by the Public Administration of Parma, the city where he lived. using in many different ways the word "Lavoro" as a sign and as a signify he realized a loto of different paintings and works that consitutes a kind of "philosophical" or conceptual art, confronted in the catalogue (and in the exhibition from which it derives) with works by other artists.

The essay constitutes an interpretation of the work designed by Claudio Parmiggiani for the altar of the Santa Maria Assunta church in Gallarate in the light of his poetics. The altar, characterized by the presence of a certain number of heads reprised by different scultpures taken from the art history, assembled in a kind of disorder derived by what seems to be a chance composition, is treated in the books by several points of view. This essay is concentrated about four words that can explain it with regards to the entire itinerary of Parmiggiani work: the "sacred", the "heads", "memory" and "matter".

The essay is the introduction to the works of Gabriella Benedini that figure in an exhibition realized in Fondazione Sabe in Ravenna. The works cover a certain period of the career of the artist, concerning most of all her way of interpreting the themes of exploring and travelling through lands and cultures with her installations, made with found materials, assembled with a strong sensitivity. She refers to the image of arps, sundials and scientific instruments, creating metaphors of the way of looking at the world and the sky.

The text accompanies the main works of the Italian sculptor, selected for the exhibiton in Palazzo Reale. Looking at the evolution of his work, it pays attention to the theme of metamorphosis in the different moments of Somaini's sculpture and to its origins from the confrontation with history of art and with nature. Some of his works, like the "Monumento ai Marinai d'Italia", are considered for their relation to classical and modern art, with attention also to the relationships with architecture.

The text constitutes in a reflection on the use of space in Varisco's installations at the end of the Sixites. Varisco was a component of "Gruppo T", working during that decade. As for the others artists of the group, also for her the projects of public interventions and of environment has been of great importance. Particularly in 1969, when she realized a work for an exhibition in Schwarz gallery in Milan, while she participated at "Campo Urbano" exhibition in Como, her intention to create an interior and exterior place to go through has been a challenge projection of her ideas.

Atti del convegno realizzato nel 2019 in Unviersità Cattolica, concernente la figura e l'opera di Piero Dorazio. Dell'artista sono presi in esame, nelel tre sezioni del convegno e del volume, la definizione della sua posizione nel contesto dell'arte italiana del secondo dopoguerra, nell'ambito internazionale e per i rapporti tra pittura e architetura. I contributi, tutti originali, sono di taglio internazionale e si basano su ricerche di prima mano, svolte in rapporto diretto con l'Archivio Piero Dorazio.

In apertura dell'attività della Fondazione Francesco Somaini a Milano, il volume, realizzato per la mostra inaugurale, costituisce un ulteriore approfondimento sul tema delle relazioni tra lo scultore italiano e l'ambiente artistico americano, in relazione alla sua presenza nelle mostre e nel collezionismo degli anni Cinquanta-Settanta, e agli interventi da lui realizzati in spazi pubblici di alcune città americane (Atlanta, Philadeplhia, Rochester).

Per il convegno dedicato alla figura del critico e storico dell'arte Giovanni Carandente, il contributo indaga le relazioni fra Carandente e Pietro Consagra, per mettere in luce le ragioni di un incontro che vede nella partecipazione di Consagra alla storica mostra Sculture nella città, promossa da Giovanni Carandente nella città umbra nel 1962, un momento di particolare importanza, con il quale viene confrontata la realizzazione del gruppo di sculture "Trama", presentato da Consagra in apertura della mostra Scultura italiana del dopoguerra, curata dallo stesso Carandente all'interno della Biennale di Venezia del 1972. Alcentro delle considerazioni sono il rapporto tra scultura e città, come inteso da Consagra, in relazione al penseiro critico di Carandente.

Sergio Dangelo has been an all-life adept to Surrealism, starting from his discover of the poetics of the movement in the Forties. His adherence to the ideas of Breton has been testify by his works, that distinguished in the panorama of post-War-II art for its original way of inventing new worlds. Dangelo's position, like founder of Movimento Nucleare with Enrico Baj and through his relationships with Arturo Schwarz, editor of important contribution for Surrealism in Italy and all over the world, is considered in the perspective of the situation of art in Milan during the Fifties-Sixties and on again, in the specific contest of the revue dedicated to the fortune of Surrealism in Italy.

Curtela del volume in cui sono state raccolte le opere pittoriche realizzate da Enrico Della Torre dal 1953 a oggi. L'opera dell'artista, tra i protagonisti della pittura del secondo Novecento e contemporanea, è articolata nelle diverse stagioni in cui si è sviluppata. Il volume è corredata da un saggio storico-critico del curatore del volume. Le ricerche finalizzate alla schedatura delle opere sono state realizzate da giovani studiose, all'interno delle iniziative avviate dal Centro di Ricerca sull'Arte Astratta in Italia, attivo presso l'Università Cattolica del Sacro Cuore.

Il volume raccoglie i principali scritti dedicati da Luciano Caramel all'astrattismo italiano degli anni Trenta, realizzati a partire dalla mostra da lui curata nel 1969 a Monza per giungere a quella dedicata al rapporto tra Kandinsky e l'arte italiana, in Palazzo Reale a Milano nel 2007. Gli studi di Caramel sull'argomento sono tra i suoi interventi più importanti e inquadrano il tema sotto diversi punti di vista, con attenzione ai protagonisti di quella situazione, oggetto anche di altri interventi monografici non qui contemplati. Ogni scritto è introdotto da una nota che lo colloca nel contesto in cui ha avuto la sua originale definizione.

Le "cartografie" sono le reazlizzazioni a rilievo in legno che Dorazio ha eseguito nei primi anni Cinquanta e che rappresentano il corpo portante delle sue prime esposizioni personali, realizzate negli Stati Uniti fra 1953 e 1954. Fanno parte di una sezione del suo lavoro in seguito ripresa in esame sporadicamente, ma costituisono un gruppo di lavori particolarmente significativi per cogliere la posizione di Dorazio in quel periodo, sia in relazione alle relazioni tra arte e ambiente, sia per la concezione originale di opere astratte di carattere lirico. Nell'intervento, fondato su una ripresa di documenti poco considerati, si avanza un confronto con le forme di rappresentazione ed elaborazione spaziale contemporanea.

The book is the catalogue of the exhibition realized in Casa Museo Boschi Di Stefano, collecting the paintings realized by Sergio Dangelo, during the Fifties and Sixties, comprised in the Boschi Di Stefano collection. The works show at their best the kind of involvement of the artist in the features of international painting of that period, influenced by the Surrealist ideas and looking at the kind of new authomatism of the "nuclear" age. Dangelo has been one of the founders of Movimento Nucleare and an artist in strict relationships with international groups. The volume comprehends the catalogue of all the works by Sergio Dangelo in the collection.

The book, in two volumes, gathers the works that Gianni Bertini, one of the most importan Itlaian artist of the second part of Twentieth Century, created during his life from 1940 to 2009, when he died. More than 2.000 works represent the different moment of his activity, starting with the first paintings in Pisa, following with his abstract works concerning the relationships with Italian groups of postwar and the ones realized during his first season in Paris, in the area of international Informel, then with the paintings composed in the technique of Mec-Art (mechanical painting), with which he became well-known from the Sixties on.

All'interno di una presentazione di opere di quindici artisti italiani fra gli anni Settanta e oggi, che hanno fatto e fanno ricorso a materiali operativi diversi, dal cemento, alla terra, alle plastiche, alla luce nelle sue diverse forme di produzione, l'intervento si pone come una riflessione sul passaggio avvenuto nel corso del Novecento dalla necessità di combinare materie differenti, nel "polimaterismo" programmaticamente sviluppato dalle premesse di cubismo e futurismo, alla specializzazione nei materiali che vanno a caratterizzare la poetica, oltre che la tecnica, espressiva dei singoli autori nella più vicina contemporaneità.

Uno dei testi introduttivi del volume, rivolto a illustrare come il futurismo abbia agito in una ipotesi di rinnovamento e trasformazione del linguaggio e dei modi di impostare l'espressione artistica in una stretta relazione fra le arti, che coinvolge, con la letteratura e l'arte visiva, l'ambito del teatro e della cinematografia, impostando, in Italia, la trasformazione portata dalle forme dell'avanguardia dell'inizio del Novecento.

Sull'influenza dell'opera di Kerouac su alcuni autori americani degli anni Sessanta-settanta, di area concettuale e ambientale, che hanno fatto del viaggio nei luoghi più riposti dell'America il fattore di elaborazione di opere che mostrano affinità con l'opera di Kerouac. Tra gli artisti presi in considerazione sono Ed Ruscha, autore di libri con immagini delle strade americane e di un recente volume illustrato dedicato all'opera maggiore di Kerouac, e Robert Smithson, che in alcuni suoi interventi mostra una sensibilità molto attenta ad alcuni aspetti dell'opera di Kerouac.

Intervento sui rapporti tra il futurismo e le modificazioni intercorse nella immagine della città di Milano nei primi anni del secolo. In particolare, a partire da illustrazioni di Boccioni per la rivista del Touring Club, si indaga il modo in cui i futuristi hanno interpretato l'incedere dell'automobile, della bicicletta e di altri mezzi di locomozione, che riflettono il concetto di velocità e di dinamismo, centrale per la poetica del movimento. Sotto un ulteriore profilo, la rappresentazione della città passa attraverso alcune forme di "mappatura", come quelle elaborate da Marinetti e da Carrà in alcune occasioni, come nel noto foglio di Carrà "Rapporto di un nottambulo milanese", preso in esame quale racconto di un tragitto compiuto dall'artista in una notte dell'estate del 1914.

La scultura di Alik Cavaliere molto presto si definisce in un tentativo di scavalcare le caratteristiche della scultura stessa, sia con le proposte di opere concepite in una sequenza, sia nel rinnegare la forma chiusa. Un capitolo particolare della riflessione sulla scultura di Cavaliere è poi costituito dalle forme di collaborazione da lui stesso avviate con altri autori, all'interno di una idea di arte "partecipata", che non si completa nella realizzazione del suo stato plastico.

Riflessione sulla presenza di segni del sacro nell'arte e nell'immagine della città all'interno delle nuove costruzioni realizzate fra gli anni venti e trenta. Vengono presi in esame alcuni episodi di iconografie di carattere religioso nell'opera di artisti come Renato Birolli e Aligi Sassu, oltre a Giacomo Manzù e Adolfo Wildt. Sono considerati alcuni edifici rappresentativi, come il Sacrario ai Caduti e il complesso dell'Università Cattolica, ma anche alcuni interventi di autori nelle chiese esistenti o di nuova fondazione.

In alcune opere di autori del Novecento si può riconoscere una tensione a rappresentare una concezione di trascendente che esula dalla diretta iconografia del sacro, ma che si può vedere in sintonia con le qualificazioni di un senso del vuoto, equiparabile alla condizione delle chiese cristiane nel giorno del sabato santo. Si prende in esame l'opera di Matisse, Porta-finestra a Collioure, del 1914, come esempio di un lavoro che rappresenta a suo modo una concezione del vuoto come soglia del mistero. In altro modo possono essere considerate in una simile direzione opere come quelle di Lucio Fontana e di Alberto Burri di fine anni Cinquanta, anch'esse indaganti il senso del mistero.

In occasione di una mostra che presenta un importante nucleo delle opere di Somaini che sono appartenute a importanti collezioni americane, vengono presi in esame i contatti da lui intrattenuti negli anni Cinquanta-Sessanta con figure come Rockfeller, Philip Johnson, Winston Malbin, all'interno di una riflessione storico-critica sulle ragioni del suo successo americano dell'epoca, esplicitatosi in un serrato confronto con l'arte europea e americana del periodo, nei confronti della quale Somaini ha espresso una peculiarità nel connettere conoscenze tecniche con esplorazioni formali originali.

Il testo parte dal confronto fra la parete di "cicche di sigaretta" composta da Pamuk all'interno del Museo dell'Innocenza e le opere di analogo materiale realizzate dall'artista inglese Damien Hirst, per analizzare come la forma linguistica di ricorso a oggetti appartenenti all'"infraordinario" entrino in una composizione di tipo letterario e di tipo esplicitamente artistico, per considerarne analogie e differenze.

Catalogo della mostra retrospettiva dell'artista Pino Pinelli, con opere realizzate tra i primi anni Settanta e il presente, ospitata nelle sale di Palazzo Reale e delle Gallerie d'Italia di piazza Scala. La mostra, installata tenendo conto delle caratteristiche del lavoro dell'artista, che distribuisce le sue "forme di colore" nello spazio, costituiva un'efficace ricostruzione delle diverse stagioni del suo operare. Nel saggio di apertura in particolare è preso in esame il momento del passaggio dal quadro alla dimensione di una pittura che opera nello spazio e con lo spazio, decisivo per tutte le vicende successive della sua opera.

Many works of art from the 1960s and 1970s were more in the nature of propositions, sociological, political, philosophical and theoretical reflections than works of easel art. The artists proposed ideas in visual forms and thus through purely artistic languages, but with means that were new to the art world: video, analogue photography, performance, etc. Hence the major problem inherent in the topic of conservation: the difficulty of re-presenting works today that were largely created with obsolete technical means or in an ephemeral manner. The article aims to investigate this aspect, especially in the light of today's many reenactments of past exhibitions.