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À partir d’une analyse documentaire des productions audiovisuelles mises en ligne sur Pitchfork et des contenus qui en font la promotion, cet article propose d’explorer comment l’usage du live permet au webzine de légitimer son rôle comme composante créative au sein des industries de la musique. Comment les forces de modelages des plateformes numériques, tel que YouTube, ont-elles transformé les pratiques du webzine et les possibilités de création et de diffusion de productions audiovisuelles live? Cet article propose le concept de performance de la forme en explorant comment de multiples performances peuvent être attribuées à une forme culturelle donnée., Based on a documentary analysis of audiovisual productions posted online on Pitchfork and the content that promotes it, this article explores how the use of live music allows the webzine to legitimize its role as a creative component within the music industries. How have the molding forces of digital platforms, such as YouTube, transformed the webzine’s practices and the possibilities for creating and broadcasting live audiovisual productions? This article proposes the concept of form performance by exploring how multiple performances can be attributed to a given cultural form.

L’objet du présent article est de proposer un état des lieux de la période troublée comprise entre le 1er janvier 1870 et le 31 décembre 1871, à travers sa réception dans six des principaux périodiques musicaux français et allemands publiés à Paris, Berlin et Leipzig. Ces bornes chronologiques assez larges permettent de tenir compte des six mois ayant précédé la déclaration de guerre franco-allemande et des sept mois ayant suivi la fin de la Commune de Paris. La première partie de cet article a pour sujet l’interruption provisoire ou définitive de la publication des périodiques musicaux parisiens et l’intérêt soutenu de chaque pays pour les nouvelles de son voisin. Les trois parties suivantes sont consacrées respectivement à la large diffusion du répertoire instrumental allemand à Paris, à la délicate position d’Offenbach durant la guerre et aux festivités du centenaire de la naissance de Beethoven. La cinquième et dernière partie de cet article étudie la vaste production de chants patriotiques et nationalistes. In diesem Beitrag wird eine Bestandsaufnahme der unruhigen Zeit zwischen dem 1. Januar 1870 und dem 31. Dezember 1871 vorgenommen anhand der Rezeption in sechs wichtigen deutschen und französischen Musikzeitschriften, die in Paris, Berlin und Leipzig erschienen. Dieser recht breite Zeitrahmen ermöglicht es, die sechs Monate vor der Erklärung des Deutsch-Französischen Krieges und die sieben Monate nach dem Ende der Pariser Kommune einzubeziehen. Der erste Teil dieses Texts befasst sich mit der vorübergehenden oder endgültigen Unterbrechung der Veröffentlichung der Pariser Musikzeitschriften und dem anhaltenden Interesse beider Länder an Nachrichten aus dem jeweiligen Nachbarland. Die folgenden drei Teile widmen sich der starken Präsenz des deutschen Instrumentalrepertoires in Paris, der heiklen Position Offenbachs während des Krieges und den Feierlichkeiten zu Beethovens 100. Geburtstag. Der fünfte und letzte Teil untersucht die umfangreiche Produktion patriotischer und nationalistischer Lieder. The purpose of the present article is to propose an inventory of the troubled period between January 1, 1870 and December 31, 1871, through its reception in six of the main French and German music periodicals published in Paris, Berlin and Leipzig. This broad chronological perspective makes it possible to take into account also the six months preceding the declaration of the Franco-German War and the seven months following the end of the Paris Commune. The first part of the article deals with the temporary or definitive interruption of the publication of Parisian music periodicals and the sustained interest of each country in news from its neighbour. The next three parts are devoted to the strong presence of the German instrumental repertoire in Paris, to Offenbach’s delicate position during the war and to the festivities of the centenary of Beethoven’s birth. The fifth and last part studies the vast production of patriotic and nationalistic songs.

International audience

1770 in Bonn geboren, lässt sich Ludwig van Beethoven 1792 in Wien nieder, um dort bis zu seinem Tod 1827 zu bleiben. Sowohl auf nationaler als auch auf internationaler Ebene und weit über die Grenzen des deutschen Sprachraums werden die Werke des Komponisten rasch einen Riesenerfolg haben. Gegenstand der Untersuchung ist Beethovens Rezeption in der Wiener Musikpresse des 19. Jahrhunderts. Diese weitgehend mit einem österreichischen Patriotismus gefärbte Rezeption zeigt wie oft an Deutschland allgemein und an Bonn insbesondere der Vorrang des Vermächtnisses des Komponisten verweigert wird. Dieser Aufsatz ist in vier Teile gegliedert. Zunächst werden die letzten Jahren des Komponisten und sein Tod 1827 thematisiert, dann die Einweihung des Beethoven-Denkmals auf dem Bonner Münsterplatz im August 1845, anschlieβend die Hundertjahrfeier des Geburtstages, die gleichzeitig mit der deutschen Einheit 1870-1871 geschieht, und zuletzt die Rezensionen der zahlreichen Bücher und Monographien, die dem Komponisten im 19. Jahrhundert gewidmet werden., Born in Bonn in 1770, Ludwig van Beethoven moved to Vienna in 1792 and remained there until his death in 1827. The composer’s musical production quickly achieved national and international success that went far beyond the borders of the German-speaking world. This article examines the reception of Beethoven in the 19th century through the lens of the Viennese music press, a reception largely tinged with an Austrian patriotism that likes to deny Germany in general, and Bonn in particular, the primacy of the composer’s legacy. It is divided into four parts: the last years of the composer’s life and his death in 1827, the inauguration of the Beethoven monument in Bonn in August 1845, the centenary of his birth, contemporary with German unity in 1870-1871, and reviews of the numerous works and monographs devoted to the composer throughout the 19th century., Né à Bonn en 1770, Ludwig van Beethoven s’installe à Vienne en 1792 pour y demeurer jusqu’à son décès en 1827. La production musicale du compositeur rencontre rapidement un succès national et international qui dépasse largement les frontières du monde germanique. Cet article a pour objet d’étudier la réception de Beethoven au XIXe siècle au miroir de la presse musicale viennoise, une réception largement teintée d’un patriotisme autrichien qui se plaît à refuser à l’Allemagne en général, et à Bonn en particulier, la primauté de l’héritage du compositeur. Il est constitué de quatre parties consacrés respectivement aux dernières années du compositeur et à son décès en 1827, à l’inauguration du monument Beethoven à Bonn en août 1845, au centenaire de sa naissance, contemporain de l’unité allemande en 1870-1871, et aux recensions des nombreux ouvrages et monographies consacrés au compositeur tout au long du XIXe siècle.

Cet article propose d’explorer les statuts accordés aux compositeurs contemporains dans les premières années du XXe siècle en France, en comparant deux périodiques au format et aux lectorats très différents : d’un côté Musica (1902-1914), premier magazine musical français lancé par Pierre Lafitte, destiné à un lectorat issu de la bourgeoisie, essentiellement féminin et pratiquant la musique en amateur ; de l’autre, Le Mercure musical (1905-1906), une « petite revue » d’avant-garde dont la ligne éditoriale et les réseaux de circulation sont à l’opposé de ceux de Musica. Il s’agit de comprendre comment le format de ces deux périodiques a influencé la façon dont est conçu et véhiculé un objet commun, soit la grandeur culturelle des compositeurs contemporains. Il ressort que Musica mise sur le vedettariat et présente presque seulement des compositeurs déjà connus, alors que Le Mercure musical met principalement en avant des artistes émergents, souvent en marge ou en conflit avec les institutions officielles, en utilisant une rhétorique avant-courrière du génie qui sera un jour reconnu.

Cet article s’intéresse au processus médiatique de construction des significations et du succès d’une chanson pop comme objet trivial (Yves Jeanneret) en analysant plus particulièrement le rôle des médias en ligne dans la transformation en « tube » de la chanson « Alaska » de Maggie Rogers. Ce processus passe par les reconfigurations successives de ses formats éditoriaux, depuis une demo jouée dans une master class à l’université de NYU publiée sur YouTube, jusqu’à son traitement par la critique musicale et sa sortie sous la forme d’un clip et d’un disque. Faut-il considérer YouTube comme une « machine à tubes » qui change les « règles du jeu » ? Quel rôle les rapports entre artistes amateurs et professionnels jouent-ils dans ces processus ? Peut-on attribuer le succès des chansons pop à de nouveaux critères de « viralité » ? Cet article propose de répondre à ces questions en montrant la façon dont les sites de publication, les forums, la critique et l’industrie musicale orientent chacun à leur manière des formes d’expérience et organisent des récits enchevêtrés et performatifs de la genèse des succès. Loin de disparaître avec internet, la série des médiations des « tubes » semble s’allonger et se complexifier. Using Yves Jeanneret’s theory of trivialité and Catherine Saouter's filière sémiosique approach, this paper concerns the construction, the meanings and the success of a pop song through mediatization. The analyses focus on the part played by online media in this process. It follows how the song “Alaska” by Maggie Roggers lives online and turns into a “hit song” through several changes of formats: from a demo played in a masterclass at NYU university and published on YouTube, through its framing by musical criticism and its release as a music video. Should one consider YouTube as a “hit machine” changing the way songs become hits? What’s the role of the relationship between amateurs artists and professionals in this process? Could pop songs success relate to new criteria of “virality”? This article offers to change this questions by showing how publishing websites, forums, critics and the music industry shape forms of experience and organize interweaving and performative narratives of the genesis of success. The network of mediations of music is not disappearing with the internet, but rather getting longer and more complex.

This article explores coverage of the Northern Ireland conflict (1968-1998) in Britain’s weekly music press, focusing on the country’s leading music paper, the New Musical Express (NME), during its 1980s “heyday”, when it attracted a weekly readership of between one and two million people. The article shows how this paper (despite its principal remit as a popular-music publication) strove to cover the Troubles through a series of feature articles, letters page debates, and (even) a special themed issue, offering space to oppositional views and – crucially – affording a platform to the voice of its readers, at a time when much of Britain’s media was reluctant to address the conflict. Drawing on original interviews with key NME writers, as well as extensive trawling of press archives, the article excavates the intricacies of NME’s account of the conflict, charting its shifting approach to the Troubles, and tracing tensions that this generated between – and amongst – its writers and readers. Cet article explore la couverture du conflit nord irlandais (1968-1998) dans la presse musicale hebdomadaire britannique, en se concentrant sur son magazine phare, le New Musical Express (NME) alors qu’il était à son apogée dans les années 1980. L’article montre comment ce magazine, essentiellement spécialisé dans la musique populaire, s’est efforcé de couvrir la période des Troubles à travers une série d’articles de fond, de débats dans la rubrique courrier, ainsi qu’un numéro thématique spécial offrant un espace à des points de vue divergents et une plateforme aux voix de ses lecteurs, à une époque où la plupart des médias britanniques hésitaient à aborder le conflit. S’appuyant sur des entretiens originaux avec des auteurs clés du NME ainsi que sur l’exploration extensive des archives de presse, l’article étudie les subtilités du récit du conflit par NME, retraçant son approche changeante des Troubles et les tensions générées entre auteurs et lecteurs.

La journée d’étude La critique musicale. De la théorie à la pratique organisée par l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM) s’est déroulée le 13 mars 2015 à la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Six conférenciers (Michel Duchesneau, Valérie Dufour, Marie-Thérèse Lefebvre, Emmanuel Reibel, Pascal Lécroart et Timothée Picard) y ont présenté les résultats de leurs recherches sur la critique musicale en pays francophones. Ce texte, qui consiste en un compte rendu critique de cette journée d’étude, se concentre autour de trois axes de réflexion : 1) théorisation et pratique de la critique musicale ; 2) critique musicale et statut socioprofessionnel des critiques ; 3) critique musicale et individualisme méthodologique., Organized by the Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM), the study day La critique musicale. De la théorie à la pratique (Music Criticism. From Theory to Practice) took place on March 13, 2015, at the Faculty of Music of the University of Montreal. Six lecturers (Michel Duchesneau, Valérie Dufour, Marie-Thérèse Lefebvre, Emmanuel Reibel, Pascal Lécroart and Timothée Picard) presented the results of their research on music criticism in French-speaking countries. The present article is a critical report of the study day, and is articulated around three main topics: 1) theorization and practice of music criticism; 2) music criticism and the socio-professional status of critics; 3) music criticism and methodological individualism.

International audience

International audience

Le deuxième chapitre de la section Mots clés de la série « Anthologie du phem » entend rendre compte du succès rencontré par la figure de Henri Bergson dans le domaine musical durant la première moitié du xxe siècle. Dans la presse généraliste comme dans les revues musicales spécialisées, à travers l’utilisation de notions forgées initialement par Bergson – telles la « durée » ou l’« intuition » –, un cadre théorique est élaboré, menant à la redéfinition de l’oeuvre musicale et à la défense d’une esthétique moderniste. Les trois articles sélectionnés correspondent à trois moments importants de l’assimilation de la philosophie bergsonienne dans le domaine musical, depuis les premiers jalons conceptuels posés par Louis Laloy en 1914 jusqu’à la récupération des idées phares de Bergson, désormais entrées dans le vocabulaire courant, par le compositeur Désiré Pâque en 1935., The second chapter of the Keywords section of the series “Anthologie du phem” (phem source readings) aims to report on the success of Henri Bergson in the musical field during the first half of the 20th century. In the general press as well as in specialized music journals, a theoretical framework based on notions initially forged by Bergson—such as “duration” or “intuition”—is developed, leading to the redefinition of the musical work and the defense of a modernist aesthetic. The three selected articles correspond to crucial moments in the assimilation of Bergsonian philosophy in musical field, from the first conceptual milestones laid down by the music critic Louis Laloy in 1914 to the use of Bergson’s key ideas, now part of the current vocabulary, by the composer Désiré Pâque in 1935.

Ce mémoire porte sur l’impact de la création d’un magazine musical sur les carrières de ses fondateurs. Il prend l’exemple de VoxPop, publié de juillet/août 2007 (numéro 0) à novembre/décembre 2012 (29e numéro).Ce magazine musical bimestriel thématique « Tout et société » a été lancé par cinq personnes passionnées de musique : Jean-Vic Chapus, Benjamin Durand, Caroline Harleaux, Samuel Kirszenbaum et Mathieu Zazzo. À son lancement, leur société Are You Loaded comporte trois pôles : la publication d’un magazine papier, un site internet indépendant du magazine et l’organisation d’événements, notamment de concerts. VoxPop est lancé en pleine crise de la presse par des personnes âgées de 20 à 30 ans, ayant déjà collaboré à un fanzine.Ce mémoire de recherche s’attache à analyser la manière dont la création d’un magazine musical peut s’affirmer comme un tremplin dans une carrière professionnelle.Il revient tout d’abord sur le média comme reflet des aspirations des fondateurs, en interrogeant la réception du média par les pairs journalistes. Pour se faire, plusieurs professionnels ayant eux-mêmes créé leur magazine ou travaillant actuellement dans le domaine de la musique et du journalisme musical ont été interrogés.Il interroge ensuite le média comme école pour le professionnel, lui inculquant un savoir particulier et technique, en participant à la légitimité professionnelle de ses fondateurs.Enfin, à travers l’analyse des carrières professionnelles, la question du réseau et de son importance à des moments charnières d’un parcours professionnel sont abordées, comme le lancement et l’arrêt de la publication du magazine, en janvier 2013.

International audience; This article aims to present an inventory of publications on music that could be described as “scientific” or even “musicological”, mainly in French music press prior to the creation of the Bulletin de la Société française de musicologie in 1917. Our research draws from various musical journals, and scrutinises the career of musicologists who exert decisive influence on the orientations of the discipline between 1889 and 1914.Our survey reinforces the idea that French musicology develops in concomitance with other humanities and social sciences. Besides, it opened up to other fields of music study that actually covered the entire spectrum of approaches defined by Guido Adler in 1885. While the history of composers and their works dominates many writings, we must also take into account new research objects such as history of music institutions, psychology of music, music theory, folk and exotic repertoires, and modern music.

La Troisième République a mystifié Beethoven, en en faisant un personnage doté de valeurs qui fondent alors la construction de l’identité nationale. Ce mythe se déploie dans une vaste littérature beethovénienne, qui emprunte autant à la littérature épique et hagiographie, qu’à la littérature populaire., France’s Third Republic misrepresented Beethoven when it turned him into a character whose values were foundational in the construction of the nation’s identity. This myth is found in a vast body of Beethovenian literature, which borrows from epic and hagiographic literature as much as it does from popular literature.

Ce mémoire propose d’explorer quel(s) statut(s) sont accordés aux compositeurs contemporains dans le contexte musical parisien des premières années du XXe siècle à travers une analyse de la presse musicale spécialisée de l’époque. Le corpus de notre recherche est constitué de trois revues, chacune ancrée dans des sphères de sociabilités bien distinctes : La Revue musicale (histoire et critique), une « revue savante » proche du milieu de la Schola cantorum ; Le Mercure musical, une « petite revue » d’avant-garde militant en faveur de la musique de Maurice Ravel ; et Musica, une « grande revue » destinée à un lectorat issu de la petite bourgeoisie en plein essor, essentiellement féminin et pratiquant la musique en amateur. Cette étude révèle que la traditionnelle opposition entre la conception du compositeur-artisan et celle du compositeur-génie issue de la fin du XVIIIe siècle et du XIXe siècle voit apparaître un troisième joueur à l’aube du XXe siècle : le compositeur-vedette, un statut qui était jusqu’alors généralement réservé aux interprètes. Ces trois statuts coexistent dans le panorama de la presse musicale du tournant du XXe siècle, et leur promotion par certains organes de presse spécifiques répond à une logique tantôt esthétique, tantôt économique. Il se dégage de cette étude que la presse musicale constitue non seulement un indice des variations qu’a subies la figure du compositeur dans le spectre de la grandeur en culture, mais qu’elle a également joué un rôle actif dans ces transformations., This master thesis proposes a look of various statuses given to contemporary composers in the Parisian musical context at the beginning of the 20th century, through an analysis of the specialised press of that period. The corpus of my research consists in three different journals, each one with its own distinct sphere of sociability: La revue musicale (histoire et critique), a scholarly publication close to the Schola cantorum; Le Mercure musical, an avant-garde publication which has championed Maurice Ravel’s music; and a third, Musica, a magazine with a much larger audience, intended for the growing middle class, and which readership is mostly constituted of women and music learners. This thesis reveals that the traditional opposition between the concepts of craftman-composer and of genius-composer — a concept deriving from the end of the 18th century and the 19th century — sees the rise of a third component at the beginning of the 20th century: the star-composer, a status which was until then only limited to performers. Those three statuses coexisted throughout the musical press during the early 20th century. Their promotion by specific publications was in some cases done for aesthetic reasons and in others for economical motives. The outcome of this study reveals that the musical press is not only an indicator of the changes in the composers’ status within the array of cultural greatness, but it has also played an active role in these transformations.

Die Revolutionen von 1848 in Europa stellen in der Geschichte des Kontinents einen Wendepunkt dar. Im musikalischen Bereich fallen in diesem Jahr eine starke Unbeständigkeit der Opernindustrie und die vorübergehende, sogar endgültige Schließung von zahlreichen Theatern auf, sowie eine beträchtliche Produktion musikalischer Stücke mit patriotischem Charakter. Gegenstand der Untersuchung sind die Begriffe „Nationalmusik“ und “patriotische Musik“ in der europäischen Musikpresse dieser Zeit, beobachtet anhand der drei wichtigsten italienischen, deutschen und französischen Musikzeitungen, nämlich die Gazzetta Musicale di Milano, die Allgemeine musikalische Zeitung und die Revue et Gazette musicale de Paris. In erster Linie wird der Fall der Mailänder Zeitung analysiert, welche sich ab dem Ereignis der „fünf Tage von Mailand“ (18.-22. März 1848) auf die Seite der italienischen Unabhängigkeitsbewegung schlug, den politischen Ereignissen einen bedeutenden Teil ihres Inhalts zugestand und im Laufe des Jahres 1848 dreimal umbenannt wurde: vom 29. März bis zum 12. April trug sie den Titel Gazzetta Musicale di Milano ed Eco delle Notizie Politiche, vom 19. April bis zum 2. Juni nannte sie sich Gazzetta Musicale di Milano e di Italiana Armonia und schliesslich vom 7. Juni bis zum 26. Juli L’Italiana Armonia e Gazzetta Musicale di Milano. Ab dem 29. März wurde die Zeitung in zwei Teile unterschiedlicher Länge gegliedert: eine längere parte politica und eine kürzere parte musicale. Auf der traditionellen Werbeseite wurden während jener Zeit einem „freien Italien“ „Gesänge und Volkshymnen“, und „neue musikalische Veröffentlichungen zugunsten der Nationsgründung“ zum Verkauf angeboten („Nuove pubblicazioni musicali dello Stabilimento Nazionale“, „Italia libera“, „canti ed inni popolari“). Nach der Wiederherstellung der österreichischen Macht wurde vom 26. Juli 1848 bis zum 13. Januar 1850 die Veröffentlichung der Gazzetta Musicale di Milano unterbrochen. Der Vergleich mit den Diskursen der Musikzeitungen von Paris und Leipzig wird eine Untersuchung der Rhetorik der Mailänder Zeitung auf dem Gebiet des musikalischen Patriotismus im europäischen Zusammenhang ermöglichen., Les révolutions européennes de 1848 marquent un tournant dans l’histoire du continent. Sur le plan musical, cette année se traduisit notamment par une forte instabilité de l’industrie lyrique et la fermeture temporaire, voire définitive de nombreux théâtres, ainsi que par une importante production de pièces musicales à caractère patriotique. Nous étudierons les notions de « musique nationale » et « musique patriotique » dans la presse musicale européenne durant cette période, en particulier à travers l’exemple des trois principaux périodiques musicaux italien, allemand et français, à savoir la Gazzetta Musicale di Milano, l’Allgemeine musikalische Zeitung et la Revue et Gazette musicale de Paris. Nous développerons surtout le cas du journal milanais qui s’engagea fortement en faveur du mouvement indépendantiste italien à partir des cinq journées de Milan (18-22 mars 1848), consacra une part importante de ses colonnes aux évènements politiques et changea de nom à trois reprises : la Gazzetta Musicale di Milano ed Eco delle Notizie Politiche dans les numéros 12, 13 et 14 publiés les 29 mars, 5 et 12 avril 1848, la Gazzetta Musicale di Milano e di Italiana Armonia dans les numéros 15 à 22 publiés du 19 avril au 2 juin et L’Italiana Armonia e Gazzetta Musicale di Milano dans les numéros 23 à 30 publiés du 7 juin au 26 juillet. À partir du numéro 12, le journal fut désormais divisé en deux parties de longueurs inégales : une longue parte politica et une courte parte musicale. La traditionnelle page de réclame en fin de journal fut alors consacrée à la vente de « chants et d’hymnes populaires », « nouvelles publications musicales de l’Établissement National » pour une « Italie libre » (« Nuove pubblicazioni musicali dello Stabilimento Nazionale », « Italia libera », « canti ed inni popolari »). Suite au rétablissement du pouvoir autrichien, les publications de la Gazzetta Musicale di Milano furent interrompues entre le 26 juillet 1848 et le 13 janvier 1850. La comparaison avec les discours des périodiques musicaux de Paris et Leipzig permettra de contextualiser la rhétorique du journal milanais en matière de patriotisme musical.

International audience; Die Revolutionen von 1848 in Europa stellen in der Geschichte des Kontinents einen Wendepunkt dar. Im musikalischen Bereich fallen in diesem Jahr eine starke Unbeständigkeit der Opernindustrie und die vorübergehende, sogar endgültige Schließung von zahlreichen Theatern auf, sowie eine beträchtliche Produktion musikalischer Stücke mit patriotischem Charakter. Gegenstand der Untersuchung sind die Begriffe „Nationalmusik“ und “patriotische Musik“ in der europäischen Musikpresse dieser Zeit, beobachtet anhand der drei wichtigsten italienischen, deutschen und französischen Musikzeitungen, nämlich die Gazzetta Musicale di Milano, die Allgemeine musikalische Zeitung und die Revue et Gazette musicale de Paris. In erster Linie wird der Fall der Mailänder Zeitung analysiert, welche sich ab dem Ereignis der „fünf Tage von Mailand“ (18.-22. März 1848) auf die Seite der italienischen Unabhängigkeitsbewegung schlug, den politischen Ereignissen einen bedeutenden Teil ihres Inhalts zugestand und im Laufe des Jahres 1848 dreimal umbenannt wurde: vom 29. März bis zum 12. April trug sie den Titel Gazzetta Musicale di Milano ed Eco delle Notizie Politiche, vom 19. April bis zum 2. Juni nannte sie sich Gazzetta Musicale di Milano e di Italiana Armonia und schliesslich vom 7. Juni bis zum 26. Juli L’Italiana Armonia e Gazzetta Musicale di Milano. Ab dem 29. März wurde die Zeitung in zwei Teile unterschiedlicher Länge gegliedert: eine längere parte politica und eine kürzere parte musicale. Auf der traditionellen Werbeseite wurden während jener Zeit einem „freien Italien“ „Gesänge und Volkshymnen“, und „neue musikalische Veröffentlichungen zugunsten der Nationsgründung“ zum Verkauf angeboten („Nuove pubblicazioni musicali dello Stabilimento Nazionale“, „Italia libera“, „canti ed inni popolari“). Nach der Wiederherstellung der österreichischen Macht wurde vom 26. Juli 1848 bis zum 13. Januar 1850 die Veröffentlichung der Gazzetta Musicale di Milano unterbrochen. Der Vergleich mit den Diskursen der Musikzeitungen von Paris und Leipzig wird eine Untersuchung der Rhetorik der Mailänder Zeitung auf dem Gebiet des musikalischen Patriotismus im europäischen Zusammenhang ermöglichen.; Les révolutions européennes de 1848 marquent un tournant dans l’histoire du continent. Sur le plan musical, cette année se traduisit notamment par une forte instabilité de l’industrie lyrique et la fermeture temporaire, voire définitive de nombreux théâtres, ainsi que par une importante production de pièces musicales à caractère patriotique. Nous étudierons les notions de « musique nationale » et « musique patriotique » dans la presse musicale européenne durant cette période, en particulier à travers l’exemple des trois principaux périodiques musicaux italien, allemand et français, à savoir la Gazzetta Musicale di Milano, l’Allgemeine musikalische Zeitung et la Revue et Gazette musicale de Paris. Nous développerons surtout le cas du journal milanais qui s’engagea fortement en faveur du mouvement indépendantiste italien à partir des cinq journées de Milan (18-22 mars 1848), consacra une part importante de ses colonnes aux évènements politiques et changea de nom à trois reprises : la Gazzetta Musicale di Milano ed Eco delle Notizie Politiche dans les numéros 12, 13 et 14 publiés les 29 mars, 5 et 12 avril 1848, la Gazzetta Musicale di Milano e di Italiana Armonia dans les numéros 15 à 22 publiés du 19 avril au 2 juin et L’Italiana Armonia e Gazzetta Musicale di Milano dans les numéros 23 à 30 publiés du 7 juin au 26 juillet. À partir du numéro 12, le journal fut désormais divisé en deux parties de longueurs inégales : une longue parte politica et une courte parte musicale. La traditionnelle page de réclame en fin de journal fut alors consacrée à la vente de « chants et d’hymnes populaires », « nouvelles publications musicales de l’Établissement National » pour une « Italie libre » (« Nuove pubblicazioni musicali dello Stabilimento Nazionale », « Italia libera », « canti ed inni popolari »). Suite au rétablissement du pouvoir autrichien, les publications de la Gazzetta Musicale di Milano furent interrompues entre le 26 juillet 1848 et le 13 janvier 1850. La comparaison avec les discours des périodiques musicaux de Paris et Leipzig permettra de contextualiser la rhétorique du journal milanais en matière de patriotisme musical.

Les recherches sur les médias alternatifs se sont souvent arrêtées au fanzine punk pour l’ériger en modèle indépassable. Cet article entend revenir sur ce constat et explorer un large panel de fanzines et de magazines remettant en cause l’équation habituelle entre professionnalisme et standardisation. Les valeurs de contestation mises en avant par le fanzinat ne se retrouvent pas toujours dans le même type de média, et l’engagement critique de certaines publications ne relevant a priori pas du genre fanzine mérite d’être pris en considération en vue d’une redéfinition des catégories de la presse alternative.

à l’heure où la mode hippie explose en France, en 1966, s’affrontent dans la presse musicale dédiée aux jeunes deux points de vue opposés. D’un côté, la légitimité historique de Salut Les Copains, journal créé en 1962 par deux anciens de l’émission d’Europe 1 « Pour ceux qui aiment le jazz », Daniel Filipacchi et Frank Ténot. De l’autre, Rock & Folk créé en 1966 par des jeunes journalistes autant engagés politiquement que musicalement, vers les nouveautés anglo-saxonnes.Le premier s’évertue à encadrer les revendications, et les explosions artistiques d’une classe d’âge qui est maintenant totalement soumise à un marketing créé pour elle. Salut Les Copains ne cherche que le côté fédérateur d’une musique rock qui commence à devenir encombrante par son refus d’être un pur divertissement. Le second est un journal créé par des jeunes, un espace enfin ouvert de communication entre membres d’une même tranche d’âge, qui ont les mêmes références culturelles et les mêmes besoins de sortir des carcans imposés par les adultes.

The singer-songwriter Renaud, whose work stretches from the mid-1970s to 2003, shows a constant awareness of the genre in which he is working and its place in popular cultural history. This article will concentrate on Renaud’s struggle to come to terms with his own place and status as a chanson artist, and with the place of the chanson artist generally in a commercialised and globalised music industry.Through an examination of his songs and interviews, it will briefly outline Renaud’s relationship with the music industry, exploring how his almost arrogant defiance of the industry, and the mass media generally, changes over his career as he has to come to terms with commercial success. It will explore Renaud’s reasons for the ongoing struggle with the industry and hypothesize that his distaste for commercialism is concomitant with his projection of himself as a chanson artist, which is equated as the binary other of the ‘pop’ or variétés singer. The second part of the article will focus on some of the ways in which Renaud distinguishes himself from more commercial pop singers and draws attention to himself as an auteur.It will argue that although Renaud’s own personal battles with the mass media have perhaps not been as victorious as he may have hoped, the fact that he has inspired a whole new generation of singer-songwriters working in the chanson tradition and looking to ways of mediating the genre’s roots and traditions with today’s more commercial industry, is a testament to Renaud’s own place and importance in chanson history, and reason to view his work as a valid area of academic investigation.

Paul Dukas, renowned composer and music critic has performed over four hundred published articles on music, mostly on the operatic music. Although he started more than twenty opera before abandoning projects Dukas has composed one opera Ariane et Barbe-Bleue.The apparent paradox between the number of chronicles which denotes a constant concern of the composer for the opera, and unique Ariane et Barbe-Bleue opera raises questions about the place of opera in Dukas. Thus it is vital to understand the intellectual process that led the composer to this work. What do the critics of his own theories of opera? What interactions are there between his writings and compositions? What reveal the lyrical projects on his aesthetic positions? Ariane et Barbe-Bleue is the synthetic reflection of his writings and ideas?This work is primarily concerned with aesthetic positions Dukas on lyrical music from the sources of Wagnerian art to critical contemporary works. The views emerged are compared with the analysis of abandoned opera and the study of its unique lyrical work : Ariane et Barbe-Bleue., Paul Dukas, compositeur renommé et critique musical accomplit a publié plus de quatre cents articles sur la musique, dont une majorité sur la musique lyrique. Bien qu’il ait commencé plus d’une vingtaine de projets lyriques avant de les abandonner, Dukas n’a composé qu’un seul opéra : Ariane et Barbe-Bleue.Le paradoxe évident entre le nombre de chroniques, qui dénote une préoccupation constante du compositeur pour le théâtre lyrique, et son unique opéra Ariane et Barbe-Bleue, amène à s’interroger sur la place de l’opéra chez Dukas. Il apparaît alors essentiel de saisir le cheminement intellectuel qui conduit le compositeur à cette œuvre. Que nous révèlent les critiques sur ses propres théories de la musique lyrique ? Quelles interactions existe-t-il entre ses écrits et ses compositions ? Que dévoilent les projets lyriques de ses positions esthétiques ? Pourquoi termine-t-il Ariane et Barbe-Bleue ? Est-elle le reflet synthétique de ses écrits et de ses conceptions ? Ce travail s’intéresse d’abord aux positions esthétiques de Dukas concernant la musique lyrique depuis les sources de l’art wagnérien jusqu’aux critiques d’œuvres contemporaines. Les opinions dégagées nourrissent ensuite l’analyse des nombreux projets d’opéras abandonnés avant d’être confrontées à l’étude de son unique œuvre lyrique : Ariane et Barbe-Bleue.

International audience; Ce volume des actes de la première journée d'étude du programme "Mercure galant' tenue le 26 juin 2008 comporte sept contributions présentant notamment les premiers résultats de l'exploitation des ressources numériques développées par le programme de recherche "Mercure galant". Les actes sont téléchargeables : https://www.iremus.cnrs.fr/fr/publications/le-mercure-galant-temoin-et-acteur-de-la-vie-musicale-0

L’expérience du fanzine comme écriture d’une écoute Matthieu Saladin : Peace Warriors a été fondé en 1994 par Théo Jarrier et se proposait de traiter l’ensemble des musiques issues, pour l’essentiel, des différentes expériences sonores ayant parcouru les années 1960 et 1970. Peux-tu nous expliquer de quelles manières est venue l’idée de faire ce fanzine ? Patrick Bœuf : Théo — comme tout jeune homme — est rentré à une époque en révolte contre la musique paternelle et s’est mis à écouter du P...

This article is examining the different cultural meanings of fanzines in the early punk scene in both German states. Since 1977 more and more of these journals had been published in the FRG. These autonomous publications used to media between staging, communication and the construction of collective identities. In case of punk fanzines in the FRG, they meant self-empowerment, the overcoming of isolation and the constitution of a social and cultural community. While these journals became an important part of the scene in West-Germany, there was a lack of them in the GDR. The government’s control over publishing and the missing means and possibilities of production prohibited the development of autonomous publications such as fanzines. The comparison of the development of punk fanzine culture in both German states show that these media and their cultural meanings must always be seen in front of the greater societal and political framework they appear in.

Cet ouvrage, en hommage au musicologue Joël-Marie Fauquet, est consacré à la musique en France au XIXe siècle et réunit des auteurs ayant oeuvré dans un esprit proche de ses conceptions de la musicologie. Il présente quelques fonds significatifs ou encore non explorés. Plusieurs études s'attachent à des genres représentatifs de la vie musicale française : la musique de chambre à Lille, la musique liturgique, l'exotisme et les musiques d'ailleurs, puis la mélodie et l'esthétique du salon. Pour situer la musique et sa réception dans la société française, l'importance de la presse et la formation du goût du public sont mis en lumière, en particulier autour de quelques oeuvres majeures ("La Création" à Paris, "La Symphonie fantastique" vue par Schumann, "Carmen").Le métier de musicien, en pleine évolution, est évoqué au travers des associations professionnelles (les Artistes musiciens, les syndicats ouvriers), des rapports avec l'édition musicale (Hartmann), la facture instrumentale (Herz), mais aussi avec le politique (Berlioz). L'image du musicien est enfin explorée et conlut symboliquement cet hommage : l'atelier du peintre comme lieu privilégié de rencontre entre artistes et musiciens témoigne de leurs amitiés et de leurs affinités esthétiques.

Depuis les premiers temps de l’imprimerie, l’État a cherché à contrôler la diffusion des textes écrits. En France par exemple, le système du dépôt-légal, instauré par l’ordonnance royale du 28 décembre 1537 par François Ier, oblige tout imprimeur et tout éditeur à déposer ses productions (ouvrages, périodiques…) auprès d’un service central de l’État, en l’occurrence la Bibliothèque nationale. Récemment, l’éditeur se devait encore d’envoyer un exemplaire de toutes ses références au ministère d...

Using her own zine story as a vehicle, the author relates the history of the riot grrrl subculture, describes the girl zine genre and its history, and examines zinester subculture and networking. She also explores zinesters’ motivation and discusses the purpose girl zines fill in female zinesters’ lives.

Les fanzines et les magazines sont des médias d’importance au sein de la presse rock. Ils renvoient tous deux à la figure du critique rock qui travaille tantôt pour l’un, tantôt pour l’autre, voire pour les deux à la fois. Cet article entend montrer comment s’effectue cette circulation en prêtant attention aux trajectoires de plusieurs critiques de la presse rock française. Ce qui permettra de mettre en évidence certaines réalités concrètes de la presse musicale.

À côté des magazines professionnels, les fanzines constituent une source alternative d’informations et de promotion du champ musical. Ce média se distingue fondamentalement de la presse dominante par trois caractéristiques essentielles : un manque de capital économique, une absence de professionnalisation et des réseaux de distribution non institutionnels. Toutefois, ces valeurs stigmates des fanzines se trouvent bousculées dès lors que l’aventure éphémère originelle se trouve concurrencée par d’éventuels soucis de pérennité : entreprise para-journalistique ou projet sincèrement désintéressé, la face cachée du fanzine se dévoile toujours à l’épreuve du temps. Un corpus de 300 fanzines (150 titres différents environ) a été analysé, ceux-ci étant principalement des fanzines français des années 1987-2003.

Je voudrais reprendre ici quelques elements d’un travail d’ecriture et de notes entame pour cerner ce que j’appelle le « metier d’ecouter ». Un metier qui commence bien avant l’ecoute proprement dite, par l’examen de tout ce qui environne l’ecoute. J’utilise la notion de « metier » pour me tenir a l’ecart de toute la sphere un peu irrationnelle qui entoure l’utilisation des sens et des emotions, pour positionner cette activite dans le cadre d’une objectivation des connaissances qu’elle peut c...

National audience

International audience

In the French music magazines in the 1990's, music appears as made of smaller elements: jazz, rock, rap, techno. It is not "music" but several "musics", each of which is in itself a coherent whole. Through a content analysis of every French music magazine in a recent year, one is able to understand what these subdivisions are made of. Their definition relies non only on how they sound but on other characteristics. Rock appears either as a music of provocation and rebellion, or as one of pleasant and light enjoyment. "Chanson" as a friendly and sweet speech, around which musical instruments, as diverse as possible, are a mere accompaniment. Art music as a paradoxical union of the most severe logic and the most passionate expression. Jazz as a refined arabesque which hides deep secrets. Techno as a music of dance and festivity, but also of dream and peace. By analysing the verbal process through which music magazines - more influent than their size suggests - associate each kind of music with a few arbitrary but significant characteristics, one points out the symbolic and semantic reduction that media performs. At the same time, one understands how music is given meaning in contemporary society., Dans les magazines musicaux français des années 1990, la musique apparaît comme scindée en unités plus petites - le jazz, le rock, le rap, la techno : il ne s'y agit pas de la musique, mes "des" musiques, chacune dotée d'une certaine cohérence. Une analyse de contenu portant sur tous les magazines d'une année récente permet de saisir la teneur de ces subdivisions : elles n'y sont pas définies par leurs seules caractéristiques sonores, mais par d'autres, non sonores. Le rock y est ainsi donné tantôt comme une musique de la provocation et de la rébellion, tantôt comme plaisant, rieur et désengagé ; la chanson comme une paroles amicale et douce, à laquelle des instruments les plus divers possibles servent seulement d'écrin et d'escorte ; la musique savante comme une alliance paradoxale entre la logique la plus stricte et l'expression la plus véhémente ; le jazz y a le raffinement de l'arabesque et la profondeur du secret ; enfin la techno, festive et dansante, y est également rêveuse et pacifique. En déconstruisant la façon dont la presse musicale, média petit mais plus influent qu'il ne semble, associe à chaque type de musique un ensemble de traits à la fois arbitraires et significatifs, on montre la nature réductrice de sa tâche. Mais en même temps on voit l'un des cheminements à travers lesquels, de nos jours, la musique est investie de sens.

Numéro thématique sous la direction de Jean-Christophe Branger, Jean-François Candoni, Damien Ehrhardt et Stefan Keym; International audience; L’objet du présent article est de proposer un état des lieux de la période troublée comprise entre le 1er janvier 1870 et le 31 décembre 1871, à travers sa réception dans six des principaux périodiques musicaux français et allemands publiés à Paris, Berlin et Leipzig. Ces bornes chronologiques assez larges permettent de tenir compte des six mois ayant précédé la déclaration de guerre franco-allemande et des sept mois ayant suivi la fin de la Commune de Paris. La première partie de cet article a pour sujet l’interruption provisoire ou définitive de la publication des périodiques musicaux parisiens et l’intérêt soutenu de chaque pays pour les nouvelles de son voisin. Les trois parties suivantes sont consacrées respectivement à la large diffusion du répertoire instrumental allemand à Paris, à la délicate position d’Offenbach durant la guerre et aux festivités du centenaire de la naissance de Beethoven. La cinquième et dernière partie de cet article étudie la vaste production de chants patriotiques et nationalistes.

Ce premier chapitre de la section Mots clés de la série « Anthologie du phem » s’intéresse à une des questions cruciales du débat musicographique parisien dans l’entre-deux-guerres, à savoir les rapports entre musique et internationalisme (ou cosmopolitisme). Les trois articles sélectionnés expriment trois positions très différentes et articulées : l’universalisme francocentrique, la condamnation de l’internationalisme considéré comme illusoire et l’utopie cosmopolite. À une époque traversée par l’idéal d’une coopération internationale pacifique et par les nationalismes les plus exacerbés, les discours développés dans ces articles permettent de faire la lumière sur les enjeux politiques et esthétiques qui sous-tendent le débat musical., This first chapter of the Keyword section of the collection “Anthologie du phem” (phem’s source readings) addresses the relationship between music and internationalism (or cosmopolitanism), that is one of the most crucial issues arising from the Parisian musical debate of the interwar period. The three selected articles defend three different positions: a francocentric universalism, the condemnation of internationalism considered as illusory, and the utopia of cosmopolitanism. In the interwar period, the ideal of a pacific international cooperation coexisted with the most extreme nationalisms, and the discourse presented in this articles provides a deeper insight into the political and aesthetical issues behind the musical debate.

Le projet de recherche « Histoire de l’esthétique musicale en France, 1900-1950 » (phem) vise à reconstruire le débat esthético-musical de l’époque à travers un dépouillement systématique de la presse périodique et la constitution d’une banque de données. Cet article introduit une série de publications liées au projet tout en illustrant le cadre théorique et la méthodologie., The research project “History of Musical Aesthetics in France, 1900-1950” (phem) aims at uncovering the music-aesthetic debate of that period through a thorough examination of the press and the development of a data-base. This paper provides an introduction to a series of publications linked to the phem. It discusses the theoretical frame and methodology of the project.

Compositeur et critique musical, mais également chef d’orchestre célèbre, Hector Berlioz trouve son succès à l’étranger, et notamment en Russie, grâce à ses tournées de concerts. Cependant, son image en Russie impériale est construite non seulement à travers sa musique, mais aussi grâce à ses écrits journalistiques. Avant même que la musique de Berlioz ne soit jouée à Saint-Pétersbourg, le public russe fait connaissance avec le musicien français à travers la presse. À partir de 1833, les articles critiques de Berlioz sont régulièrement traduits et publiés dans les périodiques russes. La presse sert également de médiateur et de moyen d’échange d’informations entre Berlioz et la Russie : les articles de Berlioz sur les compositeurs russes (Glinka, Lvov) sont très vite traduits et diffusés par la presse pétersbourgeoise. Berlioz, lui-même critique professionnel, comprend l’importance de l’autopromotion dans les médias et met en place plusieurs stratégies médiatiques en vue de ses voyages en Russie., Composer and music critic, but also a famous conductor, Hector Berlioz achieved success abroad—and particularly in Russia—thanks to his concert tours. However, his image in Imperial Russia was founded not only on his music, but also on his publications in the press. Even before Berlioz’s music was performed in Saint Petersburg, the Russian public became acquainted with the French musician through the printed media. From 1833, Berlioz’s critical articles were translated and published regularly in Russian periodicals. The press also served as a medium and a means for information exchange between Berlioz and Russia: Berlioz’s articles on Russian composers (Glinka, Lvov) were very quickly translated and published by the Saint Petersburg press. Berlioz, himself a professional critic, understood the importance of publicity, and developed several media strategies in view of his travels to Russia.