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La analogía genética y biológica como inspiración en procesos de diseño y en concreto su uso como base conceptual en la generación del proyecto de arquitectura, abarca procesos que se extienden desde la metáfora hasta técnicas de diseño y procesos gráficos que utilizan algoritmos evolutivos y diseño paramétrico. El uso de dichos algoritmos evoluciona, en el modelado arquitectónico y en la bioinformática, paralelamente a los avances en inteligencia y vida artificial. Para el conocimiento de los avances actuales de los desarrollos basados en la genética, se presenta su evolución cronológica en conexión con su analogía en la arquitectura. Como modelos arquitectónicos basados en dichos procesos, se analizan las propuestas Biocentrum de Peter Eisenman y The Winton Gallery de Zaha Hadid, que se fundamentan en las matemáticas y en los algoritmos, en las que el proceso de ideación se convierte en objetivo del proyecto arquitectónico., The genetic and biological analogy as inspiration in graphic design processes and more specifically its use as a conceptual base in the generation of the architecture project encompasses processes that extend from metaphor to design techniques and graphic processes that use evolutionary algorithms and design. parametric. The use of these algorithms evolves, in genetic engineering and bioinformatics, parallel to advances in intelligence and artificial life. For the knowledge of the currentadvances of the processes based on genetics, its chronological development is presented in connection with its analogy in architecture. As architectural models based on these processes, the proposals Biocentrum by Peter Eisenman and The Winton Gallery by Zaha Hadid are analyzed, which are based on mathematics and algorithms, in which the process of ideation becomes the objective of the architectural project.

La analogía genética y biológica como inspiración en procesos de diseño y en concreto su uso como base conceptual en la generación del proyecto de arquitectura, abarca procesos que se extienden desde la metáfora hasta técnicas de diseño y procesos gráficos que utilizan algoritmos evolutivos y diseño paramétrico. El uso de dichos algoritmos evoluciona, en el modelado arquitectónico y en la bioinformática, paralelamente a los avances en inteligencia y vida artificial. Para el conocimiento de los avances actuales de los desarrollos basados en la genética, se presenta su evolución cronológica en conexión con su analogía en la arquitectura. Como modelos arquitectónicos basados en dichos procesos, se analizan las propuestas Biocentrum de Peter Eisenman y The Winton Gallery de Zaha Hadid, que se fundamentan en las matemáticas y en los algoritmos, en las que el proceso de ideación se convierte en objetivo del proyecto arquitectónico., Postprint (published version)

La arquitectura flexible está marcada por los cambios, y aunque sea posible que parezca una novedad, ha estado muy presente a lo largo de nuestra historia. Ha sido fundamental para la solución de problemas que van desde la producción de alimentos y el cobijo de la intemperie, hasta la logística del campo de batalla. Una arquitectura de transición y búsqueda de soluciones ingeniosas en momentos de necesidad y escasez. La pandemia del covid-19 reabre el debate. El concepto de flexibilidad aplicado a la arquitectura puede ofrecer respuestas viables a las necesidades contemporáneas, así como tener una repercusión más sostenible en diferentes tipologías y en proyectos de diversas escalas. “Qué está sucediendo en la arquitectura moderna?”¿Es la arquitectura flexible una proyección de los cambios actuales, que contempla nuevas actividades y modos de vida? El objetivo es fortalecer la discusión sobre la aplicación de los conceptos relacionados con el cambio, permitiendo reflexionar en base a ello durante la concepción del diseño arquitectónico, además de generar nuevos cuestionamientos para ampliar el tema. Para tal, la metodología utilizada fue destacablemente cualitativa, basada en bibliografía específica que permitiera un acercamiento a la realidad. Asumir la flexibilidad espacial es dar paso a las nuevas aspiraciones y necesidades que surgen con el tiempo. Es contemplar exigencias sociales e insertar la arquitectura en el mundo terrenal, en el transcurso de la vida que sigue y se modifica continua y repentinamente. Además, esta investigación ha abierto nuevos frentes para correlacionar la arquitectura y las teorías sobre la modernidad líquida de Zygmunt Bauman., Peer Reviewed

A finales del XIX, la bailarina americana Loïe Fuller se convirtió en una musa de las vanguardias parisinas. Aunque treinta años después, el contexto había cambiado radicalmente, un fenómeno similar se repitió con su compatriota Josephine Baker. Los artistas decó, simbolistas, futuristas y primeros cineastas materializaron las evoluciones de ambas sobre los escenarios. Ellas no solo suscitaron el interés del público de todas las capas sociales, sino el de importantes intelectuales y artistas. La investigación ha implicado la revisión crítica de estudios específicos sobre ambas: autobiografías, hemerotecas de prensa o trabajos recientes que reivindican la figura innovadora de Fuller, así como la evolución de la danza y su relación con otras artes. Se analiza en paralelo el impacto que estas dos musas contemporáneas provocaron en disciplinas artísticas como la pintura, escultura, ilustración, cine o arquitectura, prestando especial atención a cómo la representación del movimiento se materializó en cada una de ellas. A partir de esta revisión, se constatan coincidencias, paralelismos y divergencias que ponen de manifiesto que el auténtico vínculo común y atracción real para los artistas no fueron precisamente las dos bailarinas y su propio arte, sino sus revolucionarias, novedosas y sugestivas interpretaciones dinámicas sobre los escenarios: sutiles y elegantes en Fuller, vertiginosas y electrizantes en Baker. El impacto paralelo de ambas en los artistas de sus épocas es el tema vertebrador de la investigación. Más allá de su conocido rol como artistas de espectáculos y estimuladoras del arte de vanguardia, personificaron algo no valorado entonces en su justa medida, debido a una falta de perspectiva temporal. Representaron, sin saberlo, un punto de inflexión hacia una concepción moderna de las artes que rompía con el clasicismo de modelos artísticos estáticos para evolucionar hacia un interés creciente por fenómenos mucho más dinámicos., At the end of the 19th century, the American dancer Loïe Fuller became a muse of the Parisian avant-garde. Although thirty years later, her context had changed radically, a similar phenomenon was repeated with her compatriot Josephine Baker. Deco artists, symbolists, futurists and first filmmakers materialized the evolutions of both on stage. They not only aroused the interest of the public from all social classes but also that of important intellectuals and artists. The research has involved the critical review of specific studies on both, autobiographies, newspaper archives or recent studies that claim the innovative figure of Fuller, as well as the evolution of dance and its relationship with other arts. The impact that these two contemporary muses caused in artistic disciplines such as painting, sculpture, illustration, cinema or architecture is analyzed in parallel, paying special attention to how the representation of movement materialized in each of them. From this review, coincidences, parallels and divergences are verified that show that the authentic common bond and real attraction for the artists were not precisely the two dancers and their own art, but the revolutionary, innovative and suggestive dynamic interpretations of the scenarios: subtle and elegant in Fuller, dizzying and electrifying in Baker. The parallel impact of both on the artists of their times is the backbone of the research. Beyond their well-known role as performance artists and promoters of avant-garde art, they personified something that was not valued in its proper measure at the time due to a lack of temporal perspective. Without knowing it, they represented a turning point towards a modern conception of the arts that broke with the classicism of static artistic models to evolve towards a growing interest in much more dynamic phenomena.

A finales del XIX, la bailarina americana Loïe Fuller se convirtió en una musa de las vanguardias parisinas. Aunque treinta años después, el contexto había cambiado radicalmente, un fenómeno similar se repitió con su compatriota Josephine Baker. Los artistas decó, simbolistas, futuristas y primeros cineastas materializaron las evoluciones de ambas sobre los escenarios. Ellas no solo suscitaron el interés del público de todas las capas sociales, sino el de importantes intelectuales y artistas. La investigación ha implicado la revisión crítica de estudios específicos sobre ambas: autobiografías, hemerotecas de prensa o trabajos recientes que reivindican la figura innovadora de Fuller, así como la evolución de la danza y su relación con otras artes. Se analiza en paralelo el impacto que estas dos musas contemporáneas provocaron en disciplinas artísticas como la pintura, escultura, ilustración, cine o arquitectura, prestando especial atención a cómo la representación del movimiento se materializó en cada una de ellas. A partir de esta revisión, se constatan coincidencias, paralelismos y divergencias que ponen de manifiesto que el auténtico vínculo común y atracción real para los artistas no fueron precisamente las dos bailarinas y su propio arte, sino sus revolucionarias, novedosas y sugestivas interpretaciones dinámicas sobre los escenarios: sutiles y elegantes en Fuller, vertiginosas y electrizantes en Baker. El impacto paralelo de ambas en los artistas de sus épocas es el tema vertebrador de la investigación. Más allá de su conocido rol como artistas de espectáculos y estimuladoras del arte de vanguardia, personificaron algo no valorado entonces en su justa medida, debido a una falta de perspectiva temporal. Representaron, sin saberlo, un punto de inflexión hacia una concepción moderna de las artes que rompía con el clasicismo de modelos artísticos estáticos para evolucionar hacia un interés creciente por fenómenos mucho más dinámicos., Postprint (published version)

El treball d'investigació tracta la influència del constructivisme rus en Rem Koolhaas. S'ha parlat de context, d'un dels máxims representants del constructivisme rus, Ivan Leonidov i s'ha realitzat un anàlisis de tres obres de cadascun comparant tècniques gràfiques utilitzades al llarg de la seva carrera arquitectònica. Les tres obres pertanyen a 3 etapes diferentes de cada arquitecte però amb certes similituds entre ells.

Para Albert Speer, el arquitecto oficial del Tercer Reich, la representación gráfica de la arquitectura tuvo un papel importante, más allá de lo habitual para cualquier arquitecto. Bocetos intercambiados con Hitler se conservan como testigos mudos de sus debates, precedentes de grandes proyectos posteriormente desarrollados por ejércitos de técnicos a su servicio. Además, ambos compartían un interés singular, una atracción nostálgica por cuadros y grabados de restos de grandes imperios de la antigüedad. Esta inclinación se fue transformando en una obsesión sobre la percepción futura de las ruinas de lo que estaban construyendo. Tal fijación se materializó en perspectivas idealizadas, encargadas por el arquitecto durante la construcción de las obras y en dibujos clandestinos realizados en la prisión de Spandau. La comunicación analiza especialmente el rol de la representación gráfica en el concepto de percepción de ruinas futuras a través de referencias artísticas del pasado, ...

For Albert Speer, official architect of the Third Reich, the graphical representation of architecture played an important role, more than was normal in his profession. A series of early sketches exchanged with Adolf Hitler have been preserved as witnesses to the architectural debates between them, forerunners of major projects implemented by armies of technicians at his service. Moreover, the dictator and the architect shared another unique interest, a nostalgic attraction for paintings and engravings depicting ruins of the great ancient empires. This peculiar interest gradually became an obsession as to how the ruins of the works they were buildingwould be seen in the future.This is like the funeral arrangements for a baby being established before it has even been born. This fixation resulted in idealised perspectives, commissioned by the architect during the construction of the works, and in other clandestine drawings produced during his captivity in Spandau prison. The text specifically analyses the role of graphical representation in the concept of the perception of future ruins through artistic references from the past, reflections written in his memoirs and drawings by Speer himself. Although his architectural and urban development work has been extensively analysed, his drawings have not aroused much interest, despite their importance to him. This activity also allowed him, during the twenty years he spent in prison, to record and summarise his memories and lost dreams on paper.

Understanding the genetic factors involved in seed longevity is of paramount importance in agricultural and ecological contexts. The polygenic nature of this trait suggests that many of them remain undiscovered. Here, we exploited the contrasting seed longevity found amongst Arabidopsis thaliana accessions to further understand this phenomenon. Concentrations of glutathione were higher in longer-lived than shorter-lived accessions, supporting that redox poise plays a prominent role in seed longevity. However, high seed permeability, normally associated with shorter longevity, is also present in long-lived accessions. Dry seed transcriptome analysis indicated that the contribution to longevity of stored messenger RNA (mRNAs) is complex, including mainly accession-specific mechanisms. The detrimental effect on longevity caused by other factors may be counterbalanced by higher levels of specific mRNAs stored in dry seeds, for instance those of heat-shock proteins. Indeed, loss-of-function mutant analysis demonstrated that heat-shock factors HSF1A and 1B contributed to longevity. Furthermore, mutants of the stress-granule zinc-finger protein TZF9 or the spliceosome subunits MOS4 or MAC3A/MAC3B, extended seed longevity, positioning RNA as a novel player in the regulation of seed viability. mRNAs of proteins with putative relevance to longevity were also abundant in shorter-lived accessions, reinforcing the idea that resistance to ageing is determined by multiple factors.

Seed longevity is modulated by multiple genetic factors in Arabidopsis thaliana. A previous genome-wide association study using the Elevated Partial Pressure of Oxygen (EPPO) aging assay pinpointed a genetic locus associated with this trait. Reverse genetics identified the transcription factor DOF4.1 as a novel seed longevity factor. dof4.1 loss-of-function plants generate seeds exhibiting higher germination after accelerated aging assays. DOF4.1 is expressed during seed development and RNAseq data show several putative factors that could contribute to the dof4.1 seed longevity phenotype. dof4.1 has reduced seed permeability and a higher levels of seed storage proteins mRNAs (cruciferins and napins) in developing seeds, as compared to wild-type seeds. It has been reported that mutant lines defective in cruciferins or napins present reduced seed longevity. The improved longevity of dof4.1 is totally lost in the quadruple mutant dof4.1 cra crb crc, but not in a dof4.1 line depleted of napins, suggesting a prominent role for cruciferins in this process. Moreover, a negative regulation of DOF4.1 expression by the transcription factor DOF1.8 is suggested by co-inoculation assays in Nicotiana benthamiana. Indeed, DOF1.8 expression anticorrelates with that of DOF4.1 during seed development. In summary, modulation of DOF4.1 levels during seed development contributes to regulate seed longevity.

En los últimos cien años, el mundo ha sido testigo de uno de los mayores procesos de globalización de la historia. La llegada de las nuevas tecnologías ha hecho que estemos más conectados que nunca a la par que nos ha desconectado de nuestras raíces. Vivimos en un mundo en el que la identidad cultural está en periodo de desaparición. Sin embargo, es íncreíble que en este contexto en el que la pertenencia a una cultura se ha convertido en algo anecdótico, se desarrollen expresiones artísticas muy arraigadas a las sociedades en las que se desarrollan. El cholet, una tipología de edificios surgida en El Alto (Bolivia) a comienzos del siglo XXI, puede usarse como ejemplo de esta situación. En este trabajo se tratará de desentrañar el tejido de procesos e influencias que han llevado a la aparición de estos edificios, pretendiendo discernir si es cierto que el cholet puede considerarse la última expresión arquitectónica de una cultura en peligro de extinción. Se estudiarán cuatro periodos de la vida de Bolivia, dos procesos globalizadores y más de 400 años de historia, en búsqueda de una identidad cultural arrebatada. Por un lado la historia reciente, la llegada de Evo Morales al gobierno y la revalorización de la cultura aymara en Bolivia. La aparición de la nueva burguesía aymara y su participación en la aparición del cholet. Se seguirá con un análisis de los procesos históricos del siglo xx, las sucesivas revoluciones (haciendo incapié en el papel del indígena) y los procesos arquitectónicos que los acompañaron. En esta etapa, se tratará la última colonización a la que se sometió la arquitectura Boliviana, el Movimiento Moderno. Posteriormente, se tratará la época colonial, viendo en que medida esta perjudicó a las sociedades indígenas y su arquitectura y relacionándola con la aparición del cholet. Por último, se estudiará la época precolombina en Bolivia a través de la cultura Aimara y Tihuanacota, tratanto de decidir hasta que punto estas han sido una influencia para

La casa principal salmantina constituye una arquitectura que se desarrolla a finales de la Edad Media, en los siglos XV y XVI. Estilísticamente, se trata de unos edificios que aunque cronológicamente sean de dichos siglos, participan elementos y motivos tardo-góticos y del plateresco, decoración renacentista italiana. Este modelo de casas señoriales, ha sido consecuencia de la situación de la sociedad en aquella época. Los importantes linajes de caballeros y gente principal que poseían el control de la ciudad, mandaron construir estas casas en los mejores emplazamientos del núcleo urbano. Sin embargo, la situación conflictiva que existía entre los diferentes bandos en aquel momento, dio lugar a construcciones señoriales con fisionomía de fortaleza, donde se incorporaron diversos elementos propios de la arquitectura militar para protegerse de posibles enfrentamientos. Existen numerosas casas señoriales, localizadas en el casco histórico. He seleccionado tres ejemplos, que considero que muestran mayor interés, como son la Casa de las Conchas, la Casa de la Salina y la Casa Solís. En cada uno de ellos analizo su configuración general, su relación con el entorno, sus principales elementos de composición y su repertorio ornamental, para poder establecer una serie de conclusiones que expliquen las particularidades que comparten o diferencian a este tipo de construcciones. Mediante este análisis en profundidad se exponen posibles propuestas de la configuración original de estos edificios.

Dentro de un contexto arquitectónico mucho más avanzado técnica y formalmente, la arquitectura que debía representar al Estado se remonta a un estilo pasado que representaba una época gloriosa y donde se ven representados todos los valores que pretenden conseguir para España. Será esta arquitectura la que trate de camuflar la situación real del país y de sus ciudadanos y la que será usada de propaganda política. Las Galerías Piquer son el resultado de esta situación política, económica y social que se estaba viviendo en España tras la guerra civil. Aportan soluciones al problema de vivienda que sufría el país siguiendo los cánones de una arquitectura historicista y representativa. En un emplazamiento privilegiado y con un precedente de comercio temporal como es el Rastro, se intentó conseguir un edificio funcional que ayudase a organizar la zona, además de un conjunto que tuviese un aspecto representativo y diese un carácter permanente a los establecimientos de la zona que a tanta gente movían cada fin de semana.

Al terminar la Guerra Civil en 1939, Madrid se convirtió en un punto de crecimiento exponencial que recibía cientos de personas de las zonas rurales a diario. Esto supuso un aumento de la densidad de población, y la vivienda se convirtió en un auténtico problema para la ciudad. La falta de control sobre las viviendas, los alquileres y la especulación del suelo, hicieron que pronto surgiera la necesidad de buscar otros medios por parte de las personas con menos recursos. Comenzaron así los asentamientos en zonas periféricas de la ciudad, con construcciones deficientes a las que se denominaron chabolas. El problema pronto se hizo eco en las políticas, que comenzaron con los planes para su erradicación, la mayoría sin éxito. Uno de ellos fue la creación de las Unidades Vecinales de Absorción (UVAs). El presente trabajo de fin de grado es un análisis entre los años 1940 y 1960, cuando se desarrolló el chabolismo en Madrid, para, por medio del desarrollo del Plan Bigador, diferentes leyes y, concretamente, el Plan de Absorción del Chabolismo de 1961, conseguir acabar con el problema. Se tomará como caso de estudio la Unidad Vecinal de Absorción de Hortaleza, que actualmente es la única unidad que sigue habitada. Así mismo, se hará un estudio comparativo de Hortaleza con otros proyectos de viviendas urgentes, analizando su transformación, y cómo de planes exitosos se han convertido en zonas degradadas y conflictivas

La profunda transformación sufrida por nuestro entorno en las últimas décadas ha motivado, de forma directa, un intenso crecimiento de nuestra voluntad de preservar un patrimonio. Procesos como la globalización o la homogeneización urbana están provocando un importante deterioro de las identidades tradicionales. La Serena, comarca donde se centra la investigación, es un ejemplo de esta problemática. Hablamos de una parte del territorio extremeño, poco heterogéneo, rodeado de ríos y grandes llanuras extensas, a veces atravesadas por pequeñas laderas, dedicadas a los cultivos de secano. Su posición geográfica periférica, lejos de beneficiarla, ha afectado a su desarrollo comercial, lo que ha provocado que su economía productiva se centrara en el sector primario, principalmente en la agricultura y la ganadería. Como consecuencia, gran parte del patrimonio popular está ligado a este sector. Las viviendas populares, los edificios de carácter religioso, los espacios urbanos o los materiales autóctonos utilizados en los procesos constructivos son algunos componentes que definen la identidad local de estos municipios. Con el fin de analizar la evolución de estos elementos, este trabajo aborda esta problemática desde un punto de vista crítico y reflexivo, poniendo en valor esas expresiones y lenguajes tradicionales reflejados en su arquitectura popular. Resulta fundamental entender qué debe o puede ser alterado, de modo que su conservación sea más efectiva y sostenible. Por ello, este trabajo también pretende ser un paso más en esta dirección y contribuir a futuras investigaciones que puedan complementarlo.

La arquitectura implica un proceso de diseño, de proyectar y de construir edificios. Cualquier persona que se haya visto involucrada en alguna parte de este proceso sabrá que se trata de una ardua tarea, ya que requiere una correcta estructuración y desarrollo de las diferentes etapas. Pensar en los espacios que se van a generar, la distribución y calidad de éstos, los materiales, la luz, la ventilación... Empezar a plasmar estas ideas sobre el papel u ordenador... Hacer todos los trámites necesarios para tirar el proyecto adelante... Son algunos de los elementos cruciales para que un proyecto arquitectónico tenga éxito. Pero hay un elemento fundamental que es la representación arquitectónica, es decir, cómo presentamos nuestras ideas a través de diferentes sistemas, herramientas y recursos gráficos que ayuden a que el proyecto se entienda y se perciba mejor. Mucha gente trata este tema como algo secundario, sin darse cuenta de que están descuidando una de las etapas más importantes del proceso arquitectónico. Ello requiere un estudio e investigación propio que analice los procesos gráficos que hay detrás de un proyecto. No se puede hacer un buen proyecto si no está bien representado. Este trabajo pretende analizar cuatro de las principales y más importantes estrategias de la representación arquitectónica, tratando los diferentes puntos clave de una forma básica y directa a la hora de ejecutar los dibujos elementales (plantas, secciones,...) hasta la ejecución de paneles, una vez tenemos todos los elementos gráficos acabados. Todo el proceso en general estará más enfocado a la representación de proyectos de concurso o cualquier cosa semejante, como por ejemplo la presentación de un proyecto en la universidad. Pero todos los conceptos que veremos serán aplicables a cualquier tipo de proyecto.