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Reseña del libro: López Pérez, B., Rangel Jiménez, M. y Meritano Corrales, E. (2024) Videojuegos y cinematografía. Universidad Autónoma Metropolitana.

Criado pela Câmara Municipal do Rio de Janeiro em 1951, durante o governo do prefeito João Carlos Vital, o Festival Cinematográfico do Distrito Federal tinha entre seus objetivos iniciais incentivar a indústria audiovisual carioca e estimular a atividade turística da cidade, de modo a contribuir para difundir a sua imagem para o restante do país e do mundo. Com sua organização atribuída ao Departamento de Turismo do Distrito Federal, o projeto teve uma vida breve, não chegando a somar dez anos de existência. Apesar da trajetória curta, o Festival ocupou um espaço fundamental para a construção das políticas culturais cariocas no seu contexto, sendo esse o estudo de caso de A capitalidade em disputa: o Festival Cinematográfico do Distrito Federal e outros festivais no Brasil dos anos 1950. A obra procura, em primeiro plano, historicizar e problematizar o Festival enquanto um projeto marcado por intenções e perspectivas políticas, bem como de debate sobre os próprios gêneros audiovisuais do período, como as Chanchadas. Em um segundo plano, Pinto e Mager apresentam um estudo provocativo e singular, de caráter monográfico, que estimula reflexões sobre as operações teóricas e metodológicas do estudo de festivais na historiografia.

La mayoría de las incógnitas que suscita el desarrollo de la inteligencia artificial en contextos como el académico o el profesional, están relacionadas con cierta intrusión de la tecnología, no solo por realizar labores tradicionalmente humanas, sino también por hacerlo de una manera que puede resultar difícil de identificar. El presente artículo estudia cómo distintos estudiantes del Grado de Cine distinguen entre guiones creados con IA y sin ella, muestra elegida por suponérsele un juicio maduro en este campo. A 24 alumnos se les facilitaron tres opciones de una misma escena de guion, junto con un cuestionario en el que debían reconocer la procedencia, humana o de inteligencia artificial generativa, de cada uno de los textos, así como justificar las razones de su elección. Entre los tres textos facilitados había producción exclusivamente humana y texto sintético de varias procedencias. Un análisis cuantitativo muestra una destacable inclinación hacia la percepción de que se trata de textos sintéticos, independientemente de que estos realmente lo sean, resultando una particular incapacidad de discernimiento. Por otro lado, un análisis cualitativo ha podido destacar claves sobre cómo los estudiantes perciben o presuponen las diferentes procedencias, resultando destacables ciertas nociones de “naturalidad” descritas por los participantes.

Video politics has been studied from the perspective of Political Science, focusing on verbal discourse and its methods of persuasion, neglecting the structural analysis of audiovisual elements. In this article, derived from a doctoral research, a methodology is proposed that combines film analysis theory, digital communication, and functional discourse theory to analyze digital video political pieces. Through hermeneutic research with a literature review, categories and variables were established, creating a codebook with audiovisual, narrative, and typological characteristics of the pieces. The methodology was tested on 175 pieces and resulted in a method that systematizes audiovisual, narrative, and typological components. Furthermore, it allows for representing the pieces as replicable structural models and comparing their interaction on social platforms. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article explores the impact of integrating artificial intelligence (AI) into film editing, a field that has gradually adopted semi- and fully automated techniques, marking a turning point in film narrative and montage techniques. The study undertakes a systematic literature review and conducts fifteen semi-structured interviews with professional film editors in Spain to investigate how AI might transform workflows in film editing, in general, and documentary filmmaking, in particular. AI’s potential as a complementary tool in the management and organization of large volumes of material is discussed, while growing interest is highlighted in the development of more interactive, more dynamic interfaces. Finally, the study stresses the need for future research to broaden its current scope, further exploring the practical applications of AI-driven film editing and addressing both the ethical and creative concerns associated with its use. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este artículo se centra en el análisis discursivo de interacciones conflictivas en Twitter sobre la atribución de responsabilidad por abusos de derechos humanos. Esta investigación se enfoca en un estudio de caso, a saber, la muerte de un hombre después de haber sido atropellado por Carabineros el 29 de enero de 2020, que provocó interacciones conflictivas en Twitter alrededor de la conceptualización de la responsabilidad. En consecuencia, el corpus está compuesto por tuits publicados por canales/programas televisivos en este contexto, y sus respuestas. A fin de comprender cómo los usuarios reaccionan ante estos tuits e interactúan para defender su punto de vista y gestionar el conflicto, el análisis se fija en la responsabilidad y la agentividad, la representación de los actores sociales, y los mecanismos lingüísticos utilizados para atenuar o intensificar la responsabilidad. El análisis muestra que los usuarios suelen conceptualizar la responsabilidad de distintas maneras, que recurren a intensificadores o atenuadores para logarlo y que estos varían según reaccionan al titular o a la intervención de otro usuario.

Uno de los fenómenos de la cultura popular más importantes del siglo XXI es el auge de las películas de superhéroes. De subgénero maldito a colección de éxitos de taquilla, estos films han resultado ser fundamentales para estudiar el impacto del cine en nuestra forma de ver el mundo e interpretar, a posteriori, eventos del mundo real. El Universo Cinematográfico Marvel es, no solo la marca más reconocida a la hora de hablar de estas películas sino el ejemplo más claro de franquicia transmedia exitosa. En este artículo queremos analizar el UCM dentro de los parámetros de la geopolítica de la cultura popular para averiguar cómo estos films representan y hablan de aspectos sociopolíticos que se transmiten al conjunto de la audiencia. Para ello, y a través de una metodología interdisciplinar, examinaremos como construyen un discurso de recreación de la realidad en el que, apoyándose en su carácter de narraciones fantásticas, reflexionan sobre el terrorismo, las relaciones internacionales o el cambio climático

The analysis of the advertisement Intolerance Is Still There (2021) from a narrative point of view, using Genette’s (1972) theory of focalization and ocularization, revised by Jost and Gaudreault (1995), is proposed as a basis for the study of the campaign Héroes de Hoy (2020-current). The results show that the discursive tactics are based on the narration of real historical and contemporary events, the activity of the characters, and the equidistant placement of the audience in a zone of contemplation, awareness, and prosociality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El turismo es una de las actividades con mayores derramas económicas en el estado de Oaxaca en México, por lo que su reactivación social y económica son ejes prioritarios tras la pandemia generada por la COVID-19. Para contribuir en tal premisa, este anteproyecto se desdobló a partir de una metodología inductiva bajo tres variables: el medio, el contenido, y el espacio; que en conjunto proponen un espectáculo público, el cual, eventualmente tenga posibilidades de ser ejecutado, con el objetivo de diversificar la oferta cultural en la capital, tanto para locales, como para visitantes; asimismo, agregar valor al sector turístico. La primera variable es, el medio, considerando al videoproyector como una herramienta digital performativa que permite intervenciones en gran formato; la segunda, el espacio, uno de los sitios arquitectónicos con mayor reconocimiento patrimonial en la ciudad que cumpliría la función de pantalla y escenario; por último, el contenido, a través de la narrativa audiovisual que destaca aspectos socioculturales y tradicionales.

Understanding audiovisual works and the quality of the viewing experience are two of the main challenges faced by people with visual impairments. This article addresses the importance of media literacy plans for this group and proposes the design of a training program that facilitates knowledge of the codes of language and audiovisual narrative as a tool to achieve an improvement in their critical capacity, facilitating learning more in line with the technological transformations of today's society. Through a review of the scientific literature and a cross-sectional mixed methodological model that combines the use of surveys with interviews with experts, their needs, interests, and training demands have been identified in relation to audiovisual media, contributing to optimizing the program's design. The analysis of the data obtained confirms that this type of proposal contributes to a significant improvement in the lives of people at risk of social exclusion, facilitates their interaction with the world, and collaborates in the elimination of barriers that interfere with the improvement of their digital and media skills. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Inteligencia artificial, ChatGTP y OpenAI son algunos de los términos más buscados en Google en la actualidad según Google Trends (2023). Sin embargo, parte de la concepción de la inteligencia artificial y, sobre todo, de sus posibles aplicaciones tecnológicas en la robótica avanzada, derivan de imaginarios sociales y culturales que se han construido gracias a su representación en la literatura, el cine, las series y los videojuegos. Concretamente, en el cine, películas como Blade Runner (Scott, 1984), Terminator (Cameron, 1984), AI: Artificial Intelligence (Spielberg, 2001), I, Robot (Proyas, 2004) o Ex-Machina (Garland, 2014) han proyectado la imagen de robots inteligentes como amenaza o alteridad al ser humano. El objetivo de este manuscrito es comparar el discurso de las películas españolas Eva (Maíllo, 2011) y Autómata (Ibáñez, 2014) frente al discurso científico de las 20 películas más valoradas según IMDB que incluyen la temática de inteligencia artificial. Para ello, se han triangulado tres perspectivas: el mito de Prometeo (Nieto, 2022), los principios de mitología robótica (Pérez, 2004) y la dicotomía humano - no humano (Gastaka e Iturregi, 2022), lo que ha permitido, siguiendo la metodología de Novoa et al. (2019), extrapolar las características y rasgos que definen el discurso científico de la IA en la cinematografía para poder analizar así el discurso de ambas películas españolas. Los resultados permiten concluir que no existen discrepancias entre la ciencia ficción nacional y la internacional respecto al posicionamiento de la IA como el fin de la humanidad y el diseño de sociedades distópicas y apocalípticas, aunque, particularmente, Eva y Autómata ponen a debate temas éticos y antropológicos desde diferentes prismas acerca de la ética en la robótica y la alteridad, lo que permite avivar el debate sobre la capacidad de sentir de robots y androides frente al imaginario colectivo.

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Almost half a century after its premiere, the half-lenght film "La cabina" (Antonio Mercero, 1972) continues in the television memory of the spaniards of the Baby Boom generation, thanks, to a large extent, to its high symbolic load. Both the press that went to the previous screenings, as well as the specializad critics after its issuance, emphasized this particularity, attributing for months, like the public of the time, the most diverse meanings to the metaphorical content of the narrative, in which was deposited, by consensus, the unquestionable impact of the film. This article have pressed its validity in this sense, and the posible evolutions around the perception and interpretation of its narrative, through the modern visión of five generations of future journalists belonging to Z Generation, to whom, during a Creativity module of the Journalism Degree, in University of La Laguna (ULL), was requested, between 2015 and 2020, to offer, with minimal contextual references, their own interpretations of some defining elements of the film, yielding results in their own and current world view. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

El artículo presenta una propuesta para la construcción de la memoria histórica de una nación a partir del tratamiento analítico sobre sus narrativas audiovisuales. Esto se presenta como una estrategia de documentación que permite recuperar traumas sociales del pasado reciente, fundamentada en una lectura comprensiva de elementos constitutivos de la narración. Este modelo se aplica al análisis del texto fílmico Los colores de la montaña del director Carlos César Arbeláez (2011). Los resultados muestran que en la nación persiste una violencia agraria, acompañada de agresión y terror, que produce como efecto principal que los sujetos vivan sin identidad en territorios múltiples y en tiempos cíclicos que repiten como síntoma social el desarraigo.

The main objective of this paper is to analyze the representation of the Andalusian painter and queer activist José Pérez Ocaña in two documentaries, Ocaña, retrato intermitente (Ocaña, retrat intermittent, Ventura Pons, 1978) and Ocaña, la memoria del sol (Juan José Moreno, 2009). Born in a Sevillian town, Ocaña would become popular in Barcelona as a queer performer and as an anarchist icon of resistance to Francoism during the years of the Transition. This paper is based on a analysis of the representation of Ocaña as a character with a dissident male identity in the selected documentaries, applying a methodology of audiovisual textual analysis of the character in which both documentaries are compared (physical, psychological, socioeconomic dimensions, etc.). Although the two discourses analyzed revolve around Ocaña and all the information is consistent with the objective of describing, representing, or evoking him, the focus on him varies, due to the nature of each documentary and its production conditions. It can be concluded that the analysis of the main character of the documentaries reveals a round and complex character, able to add features of his culture of origin, strongly linked to Andalusian folkloric expressions, with the freedom that he found on his arrival in Barcelona. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In Pedro Almodóvar’s filmography there are more female characters in main roles than male ones. Some of its films, such as Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980), Kika (1993) o Julieta (1916), are named after their own female protagonists, and others, such us Mujeres al borde de un ataque de nervios (1989), Tacones lejanos (1991), Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) o Madres paralelas (2021), allude directly to the female figure. Despite this evidence, his films usually show a variety of male characters, as significant as it is diverse, that doesn’t strictly respond to classic and hegemonic patterns. With the aim of analyzing the male protagonists of the Pedro Almodóvar’s films (1980-2022), as a person and role (Casetti and Di Chio), a qualitative methodology is used. Also, a classification is proposed that organizes them by categories at the narrative level: the absent husband, the fragile heartthrob, the liberated homosexual, the repressed homosexual, the disturbed and the caretaker/ savior. From these considerations, this paper aims to show how Almodóvar’s filmography has characters that manage to represent a disruptive and dissident masculinity in the Spanish cinematographic panorama. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Breaking Bad (Gilligan, 2008-2013) supuso un gran éxito en el ámbito de las series de televisión, por lo que ha generado un buen número de estudios en torno a sus personajes y tramas, así como implicaciones para el estudio desde varias disciplinas. A pesar de haberse configurado una notable literatura al respecto, el elemento musical aparece menos profusamente tratado que el visual. El presente artículo se plantea cómo aprender a descifrar claves sobre la narración audiovisual poniendo el foco en la parte sonora de la serie en cuestión. Para ello, se realiza un análisis en torno a las cápsulas musicales, escenas que poseen autonomía a partir de la integración sonora y visual, de forma que se pueda discutir y entender mejor las interioridades del discurso narrativo. Se concluye que, musicalmente, se potencian aspectos venidos de la conformación de los personajes o las situaciones, como era de esperar, pero además la banda de sonido ejerce un papel fundamental, tanto en la narración en sí como en la configuración de la trama.

Busca-se, neste artigo, analisar a narrativa audiovisual “Emicida: Amarelo – é tudo pra ontem” (2020) como parte de um material crítico que possibilita reflexões sobre a Semana de Arte Moderna a partir da perspectiva do indivíduo negro inserido na sociedade contemporânea. Nesse documentário, gravado no Theatro Municipal de São Paulo, Emicida reescreve a história negra no Brasil, utilizando-se de imagens fragmentadas do passado e do presente, expandido ainda os modos de se compreender a Semana de 22. Sendo assim, este artigo almejará entender aspectos da narratividade negra contemporânea a partir das bordas da Semana de Arte Moderna, por meio de algumas reflexões de Achille Mbembe (2018), sobre a força da criatividade negra em meio a um cenário de catástrofes, de Angélica Melendi (2017), a respeito das estratégias artísticas em momentos de barbárie, e de Walter Benjamin (2012), Jeanne Marie Gagnebin (2018) e Márcio Seligmann-Silva (2008) acerca da reescrita da história e da narração de experiências traumáticas.

Transmedia narrative universes and their multiverses have become the largest sources of audiovisual productions in the film and video game industries. Star Wars, the Tolkien universe, DC Comics, Harry Potter, and Marvel are examples of transmedia narratives that contain numerous storyworlds interconnected through transmedia, thus forming universes capable of creating new cinematographic productions and new multiplatform content incessantly. Much of their success is due to expansion and depth as crucial elements of transmediality and media convergence. The article discusses the distinctive aspects of these narrative universes through the case study of The Avengers saga, a nuclear part of the Marvel Cinematic Universe (UCM), from a multidisciplinary perspective involving discourse analysis and semiotics. Analyzing the content of the four films that are part of the saga allows us to identify the constant use of intertextual resources that come from the humanities (literature, history, philosophy, mythology, and film culture) and their relationship with the capacities for expansion and depth of transmedia narratives. The text proposes the need to highlight the importance of the humanistic foundations to create a deep, organic, and constantly expanding narrative universe of the saga, receivers’ holistic understanding of its meaning that can lead to the increased active participation of the fandom, and the creation of user-generated content and its link with this universe. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The media play a key role in the script of the successful Netflix series The Crown (Peter Morgan, 2016-2020), since a multitude of information-related actions appear in its 40 episodes. Journalism is essential in the daily agenda of the royal family and politicians and it becomes the undisputed protagonist to unite the plot, even with some chapters in which it occupies more than half the time. To quantify the presence of journalism in the four seasons, this research uses a structuralist method inspired by the book Morphology of the story (1928), by Russian Vladimir Propp, which extracted 31 irreducible functions or actions after analyzing one hundred traditional stories. This work is based on the template made by itself Morphology of the journalist in the cinema, with 70 functions in three spheres: with high, qqmedium and low impact of journalism. Among the conclusions, the constant presence of journalism stands out from the first minutes of each episode to the end, with which headlines, flashes, radio broadcasts or television images mark the rhythm of the narrative thread in each chapter and become the link between royal family and politicians and society. In addition, the supremacy of the work of newspapers over radio and television is observed, and the prevalence of sensational themes linked to the personal lives of royals is also detected. This investigation thus becomes a new testimony of the fruitful union between journalism and cinema. It is also another document in the history of British journalism and its decisive link with the Crown and the political life of England during several decades of the second half of the 20th century. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La obra videoescénica se construye a través de dos modos de representación, el dramático y el narrativo de enunciación audiovisual mediante la introducción de medios audiovisuales en la escenificación teatral. La categoría espacial es determinante en la creación de sentido, puesto que la comunicación con el espectador se produce en el espacio. Una pantalla de proyección, situada en el escenario, establece la interacción intermodal entre el espacio escénico y el espacio audiovisual. Esta investigación tiene como objetivo explicar cómo se establecen las relaciones entre espacio escénico y espacio audiovisual a través de una metodología cualitativa basada en el análisis dramatológico de tres productos videoescénicos. Los resultados muestran que la introducción del audiovisual altera cualitativamente los grados de representación del espacio a través de relaciones específicas de sucesividad y simultaneidad que llevan a la aparición de la subjetividad en la percepción espacial. La investigación concluye estableciendo la categoría de espacio videoescénico, caracterizado por la fragmentación y la multiplicidad. En la obra videoescénica se produce una doble ruptura: de los límites espaciales y de la focalización teatral.

La representación de la mujer en las narrativas de ficción ha evolucionado desde la primera ola del Feminismo. Dado que las ficciones no han roto todavía con los estereotipos de género, el presente trabajo plantea un análisis de los tres personajes femeninos de la serie de Netflix Bridgerton (Shondaland, 2020), a través de una metodología cualitativa que aplica la tabla de análisis de personajes femeninos propuesta por Mar Chicharro (2018, p. 95). Esta herramienta se basa en variables clave en la construcción de personajes desde el punto de vista narrativo, pero además incluye cuestiones descriptivas que ayudan a abordar su evolución, como es el arco de transformación. El objetivo es constatar el cambio del criterio representacional de la mujer en la ficción audiovisual, que pasa de objeto de deseo masculino a sujeto activo orientado a satisfacer la demanda del público femenino al que va dirigida. Finalmente se presentan los resultados, entre los que destacan la evolución del personaje principal, desde la figura de princesa de cuento de hadas a heroína de la acción, así como la multirepresentación de la figura femenina a través de tres generaciones, estrategia empleada con el objetivo de cubrir el conjunto de la audiencia femenina.

Los métodos cualitativos de investigación han permitido –durante los últimos años- consolidarse como una estrategia asertiva y exitosa en el sistema de educación superior para vincular a los jóvenes universitarios con el estudio de los fenómenos sociales desde diversos abordajes disciplinarios. En el área de la Comunicación y específicamente en el estudio de las narrativas audiovisuales, este paradigma -concretado en el uso de métodos y herramientas-, ha permitido que los estudiantes de profesional y posgrado reconstruyan la realidad a partir de nuevas interpretaciones sobre diversos fenómenos sociales que muchas veces les son ajenos a su contexto de origen, como la pobreza, la inequidad o la violencia, ya sea en el estudio de programas de ficción o de noticias. A través de su acercamiento al mundo de la investigación desde el paradigma fenomenológico, estos investigadores en formación de clase media alta y alta, fomentan su compromiso y sensibilidad social. Este trabajo presenta los resultados logrados por los autores durante catorce periodos semestrales como profesores titulares de tres cursos de Métodos Cualitativos de Investigación: uno en el nivel de profesional, y dos, en programas de posgrado de una universidad privada del noreste de México. Se destaca en este análisis descriptivo la estructura metodológica en la que se basaron los cursos, las competencias de investigación adquiridas por los alumnos -traducidas en tesis de maestría y publicaciones en congresos nacionales e internacionales y revistas especializadas-. Se toman como muestra los trabajos realizados a través de estructura metodológica en la que se basaron los cursos, las competencias de investigación adquiridas por los alumnos -traducidas en tesis de maestría y publicaciones en congresos nacionales e internacionales y revistas especializadas-. Se toma como muestra los trabajos realizados a través de metodologías como el análisis de contenido cualitativo, grupos de discusión, etnografía e historias de vida, a través de técnicas como la observación y la entrevista en profundidad.

La búsqueda de una narrativa minimalista (bautizada por algunos críticos y analistas como “esencialista”) se presenta como uno de los rasgos característicos en obras de un buen número de autores del panorama cinematográfico contemporáneo. Este hecho probablemente no sea más que una reacción al acusado amaneramiento que el discurso audiovisual ha sufrido en las últimas décadas como consecuencia de una excesiva influencia del relato televisivo así como de la generalización de herramientas digitales en los procesos de producción. En esta vuelta a la esencia de la narración cinematográfica el audio juega un papel decisivo. La mayor versatilidad de la banda de sonido, posible gracias a una progresiva emancipación de la vertiente sonora en el discurso audiovisual, se convierte en un recurso fundamental ante la simplificación de la vertiente visual en el relato. En esta emancipación entran en juego tanto cuestiones técnicas (en especial, los grandes avances en sonido multicanal) como estéticas (búsqueda de un concepto sonoro global para el film por parte de directores y diseñadores de sonido). La conjunción de estos factores desemboca en un tratamiento de aspecto difuso y ambiguo que propicia la consecución de un sonido mucho más evocador así como una multiplicidad de significados habitual en el relato cinematográfico de autor contemporáneo.

El presente artículo se centra en las modificaciones realizadas sobre el contenido narrativo de cómics japoneses al ser adaptados al medio cinematográfico. Así pues, tras realizar un recorrido introductorio sobre las principales teorías de la adaptación, el artículo desarrolla un análisis comparativo de cómics japoneses y sus correspondientes adaptaciones cinematográficas para determinar cómo se produce ese trasvase de contenido narrativo y qué estrategias discursivas se utilizan para adaptar la historia de un medio a otro. El corpus incluye obras orientadas a adolescentes masculinos (donde predominan las tramas argumentales episódicas) y femeninos (donde es más habitual encontrar tramas seriadas). La metodología de análisis tiene un enfoque comparativo y presta especial atención a los procesos de traslación, añadido, eliminación o modificación de elementos narrativos.

¿Es posible recuperar la memoria histórica a través del cine? ¿Cómo afecta el filme al espectador? ¿Cuáles recursos audiovisuales posee? y ¿De cuáles estrategias narrativas se vale? Las respuestas analíticas se basan en los códigos de significación de Roland Barthes: Hermenéutico, proairético, sémico, simbólico y cultural o referencial (S/Z, 1970). La complejidad emerge a partir de la escucha atenta de “las voces” o códigos interrelacionados de las distintas ciencias, la cultura, la educación, el contexto; todo lo cual es posible gracias al “análisis total” barthesiano. Este estudio forma parte de una tesis doctoral en proceso en la Universidad de Alcalá.

Este trabajo expone y problematiza las características del cine documental etnobiográfico, su aplicación en una investigación en proceso y propone su utilidad para la reconstitución de la mem

El cine es el gran constructor de imaginarios sobre el futuro. En el imaginario colectivo determinados films de ciencia ficción han pasado a consolidarse como partes activas de la memoria, su importancia reside en los valores culturales que portan y los discursos que son capaces de articular. La conformación del discurso del futuro se ha debatido entre una visión de la tecnología que se presentaba como sinónimo de progreso y de una modernidad robotizada; y una segunda visión que proyecta el futuro como un espacio adverso y escasamente prometedor, sometido al criterio de las inteligencias artificiales creadas.

La tendencia, cada vez más creciente, de trasladar videojuegos a la gran pantalla, nos ha llevado a plantear una comparativa en torno a las similitudes y diferencias de la narrativa audiovisual presente tanto en los videojuegos como en sus adaptaciones cinematográficas. Con el objetivo de evidenciar las causas del bajo éxito comercial de los films frente a sus análogos.

La saga cinematográfica de Indiana Jones es uno de los pilares del fenómeno de los llamados «blockbuster», filmes convertidos cada año en las apuestas financieras de los principales estudios y que a menudo son desatendidos por los investigadores. Sin embargo, es legítimo preguntarse: ¿Puede el cine «blockbuster» diseminar un «ethos» más allá del puro entretenimiento? Aquí nos acercamos a la última entrega de la saga, «El Reino de la Calavera de Cristal», con el fin de revelar que junto a las aspiraciones comerciales de estos filmes, es posible encontrar propósitos más complejos. En este caso, el modo en que se estimula la educación como valor humano esencial.

Esta investigación analiza las pautas de comunicación visual de los vídeos publicados, en castellano, por niños y adolescentes youtubers. Se ha estudiado el contenido de 300 vídeos de hasta 15 minutos de youtubers de entre 11 y 17 años con más de 1 millón de seguidores, lo que les convierte en macro influencers. El estudio confirma que el empleo de los recursos audiovisuales y la escena que se muestra mediante la combinación de encuadres y ángulos de la toma configura el estilo de los canales, si bien los youtubers alternan en sus canales otras producciones que se alejan de su fórmula habitual. También, se ha observado diferencias de género, aunque no por edad. En definitiva, nos situamos ante un elaborado proceso de edición con el propósito de realizar una producción audiovisual dinámica con vistas a agradar al público destinatario.

O clímax em filmes e séries televisivas é construído pela combinação de imagens e sons que impactam emocionalmente a audiência, gerando a catarse. O efeito catártico é peça-chave em gêneros como aventura, western e horror. Este artigo analisa o papel que o arquétipo tem na catarse em narrativas audiovisuais ao operar como acionador de emoções. Articulam-se as teorias sobre catarse (Aristóteles, Jauss) e arquétipos (Jung, Durand) para estabelecer as relações entre esses elementos e entender como operam a partir de exemplos de filmes e séries. Resultados mostram a oposição arquetípica herói-monstro como gatilho emocional nas catarses e a relação entre imagens arquetípicas e contexto sócio-histórico em cenas catárticas.

The media play a guiding role during crises, as was the case in Covid-19. Open television news became a public necessity. This research seeks to know the narratives used in Andean television. The methodology is quantitative and qualitative through content analysis and semi-structured interviews; the news programs of public and private television stations in the Andean countries are analyzed between March and September 2020. The emissions are accompanied by texts and voice-over, audiovisual files and infographics were used, and limitations were determined for journalistic coverage. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Using neuroscience techniques applied to the analysis of audiovisual content, four Heineken advertisements produced during the COVID-19 pandemic are studied. The main objective is to detect what cognitive and emotional responses the different stimuli elicit in thirty subjects and to evaluate whether the narrative construction of the advertisements works when conveying their advertising messages in images and sounds. For this purpose, after a preliminary textual analysis, tools for recording facial microexpressions and eye tracking are used, and the research is completed with a recall test. The results indicate the predominance of the emotions of joy and surprise, as well as the presence of other emotions (disgust, contempt, sadness) at specific moments. At the same time, it was found that the types of images that most captured the viewer's attention were those that included eye-catching, exciting, illustrative actions of the pandemic (mask, distance greeting, etc.) or that introduced written text on the screen. Likewise, it is observed that the Heineken product in its various materialisations (bottle, tap, logo, etc.) is only perceived prominently in the frame if there is a dramatic action that accompanies or underlines it. In contrast, the human figure (especially the eyes) is the visual component on which the subjects' gaze is predominantly focused. Finally, the results of the memory test coincide with the rest of the analyses with respect to the intensity of the emotions produced by the stimuli. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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La creación de películas 360° en realidad virtual (RV) ha aumentado durante los últimos años, exhibiéndose principalmente en festivales de cine y plataformas web. No obstante, actualmente, las reglas narrativas de cine inmersivo no son claras. Ante ello, nuestro objetivo es comprender cómo se narra una película en 360° RV, identificando qué elementos del cine no inmersivo aún prevalecen y qué elementos nuevos entran a considerarse. Se utilizó una metodología cualitativa en base a revisión de literatura, el análisis de tres cortometrajes y la conducción y análisis de entrevistas semiestructuradas a seis creadores de cine inmersivo. La investigación concluye con sugerencias narrativas en relación con la importancia del usuario/personaje, las atmósferas y la dirección de la mirada para la creación de historias 360° RV.

A través de técnicas de neurociencia aplicadas al análisis de contenidos audiovisuales, se estudian cuatro anuncios de la marca Heineken producidos durante la pandemia de COVID-19. El objetivo principal es detectar qué respuestas cognitivas y emocionales suscitan los distintos estímulos en treinta sujetos y evaluar si la construcción narrativa de los anuncios funciona a la hora de transmitir sus mensajes publicitarios en imágenes y sonidos. Para ello, tras la realización de un análisis textual preliminar, se emplean herramientas de registro de microexpresiones faciales y de eye tracking y se completa la investigación con un test de recuerdo. Los resultados señalan la predominancia de las emociones de alegría y sorpresa, así como la presencia de otras emociones (asco, desprecio, tristeza) en momentos puntuales. A su vez, se constata que los tipos de imágenes que más captan la atención del espectador son las que incluyen acciones llamativas, emocionantes, ilustrativas de la pandemia (mascarilla, saludo a distancia, etc.) o que introducen un texto escrito en pantalla. Igualmente, se observa que el producto Heineken en sus variadas materializaciones (botella, grifo, imagotipo, etc.) solo es percibido de forma destacada en el encuadre si hay una acción dramática que lo acompaña o subraya. Por el contrario, la figura humana (los ojos, sobre todo), es el componente visual en el que se centra predominantemente la mirada de los sujetos. Por último, los resultados del test de recuerdo coinciden con el resto de análisis respecto a la intensidad de las emociones que les han producido los estímulos.

Esta investigación analiza el uso de la tecnología audiovisual en el marco del drama videoescénico, un producto híbrido que resulta de la integración de la enunciación audiovisual en la representación teatral. El propósito es determinar las modificaciones que la proyección audiovisual introduce en los componentes fundamentales del drama y en sus fases de construcción. A través de la entrevista en profundidad o entrevista científica se han recogido datos de diez expertos en el ámbito de la creación teatral. Una vez analizados, se da cuenta de una poética específica que rige la construcción del drama videoescénico, centrada en una expansión figurativa de la acción del personaje y una expansión del espacio y el tiempo, basadas en la fragmentación y la flexibilidad de la imagen audiovisual. Del mismo modo, se constata que el uso del audiovisual amplía las posibilidades electivas del director de escena y obliga a establecer nuevas estrategias constructivas.

Este trabalho discute a concepção de performance pela copresença através das redes sociais, a partir de uma reflexão sobre o corpo performático observando a funcionalidade reels do Instagram enquanto meio para narrativas audiovisuais que se consolidou durante a pandemia de Covid-19 entre 2020 e 2021. Realizamos uma análise de conteúdo examinando os vídeos publicados nos perfis de quatro influenciadoras digitais, relacionando-os com as trajetórias das mesmas. A reflexão deste trabalho enfatiza a centralidade do corpo nas práticas comunicacionais no contexto pandêmico e pós-pandêmico utilizando-se das funcionalidades das redes sociais como meios de partilha de significados e narrativas individuais.

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La pandemia del covid-19 se ha convertido en parte de nuestra cotidianidad, globalizando el miedo sobre un virus que ha cambiado el entorno social de, casi toda, la población del planeta. Esta situación ha sido anunciada en reiteradas ocasiones por el cine, que ha construido narrativas apocalípticas sobre un cataclismo mundial. Este ensayo aborda desde una mirada transdisciplinar de las Ciencias Sociales, en especial de la Comunicación, las diversas narrativas cinematográficas sobre los virus, las pandemias y las consecuencias sociopolíticas, derivadas de la amenaza viral. Muchas de las producciones cinematográficas sobre esta temática se encasillan dentro del género de ficción, que en muchas ocasiones han tergiversado los contextos científicos y sociales. Sin embargo, en las últimas décadas este cine ha conjugado una serie de discursos políticos, económicos, sanitarios y mediáticos, acercándose a la esfera científica, creando una narrativa tecnocientífica y adquiriendo una función pedagógica, para explicar estos acontecimientos. Para la reflexión de este ensayo se ha optado el análisis de la película Exterminio (Virus), 1980, de Kinji Fukasaku.

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O presente artigo apresenta um panorama sobre a construção narrativa dos vídeos educativos voltados aos estudantes de Ensino Secundário (chamado Ensino Médio no Brasil) mais acessados na plataforma YouTube. Esta pesquisa, de abordagem qualitativa, tem como objectivo geral investigar as características dessas narrativas nos mais diversos vídeos utilizados como recurso didático-pedagógico em diferentes contextos. No percurso metodológico, o estudo foi delineado pela análise de conteúdo do material selecionado com base em quatro parâmetros, estabelecidos de acordo com as particularidades da linguagem audiovisual, que se constituem em: aspetos técnicos e estéticos do vídeo educativo, linguagem, roteiro e imagem e edição. A partir dos dados levantados, observa-se que as videoaulas tendem muito mais para o gênero informativo e interpretativo, assim como a aula presencial, salvo temas abordados com uma orientação mais opinativa do professor/youtuber. Identifica-se também a existência de espaços a serem ocupados pela educação formal a partir da relação dinâmica existente entre os vídeos e a linguagem Storytelling, além da necessidade de inclusão de novas formas narrativas no processo de ensino e aprendizagem para um perfil de estudantes que não faz uma divisão rígida entre ensino formal e informal. No entanto, o destaque do estudo fica pela percepção de que há uma inovação nos formatos de se ensinar com o objectivo de acompanhar as novas maneiras de se aprender a partir das ferramentas tecnológicas, inovação que se consolida principalmente pela atuação dos professores, que usam características de youtubers sem perder a metodologia de ensino.

La presencia de mujeres directoras ha sido escasa en el cine español. Con la excepción de Ana Mariscal, Josefina Molina y, sobre todo, Pilar Miró, pocas cineastas han conseguido una carrera fílmica estable. En la década de los 90, nuevos nombres aparecieron en el panorama cinematográfico nacional, con películas protagonizadas por mujeres que pertenecían a diversos géneros. Tradicionalmente, dos de los menos relacionados con el protagonismo femenino han sido el drama carcelario y el thriller, pero Belén Macías e Isabel Coixet los abordan en El patio de mi cárcel (2008) y Mapa de los sonidos de Tokyo (2009), respectivamente. Con los objetivos de conocer la evolución de estas directoras y destacar su aportación en el tratamiento de esos temas, se analizan como persona y como rol –según Francesco Casetti y Federico Di Chio-, las protagonistas de ambas películas, enmarcadas en el ámbito de la criminalidad y en la lucha contra la misma. Desde estas consideraciones, este trabajo pretende reflexionar sobre la apuesta de Macías y de Coixet por tratar dos géneros narrativos habitualmente vinculados con directores, contar con el absoluto protagonismo de los personajes femeninos y plasmar nuevos roles para la mujer en el celuloide español actual.

El héroe de las mil caras (Joseph Campbell, 1949) es considerada una referencia obligada para los guionistas que vayan a narrar la historia de un largometraje. Este estudio pretende corroborar que a menudo el cine contemporáneo sigue los patrones descubiertos por el mitólogo estadounidense. Mediante el análisis de Lucía en Silencio roto (Armendáriz, 2001) se pretende comprender las claves que exponen el proceso iniciático del personaje fílmico con el objetivo de saber sobre la idoneidad de la aplicación de dichos patrones en las narrativas del cine de hoy en día. El enfoque escogido por el director es idóneo para transmitir la evolución que desea mostrar, ya que este tipo de focalización ayuda a la identificación del espectador.