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Le travail de recherche se focalise sur l'étude de l'adaptation de romans naturalistes pour le théâtre. Phénomène largement répandu au XIXe siècle, les adaptations pour le théâtre promettaient la gloire aux romanciers qui tentaient une carrière littéraire. Par ailleurs, ils ont marqué une poussée vers un renouveau du théâtre lui-même sous toutes les formes possibles : interprétation, scénographie, thèmes. Pour cette raison, une étude comparative de plusieurs auteurs naturalistes européens (Zola, Goncourt, Capuana, Lemonnier, Galdós, Hardy) permet de construire un cadre général et d'identifier des pratiques communes. Par ailleurs, l'analyse effectuée au cours de la recherche met également en évidence des tendances socio-littéraires significatives, emblématiques de la construction d'une société capitaliste et démocratique en Europe ouvrant la voie au XXe siècle., This research work focuses on the study of the adaptation of naturalist novels for the theatre. A widespread phenomenon in the XIX century, adaptations for the theatre promised glory to novelists attempting a literary career. Moreover, they marked a shift towards a renewal of the theatre itself in all possible ways: acting, staging, and themes. For this reason, a comparative study of several European naturalist authors (Zola, Goncourt, Capuana, Lemonnier, Galdós, Hardy) makes it possible to build a wide general picture and identify common practices. Furthermore, the analysis carried out during the research also highlights significant socio-literary trends emblematic of the construction of a capitalist and democratic society opening the way to the XX century.

Ma thèse interroge les formes, les modes et les enjeux liés à la notion d’« enquête » dans les discours et les poétiques d’Émile Zola, Luigi Capuana et Emilia Pardo Bazán. Il s'agit d’abord de prendre au sérieux l’ambition à l’« enquête totale » du roman naturaliste européen vers 1880, envisagée par le credo zolien du « tout dire », par l'idée de la forme « ancha, completa y perfecta » de Pardo Bazán et par l'éclectisme boulimique de Capuana. Corollairement, le lecteur de l’époque, demandeur de « récit », expérimente une pratique esthétique marquée par la porosité disciplinaire et la diversité de formats et de supports. Par l’épistémocritique, la sociocritique et la « sémiologie historicisée », il s’agit donc de questionner les relations entre scientifique et littéraire, fictionnel et factuel, vrai et faux, et leurs présupposés épistémologiques et idéologiques, qui sont définis et redéfinis par les trois auteurs à l’aune de leurs postures et de leurs stratégies d’affirmation spécifiques. En accord avec le « décloisonnement » disciplinaire à l’œuvre à l’époque, d’un point de vue de la réception ainsi que de la production, le corpus mobilisé rapproche des romans, des chroniques, des textes théoriques et critiques, mais aussi des textes « savants » produits ou consultés par les auteurs. À travers l’ensemble de ces perspectives, cette thèse tente d’éclairer, par une démarche comparée, la singularité historique d’une enquête « inquiète » dans le dernier tiers du XIXe siècle., My thesis investigates the forms, modes and issues associated with the notion of 'enquiry' in the discourses and poetics of Émile Zola, Luigi Capuana and Emilia Pardo Bazán. It will do so first by taking seriously the ambition for 'total enquiry' in the European naturalist novel around 1880, such as it is considered by Zola's credo of “tout dire”, by Pardo Bazán's idea of the “ancha, completa y perfecta” form and by Capuana's bulimic eclecticism. As a corollary, the reader of the time, in search of “narrative”, experiences an aesthetic practise marked by disciplinary porosity and the diversity of formats and media. Through epistemocriticism, sociocriticism and "historicised semiology", the aim is therefore to question the relationships between the scientific and the literary, the fictional and the factual, the true and the false, and their epistemological and ideological presuppositions, which the three authors define and redefine in the light of their postures and their specific strategies of affirmation. In line with the disciplinary “decompartmentalization” at work at the time, from the point of view of both reception and production, the assembled corpus brings together novels, chronicles, theoretical and critical texts, but also "scholarly" texts written or consulted by the authors. Through all of these perspectives, this thesis intends to shed light, through a comparative approach, on the historical singularity of an “anxious” enquiry in the last third of the 19th century.

Le but de cette thèse est l’analyse de la réception de l’Orestie au XXIe siècle en Europe. Plus spécifiquement, nous allons regarder aux représentations de la société de la famille et du désir dans des pièces composées en Italie, au Royaume-Uni et en France depuis 2000, qui font référence à la trilogie d'Eschyle. Nous allons commencer par une introduction en sémiotique (à l’aide des théories de Greimas et Ubersfeld). Ensuite, nous allons présenter la représentation de la religion et de la politique dans les drames du corpus. En ce qui concerne la religion, nous allons étudier le rôle de la croyance dans la société. Nous allons également regarder aux personnages de Cassandre et des Érinyes. Le but de ce chapitre est de montrer la perte de pouvoir de la foi aujourd’hui. Le dernier chapitre de la première partie analyse le pouvoir politique. En particulier, nous allons regarder à la représentation de la guerre, de la vie des soldats et de la royauté. La deuxième partie analysera la famille. D’abord, nous allons présenter le personnage d’Agamemnon dans sa fonction de père (paternité biologique et paternité sociale). Ensuite, nous allons présenter la maternité de Clytemnestre. Enfin, la progéniture du couple royal sera étudiée à l’aide de l’idée d’héritage. À travers une approche psychanalytique, nous allons interpréter dans la dernière partie de la thèse l’adaptation du procès et de la notion de culpabilité des personnages du mythe ancien dans les réécritures contemporaines de la trilogie eschylienne. Les conclusions parviendront à mettre ensemble toutes les thématiques approfondies dans ce travail et à proposer un regard d’ensemble sur ce phénomène de reprise de l'Orestie à l’époque actuelle., The aim of this thesis is to analyse the reception of the Oresteia in the 21st century in Europe. We will look at the representation of society, family and desire in plays written in Italy, the UK and France since 2000, referring to the Aeschylean trilogy. After an introduction in semiotics (supported by the theories of Greimas and Ubersfeld), the first part of this thesis will look at the representation of politics and religion. In regards to religion, we will study how the adaptations deal with the evolution of belief in society. We will focus on the characters of Cassandra and the Furies. The aim of this chapter is to show how religion is losing its power in contemporary society. The last chapter of the first part will focus on the representation of political power. In particular we will look at the portrayal of war, the life of soldiers and the function of royalty in contemporary rewriting. The second part will focus on the family. We will start by looking at Agamemnon as a father. Then, we will analyse the representation of motherhood provided by the plays of our corpus. In the end, we will interpret the offspring of the royal couple thanks to the concept of heritage and its adaptations in contemporary rewritings of the trilogy. Throughout a psychanalytical approach, we will interpret the guilt and culpability of each member of the family in relation to the murders that compose the story of this myth. The conclusions of this thesis will merge every single topic studied in this work to offer a complete fresco of the contemporary reception of this trilogy. The purpose of this work is to look at the variations in the representation of the symbolic in the reception of the contemporary rewritings of the ancient trilogy.

La thèse analyse l’émergence des compétences de lecture du roman policier en diachronie, comme le résultat d’interférences transgénériques entre ses modèles du XIXe siècle et d’autres genres de l’enquête, dont le mélodrame, le mémoire, le fait divers et le reportage. D’abord, on propose une conception expérientielle de la généricité : le « jeu de la détection » du roman à énigme n’est que la conséquence d’un effet de soupçon, engageant le lecteur à résoudre le mystère en autonomie. Cependant, les mêmes formes programmant cet effet suggèrent la persistance d’autres genres du discours au sein du polar. Pour envisager la causalité sous-jacente au développement de la lecture de l’indice, il faut élargir l’intertexte des modèles du polar (Vidocq, Poe, Gaboriau, Piccini, Doyle, Leroux) à d’autres pratiques d’écriture. Autrefois unité isolée dans les mémoires policiers, l’enquête façonne sa structure romanesque à travers la sérialisation dans la presse et ses adaptations au théâtre ; d’autre part, la présence d’infratextes en fait le lieu idéal pour préfigurer l’effort herméneutique du lecteur, l’interprétation du détective se juxtaposant à des documents falsifiables. Néanmoins, le crime constitue une source de curiosité seulement lorsque le discours adopte une focalisation externe au détective, conformément au modèle du fait divers. Au carrefour entre la théâtralité et le reportage, le polar se connote ensuite par une écriture de la sensorialité, fournissant les données nécessaires à la quête du lecteur sans pourtant les biaiser par aucune interprétation. Par ailleurs, le lecteur soupçonne en raison d’attentes thématiques : l’innocence du “faux coupable” oriente la quête vers d’autres types criminels, dont l’enchevêtrement des scénarios témoigne d’une activité interprétative de plus en plus intense. Cela ne peut arriver qu’en raison de l’infaillibilité du détective, un horizon se consolidant en opposition à la faillibilité des narrateurs-témoins et des autres policiers peuplant les univers fictionnels du polar., The thesis analyses the rise of the reading-for-the-clue competences in diachrony, as the result of transgeneric interferences between the nineteenth-century sensation novels and other genres of investigation, such as melodrama, detective memories, and crime report. First, we propose an experiential conception of genericity: « the game of detection » is just the result of the narrative effect of suspicion, engaging the reader to solve the mystery autonomously. However, the forms programming this effect also suggest the persistence of other genres’ influence at every structural level of detective fiction. In order to explore the causality underlying the rise of suspicion, we thus need to widen the intertext of the detective novel models (Vidocq, Poe, Gaboriau, Piccini, Doyle, Leroux) to other writing practices. Formerly an isolated narrative unity in detective memoirs, detection establishes its novelistic structure throughout its serialisation in the press and its theatrical adaptations; also, the presence of infratexts makes it the privileged site to prefigure the reader’s quest for the clue, the interpretative discourse of the detective being juxtaposed to falsifiable documents. Nevertheless, crime represents a source of curiosity only when its focalisation is external to the detective, in line with the «faits divers» model. At the crossroads of theatrical discourse and reportage, the genre adopts a rhetoric of sensoriality, providing all the clues to the reader without biasing them by any interpretative discourse. Moreover, the reader suspects as a consequence of a set of expectations: the predictability of the “faux coupable” script redirects the quest toward other criminal types, whose multiplication hint the intensification of the reader’s interpretative effort. This must be supported by the reader’s trust in the detective’s infallibility, a horizon that is consolidated in opposition to the systematic fallibility of the narrator and the other sleuths that inhabit the detective novel’s fictional worlds.

Cette thèse se propose d’étudier les évolutions et métamorphoses du concept d’éros dans la littérature européenne durant trois moments clés du XXe siècle : Mai 68, l’apogée du consumérisme et les années sida. Notre travail est divisé en trois parties, chacune correspondant à une de ces trois périodes historiques. La première partie confronte des œuvres écrites avant et après les événements de Mai : La noia (1960) de Moravia, Les belles images (1966) ainsi que La femme rompue (1967) de de Beauvoir, Teorema (1968) de Pasolini et La vita interiore (1978) à nouveau de Moravia. Durant cette période s’esquisse une image subversive et potentiellement révolutionnaire de l’éros. La deuxième partie traite de romans parus entre 1979 et 1986. Au milieu de l’euphorie consumériste occidentale sont publiés dans nos trois pays des romans présentant deux types d’éros totalement opposés : premièrement celui matérialiste et individualiste en parfaite syntonie avec le darwinisme social ambiant, deuxièmement nous pouvons observer une résurgence inattendue d’un éros assimilable à l’amour courtois, mais un amour courtois revisité et adapté à notre époque moderne. La troisième partie, qui se veut être une clôture de ce cycle, présente une série de romans appartenant à ladite “littérature du sida”. À travers Lunário (1986) d’Al Berto, Camere separate (1989) de Tondelli et la trilogie du sida de Guibert, nous nous pencherons sur la période la plus noire de l’éros et de son ultime métamorphose littéraire à ce jour. Notre conclusion portera enfin sur l’artificialité des frontières littéraires et sur le besoin d’internationaliser la littérature européenne, notre travail présentant un nombre impressionnant de similitudes entre des œuvres émanant pourtant de zones linguistiques et culturelles fort différentes., This thesis is a study about the evolutions and the metamorphosis of Eros’s concept in European literature (Italy, France and Portugal) during three key-moments of XX century's second half: May 68, the apogee of the consumptions society and the AIDS crisis. Our work is divided in three parts, one for each of those historical moments. The first part is a confrontation between novels written before and after the events of May 68: La noia (1960) by Alberto Moravia, Les belles images (1966) and La femme rompue (1967) by Simone de Beauvoir, Teorema (1968) by Pier Paolo Pasolini and finally La vita interiore (1978)by Moravia again. During this period is coming out a subversive and potentially revolutionary image of Eros. The second part is about novels published between 1979 and 1986. In the middle of the Eastern consumption's euphoria are coming out novels representing two types of Eros that are totally opposed: first of all the materialist and individualist one, in perfect syntony with the social Darwinism of this era; in the second place we can observe an unexpected come back of an Eros that remember us courtly love, but a revisited courtly love, adapted at ours modern times. The third part, which can bee see as a closing of this cycle, introduces a group of novels that are part of the "AIDS literature". Through Lúnario (1986) by Al Berto, Camere separate (1989) by Pier Vittorio Tondelli and the AIDS trilogy by Hervé Guibert, we'll focus on the darkest period of Eros and on his latest literary metamorphosis until now. Our conclusion will focus on the artificiality of literary borders and the need to internationalize European literature, our work showing a huge number of similarities between novels coming from linguistic and cultural areas really different between them.

La Vie des Pères, raccolta di racconti esemplari dell’inizio del XIII secolo, aspira alla formazione religiosa cristiana proponendo nella narrazione e nei para-sermoni dell’autore (i prologhi e gli epiloghi ai racconti) un insegnamento teologico. In una prospettiva critica letteraria e storica, questa ricerca analizza la genesi e la ricezione del testo. Le intenzioni poetiche dell’autore determinano l’aggiornamento di una materia narrativa preesistente ai temi spirituali dominanti intorno al 1215 (la confessione, l’eucarestia, il celibato dei chierici). Il pubblico medievale (XIII-XV secolo) ha interpretato il testo a partire dai supporti fisici che lo hanno trasmesso. La tradizione manoscritta è così studiata come un insieme di testimoni di presentazione del testo, più o meno modificato e adattato a diversi contesti (altre opere religiose, testi profani, testi non narrativi) e per diverse comunità interpretative: i possessori dei manoscritti, i lettori che hanno annotato i margini, i copisti che hanno strutturato l’opera con le rubriche. Ne emerge una sostanziale coerenza dell’opera tra la funzione esemplare e l’utilizzo effettivo.

La conférence "Souvenirs littéraires et problèmes actuels", prononcée d’abord à Beyrouth et ensuite à Bruxelles au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, représente l’occasion pour Gide de reconsidérer sa carrière d’écrivain à la lumière de son présent. Si en 1946 il affirme que la littérature n’a pas à se soucier de la réalité, sa production critique et fictionnelle se caractérise par un intérêt ambigu, mais constant, pour les questions historiques et sociales. En ce sens, la Grande Guerre est appelée à jouer un rôle décisif, marquant un tournant dans la vie et dans l’œuvre de l’auteur. Loin d’être un repère commode, destiné à retrancher son parcours dans un "avant" et un "après", il est possible de déceler dans le conflit de 14-18 une conversion déterminante, fondée sur l’adhésion à une idée (celle de l’Europe) jusque-là passée inaperçue. D’abord, ce travail entend étudier la façon dont Gide appréhende l’événement historique. L’analyse vise à faire émerger une volonté de dépassement de la situation en cours en vue de l’affirmation d’une "culture nouvelle", "non tant spécialement française qu’européenne". Ensuite, en prenant le contre-pied de la célèbre interrogation adressée à Maurice Barrès, notre but est d’explorer l’enracinement de Gide dans l’espace européen (sans en oublier les frontières, externes et internes). Au fil des échanges avec d’autres écrivains et intellectuels, nous essaierons de comprendre les aspects essentiels de sa réflexion sur la "crise de l’esprit". Enfin, notre thèse se propose de mettre en lumière, dans une perspective de longue durée, les continuités et les variations de la pensée gidienne, profondément marquée par la Grande Guerre. De ses études critiques à son Journal, en passant par sa correspondance et son œuvre fictionnelle, la réflexion sur l’Europe agit de façon diachronique, accompagnant Gide dans sa quête à la fois morale, idéologique et littéraire., The conference "Souvenirs littéraires et problèmes actuels", first pronounced in Bayreuth, then in Bruxelles, after Second World War, represents an occasion for Gide to reconsider his long career in light of his present situation. If in 1946 he considers that literature should not worry about current facts, his critical and fictional production attests his ambiguous, but constant, interest for historical and social questions. From this point of view, World War I proves to be a turning point in the author’s life and work. Far from being a convenient mark to divide his journey as a writer in a “before” and a “after”, the Great War can be considered a source of transformation, depending on the emergence of an idea (the idea of Europe) previously unknown. Firstly, this work has the goal to study the way in which Gide understands the historical event. The aim of our analysis is to show a commitment to pass the ongoing situation guided by the desire of seeing the beginning of a “new culture”, “not especially French but European”. Secondly, the objective here is to move against the well-known question addressed to Maurice Barrès to explore Gide’s rooting in the European space (considering its external and internal borders). Through exchanges with writers and intellectuals of his generation, our purpose is to reach a better understanding and comprehension of the author’s reflection on the “crisis of the spirit”. Finally, this work intends to show, from a long-term perspective, continuities and variations of his thinking on Europe, deeply marked by World War I. Through his critical studies and his fiction, his correspondence and his Journal, the idea of Europe works diachronically, accompanying Gide in his moral, ideological and literary quest., La conferenza "Souvenirs littéraires et problèmes actuels", pronunciata prima a Bayreuth e poi a Bruxelles alla fine della Seconda Guerra mondiale, è l’occasione per Gide di riconsiderare la sua lunga carriera alla luce del presente. Se nel 1946 sembra ritenere che la letteratura non debba occuparsi dell’attualità, la sua produzione critica e finzionale mostra un interesse ambiguo, ma costante, per le questioni storiche e sociali. In questa prospettiva, la Grande Guerra è chiamata a giocare un ruolo fondamentale, segnando un punto di svolta nella vita e nell’opera dell’autore. Lungi dall’essere un punto di riferimento comodo, destinato a dividere il suo percorso letterario in un “prima” e in un “dopo”, è possibile osservare nel conflitto 14-18 le tracce di una conversione decisiva, fondata sull’adesione ad un’idea (quella d’Europa) fino ad allora non formulata. In primo luogo, questo lavoro intende studiare il modo in cui Gide comprende l’evento storico. L’analisi mira a far emergere una volontà di superamento della situazione in corso che si traduce nel desiderio di veder nascere “una cultura nuova”, “non specialmente francese quanto europea”. In secondo luogo, in contrasto con il celebre interrogativo rivolto a Maurice Barrès, l’obiettivo è quello di esplorare il radicamento di Gide nello spazio europeo (senza dimenticarne le frontiere, esterne e interne). Attraverso gli scambi con altri scrittori e intellettuali dell’epoca, si cercherà di identificare e comprendere gli aspetti essenziali della sua riflessione sulla “crisi dello spirito”. Infine, il nostro lavoro vuole mettere in luce, in una prospettiva di lunga durata, le continuità e le variazioni del pensiero gidiano, profondamente segnato dalla Prima Guerra mondiale. Dagli studi critici al Journal, dagli scambi epistolari all’opera letteraria, la riflessione sull’Europa agisce in maniera diacronica, accompagnando Gide nella sua ricerca morale, ideologica ed estetica.

Le travail se propose d’examiner, à travers l’analyse de quelques romans écrits entre 1945 et 1975, la mise en scène de la guerre civile espagnole par des auteurs étrangers, en essayant d’extraire un imaginaire commun dans les textes. Nous avons focalisé notre attention sur la production littéraire de trois pays en particulier – France, Italie, Royaume Uni – en nous concentrant sur leur réception de l’événement traumatique et, ensuite, sur l’analyse des espaces représentés dans les textes et sur leur rôle à l’intérieur de la dynamique narrative. Après avoir analysé les espaces intérieurs et extérieurs – leurs relations et leur significations par rapport à la guerre civile espagnole –et après avoir construit une sorte de géographie des représentations spatiales présentes dans les trois littératures prises en examen, nous nous sommes focalisés sur un type d’image – l’image de la maladie – qui semble présente dans la majorité des textes en tant qu’image de la guerre civile espagnole : une métaphore, celle-ci, qui mime et reproduit, du point de vue médical, les contrastes et les tensions que l’analyse spatiale avait déjà révélés. Nous avons ainsi découvert que le rapport entre maladie et violence est plus profond qu’on ne l’imagine., The purpose of this research is to discover through the analysis of some novels written between 1945 and 1975 how the Spanish Civil War was represented by European writers. The goal is to find a shared imagery in the texts, taking as starting point the literary production of three countries in particular: France, Italy, United Kingdom. After a follow-up on the literary reception and response to the traumatic Spanish event by the European literature, the second phase of the project involves a careful analysis of the spaces that are represented in the novels: the aim of this analysis is to understand their role and their meaning in the narrative dynamic. After reviewing interior and exterior spaces, putting in evidence their interconnections and significations in relation to the Spanish Civil War, a sort of geography of the spatial representations proposed by the three literatures has been created: this geographical map shows how space description can be useful to describe the civil conflict in a very original way. The last phase of the project focuses on a particular image of the war: the illness seems in fact to be a recurring image in the majority of European novels as a metaphor of the Spanish Civil War. This metaphor reproduces medically the contrasts and the tensions that have emerged from the spatial analysis. In addition to being a particularly effective image, the illness seems to entertain a very close and unexpected relationship with violence.

Un tour d’horizon du panorama de la littérature pour la jeunesse des quinze dernières années, nous permet de nous rendre compte du succès que la science-fiction dystopique a connu au nouveau millénaire, dans le domaine du roman pour adolescents. A partir de considérations de nature sociologique et psychologique, cette thèse se propose d’analyser les points de contact entre l’imaginaire utopique et dystopique et l’imaginaire de l’adolescence. Une attention particulière sera consacrée à la thématique de la défuturisation – la perte de confiance dans l’avenir – qui est indiquée par nombreux psychologues comme l’un des obstacles principaux dans le procès de quête identitaire des jeunes générations. Notamment, cette thèse vise le recours narratif à l’expérience onirique, à son interdiction ou manipulation de la part des adultes, comme instrument dystopique de contrôle des jeunes consciences et de leur développent et, à la fois, comme une ressource qui incarne, dans les mains des jeunes protagonistes, l’ouverture à l’espérance., Nell’ultima decina d’anni si è assistito ad una diffusione capillare del racconto distopico e apocalittico, un genere che ha conosciuto nel nuovo millennio un successo senza precedenti nel panorama della letteratura per adolescenti. Partendo da considerazioni di tipo sociologico e psicologico, questa tesi si propone di analizzare i punti di contatto tra l’immaginario utopico e distopico e l’immaginario dell’adolescenza. Una particolare attenzione sarà dedicata a uno dei temi forti della distopia contemporanea che, secondo molti psicologi, costituisce una delle principali problematiche sentite dalle nuove generazioni: la “defuturizzazione” intesa come la paura per la morte del futuro, l’ansia della manipolazione ed il pericolo di un’impossibile formazione. In modo particolare, l’attenzione sarà rivolta al motivo dell’esperienza onirica, alla sua proibizione o manipolazione come strumento distopico di controllo della coscienza e della crescita, ma al tempo stesso come risorsa che, nelle mani delle nuove generazioni, sembra evocare la possibilità di un cambiamento in positivo., Over the last decade there has been a wide diffusion of dystopian and apocalyptic fictions, a genre that has experienced in the new millennium an exceptional success worldwide, especially in the Young Adult literature. By starting from sociological and psychological considerations, this thesis aims to analyse the points of contact between the utopian-dystopian and the adolescent imaginaries. Particular attention will be dedicated to a major topic of contemporary dystopia that, according to many psychologists, is one of the main problems affecting young generation: the "defuturisation", seen as the fear for the future death, the anxiety of the manipulation and the danger of an impossible coming of age process. Relevant importance will be given to the dream experience, to its prohibition or manipulation as a dystopian instrument of consciousness and growth control, and, at the same time, to its function as resource that, in the hands of the young protagonists, seems to evoke the possibility of a positive change.

Pour la première fois dans l’histoire, au cours de la troisième décennie du XIXe siècle après J.C., le choléra arrive d’Asie en Europe. Jusqu’à la fin du siècle, la médecine et la littérature en font un domaine de recherche commun. En effet, toutes deux cherchent, à ce mal inconnu, une cause respectivement, scientifique et eschatologique, sociale ou humaine. En réalité, les deux domaines se superposent: en effet, jusqu’à la moitié du siècle, la littérature offre à la toute nouvelle science du choléra son répertoire linguistique fantaisiste de la même manière que les importants résultats scientifiques obtenus par Pasteur et Koch viennent enrichir l’imaginaire littéraire européen, que ce soit en langue française, anglaise ou encore italienne. Les deux domaines progressent ensemble, de façon complémentaire, jusqu’à ce que le choléra reste incurable. La littérature offre plusieurs visages de la maladie: tantôt le choléra est un voyageur qui, sous forme de spectre justicier, de pèlerin maudit ou d’être omniprésent, arrive d’Orient, poussé par une force divine, pour punir la population occidentale; tantôt, le choléra est un venin diffusé en ville par un empoisonneur, un responsable de la contagion pouvant prendre la forme d’un étranger errant, d’un adversaire politique ou d’un savant maudit, se faisant le porte-voix d’une rédemption sociale; et enfin, le choléra est aussi un événement traumatique capable de bouleverser la vie et le morale d’individus se rendant coupables de meurtres passionnels, de vengeances personnelles ou de la dégénérescence de leur propre équilibre mental. Dans chacun de ces choix littéraires, la maladie du choléra devient l’expression d’une Némésis, interprétable tantôt comme une justice divine, une justice sociale ou une justice humaine., For the first time in the history, around the thirties of the nineteenth century, cholera reaches Europe coming from Asia. Until the end of the century, both Medical Science and Literature deal with it as a common subject of investigation: they try to inspect the causes of this unknown disease under a scientific, eschatological and social or human perspective. Both the branches of knowledge overlap their area of interest about cholera up to the first half of the century; for instance, Literature offers its creative linguistic archive to the study, whereas Pasteur and Koch’s researches enhance the European narrative imaginary in English, French and Italian cultural contexts. Medical Science and Literature go along a parallel path but cholera lingers as incurable disease. In particular, Literature gives many facets to this ailment: images of cholera are linked to a traveler under the shape of an avenger or to a cursed pilgrim and sometimes to a ubiquitous presence: they all come from East to punish Western populations and a supernatural force pushes them. Furthermore, cholera is a kind of poison that a plague-spreader, as spokesperson for a social redemption, has disseminated in the city in disguise of a foreign wanderer, a political opponent or a doomed scientist. Eventually, cholera is an upsetting occurrence able to subvert individuals’ life and their moral values because leads them to mental degeneration: protagonists are able to commit crimes of passion and to take revenge. Cholera becomes expression of a nemesis in each of these literary characterizations, portrayed like divine justice, social justice or human justice.

Est-ce qu’il existe une lignée de la science en dialogue? Est-ce que les dialogues célèbres en italien de Giordano Bruno et de Galileo Galilei s’insèrent dans un continuum qui part de Platon ? Dans l’Europe occidentale, quels sont les dialogues écrits et publiés au XVIe siècle, très moins connus de nos jours, et quel rôle ont-ils joué à l’aube de la science moderne ? L’énorme production de dialogues philosophico-scientifiques du XVIe siècle démontre la valeur significative de ces ouvrages dans l’histoire de la science moderne ainsi que l’importante contribution à l’affirmation de la pensée humaniste. Nous avons voulu montrer les conditions historico-épistémologiques qui favorisent la production des dialogues, leur héritage rhétorique, le débat théorique en cours, les caractéristiques de la science en dialogue. Nous nous sommes penchées plus attentivement sur les premiers dialogues européens du siècle, afin de découvrir le ferment intellectuel qui annonce l'avènement de la science moderne, plus communément associée seulement aux noms des scientifiques du XVIIe siècle. Après la mise au point sur la période 1500-1543, nous avons voulu ouvrir des pistes pour voir l’évolution diachronique du motif scientifique à l’intérieur du genre dialogique. D’un côté, le dialogue prend un chemin sérieux, il compare et divulgue les nouvelles positions, les doutes et les opinions sur les sciences ; de l’autre, il présente des motifs brodés, qui questionnent les savoirs et tournent en ridicule leurs (faux) détenteurs., The enormous production of scientific-philosophical dialogues of the sixteenth century demonstrates the significant value of these works in the history of modern science and the important contribution to the affirmation of humanist thought. Our aim is to show the historical and epistemological conditions that promote the production of dialogues, their rhetorical heritage, the theoretical debate and the characteristics of the science in dialogue.

En août 1945, deux bombes atomiques, construites par les scientifiques et les techniciens du Projet Manhattan, ont détruit Hiroshima et Nagasaki. Cette thèse vise à explorer les changements dans l’image littéraire du savant à la suite du bombardement des deux villes japonaises. Dans le but d’enquêter sur la figure du savant dans l’imaginaire contemporain, ce travail porte sur l’analyse du remaniement fictionnel de physiciens ayant réellement vécu. Les homonymes fictifs d’un panthéon de savants – tels qu’Einstein, Majorana, Oppenheimer, Meitner, Heisenberg, Bohr et Fermi – font, donc, l’objet de cette recherche. L’examen d’environ trente œuvres narratives et théâtrales italiennes, françaises et anglaises, est achevé selon plusieurs perspectives : narratologique et dramatologique, éthique, symbolique. En renvoyant aux observations d’Eric Hobsbawm, cette thèse met en lumière le sentiment contradictoire qu’on porte sur la science. Le tournant subi par l’image du savant n’est pas net et son centre de convergence majeur consiste dans le passage à une vision collective de la science. Représentations figuratives de ce mécanisme : la réaction en chaîne et l’explosion atomique même, dont les effets se font ressentir à l’échelle collective, voire cosmique., In August 1945 two atomic bombs, built by the scientists and technicians of the Manhattan Project, destroyed Hiroshima and Nagasaki. The following thesis explores the changes in the literary image of the scientist after the bombardment of the two Japanese cities. In order to investigate the figure of the scientist in the contemporary imagery, this work focuses on the analysis of the fictional reworking of real physicists. The objects of this research are the fictional namesakes of a pantheon of scholars such as Einstein, Majorana, Oppenheimer, Meitner, Heisenberg, Bohr, and Fermi. About thirty Italian, French and English narrative and theatrical works are examined from narrating, dramaturgical, ethical and symbolic perspectives. Referring to Eric Hobsbawm’s remarks, this thesis advances the conflicting perception which concerns our idea of the science. The turning point in the scientist’s image is not definite and its climax is the collective vision of the science. The figurative representations of this mechanism are the chain reaction and the atomic explosion, whose effects are collective, even cosmic., L’elaborato si prefigge l’obiettivo di analizzare come sia cambiata l’immagine letteraria dello scienziato a seguito della distruzione di Hiroshima e Nagasaki, rase al suolo nel mese di agosto 1945 da due bombe atomiche, frutto della ricerca degli scienziati e dei tecnici del Progetto Manhattan. Con l’obiettivo di indagare la figura dello scienziato nell’immaginario contemporaneo, il nostro lavoro si sofferma sulla trasposizione in finzione di alcuni fisici. Gli omonimi fittivi di un pantheon di scienziati – tra cui Einstein, Majorana, Oppenheimer, Meitner, Heisenberg, Bohr e Fermi – sono quindi al centro di questa ricerca. L’esame di circa trenta opere narrative e teatrali italiane, francesi e inglesi, è compiuto secondo le seguenti prospettive: narratologica e drammatologica, etica, simbolica. La tesi avvalora le osservazioni di Eric Hobsbawm, che ritiene che la scienza sia ormai oggetto di un duplice sentimento. L’immagine dello scienziato non risulta essere molto distante da quella anteriore agli eventi del 1945. È emerso, tuttavia, un rilevante cambiamento consistente nel passaggio ad una visione collettiva della scienza. Le rappresentazioni figurative di questa nuova dimensione sono proprio la reazione a catena e l’esplosione atomica, con effetti che si ripercuotono a livello collettivo, persino cosmico.

This study analyses the specificities and the aesthetic-stylistic function of similes introduced by the connecting word like in Marcel Proust’s work. Proust scholars have never methodically examined simile, even though it occurs very often (more than two thousand times) throughout the Recherche. On the one hand, this absence can be explained with the little attention paid to simile, considered less important than metaphor in the collective rhetorical, linguistic and literary discourse. On the other hand, Proust considers metaphor the base of artwork and of style, and he does not bring up other figures in his aesthetic theory, even if these contribute to create his writing. Some critics remarked that the meaning of métaphore in Proust’s aesthetic idiolect includes other analogy figures, but this would not explain neither the extent of Proust’s preference, nor how it could be assimilated in a literary creation grounded on metaphor. Our study is organized as follows: first, we delve into simile’s linguistic and rhetoric features, its stylistic specificities compared to metaphor and the complex combination of the two figures in the Proustian aesthetic theory. Secondly, we comment on a selection of examples, classified in categories based on morphosyntactic criteria (nominal or frastic nature of both elements and of the link joining them to the tertium comparationis). From this analysis, a set of recurrent features that disclose the seminal use of simile in Proust can be inferred. Thirdly, we examine the function of this figure within the wider context of Proust’s work. The analysis of intradiegetic similes highlights the figure’s structural role, a tool that strengthens the network of symmetries underpinning the Recherche’s structure. Finally, the last chapter shows how similes embody in style the recognition act of the core of the self and of reality, an act that corresponds to Proust’s artistic vision., Notre travail analyse les spécificités et la fonction esthético-stylistique des comparaisons introduites par comme dans l'œuvre de Marcel Proust. Bien que la comparaison soit l'un des procédés figuratifs les plus récurrents dans la Recherche, l’emploi proustien de la figure n’a jamais fait l’objet d’investigations systématiques. D’une part, cette lacune tient à la petite renommée dont jouit la comparaison dans l’imaginaire rhétorique, linguistique et littéraire. D’autre part, l’invisibilité de la comparaison doit être aussi mise sur le compte du discours esthétique de Proust, qui fait une place de choix à la métaphore sans mentionner les autres figures qui concourent pourtant à l’élaboration de son écriture. Meme si le terme de métaphore subsume chez Proust une palette plus ample de figures d’analogie, cela n'explique pas pourquoi il privilégie cette figure et comment cette utilisation massive s’accorde à un projet littéraire qui a dans la métaphore son centre irradiant. Dans notre étude, nous nous penchons d'abord sur les caractéristiques linguistiques et rhétoriques de la comparaison, ainsi que sur ses spécificités stylistiques vis-à-vis de la métaphore et sur le rapport problématique des deux figures dans l'esthétique proustienne. Ensuite, nous procédons au commentaire d'un échantillon d'exemples, classés dans différentes catégories en fonction de critères morpho-syntaxiques; à l'issue de cette analyse, on dégage un ensemble de traits récurrents qui révèlent l'originalité du traitement proustien de la comparaison. Dans la troisième partie de l'étude, nous cernons le rôle de la figure dans le macro-contexte de l'œuvre. L'analyse des comparaisons intradiégétiques met en lumière la valeur structurale de la figure, qui s'avère un instrument précieux pour consolider le réseau de symétries qui sous-tend la composition de la Recherche; dans le dernier chapitre, nous illustrons enfin dans quelle mesure la comparaison incarne l'acte de reconnaissance de l'essence du moi et du réel qui correspond à la vision artistique proustienne.

Le autobiografie di André Gide e di Julien Green nascono entrambe dalla tensione tra due istanze conflittuali: la necessità di offrire al lettore una piena confessione e le forti resistenze incontrate durante la stesura. Il pudore spinge infatti i due autori a cercare una forma di compromesso che consenta l’espressione letteraria di alcuni temi tabù. Nelle loro opere autobiografiche devono trattare un tema fondamentale, continuamente alluso, ma mai affrontato in maniera diretta: si tratta della questione ‘scabrosa’ della sessualità e, in particolare, dell’omosessualità. Lo scopo del mio lavoro è stato quello di comprendere la specificità della scrittura autobiografica di Gide e Green, con particolare attenzione alla strutturazione del discorso e all’impiego di una peculiare retorica della confessione. Anzitutto, ho studiato la genesi di queste opere per dimostrare come le difficoltà incontrate dagli autori li abbia condotti a creare dei testi complessi, enigmatici e talvolta contraddittori. In seguito, mi sono concentrato sull’analisi delle strategie discorsive da loro impiegate per affrontare alcune questioni ‘delicate’, quali la masturbazione, il desiderio erotico e gli incontri con alcuni partner del proprio sesso. Gide e Green impiegano entrambi un’ampia gamma di strategie discorsive che permette loro di trattare la questione sessuale; le ho analizzate nel dettaglio dal punto di vista delle scelte lessicali e delle figure retoriche, vagliando anche alcune immagini che è possibile ritrovare in entrambi i testi (per esempio l’ambigua presenza del demonio e la mitologia classica). Inoltre ho individuato alcune strutture narrative ricorrenti – anacronie, annunci e rinvii –, che concorrono anch’esse alla creazione di un discorso assolutamente originale. La confessione è continuamente differita e al contempo rilanciata: le autobiografie presentano una fitta rete di allusioni che produce un paradossale effetto di onnipresenza; sebbene in maniera obliqua, la questione sessuale attraversa in maniera pervasiva tutte e due le opere., While writing their autobiographies, André Gide and Julien Green both faced a taboo: how to deal with sexuality and especially homosexuality. Both their works constantly hint at these topics. Nonetheless, the authors do not talk about them overtly. They ingeniously make use of a series of rhetorical strategies which allow them to bring these themes to light. As paradoxical as it might seem, sex is constantly disguised and, at the same time, put to the fore. Thus, the reader is asked to be very receptive. Both texts are disseminated with clues and cross-references which require his cooperation in tracing this “hidden path”. The authors resort to some peculiar lexical choices, figures of speech and recurring imagery (such as the ambiguous presence of the devil and classical mythology), as well as to the manipulation of the narrative structure through anachronies and delays, which aim at deferring the “ultimate” confession: their sexual orientation. In my dissertation, I investigated the reason why both authors decided to write their autobiographies and the challenges they had to face in order to speak without reserve about their innermost life and especially about their sexuality. As far as the texts are concerned, I focused on the analysis of rhetorical and narrative strategies which allowed the authors to deal both with censorship and self-censorship. As a result, the autobiographical discourse turns out to be a battleground in which the desire to speak out meets the “decency” of being reticent.

L'affermarsi della teoria della « imaginative geography » di Edward Saïd (Orientalism, 1978), nell'arco degli ultimi trent'anni, ha imposto un orientamento prettamente sociopolitico, gramsciano e foucaultiano alla critica del testo, proponendo un'unica soluzione interpretativa per un corpus eterogeneo di testi (scientifici e artistici, antichi e moderni) accomunati dal fatto di « rappresentare l'Oriente ». La costruzione europea dello spazio orientale, dice Saïd, non rappresenta solo un misconoscimento dell'Altro, ma una sua rappresentazione tendenziosa e finalizzata a sostenere la macchina dell'imperialismo occidentale. In particolare, la rappresentazione « femminilizzata » della geografia orientale (come luogo dell'exploit del maschio bianco) preparebbe e accompagnerebbe l'impresa di assoggettamento politico e di sfruttamento economico dei paesi ad Est dell'Europa. Se Orientalism ha conosciuto fortune alterne dall'anno della sua apparizione, negli ultimi anni una vera e propria corrente anti-saidiana ha preso forza, soprattutto in ambito francese. Attraverso l'analisi di circa trenta opere francesi, belga, inglesi e italiane del Novecento, questa tesi cerca di visualizzare i limiti teorici della prospettiva saidiana rivolgendosi a un esame della rappresentazione dello spazio urbano indiano nella letteratura europea contemporanea. Nello specifico, uno studio delle nuove strutture e dei nuovi modelli della femminilizzazione dello spazio orientale indiano cercherà di completare – superandolo in direzione di un « post-orientalismo » – il riduzionismo della prospettiva saidiana., The emergence of the Edward Said’s theory of "imaginative geography" (“Orientalism”, 1978), over the last thirty years, has imposed to textual criticism a purely socio-political (Gramscian and Foucauldian) orientation, offering a single interpretation of a heterogeneous corpus of texts (scientific and artistic, ancient and modern) having in common the characteristics of "representing the East". It follows that the European construction of the Oriental space is not just a misunderstanding, but a tendentious representation aiming to support Western imperialism. In particular, the "feminized" representation of eastern geography (as the theatre of the exploit of the white male) is supposed to allow the political subjugation and the economic exploitation of the countries to the East of Europe. If “Orientalism” has experienced mixed fortunes since its publication in the 80ies, in recent years, a real anti-saidian current has gained strength. The thesis a aims to show the limits of the saïdien theoretical approach through the analysis of about thirty French, Belgian, English and Italian works of the 20th century, focusing on examination of the representation of Indian urban space in contemporary European literature. More specifically, a study of the new models and structures of the Indian space’s feminization will try to contribute in filling the gap in the studies of the saidian perspective towards the approach of “post-orientalism”.

La goutte et la feuille . Transfigurations de la beauté naturelle dans la littérature européenne : Chateaubriand , Hölderlin et Leopardi . La thèse se présente comme une étude morphologique de l'esthétique de la nature à la fin de 18 ans. Siècle. Le dénominateur commun est une étude comparative des paradigmes scientifiques et des images symboliques utilisés dans la littérature européenne . Sous ce point de vue la thèse identifie les formes originaires de la goutte et de la feuille comme un point de contact entre des moments culturels distincts, même si entrelacés. Un passage particulièrement important du travail est l'analyse structurelle du paysage . Le paysage est le point culminant d'accès aux secrets de l'écriture romantique. Le paysage commence avec la représentation classique du jardin édénique et se termine avec la forêt exotique américaine. Celle-ci est décrite par Chateaubriand, en tant qu’objet d’une KOINONIE stylistique à l’immensité sublime du désert et l'océan . Hölderlin place avec la beauté naturelle devient une harmonie secrète et sombre dans l'inconscient symbolique de l'âme humaine . Leopardi est l'auteur du désenchantement , et pourtant il est encore capable de pressentir empathiquement la mesure de l’imagination envers la beauté naturelle. Avec Léopards , cependant, s’accomplit la séparation finale entre l’EPOS de la beauté naturelle et l’ETHOS de la nature . Cette dernière est une grandeur morale, et au fait elle représente le moment de la dissolution nihiliste, notamment magnitude de l’esthétique typiquement romantique . Après Chateaubriand , Leopardi , et Hölderlin beauté naturelle ne seront plus transfigurant ., The drop and leaf. Transformations of the natural beauty in European literature: Chateaubriand, Hölderlin and Leopardi. The thesis introduces a morphological study of the aesthetics of nature at the end of 18. Century. The common thread is a comparative study of scientific paradigms and symbolic images used in the European literature. From this point of view, the thesis identifies the leaf and the drop as a point of contact between distinct and twisted cultural moments. A particularly important point is the analysis of the landscape. The scenery is the highlight for access to the secrets of writing romance. The landscape begins with the classical representation of the Garden of Eden and ends with the exotic forest. The latter is described by Chateaubriand, involvement in a sublime immensity of the desert and the ocean . Hölderlin instead with the natural beauty becomes a secret harmony and sunk into the unconscious symbolic of the human soul. Leopardi is the author of disenchantment, and yet he is still capable of feeling empathy towards natural beauty. With Leopardi , however, takes the final separation between natural beauty and nature. The latter is a moral grandeur, and is in fact the moment of nihilistic dissolution of a magnitude typically romantic aesthetic. After Chateaubriand, Leopardi , and Hölderlin the substance of natural beauty will no longer be transfiguring .

« Dieu est mort » proclame à l’envi le fou nietzschéen. C’est sous l’égide inquiète de cette assertion paroxystique, traduisant ce «malaise de la culture» qu’évoquait Freud, que la pensée, la littérature et l’art du XXe siècle européen évoluent. Cependant, le christianisme dont ce cri signe l’extrême décadence, n’est pas seul à imprégner les productions artistiques de ce siècle, même les plus prétendument athées, mais avant tout la figure du Christ - autour de laquelle sont structurés tant cette religion que son système de croyance – semble, littéralement et paradoxalement, infester l’imaginaire du XXe siècle, sous des formes plus ou moins fantasmatiques. Ce travail se propose ainsi précisément d’étudier, dans une optique interdisciplinaire entre littérature, art et cinéma, cette dynamique controversée, ses causes, les processus qui la sous-tendent ainsi que ses effets, à partir des œuvres de trois auteurs : Artaud, Beckett et Pasolini. L’objectif est de fournir une clé de lecture de cette problématique qui mette en exergue comment « la conversion de la croyance », comme la définit Deleuze, à laquelle ces auteurs participent, n’engendre pas un rejet purement profanatoire du christianisme mais, à l’inverse, la mise en œuvre d’un mouvement aussi violent que libératoire qualifié par Nancy de « déconstruction du christianisme ». Ce travail entend donc étudier tout d’abord à la lumière de l’expérience intérieure de Bataille, l’imaginaire christique qui sous-tend leurs productions ; puis, d’en analyser les mouvements et les effets en les questionnant sur la base de cette dynamique ambivalente que Grossman nomme la « défiguration de la forme christique ». Les excès délirants d’Artaud, l’ironie tranchante de Beckett et la passion ambiguë de Pasolini s’avèrent ainsi participer à un mouvement commun qui, oscillant entre reprise et rejet, débouche sur une attitude tout aussi destructive que revitalisante des fondements du christianisme., "God is dead!" cries the Nietzschean madman. It is under the anxious auspices of this jarring expression, encapsulating what Freud called the “discontent of civilization”, that the philosophy, literature and art of the 20th century developed in Europe. However, just as Christianity, whose extreme decadence this cry testifies to, has remained persistently present in the artistic productions of this past century—even in those who have claimed to be the most atheist—the figure of Christ, the center around which this religion and its belief system are structured, seems to both literally and paradoxically haunt the the 20th century European imagination to more or less phantasmatic extents. This work therefore aims to examine this dynamic, its motives, underlying processes and related effects, from an interdisciplinary perspective (that of literature, art, and cinema) based upon the works of Antonin Artaud, Samuel Beckett and Pier Paolo Pasolini. The primary objective here is to propose a key for understanding this issue where the “conversion of faith”, in Deleuzean terms, in which these authors participate, does not imply a purely profanatory rejection of Christianity. Artaud, Beckett and Pasolini rather bring forward that equally violent and liberating movement which Jean-Luc Nancy defines as the "deconstruction of Christianity". Hence this study has two goals. Firstly, to investigate the Christ-based imaginary universes of Artaud, Beckett and Pasolini in light of Bataille’s inner experience. Secondly, to question its motives and its effects starting from the ambivalent dynamics which Évelyne Grossman defines as the “defiguration of the Christological form”. By doing so, Artaud’s delirious excesses, Beckett’s pungent irony and Pasolini’s ambiguous passion reveal themselves to be participating in a common movement, wavering between recovery and refusal, and resulting in a predisposition which is both destructive and revitalizing with respect to the foundations of Christianity., “Dio è morto!” grida il folle nietzschano, ed è sotto l’egidia inquieta di questa celebre asserzione, espressione che traduce quel “disagio della civiltà” di cui parla Freud, che si sviluppano il pensiero, la letteratura e l’arte del XX secolo europeo, assumendone le conseguenze. Eppure, non solo il cristianesimo, di cui quest’urlo testimonia l’estrema decadenza, resta insistentemente presente in seno alle produzioni artistiche di questo secolo, anche le più dichiaratamente atee, ma la figura di Cristo, attorno alla quale questa religione e il suo sistema di credenza si strutturano, sembra tanto letteralmente quanto paradossalmente, infestare l’immaginario novecentesco europeo. Questo lavoro si propone quindi di indagare, in un’ottica interdisciplinare (letteratura, arte, cinema), proprio questa dinamica controversa, le sue ragioni, i processi che la sottendono e i suoi effetti, a partire dall’opera eclettica e esemplare di tre autori : Artaud, Beckett e Pasolini. Il fine è quello di offrire una chiave di lettura di questa problematica che metta in luce quanto la “conversione di credenza”, per dirlo in termini deleuziani, a cui questi autori partecipano, non implichi affatto un rigetto puramente profanatorio del cristianesimo, bensì la messa in opera di quel movimento, tanto violento quanto liberatorio, che Nancy definisce di “decostruzione del cristianesimo”. Questo lavoro si propone dunque, prima, di indagare, alla luce dell’esperienza interiore di Bataille, l’immaginario cristologico che è sotteso, più o meno visibilmente, alla loro produzione, e poi di analizzarne le movenze e gli effetti interrogandoli a partire da quella dinamica ambivalente che Grossman definisce di “defigurazione della forma cristologica”. Gli eccessi derliranti di Artaud, l’ironia talgiente di Beckett e la passionalità ambigua di Pasolini si rivelano così essere partecipi di un movimento comune che, oscillando tra ripresa e rifiuto, sfocia in un attitudine tanto distruttiva quanto rivitalizzante, nei confronti dei fondamenti del cristianesimo.

La publication de nombreuses œuvres, à la fois littéraires et picturales, entre 1870 et 1914, inspirées par l’épisode biblique du meurtre de Jean Baptiste par Salomé, s’inscrit dans une crise qui touche à cette époque, en Europe, aussi bien le sujet que la notion de représentation. Le mythe de Salomé permet de poursuivre une réflexion de nature littéraire, historique et esthétique concernant le processus d’autonomisation de l’art. À partir des sources bibliques et antiques, dans lesquelles Salomé et Jean Baptiste incarnent respectivement le monde païen en conflit avec le monde chrétien, ces deux personnages font graduellement leur entrée dans l’univers de la fiction. Ils sont au cœur de la transition d’une lecture transcendante — reliée particulièrement à la tradition catholique — de l’épisode tragique qui les unit, à une lecture immanente qui en fait deux instances purement esthétiques. La danseuse et le dernier des prophètes émergent dans la littérature et dans l’art occidentaux comme deux pôles symboliques, liés l’un à l’autre par différents types de relation, susceptibles d’être librement réinvestis par de nouvelles significations et à l’écart des conventions. Si, dans la première partie du XIXe siècle, Salomé et Jean Baptiste sont encore liés à leur sens orthodoxe, au tournant du siècle ils finissent par s’autonomiser de l’Écriture et donnent lieu à de multiples récritures et à des adaptations inattendues. Celles-ci ressortissent alors moins du blasphème à proprement parler que d’un témoignage emblématique d’une transformation du rapport que l’artiste entretient avec son œuvre. Celui-ci, en s’identifiant avec le prophète décollé, se mesure à l’œuvre d’art, qui est incarnée par Salomé. La relation entre Salomé et Jean Baptiste, dans ces diverses représentations, exprime et reflète le moment où art et littérature se reconnaissent comme fictions., The publication, between 1870 and 1914, of numerous literary and pictorial works inspired by the Biblical story of the murder of John the Baptist by Salomé reflects a wider crisis that affected both the subject and the concept of representation at that time in Europe. The myth of Salomé permits us to pursue a literary, historical and aesthetic reflection concerning the progressive autonomy of art. From Biblical and ancient sources, in which Salome and John the Baptist respectively embodied the pagan world and its conflicting relationship with the Christian world, these two characters gradually entered the world of fiction. They are indeed at the heart of a transition from a transcendent reading – especially related to the Catholic tradition – to an immanent reading of the tragic episode that unites them, which turns them into two purely aesthetic objects. The dancer and the last of the prophets thus emerge in Western literature and art as two symbolic extremes, which can be linked to each other by different kinds of relationships, which can have new changeable meanings, and which are far away from all convention. If, in the first part of the nineteenth century, Salome and John the Baptist are still bound to their orthodox interpretation, at the turn of the century they eventually gain independence from the Scriptures, and this gives rise to multiple rewritings and unexpected adaptations. These adaptations, however, prove less blasphemous, as they symbolically provide the proof of the very transformation of the relationship between the artist and their work. The artist, who identifies himself with the prophet, is measured with his artwork, represented by Salome. The relationship between Salome and John the Baptist, throughout the various representations, thus expresses and reflects the very moment when art and literature began to think themselves as fiction.

My dissertation covers the field of what Albert Thibaudet called “the critique of artists” in order to show that, throughout the second half of the twentieth century, this form of criticism has given readers a different perspective on literature in comparison to that of the formalists and the neo-avant-garde. In the first part of my study, I examine the evolution of formalist criticism in the twentieth century, considering the linguistic turn of the 1960s as the natural outcome of a cultural revolution which took place at the end of the nineteenth century. By conducting a comparative study between France and Italy, I attempt to outline a transnational model which shows that the two formalist critiques share the same understanding of the literature postulated by the neo-avant-garde. The second part of my thesis is devoted to the study of one of the main tendencies in the critique of the writers since the Second World War, a tendency that called into question a purely intrinsic study of the work of art. Here, I propose a comparative study of the literary critique of Georges Perec, Michel Tournier, Philippe Muray, Tommaso Landolfi, Pier Paolo Pasolini and Pier Vittorio Tondelli, in order to underline that their critical practice has not limited itself to a personal declaration of their poetic views, but it has truly opened up an alternative approach to formalist theoretical positions. They refused to speak of literature as a secluded world, and by doing so they anticipated one of the most important features of the literature of the end of the twentieth century, both in France and in Italy.

La goutte et la feuille . Transfigurations de la beauté naturelle dans la littérature européenne : Chateaubriand , Hölderlin et Leopardi . La thèse se présente comme une étude morphologique de l'esthétique de la nature à la fin de 18 ans. Siècle. Le dénominateur commun est une étude comparative des paradigmes scientifiques et des images symboliques utilisés dans la littérature européenne . Sous ce point de vue la thèse identifie les formes originaires de la goutte et de la feuille comme un point de contact entre des moments culturels distincts, même si entrelacés. Un passage particulièrement important du travail est l'analyse structurelle du paysage . Le paysage est le point culminant d'accès aux secrets de l'écriture romantique. Le paysage commence avec la représentation classique du jardin édénique et se termine avec la forêt exotique américaine. Celle-ci est décrite par Chateaubriand, en tant qu’objet d’une KOINONIE stylistique à l’immensité sublime du désert et l'océan . Hölderlin place avec la beauté naturelle devient une harmonie secrète et sombre dans l'inconscient symbolique de l'âme humaine . Leopardi est l'auteur du désenchantement , et pourtant il est encore capable de pressentir empathiquement la mesure de l’imagination envers la beauté naturelle. Avec Léopards , cependant, s’accomplit la séparation finale entre l’EPOS de la beauté naturelle et l’ETHOS de la nature . Cette dernière est une grandeur morale, et au fait elle représente le moment de la dissolution nihiliste, notamment magnitude de l’esthétique typiquement romantique . Après Chateaubriand , Leopardi , et Hölderlin beauté naturelle ne seront plus transfigurant ., The drop and leaf. Transformations of the natural beauty in European literature: Chateaubriand, Hölderlin and Leopardi. The thesis introduces a morphological study of the aesthetics of nature at the end of 18. Century. The common thread is a comparative study of scientific paradigms and symbolic images used in the European literature. From this point of view, the thesis identifies the leaf and the drop as a point of contact between distinct and twisted cultural moments. A particularly important point is the analysis of the landscape. The scenery is the highlight for access to the secrets of writing romance. The landscape begins with the classical representation of the Garden of Eden and ends with the exotic forest. The latter is described by Chateaubriand, involvement in a sublime immensity of the desert and the ocean . Hölderlin instead with the natural beauty becomes a secret harmony and sunk into the unconscious symbolic of the human soul. Leopardi is the author of disenchantment, and yet he is still capable of feeling empathy towards natural beauty. With Leopardi , however, takes the final separation between natural beauty and nature. The latter is a moral grandeur, and is in fact the moment of nihilistic dissolution of a magnitude typically romantic aesthetic. After Chateaubriand, Leopardi , and Hölderlin the substance of natural beauty will no longer be transfiguring .

« Dieu est mort » proclame à l’envi le fou nietzschéen. C’est sous l’égide inquiète de cette assertion paroxystique, traduisant ce «malaise de la culture» qu’évoquait Freud, que la pensée, la littérature et l’art du XXe siècle européen évoluent. Cependant, le christianisme dont ce cri signe l’extrême décadence, n’est pas seul à imprégner les productions artistiques de ce siècle, même les plus prétendument athées, mais avant tout la figure du Christ - autour de laquelle sont structurés tant cette religion que son système de croyance – semble, littéralement et paradoxalement, infester l’imaginaire du XXe siècle, sous des formes plus ou moins fantasmatiques. Ce travail se propose ainsi précisément d’étudier, dans une optique interdisciplinaire entre littérature, art et cinéma, cette dynamique controversée, ses causes, les processus qui la sous-tendent ainsi que ses effets, à partir des œuvres de trois auteurs : Artaud, Beckett et Pasolini. L’objectif est de fournir une clé de lecture de cette problématique qui mette en exergue comment « la conversion de la croyance », comme la définit Deleuze, à laquelle ces auteurs participent, n’engendre pas un rejet purement profanatoire du christianisme mais, à l’inverse, la mise en œuvre d’un mouvement aussi violent que libératoire qualifié par Nancy de « déconstruction du christianisme ». Ce travail entend donc étudier tout d’abord à la lumière de l’expérience intérieure de Bataille, l’imaginaire christique qui sous-tend leurs productions ; puis, d’en analyser les mouvements et les effets en les questionnant sur la base de cette dynamique ambivalente que Grossman nomme la « défiguration de la forme christique ». Les excès délirants d’Artaud, l’ironie tranchante de Beckett et la passion ambiguë de Pasolini s’avèrent ainsi participer à un mouvement commun qui, oscillant entre reprise et rejet, débouche sur une attitude tout aussi destructive que revitalisante des fondements du christianisme., "God is dead!" cries the Nietzschean madman. It is under the anxious auspices of this jarring expression, encapsulating what Freud called the “discontent of civilization”, that the philosophy, literature and art of the 20th century developed in Europe. However, just as Christianity, whose extreme decadence this cry testifies to, has remained persistently present in the artistic productions of this past century—even in those who have claimed to be the most atheist—the figure of Christ, the center around which this religion and its belief system are structured, seems to both literally and paradoxically haunt the the 20th century European imagination to more or less phantasmatic extents. This work therefore aims to examine this dynamic, its motives, underlying processes and related effects, from an interdisciplinary perspective (that of literature, art, and cinema) based upon the works of Antonin Artaud, Samuel Beckett and Pier Paolo Pasolini. The primary objective here is to propose a key for understanding this issue where the “conversion of faith”, in Deleuzean terms, in which these authors participate, does not imply a purely profanatory rejection of Christianity. Artaud, Beckett and Pasolini rather bring forward that equally violent and liberating movement which Jean-Luc Nancy defines as the "deconstruction of Christianity". Hence this study has two goals. Firstly, to investigate the Christ-based imaginary universes of Artaud, Beckett and Pasolini in light of Bataille’s inner experience. Secondly, to question its motives and its effects starting from the ambivalent dynamics which Évelyne Grossman defines as the “defiguration of the Christological form”. By doing so, Artaud’s delirious excesses, Beckett’s pungent irony and Pasolini’s ambiguous passion reveal themselves to be participating in a common movement, wavering between recovery and refusal, and resulting in a predisposition which is both destructive and revitalizing with respect to the foundations of Christianity., “Dio è morto!” grida il folle nietzschano, ed è sotto l’egidia inquieta di questa celebre asserzione, espressione che traduce quel “disagio della civiltà” di cui parla Freud, che si sviluppano il pensiero, la letteratura e l’arte del XX secolo europeo, assumendone le conseguenze. Eppure, non solo il cristianesimo, di cui quest’urlo testimonia l’estrema decadenza, resta insistentemente presente in seno alle produzioni artistiche di questo secolo, anche le più dichiaratamente atee, ma la figura di Cristo, attorno alla quale questa religione e il suo sistema di credenza si strutturano, sembra tanto letteralmente quanto paradossalmente, infestare l’immaginario novecentesco europeo. Questo lavoro si propone quindi di indagare, in un’ottica interdisciplinare (letteratura, arte, cinema), proprio questa dinamica controversa, le sue ragioni, i processi che la sottendono e i suoi effetti, a partire dall’opera eclettica e esemplare di tre autori : Artaud, Beckett e Pasolini. Il fine è quello di offrire una chiave di lettura di questa problematica che metta in luce quanto la “conversione di credenza”, per dirlo in termini deleuziani, a cui questi autori partecipano, non implichi affatto un rigetto puramente profanatorio del cristianesimo, bensì la messa in opera di quel movimento, tanto violento quanto liberatorio, che Nancy definisce di “decostruzione del cristianesimo”. Questo lavoro si propone dunque, prima, di indagare, alla luce dell’esperienza interiore di Bataille, l’immaginario cristologico che è sotteso, più o meno visibilmente, alla loro produzione, e poi di analizzarne le movenze e gli effetti interrogandoli a partire da quella dinamica ambivalente che Grossman definisce di “defigurazione della forma cristologica”. Gli eccessi derliranti di Artaud, l’ironia talgiente di Beckett e la passionalità ambigua di Pasolini si rivelano così essere partecipi di un movimento comune che, oscillando tra ripresa e rifiuto, sfocia in un attitudine tanto distruttiva quanto rivitalizzante, nei confronti dei fondamenti del cristianesimo.

La publication de nombreuses œuvres, à la fois littéraires et picturales, entre 1870 et 1914, inspirées par l’épisode biblique du meurtre de Jean Baptiste par Salomé, s’inscrit dans une crise qui touche à cette époque, en Europe, aussi bien le sujet que la notion de représentation. Le mythe de Salomé permet de poursuivre une réflexion de nature littéraire, historique et esthétique concernant le processus d’autonomisation de l’art. À partir des sources bibliques et antiques, dans lesquelles Salomé et Jean Baptiste incarnent respectivement le monde païen en conflit avec le monde chrétien, ces deux personnages font graduellement leur entrée dans l’univers de la fiction. Ils sont au cœur de la transition d’une lecture transcendante — reliée particulièrement à la tradition catholique — de l’épisode tragique qui les unit, à une lecture immanente qui en fait deux instances purement esthétiques. La danseuse et le dernier des prophètes émergent dans la littérature et dans l’art occidentaux comme deux pôles symboliques, liés l’un à l’autre par différents types de relation, susceptibles d’être librement réinvestis par de nouvelles significations et à l’écart des conventions. Si, dans la première partie du XIXe siècle, Salomé et Jean Baptiste sont encore liés à leur sens orthodoxe, au tournant du siècle ils finissent par s’autonomiser de l’Écriture et donnent lieu à de multiples récritures et à des adaptations inattendues. Celles-ci ressortissent alors moins du blasphème à proprement parler que d’un témoignage emblématique d’une transformation du rapport que l’artiste entretient avec son œuvre. Celui-ci, en s’identifiant avec le prophète décollé, se mesure à l’œuvre d’art, qui est incarnée par Salomé. La relation entre Salomé et Jean Baptiste, dans ces diverses représentations, exprime et reflète le moment où art et littérature se reconnaissent comme fictions., The publication, between 1870 and 1914, of numerous literary and pictorial works inspired by the Biblical story of the murder of John the Baptist by Salomé reflects a wider crisis that affected both the subject and the concept of representation at that time in Europe. The myth of Salomé permits us to pursue a literary, historical and aesthetic reflection concerning the progressive autonomy of art. From Biblical and ancient sources, in which Salome and John the Baptist respectively embodied the pagan world and its conflicting relationship with the Christian world, these two characters gradually entered the world of fiction. They are indeed at the heart of a transition from a transcendent reading – especially related to the Catholic tradition – to an immanent reading of the tragic episode that unites them, which turns them into two purely aesthetic objects. The dancer and the last of the prophets thus emerge in Western literature and art as two symbolic extremes, which can be linked to each other by different kinds of relationships, which can have new changeable meanings, and which are far away from all convention. If, in the first part of the nineteenth century, Salome and John the Baptist are still bound to their orthodox interpretation, at the turn of the century they eventually gain independence from the Scriptures, and this gives rise to multiple rewritings and unexpected adaptations. These adaptations, however, prove less blasphemous, as they symbolically provide the proof of the very transformation of the relationship between the artist and their work. The artist, who identifies himself with the prophet, is measured with his artwork, represented by Salome. The relationship between Salome and John the Baptist, throughout the various representations, thus expresses and reflects the very moment when art and literature began to think themselves as fiction.