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El presente artículo, a través de un ejercicio de literatura comparada, pretende constatar la coincidencia de una serie de mecanismos en la representación del horror mediante la lectura de la novela La carretera (2006), de Cormac McCarthy, desde la poética revertiana (Arturo Pérez-Reverte), de manera que el hecho de indagar dicha coincidencia permita sintetizar tanto en uno como en otro la discursividad del terror bélico, lo que nos lleva a presentar la obra de Cormac McCarthy como un hipotético avance de las cualidades de una posible distopía revertiana por el común acomodo de dichos mecanismos de representación.

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Desde que en la década de los años noventa del pasado siglo se creara el neologismo de «turismo oscuro» a la práctica de los turistas por visitar espacios patrimoniales relacionados con el dolor, la pena, la muerte o el trauma, este no ha dejado de crecer. La oferta y la demanda aumentan cada año en este subsector; lo que ha multiplicado las investigaciones de los especialistas, así como los debates sobre las fronteras éticas de su práctica. La realidad, es que algunos de los destinos no corresponden con únicamente con hechos de nuestro pasado lejano y/o reciente, sino con conflictos bélicos actuales, donde la tragedia y el trauma son parte de la vida diaria de los habitantes de un territorio. En este artículo se presenta el estado del sector turístico que denominamos de memoria traumática; sus impactos sociales, culturales y económicos; las carencias de las narrativas en su puesta en valor que están llevando en algunos casos a generar una oferta distópica; y nuestra aportación como posible solución desde el trabajo de la empatía histórica.

This article situates the novel Eugenia (1919) by the Cuban-Mexican doctor Eduardo Urzaiz within the post-revolutionary Mexican discourses on eugenics. Set in the distant future, the novel imagines the culmination of a successful statist attempt to perfect the national body. In fact, the state's tight control of physical reproduction helps overcome the traditional family unit, a fact that has led many critics to highlight the liberating potential of this fictional society, particularly for women. That said, the novel shows how these social changes have had traumatic results in the lives of the various characters. This article seeks to reconcile the utopian discourse with the trauma of so many of its characters, identifying an ethics of aesthetics that justifies authoritarian actions and the sacrifice of individual freedoms in the name of the aesthetic perfection of society and the reproduction of a socialist and Utopian order. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Carlos Barragán Castro's literary works skillfully weave together discussions of natural science with a thoughtful exploration of how the science fiction genre can bring about political and social change in twenty-first-century Colombia. In contrast to the prevailing dystopian themes in Western science fiction, Barragán grounds his ideas in the concept of affective posthumanism. In this framework, individual identity becomes intertwined with a mutually beneficial relationship between species, influenced by new scientific and technological developments. His writing delves into ethical and political aspects, infusing the narratives with thought-provoking considerations of ethics, human rights, and justice in a posthuman setting. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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A distopia tem sido um meio significativo de investigar o presente e imaginar o futuro desde o final do século XIX, mudando de forma a fim de se adaptar a novos contextos culturais. Sendo uma crítica à razão instrumental, ela é parte integrante da própria modernidade. Este artigo discute duas obras distópicas, A Canticle for Leibowitz, de Walter M. Miller Jr., publicado em 1960, e a trilogia MaddAddam, de Margaret Atwood, publicada entre 2003 e 2013, dando ênfase às suas concepções de conhecimento, à conexão deste com a religião, e ao papel que ele desempenha na civilização. O objetivo da minha análise é comparar como esses dois textos distópicos abordam questões semelhantes num intervalo de cerca de cinquenta anos.

To explain traumatic events and situations in opposition to the official and prevailing versions, conspiracy theories establish casual links dating back to the past where the plot responsible of the present evil was presumably forged. This relationship with the past has been studied, unlike its other temporal horizon, the future. This article addresses that nexus through the analysis of a corpus of conspiracy discourses about the Covid-19 pandemic. In their references to the hideous social-political implications of the health crisis, three dystopic visions were identified: the world government; the fertility dystopia; and the technodystopia. As the results show, the enunciators are well-versed in using dystopian conventions for criticising power. Moreover, their social and political heterogeneity suggests certain democratisation of futurist imagination. Finally, this kind of conspirationism is prone to reduce the future to a unique grim scenario, an extreme case of defuturization, according to Niklas Luhmann’s terminology. Para explicar hechos o situaciones traumáticas en oposición a las versiones oficiales, las teorías conspirativas establecen conexiones causales que se adentran en el ayer en donde se gestó el complot responsable de los males. Esta relación con el pasado ha sido estudiada, cosa que no ocurre con el futuro. El presente artículo aborda el vínculo del conspiracionismo con el porvenir a través del análisis de diversos discursos sobre la pandemia de Covid-19. En sus descripciones de los regímenes odiosos que se impondrían con la excusa de la crisis sanitaria, detectamos tres visiones distópicas: el gobierno mundial; la distopía natalista; y la tecnodistopía. Su examen permite observar que sus enunciadores critican los poderes establecidos mediante un uso diestro de las convenciones distópicas; segundo, su heterogeneidad acredita cierta democratización de la imaginación futurista; y tercero, el conspiracionismo pandémico se muestra proclive a reducir el mañana a un único escenario calamitoso: un caso extremo de desfuturización según la terminología de Niklas Luhmann.

“Sonharão no jardim”, conto da escritora mexicana Gabriela Damián Miravete (2015), apresenta uma utopia e distopia imbricadas, a partir do tema do feminicídio na América Latina. A narrativa opera uma ação de “hiperstição”, conceito no qual se prevê algo e a própria narrativa atua, no plano real da recepção, para que esse futuro possa ocorrer, conforme propõe Analía Ferreyra Carreres (2020), a partir das proposições de Alex Williams (2013) e Simon Sullivan (2017). O artigo ainda discute o uso de tempos verbais no futuro, soluções tradutórias ao português brasileiro e a configuração do jardim paradisíaco, como espaço de memória e resistência imaginárias

O ensaio aborda os dois romances de André Carneiro, Piscina Livre (1980) e Amorquia (1991) em sua configuração genérica e em suas possíveis relações com o contexto político brasileiro – a saber, o regime militar e a abertura política. No percurso argumentativo, confluências e particularidades de cada obra são colocadas em relevo, a fim de compreender como a utopia da primeira se converte em uma distopia de contornos borrados na segunda. Para tanto, são movimentados conceitos elaborados por Ernst Bloch, acerca do impulso utópico, e de Darko Suvin, acerca da especificidade da ficção científica.

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El artículo reconstruye las imaginaciones políticas sobre el trabajo en Argentina durante el ciclo de reformas del periodo 2002- 2015 y se asienta en un trabajo de archivo extensivo sobre las discusiones políticas y especializadas acerca de los problemas socio-laborales. Dicho proceso de reforma se estructuró en la reactivación de un gesto utópico que afirmó la capacidad de la política para restaurar el rol integrador del empleo. El cuestionamiento de la viabilidad de tal horizonte instaló prospectivas distópicas sobre el advenimiento inevitable de la flexibilidad laboral, base de la propuesta de autonomizar la protección y el empleo. En la polémica se actualizaron núcleos de sentido de las tesis del “fin del trabajo”, antes descentradas, constituyéndose las imaginaciones políticas en un terreno clave de la confrontación por los modos de regular el empleo, tras el resquebrajamiento de la hegemonía neoliberal.

En este trabajo, nos planteamos preguntas específicas sobre el tratamiento de la infancia en la literatura distópica ecológica contemporánea escrita por mujeres. Nos cuestionamos si, en dicha literatura, los niños son portadores de utopía o si representan la evidencia palpable del desarrollo de la distopía, incluso en sus propios cuerpos. Nos interesa explorar si la literatura puede contribuir a la creación de mitologías ecológicas que ayuden a las nuevas generaciones a visualizar futuros sostenibles. Por último, nos preguntamos qué importancia tienen los vínculos en la creación de estos relatos de lo posible que buscan resistir contra los del apocalipsis. Para responder a estos interrogantes, examinaremos las novelas que componen la trilogía del agua de Claudia Aboaf (Pichonas, El Rey del Agua y El ojo y la flor), Jaulagrande, de Guadalupe Faraj, y Mugre Rosa, de Fernanda Trías.

Este artículo realiza una revisión de la práctica artística y de ciertas narrativas visuales desarrolladas durante el ­período de inicio de la pandemia de Covid-19 (marzo a mayo 2020) concentrándose en proyectos realizados en Chile y España. Mediante una selección de obras producidas durante el confinamiento y la cuarentena, este estudio propone una lectura comparativa entre países con el objetivo de encontrar afinidades y diferencias en las producciones artísticas, analizando cómo desde cada contexto y bajo una mirada particular socioeconómica y política, surgen representaciones tan documentales como metafóricas. Nos focalizaremos en dos perspectivas: por un lado, obras que apelan a un imaginario distópico que sugiere cómo las sociedades, debido a la parálisis global, experimentaron una realidad anómala y amenazante que parecía ficticia; por otro, obras que desarrollan un imaginario ecosocial que esboza una sensibilidad sobre la crisis medioambiental y el actual desequilibrio entre naturaleza/humano. Desde ambas perspectivas se examina cómo las/los artistas, en el encierro, articularon dispositivos reflexivos que retrataron la inquietud ante un porvenir desconocido y la activación de la noción de fragilidad, logrando visibilizar procesos desastrosos tan sociales como ecológicos que ya venían desarrollándose y que parecieron agudizarse con la llegada de la pandemia.

En los Cuentos de la naturaleza de José María Merino, seleccionados y editados por Natalia Álvarez Méndez, destaca el entorno natural no como mero trasfondo sino como protagonista de unos relatos escritos por el escritor leonés a lo largo de su exitosa trayectoria literaria. En la forma fantástica y sobrenatural en que es un maestro, José María Merino enuncia a través de sus cuentos o microcuentos, con tono de fábulas o apólogos, las implicaciones éticas de la consideración de la naturaleza como un ecosistema, es decir, una entidad absoluta y vital. Este artículo indaga en la perspectiva naturocentrista, y a la postre ecocéntrico, propuesta por el escritor. En ella, el ser humano está integrado en la naturaleza, pero la naturaleza se ha convertido, además, con el Antropoceno y el cambio climático, en el núcleo de la historia de la humanidad. Los Cuentos de la naturaleza juegan simbólicamente con los tiempos, las edades a escala humana de la infancia a la madurez, así como la historia futura condicionada por la ficción científica y la anticipación de lo que podría pasar. Asimismo, el tratamiento del espacio a diversos niveles, del cosmos al virus, conduce al relativismo que pone en tela de juicio el antropocentrismo. De hecho, esta poética de la naturaleza gira en torno a una temática más extensa, la de la conciencia: conciencia ecológica con textos que hacen reflexionar al lector, conciencia ética con respecto al medio ambiente y conciencia de la propia naturaleza humanizada. Al fin y al cabo, se parte del supuesto de que esos cuentos, impostando de cierto modo la voz imaginaria de la naturaleza, procuran y logran deconstruir la visión antropocéntrica tradicional del universo.

The position on utopia is the position on reality. Utopia is the theme of many works of art, one can even claim that the arts are the ultimate description of utopia, and the arts strive to achieve utopia. The arts contain utopian elements, and actually, the arts are the completely accomplished version of utopia.

Arcane (Netflix, 2021-) se ha convertido en un referente del género distópico televisivo. Su animación cuidada, la profundidad y diversidad de sus personajes, la complejidad de las tramas narrativas, la crítica sistémica y la apuesta transmedia convierten esta serie en un ejemplo de calidad. Por ello, este artículo busca examinar cómo se representan las relaciones de poder en un mundo estructurado en torno al binomio Piltóver/Zaun y cómo lo habitan unos personajes construidos desde distintos marcadores sociales —clase social, género, origen, racialización, etc.—. Un análisis que no solo nos permite identificar críticas sistémicas propias de la distopía, sino reflexionar sobre las posibles respuestas a las injusticias e imaginar salidas alternativas desde unos márgenes diversos.

Esta pesquisa analisa o conto “2035”, do livro Sul, de Veronica Stigger, em seu lugar limítrofe entre os dados históricos da Revolução Farroupilha e o imaginário construído sobre esses no sistema literário sul-rio-grandense. Revisa-se, primeiro, como a Guerra dos Farrapos foi representada literariamente ao longo do tempo e discute-se, em seguida, a partir de matérias de jornais, como, na contemporaneidade, há a cristalização de uma interpretação plastificada da Revolução. Então, investiga-se como o conto de Stigger dialoga com o histórico de obras retomado e também com manifestações da discursividade contemporânea, focalizando a reorganização do imaginário construído sobre a Revolução, que, no interior da narrativa, tem seu sentido ideal subvertido, escancarando “um outro lado do mito”. Os resultados apontam que Veronica Stigger, em “2035”, propõe um “imaginário negativo” da Revolução Farroupilha, agregando um filtro distópico ao que seria o ano de seu bicentenário; assim, a ode aos supostos valores republicanos de liberdade e de igualdade dos combates farroupilhas dá espaço para uma representação que escancara os interesses elitistas dos idealizadores da Revolução, a faceta não vitoriosa do combate, o sangue derramado nesse período histórico e certo bairrismo místico que sempre se faz presente ao evocar do histórico farroupilha.

La narrativa distópica ha sido muy explotada en el campo de la literatura, a diferencia de la atención recibida en el ámbito de las artes visuales. En relación a ello, el propósito de este artículo es poner de relieve, desde una perspectiva crítica de la realidad sociocultural cubana, los elementos característicos de la distopía en la obra pictórica de Vicente Hernández. Después de un recorrido teórico-contextual por los nexos entre el constructo distópico y la realidad cubana, el artículo analiza cuatro pinturas representativas de la estética distópica del artista cubano, para concluir sobre la mirada post-apocalíptica del pintor como relato distópico acerca de Cuba. De este modo, la consideración del universo visual de Vicente Hernández pretende contribuir a la promoción del interés por la distopía en las artes visuales y al desarrollo del pensamiento crítico, en momentos donde el espectáculo banal y la corrección política constituyen una parte muy pronunciada de la cultura cubana.

El Estado constitucional es el resultado de una visión del futuro utópica que se desarrolló en los planos filosófico, técnico y literario durante la Ilustración. El siglo XX acabó con el mito del progreso en esos ámbitos, pero los avances técnicos no se detuvieron. Esto ha generado una tensión entre lo utópico y lo distópico determinada por el control o descontrol del poder político y de la tecnología. Las crisis del siglo XXI han hecho florecer visiones apocalípticas que dejan sin fundamento el proyecto del Estado moderno. Sin una visión optimista del futuro el papel del Estado cambia, de ser el catalizador de un proyecto que se implanta en la realidad conducida y modelada por la humanidad pasa a una especie de refugio ante una realidad que supera a las posibilidades de acción de una sociedad en concreto. El papel de la tecnología y el poder es fundamental a la hora de plantear nuevas utopías que sostengan un proyecto político, este es el desafío político de la IA o de proyectos como el transhumanismo.

La digitalización de las comunicaciones sociales y personales desarrollada en las últimas décadas nos han situado ante un terreno desconocido que progresa con una rapidez inédita hasta el momento. La serie de televisión Black Mirror permite reflexionar sobre las repercusiones que esta transformación tecnológica tiene para la sociedad y las relaciones personales. Mediante el análisis textual y de contenido de las 5 temporadas emitidas hasta el momento, podemos establecer los patrones más comunes que han sido representados en la serie, reflejando la transformación de una sociedad agrupada en torno a la pantalla televisiva a una sociedad que utiliza pantallas individuales como herramienta de control y acceso a relaciones personales y sociales.

Escrito por Valiéri Briúsov (1873-1924) e publicado em 1907, “A República do Cruzeiro do Sul” é um conto que descreve a devastação de uma cidade futurista (à primeira vista, uma utopia industrial) erguida sobre o Polo Sul, em virtude da epidemia de uma doença psíquica. Mesmo antes do desencadeamento da tragédia, a Cidade Estelar dificilmente poderia ser considerada uma sociedade ideal: as vidas de seus habitantes eram controladas nos mínimos detalhes por um despótico Conselho formado pelos diretores fabris locais. Trata-se, portanto, de uma narrativa distópica, antecessora de obras mais conhecidas do gênero, como Nós (1924), de Evguêni Zamiátin, e 1984 (1949), de George Orwell, e pioneira da longa e rica tradição da literatura de expressão russa de ficção científica. Briúsov, um dos expoentes do simbolismo russo, surpreende ao fazer uso de um estilo enxuto, mais adequado ao formato jornalístico em que é veiculado o conto. A descrição sintética e até mesmo brusca das atrocidades que se passaram na capital da República apenas intensifica a aversão sentido pelo leitor. Buscamos manter essa precisão na tradução[1]. Além desta versão, o conto também foi traduzido para as línguas inglesa, francesa, alemã, italiana e, mais recentemente, espanhola, tradução esta publicada na edição nº 5 da revista argentina Eslavia em 2020 e realizada por Eugenio López Arriazu. [1] Agradecemos as sugestões e comentários da professora Ekaterina Vólkova Américo.

Arcane (Netflix, 2021-) has become a benchmark in the dystopian television genre. Its meticulous animation, the depth and diversity of its characters, the complexity of its narrative plots, its systemic critique and its transmedia approach make this series an example of quality. For this reason, this article seeks to examine how power relations are represented in a world structured around the Piltover/Zaun binomial and how it is inhabited by characters constructed from different social markers -social class, gender, origin, racialisation, etc.-. An analysis that not only allows us to identify systemic criticisms typical of dystopia, but also to reflect on possible responses to injustices and imagine alternative solutions from the diverse margins. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

En este artículo se argumentará cómo, alrededor de la década de 1970, ante el contexto político de los últimos años de represión del franquismo, el gran éxodo rural que se produjo hacia ciudades como Barcelona y el surgimiento de un movimiento ecologista desorganizado en España, el campo literario catalán respondió con una proliferación de distopías y ficciones contra la dictadura y el control social. En particular, se analizará la novela L'enquesta del canal 4 (1972) de Avel·lí Artís-Gener (Tísner), que presenta la lucha revolucionaria de unos trabajadores dentro de una torre de comunicaciones televisiva que jerarquiza a sus empleados por niveles y los obliga a vivir en condiciones precarias y aislados del mundo exterior. Se mostrará cómo se crea una distopía ficticia para denunciar el trabajo industrial, dramatizar problemas de conciencia de clase y criticar la alienación de los trabajadores en las ciudades y las industrias, una alienación del trabajador y la naturaleza que Karl Marx denominó brecha metabólica (o ecológica). El propósito de este artículo es realizar una lectura ecocrítica de las alegorías socioespaciales de la narración y situar esta ficción dentro del contexto de lucha de clases y ecologista del tardofranquismo (1959–1975). [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El estudio del anime en la actualidad se encuentra acotado entre los extremos del determinismo cultural y el transnacionalismo. Sin embargo, en su modo apocalíptico, aparece estrechamente relacionado con la identidad nacional y la historia japonesas, en ocasiones como un agente subversivo de memoria. Si además el urbanismo reproduce simbólicamente los imaginarios de cada momento histórico, puede plantearse que las distopías del anime apocalíptico enuncian determinadas ideologías sobre el pasado de Japón. Esta investigación analiza la representación urbana en su relación con el pasado en la película Akira, planteando como hipótesis que, más que elucubrar sobre el futuro, su distopía enuncia un comentario sobre los traumas nacionales japoneses del pasado. Se realiza un análisis textual de la película, concluyendo que el filme descontextualiza y reúne diversos episodios conflictivos de la historia nipona del siglo XX en un mismo momento histórico fabulado que permite reinterpretarlos desde posiciones de memoria disidentes.

Con el paso del tiempo, las distopías han acabado por constituirse como una de las formas predilectas a la hora de abordar la crítica a la realidad. En el siglo xxi atendemos a un nuevo auge del género, en el que la relación entre crisis y distopía se ha vuelto aún más evidente. Las amenazas que se ciernen sobre nuestros tiempos (entre las que destacan los conflictos bélicos, la crisis económica, la emergencia ecológica y el auge de los populismos de derechas), se plasman en estas distopías a través de imágenes como las de las ruinas o los totalitarismos. Así, y bajo la máxima de la repetición de la historia, las distopías recurren al pasado del mundo occidental como forma de aleccionarnos sobre nuestro presente, a fin de evitar cometer los errores de antaño. No obstante, en esta repetición reificada de la historia, las imágenes distópicas tienden a soslayar los vínculos que la conectan no solo con las crisis actuales sino, también, con la debacle distópica futura. En este sentido, entendemos que el retorno de la historia colabora al olvido de la misma, reforzando, de esta manera, la «impotencia reflexiva» que, según Mark Fisher (2018), caracteriza a nuestros tiempos. A fin de confirmar tales hipótesis, el presente artículo se propone indagar en algunos de los principales tropos de las distopías cinematográficas más exitosas de nuestros tiempos, intentando con ello dilucidar los discursos que se esconden detrás de tal reificación.

El presente escrito tiene como objetivo aproximarse a la inversión sufrida por la arquitectura de vanguardia a ojos del cine y al papel que juegan dichas construcciones en los decorados, como localizaciones o como entorno digital en cintas de ficción especulativa. Desde Metropolis (Lang, 1927) hasta The Man in the High Castle (Spotnitz, 2015-2019), pasando por Fahrenheit 451 (Truffaut, 1966) o Alphaville (Godard, 1965), entre otras, el planteamiento de narrativas de anticipación bebe, arquitectónicamente, de unas realidades que se reflejan en estas cintas para que, a modo de espejo en el que se invierte la realidad, se muestre el peor de los mundos posibles a través de edificios proyectados, originalmente, como auténticas utopías. A través de una revisión bibliográfica y fílmica, veremos cómo se da paso de la utopía a la distopía y cómo podemos aproximarnos a esas construcciones desde otras perspectivas que permitan no solo analizar esa inversión de proyectos a través del tiempo, sino fomentar una puesta en valor de la arquitectura también como patrimonio fílmico.

Resumo O presente artigo destaca o profundo vínculo entre abelhas e humanos constituído pela intermediação do mel, o qual é produzido pelas abelhas e consumido pelos humanos. De clássicos a trabalhos recentes da antropologia e da sociologia, são mencionados estudos voltados às abelhas e à apicultura. As abelhas são seres fundamentais para a manutenção da vida, ou seja, “companheiras indispensáveis”, sem as quais não podemos viver. São justamente tais seres fundamentais à vida que, no Antropoceno, vêm sofrendo declínios populacionais. A crise das abelhas surge nesse contexto e, junto a ela, emerge um imaginário distópico conforme o qual a vida humana, no limite, se inviabilizaria sem suas companheiras indispensáveis. É desse modo que a antropologia é desafiada por tais temas emergentes, sendo que o presente artigo procura contribuir para os problemas trazidos pelo Antropoceno que ameaça “companheiros indispensáveis” à vida humana.

O presente artigo discute as conexões entre as HQs Cangaço Overdrive (2018), de Zé Wellington e Walter Geovani e Ronin (1983-1984), de Frank Miller. As duas obras foram pioneiras em seu trânsito por diferentes tradições artísticas — enquanto Ronin antecipou o movimento cyberpunk, Cangaço Overdrive articulou elementos que configurariam o sertãopunk ainda antes do movimento tomar forma. Ambas também tomam como ponto de partida a ressurreição de uma figura de um passado heroico em um futuro distópico, mas se diferenciam na forma como desenvolvem a relação dessas figuras com o mundo ao qual elas retornam em seu deslocamento temporal — isto é, tratam de maneira radicalmente diversa a relação do passado com o futuro. Defende-se, a partir deste cotejo, que as semelhanças superficiais entre as obras são menos significativas em sua análise conjunta do que suas diferentes apreensões do capitalismo tardio, expressivas dos movimentos literários a que se associam e de seus respectivos quadros ideológicos.

The Earlie King & The Kid in Yellow (2018), de Danny Denton, narra o mito da destruição da Irlanda através do fogo e o colapso digital após o país enfrentar anos de chuvas ininterruptas causadas pela catástrofe ambiental deixada principalmente pela indústria farmacêutica. O propósito deste artigo é investigar como essa obra coaduna e desafia ao mesmo tempo a tradição ecocrítica e distópica produzida na língua inglesa dos centros hegemônicos e a tradição literária de seu próprio país. Para tanto eu utilizo quatro divisões didáticas: 1) breve resumo de como o Antropoceno tem sido representado na literatura de língua inglesa; 2) a contribuição da distopia para representação das alterações climáticas na literatura; 3) panorama histórico da literatura da Irlanda e 4) contextualização da obra de Denton em análise. Nesta última parte, arremato com a observação de que o romance não propõe alternativa para solucionar os problemas do Antropoceno, mas alerta para o colapso que estamos na iminência de vivenciar

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This paper analyzes the short story "2035", by Veronica Stigger, focusing in its construction over a boundary zone between the history of the Ragamuffin War and the constructed imaginary about this conflict inside South Brazil literary system. At first, studies of how the Ragamuffin War was represented in the history of literature are reviewed. Then, some pieces of news are analyzed for the purpose of understanding how the literary imaginary impacts contemporary thought in crystallizing a Ragamuffin War's romantic interpretation. Finally, "2035" is explored specifically in how this story dialogues with the history of South Brazil literature and with the contemporary popular discursiveness, rearranging the Ragamuffin War's romantic symbolism to express another side of the same myth. The results show how Stigger creates a "reverse imaginary" to Ragamuffin War, through a dystopian filter directed to what would be its bicentenary; the traditional ode to the Ragamuffin War's alleged republican values of liberty and equality is subverted in a representation of the elitist interests of those who idealized this revolution, of the not so triumphant side of this combat, of all the blood shed during this period and of the mysticism that involves the evoking of the Ragamuffin's past. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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