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International audience; Partant de l’exemple des Damateres rhodiennes, attestées par l’épigraphie (voir notamment à Lindos Blinkenberg, Lindos II, n° 183, c. 200-170 av. n. ère et à Camiros Blinkenberg, Lindos II, n° 671 = LSS 95 = CGRN 149, c. 50 av. n. è. – 50 de. n. è.), que des traditions historiographiques ont cru reconnaître dans des statuettes présentant une paire de divinités féminines dupliquées voire représentées dans une forme de gémellité siamoise, composées d’un corps dont sortent deux têtes identiques, cette intervention se propose de présenter plusieurs exemples de désignations collectives, duelles ou plurielles, de Déméter – la désignant avec sa fille Koré, avec, peut-être, sa fille Despoina en Arcadie, avec d’autres divinités – voire impliquant une pluralité de Déméters. Ces Déméters au duel (les τὼ θεώ d’Éleusis) ou au pluriel (au sein de la désignation des Thesmophoroi, des Megalai Theai, parfois des Despoinai – titre collectif qui peut aussi désigner d’autres paires ou collectivités de divinités…). À travers ce riche dossier, dont l’exemple rhodien servira de fil directeur, nous explorerons les enjeux des relations dans lesquelles s’insère Déméter au sein du polythéisme grec, en dialogue quand c’est possible avec l’iconographie, et que nous confronterons à d’autres exemples de paires divines.

L’univers romanesque de Francis Carco s’est rapidement figé dans le regard du public : lieux électifs de la pègre et personnages, types représentatifs d’une population interlope constituent cette œuvre en littérature de genre. Mais, sans être théoricien, Carco a su utiliser la fiction romanesque afin de proposer une réflexion en creux sur l’usage qu’il fait de ces clichés et le rapport que le public a pu lier avec une production trop vite perçue comme commerciale., Francis Carco’s novelistic universe quickly developed a reputation with the public: the favored underworld haunts and characters who exemplify the denizens of a shady underbelly mark his work as genre fiction. Though not a theorist, Carco figured out how to use novelistic fiction to indirectly reflect on how he used these clichés and the relationship that the public could imagine with an output all too hastily seen as commercial.

Proust, lecteur de Dostoïevski et de Stevenson, a conçu les personnages de la Recherche comme des êtres doubles, tels Charlus et Saint-Loup, dont le caractère d’invertis, comme l’appartenance à une lignée ancestrale, produisent une personnalité clivée faisant écho aux discours médicaux de l’époque et fondent le principe d’une structure romanesque en deux temps, apparences puis révélations. Ainsi se trouvent liées les dimensions romanesque, herméneutique et philosophique de la Recherche., Proust, a reader of Dostoyevsky and Stevenson, created the characters in À la recherche du temps perdu as double beings, such as Charlus and Saint-Loup, whose inverted character, like their membership in an ancestral lineage, produces a cleaved personality echoing the medical discourses of the time and creates the principle of a novelistic structure in two stages, appearances then revelations. Thus, the novelistic, hermeneutic, and philosophical dimensions of Recherche are linked.

Cet article revient sur le couple incontournable constitué d’un moment (la fin) et d’un propos (la moralité), pour examiner en diachronie la pratique balzacienne du dénouement à partir de quatre Études de mœurs. Responsable du sentiment de noirceur et du pessimisme souvent associés au deuxième temps de La Comédie humaine, la logique de la fin dédoublée est une façon pour Balzac de représenter le scandale moral que perpétue et qui fonde la société révolutionnée., This article revisits the inescapable combination of a moment (the ending) and an aim (morality) in order to examine diachronically Balzac’s practice of the dénouement based on four Études de mœurs. Responsible for the feeling of darkness and pessimism often associated with the second part of La Comédie humaine, the logic of the split ending is a way for Balzac to represent the moral scandal that revolutionary society is based upon and which it perpetuates.

Submitted by Bruno Castro De Oliveira (brunocoliveira2@gmail.com) on 2022-03-20T22:09:13Z No. of bitstreams: 1 A gênese da noção de eu dividido em textos de Marcel Proust.pdf: 1090839 bytes, checksum: 7e2aa6ae0e7c7de2f8d1b3979f402278 (MD5) Rejected by Maria Luiza Carpi Semeghini (luiza@assis.unesp.br), reason: Bruno, realize as seguintes alterações: O Ano na capa, folha de rosto e ficha catalográfica é o ano de depósito (entrega do exemplar final), que no seu caso será 2022. Atenciosamente, Equipe do Repositório Unesp on 2022-03-22T13:49:16Z (GMT) Submitted by Bruno Castro De Oliveira (brunocoliveira2@gmail.com) on 2022-03-22T20:52:46Z No. of bitstreams: 1 A gênese da noção de eu dividido em textos de Marcel Proust.pdf: 1816765 bytes, checksum: 2822e41915708bde3728313cb494727d (MD5) Approved for entry into archive by Maria Luiza Carpi Semeghini (luiza@assis.unesp.br) on 2022-03-24T18:52:48Z (GMT) No. of bitstreams: 1 oliveira_bc_me_assis.pdf: 1816765 bytes, checksum: 2822e41915708bde3728313cb494727d (MD5) Made available in DSpace on 2022-03-24T18:52:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 oliveira_bc_me_assis.pdf: 1816765 bytes, checksum: 2822e41915708bde3728313cb494727d (MD5) Previous issue date: 2021-09-03 Ce travail a pour but d’analyser comment la notion de « moi divisé » est formellement élaborée dans À la recherche du temps perdu, de Marcel Proust. On part de deux hypothèses : (i) la littérature établit un lien avec la philosophie prédominante de son temps, comme l’auteur l’a lui-même affirmé au journal Le temps et (ii) ce lien est, outre le thème, formel. Le concept de “moi divisé” (employé par la plupart des travaux de psychologie expérimentale publiés entre les années 1870 et 1900) fait remonter à l’origine de la scission du “moi” en problèmes psychologiques. Cependant, le concept n’indiquait que la fin de l’unité du « moi », surtout par la façon dont il était présenté à l’époque. Celui-là désavouant la domination de l’être sur sa conscience, se dédoublait dans un autre inconnu. Proust accorde un autre traitement à cette idée. Son assimilation au sein de l’écriture a pour effet un agencement du plan de l’expression, qui a des caractéristiques de style liées à cette notion, perçues dans le récit à partir de la description des personnages et des digressions du narrateur. Pour étudier comment se produit le passage du thème à la forme, on utilise les instruments théorico-méthodologiques de la critique littéraire proustienne, notamment les études de Philippe Willemart, Edward Bizub, Jean-Yves Tadié, Gérard Genette et Roland Barthes. O objetivo desta pesquisa é analisar como a noção de “eu dividido” é elaborada formalmente em À la recherche du temps perdu, de Marcel Proust. Partimos de duas hipóteses: que (i) a literatura estabelece relação com a filosofia predominante em seu tempo, como o próprio autor afirmou ao jornal Le temps, e que (ii) essa ligação é, além de temática, formal. O conceito de “eu dividido” (empregado pela maioria dos trabalhos de psicologia experimental publicados entre os anos de 1870 e 1900) localiza a origem da cisão do “eu” em problemas de ordem psicológica. No entanto, o conceito indicava apenas o fim da unidade do “eu”, sobretudo devido ao modo como se apresentava na época. Este último, desdobrando-se em outro desconhecido, desautorizava o domínio do ser sobre sua consciência. Proust confere outro tratamento a essa ideia. Sua assimilação no seio da escritura tem como efeito um arranjo do plano da expressão, que passa a ter características de estilo relacionáveis a essa noção, percebidas na narrativa a partir da descrição de personagens e das digressões do narrador. Para investigar como ocorre a passagem do tema à forma, utilizaremos o instrumental teórico-metodológico da crítica literária proustiana, sobretudo os estudos de Philippe Willemart, Edward Bizub, Jean-Yves Tadié, Gérard Genette e Roland Barthes.

En 1987, Gainsbourg commettait un album concept, publié sous le titre séditieux You’re Under Arrest (« Vous êtes en état d’Arrestation »). Illuminé par l’énergie créatrice salvatrice de la funk music, elle-même boostée aux rythmes électriques venus d’outre-Atlantique, flanqués de percutantes guitares Stratocaster aux sonorités métalliques, slalomant et crépitant en s’adonnant aux vertiges du slap, ce disque fit apparaître une autre facette du compositeur, une mue de plus pour le musicien camé...

En 1856, Baudelaire traduisait ces mots de Poe : « La mort d'une belle femme est incontestablement le plus poétique sujet du monde ». Ce travail de mémoire cherche à problématiser la manière dont la littérature francophone fin de siècle – représentée ici par les œuvres Monsieur Vénus, L'Ève future et Bruges-la-Morte – a fait sienne cette assertion de Poe, qui avance l'efficacité narrative, « poétique », du sacrifice des personnages féminins, tout en l'articulant au mythe antique de Pygmalion devenu, par l'essentialisation de la relation hiérarchique de pouvoir, et la réduction des rôles des personnages à leurs plus simples traits, volontairement atemporel et universalisant – tout en restant genré. Du mythe de Pygmalion, on ne retient souvent que le sculpteur et sa statue. Or, si la statue apparaît en relief dans le récit, comme idéal féminin, unique modèle d'amour fidèle et de pudicité, c'est bien grâce au contraste que lui offre la figure des Propétides, contre-modèle aux nombreux visages, à la féminité inquiétante et à la sexualité débordante. C'est à partir de cette tension d'une féminité vue comme double, binaire, depuis un point de vue masculin, entre cette féminité idéale et son contraire qu'elle nécessite pour exister et être mise en valeur, que le présent travail élabore ses réflexions, puisant à même les variations décadentes du mythe de Pygmalion qui, dans toute l'étendue de son paradoxe, mène tragiquement à la mort de ses personnages féminins secondaires – à leur sacrifice narratif.

La recherche en « art et sciences de l’art » que nous avons menée pour notre doctorat a comme point de départ le projet artistique de la Mosaïque. Celle-ci regroupe des avatars qui sont générés de manière stratégique et critique pour investir le milieu de l’art. Ce projet a vu le jour au début des années deux mille pour répondre, avec une certaine distance, à des attentes institutionnelles dans le cadre de notre bachelor en arts visuels pour ensuite être développé dans un contexte professionnel. Cette démarche réflexive nous a permis d’accumuler des expériences et des informations sur le fonctionnement sociologique, économique et politique des mondes de l’art. Pour cette thèse, nous avons explicité cette méthode de dédoublement, mais nous l’avons aussi utilisée comme méthode méta-réflexive pour proposer une posture d’artiste[ ]chercheur. Ainsi, dans un cadre institutionnel aux sensibilités académiques parfois divergentes entre l’Université et les Beaux-Arts, nous avons tenté de dépasser un certain nombre de clivages (théorie/pratique, artistique/esthétique, subjectif/objectif, etc.) propres à notre discipline que sont les arts visuels. Pour nous approcher de ce but, nous avons formalisé et conceptualisé le rendu de notre projet artistique à travers la rédaction d’un « essai augmenté » (par des hyperliens) dans les pages qui vont suivre et un diagramme interactif (une topographie conceptuelle de la Mosaïque) consultable sur un site Web (www.mosaique.li). Nous avons envisagé, dans une approche pragmatique, la diversité de ces niveaux d’investigation comme un écosystème s’inscrivant dans une « écologie esthétique ». Autrement dit, en étant paradoxalement acteur, chercheur et spectateur dans notre propre domaine, nous avons effectué, sous ce triple statut, une recherche (sur un projet artistique) et une méta-recherche (sur la méthodologie et l’épistémologie de cettedite recherche). Par conséquent, nous n’avons pas souhaité aboutir à une « vérité » scientifique à partir d’une hypothèse à valider, mais plutôt à étudier en quoi un projet en art peut être une source de savoirs éclairés par l’analyse d’une pratique artistique avec l’apport des sciences sociales, humaines et naturelles. En partant du fait que l’art est destiné à un public, la dernière partie de cette recherche est consacrée à sa propre réception par un spectateur-lecteur. Nous nous sommes interrogés sur les régimes cognitifs qui permettent de solliciter l’attention, mais aussi sur la manière dont nous la prêtons dans un environnement médiatisé par une interface numérique. Il s’agissait ici de réfléchir à la réception d’une recherche produisant des objets d’informations singuliers ayant une dimension esthétique et prenant forme dans l’hybridation du tangible et du numérique., Doctorat en Art et Sciences de l'Art, info:eu-repo/semantics/nonPublished

Colloque International " Poétique des lieux : Villes et paysages", Université Nationale et Capodistrienne d'Athènes, Faculté des Lettres, Université de Picardie Jules Verne (CERCLL), Institut Français d'Athènes, 13 et 14 octobre 2016, Athènes. Directeur scientifique : Bernard Alavoine.; International audience; Cet article est dédié à la dimension topologique du roman de Vassilis Alexakis : La Clarinette (2015). La poétique de l’espace du récit a la priorité sur les péripéties romanesques. Nous estimons en effet que La Clarinette peut être perçu comme un roman «plié», et nous analysons en conséquence les figures de la symétrie et du dédoublement contenues dans le texte. Ce roman serait ainsi représentatif du récit moderne qui s’incarne en une sorte d’espace réversible aux limites problématiques.

The great affairs of demonic possession of the XVIth and XVIIth centuries brought to a wide audience the voice of the devil. Jeanne Fery's text proposed a version at least eccentric of this " diabolical enthusiasm ": the possession passes through the incorporation of the pacts she signed with the devil – a model linked to Catholic theophagy – and her liberation by signing a new pact, but this time with Marie-Madeleine. "Enthusiasm" is therefore reversible – the saint taking the place of the devil – and takes the surprising form of a written contract., Les grandes affaires de possession démoniaque des XVIe et XVIIe siècles firent entendre à un vaste public la voix du diable, le texte de Jeanne Fery proposant une version pour le moins originale de cet « enthousiasme diabolique » : la possession passe en effet par l’incorporation des pactes qu’elle a signés avec le diable – modèle lié à la théophagie catholique – et sa libération par la signature d’un nouveau pacte, mais cette fois-ci avec Marie-Madeleine. L’« enthousiasme » est donc à la fois réversible, la sainte se substituant au diable, et prend la forme, surprenante, d’un contrat écrit.

Dans Störungen (2011), le compositeur français David Hudry explore un nouveau genre de mixité instrumentale en réunissant deux instrumentistes baroques et six instrumentistes modernes. Composée dans le cadre de la huitième édition de l’Ensemble Academy Freiburg organisée conjointement par l’ensemble recherche et le Freiburger Barockorchester, cette oeuvre explore l’idée de dysfonctionnement et de dédoublement en confrontant deux types d’instrumentarium, l’un baroque accordé à 415 Hz et l’autre moderne accordé à 440 Hz. Cet article, qui s’articule autour d’un long entretien que le compositeur nous a accordé au début de l’année 2018, revient sur la genèse de l’oeuvre et souligne les enjeux et défis compositionnels propres à ce type d’effectif instrumental., In Störungen (2011), the French composer David Hudry explores a new kind of instrumental mixing by bringing together two musicians on Baroque instruments and six on modern ones. Composed for the eighth edition of the Ensemble Academy Freiburg co-organized by the ensemble recherche and the Freiburger Barockorchester, this work explores the idea of dysfunctionality and duality through a confrontation between two types of ensemble: the Baroque one tuned to 415 Hz and the modern one tuned to 440 Hz. This article, which stems from a long interview with the composer conducted in 2018, traces the genesis of this work and underlines the compositional outcomes and challenges specific to this type of instrumental ensemble.

International audience

Resumen La obra cuentística del escritor cartagenero Germán Espinosa se desarrolla desde la perspectiva de la Literatura Fantástica y aborda, de manera privilegiada, la estructura del doble. Así, el análisis que propone este texto considera dos problemas particulares: el primero, la determinación de las características del doble literario y el segundo, la forma en que los cuentos de Germán Espinosa plantean esta estructura como eje de articulación de buena parte de sus relatos. Para ello, se presentarán cuatro perspectivas por las cuales el doble o doppelgänger ha transitado en la tradición crítica. Se ha pasado de los estudios vinculados al psicoanálisis con la obra de Otto Rank (1914); a la mitocrítica con los estudios de Juan Bargelló (1994) y Antonio Ballesteros (1998); así como perspectivas estructurales como la de Lubomír Doležel (1995); para luego, pasar a miradas del doble orientadas hacia el concepto de la ilusión (Clément Rosset, 1993). Finalmente, se retomará una muestra representativa de cuentos de distintos libros de Germán Espinosa, a fin de acercarlos a las propuestas, encuentros y distancias interpretativas del doble literario. Abstract The short stories of the writer from Cartagena, Germán Espinosa, are developed under the perspective of Fantastic Literature, which enable a privileged treatment of the structure of 'the double'. Thus, the analysis proposed in this text considers two particular problems: the first, concerning the determination of the characteristics of the literary double, and the second dealing with the way in which this structure operates as an axis of articulation for most of Germán Espinosa's narrative work. Due to this, we will introduce four perspectives through which the double or Doppelgänger has been developed in the literary criticism; ranging from Otto Rank's psychoanalytical studies (1914), to the mythological criticism of Juan Bargelló (1994) and Antonio Ballesteros (1998), from structural perspectives such as that of Lubomír Doležel's (1995), to a vision of the literary double that considers the concept of illusion (Clément Rosset, 1993). In conclusion, we will analyze a representative sample of Espinosa's stories in order to examine their interpretative proximities and distances with respect to these theories of literary doubling. Résumé Les nouvelles fantastiques de Germán Espinosa, écrivain né à Cartagena, sont construites à partir de la figure du double. Cet article se concentre sur deux problématiques : d'abord, les caractéristiques de la figure du double dans la littérature et, ensuite, on se demande dans quelle mesure les nouvelles de Germán Espinosa proposent cette structure comme axe qui les articule. Ainsi, nous proposerons quatre perspectives du double ou doppelgänger dans la tradition critique: celle de la psychanalyse dans l'œuvre d'Otto Rank (1914), la mythocritique de Juan Bargelló (1994) et Antonio Ballesteros (1998), la perspective structurale de Lubomír Doležel (1995) et celle qui s'oriente vers le concept d'illusion (Clément Rosset, 1993). Finalement, on donnera des exemples de nouvelles de divers livres de Germán Espinosa, afin de les rapprocher ou de les distancier des interprétations de la figure du double dans la littérature.

L’expérience du voyage en train produit chez le passager entre XIXe et XX siècle un effet de surprise qui se traduit dans certains cas en une véritable inquiétude permanente qui se déroule dans tous les lieux du voyage (la gare, le compartiment) et qui prend des formes plus dramatiques là où le voyageur n’arrive pas à maitriser le paysage qui défile et disparaît trop vite en face de lui. La transformation du monde trop vite déformé par la vitesse du train, les moments de passage à la gare, hantés par le stress et l’insécurité projettent le voyageur dans une condition de fragilité se tournant vers le dédoublement de soi, la folie et de grandes difficultés à trouver de liens avec le monde extérieur. C’est là qu’entre la fin du XIX et le début du XXe siècle, le chemin de fer devient le lieu du meurtre, de l’incertitude, dans la perspective d’un futur trébuchant, jusqu’à l’orée de la Première Guerre Mondiale. Experience of railways journey produce effects of surprise and of worries in traveller’s mind between XIXth and XXth centuries. This phenomena’s takes place in all the sites of journey (railway station and compartment) and has dramatic issues when traveller doesn’t know how to control his feeling towards images in front of him that disappear continuously carried away by speed. Fast moments spent in railways stations world’s transformation by speed of railways put the travellers in a situation of stress, weakness turning towards self-dissociation, madness and difficulty to build up relationships with other people. Between XIXth and XXth century railways becomes the place of incertitude, violence, murder and lower perspective for the future, until the beginning of the First World War.

À travers un paysage culturel populaire où les scènes d’action entraînent le spectateur dans la conscience de sa petitesse d’âme, nous suivons dans Kill Bill (vol. 2) le personnage de La Mariée (Uma Thurman), de son passé avec Bill (David Carradine) à son retour à la vie. En deux mots, Kill Bill amène une double conscience du dédoublement : à l’écran (celui des personnages) et en dehors (celui des spectateurs). Autour de cette représentation du dédoublement, nous voudrions étudier le thème de la grandeur d’âme face à son antithèse : la désagrégation du moi. Nous recourrons à la technique de l’intelligence pour relier de grands auteurs parmi les modernes comme Yeats, Eliot, Perse, Pirandello et avant eux Poe et Burton dans la continuité des Humanités occidentales. En particulier Poe et Burton, décisivement influencés par le soufisme, nous fournissent un lien entre expression de l’âme en Occident et spiritualité d’Orient.

Le film Sisters de Brian de Palma aborde d’abord la thématique du double et du dédoublement à travers la figure des sœurs siamoises, figure qui appartient au registre du monstrueux. Il s’agit de deux sœurs qui sont de vraies jumelles : apparemment, nous avons affaire à deux fois la même personne, les deux sœurs sont le double l’une de l’autre, mais en réalité, deux identités émergentes. En plus d’être jumelles, elles sont siamoises : ce sont deux corps inséparés qui communiquent. Ce qu’il y a de monstrueux chez elles, c’est qu’elles résultent d’un processus de dédoublement qui est demeuré inachevé. La reprise d’Hitchcock par De Palma se fait sur le mode de la démultiplication, mais elle s’opère aussi sur le mode de la littéralisation : la multiplication des images à travers les fenêtres de (RW ) est ainsi reprise par De Palma sous la forme du split screen, moment d’agilité technique qui deviendra la « marque » du réalisateur.

Du transhumanisme, on retiendra surtout la particule « trans- », pour reconnaître avec Dante une forme par excellence du désir. Cette étude montre qu’en prenant sans retour le parti du « trans- », l’Occident s’expose à des dérèglements que les Anciens auraient considérés comme autant de superstitions. On trouvera chez Vico une forme d’équilibre qui, à toute progression dans le futur, associe un attachement archaïque proportionnel., “Tranhumanism in reverse. From Teilhard to Dante”. When analyzing transhumanism, one should underline above all the prefix “trans”, understood following Dante as one of the highest forms of desire. This article shows that with this “trans” Western society opens itself up to various disorders that the Ancients would have regarded as “superstitions”. We shall thus look to Vico in search of a form of balance: all form of progress have to be offset by a proportional archaic sympathy.

Dionisio Ridruejo, una pasión española, a play written in 1982 by Ignacio Amestoy, dramatizes the historic and political figure of Dionisio Ridruejo using the device of identity splitting on Colonel Arenas's character. This dramatic process enables the emergence of a need, in Colonel Arenas, for resistance to Francoism in a tragic way. Between the last revivals of Falange violence and fits of critiques, Colonel Arenas identifies Ridruejo as his double. The study of the splitting device highlights the significance of the way that leads to resistance, a truly tragic path and an ideological way of the cross. The use of documentary theatre gives the hero's speeches a leading place and allows condensing Ridruejo's ideological path. Beyond the dramatization of Ridruejo's figure, Amestoy represents the collective tragedy of the Civil war and Francoism by questioning the attribution of unchanging ideological labels so as to characterize individual and collective paths over the period. Dionisio Ridruejo, una pasión española was only performed in 2014, that is to say more than thirty years after it was written : the recent performance of the play at the Dramatic National Center (Madrid) could be interpreted as an artistic commitment from the author and the director in order to start reflecting on Spain's recent History for the audience., Dionisio Ridruejo, una pasión española, pièce de théâtre écrite en 1982 par Ignacio Amestoy, théâtralise la figure historique et politique de Dionisio Ridruejo grâce au dédoublement identitaire du personnage du Colonel Arenas. Ce processus dramatique permet de faire affleurer de façon tragique la nécessité de la résistance au franquisme chez le Colonel Arenas. Entre derniers regains de violence phalangiste et sursauts critiques, le Colonel Arenas reconnaît en Ridruejo son double. L'étude du mécanisme du dédoublement permet de mettre en lumière l'importance du cheminement qui mène à la résistance, véritable itinéraire tragique et chemin de croix idéologique. Le recours au théâtre documentaire donne au discours du héros une place prépondérante et permet de condenser l'itinéraire idéologique de Ridruejo. Au-delà de la théâtralisation de la figure de Ridruejo, Amestoy représente la tragédie collective de la Guerre civile et du franquisme en questionnant l'attribution d'étiquettes idéologiques immuables pour caractériser les parcours vitaux individuels et collectifs durant cette période. Dionisio Ridruejo, una pasión española n'a été représentée qu'en 2014, soit plus de trente ans après son écriture : le récent montage de la pièce au Centre Dramatique National (Madrid) pourrait être interprété comme un engagement artistique de l'auteur et du metteur en scène afin de constituer le point de départ d'une réflexion sur l'Histoire récente de l'Espagne.

Le projet « Devenez Avatar » concerne l’immersion avatariale abordée à travers une approche expérimentale transdisciplinaire. Son objectif, à la croisée de la création en images et technologies interactives, des sciences de l’information et de la communication, de la réalité virtuelle et de la neurophysiologie est de créer un dispositif expérimental permettant des mesures physiologiques pour étayer l’hypothèse d’un état de dédoublement. Une présence à la fois ici, devant l’écran et là-bas dans son au-delà, ce dont témoignent les vidéo-joueurs et des études empiriques des game studies. Ce type d’état entre en résonance en neurophysiologie, avec la « sortie du corps », les « Out of Body Experiences » artificielles, sensations provoquées à l’aide d’appareillages de réalité virtuelle sur des sujets sains.

A partir de la cure d'un patient adulte et de la lecture du Journal d'une analyse (1909), (seules notes de séance de la cure d'une névrose obsessionnelle, laissées par Freud), il s'agit d'éclairer la nature des résistances et la tension conflictuelle entre les différentes facettes du moi, entravant le processus analytique et menant Freud à donner au transfert la place que l'on sait. C'est le terme même de contrainte qui est ici analysé au regard des notions de dédoublement et de conflit.