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José Luis Fernández del Amo formó parte de una generación de arquitectos singulares, que asumieron la responsabilidad de reconectar la arquitectura española con la modernidad. Desde su conocimiento sistemático del arte contemporáneo intuyó una inevitable modernidad crítica: interiorizados los principios elementales de la depuración compositiva, la plástica contemporánea o la racionalidad funcional, se mantuvo ajeno a los dogmas tecnológicos, en especial si los métodos vernáculos le permitían proponer una obra más colectiva, anónima e integrada en su medio social. A la búsqueda de esta identidad comunitaria, su sensibilidad lo llevó a desarrollar un certero análisis del universo rural ibérico, una etnografía operativa paralela a la antropología cultural. En definitiva, conseguir aquel mítico for us, by us de los círculos de Otterlo. En Vegaviana, este destilado de tradición, modernidad y crisis cristaliza en un pueblo moderno, pero rico en ritmos campestres, en espacios para el pausado trabajo colectivo, para la conversación calma. Su trazado racional, técnicamente excesivo frente al módulo-carro, también es capaz de resolver claves de un futuro imaginario urbano: al margen de la tradición rural, los edificios públicos se definen como hitos en torno a un núcleo nodal, la escena perfila los límites y cada cuadrante se reconoce en una diversidad sutil. No es Vegaviana espacio para la reflexión urbana, pero sí una propuesta válida frente a la anomia del suburbio, ya predecible en la seriación de pueblos y barrios de aquella posguerra española. Más allá de la superación del movimiento moderno, Vegaviana incorpora una sensibilidad hacia el lugar, que predice los criterios paisajísticos contemporáneos: enraizado en la misma tierra de sus encinas, de las especies autóctonas hoy aniquiladas, pionero del suburbanismo como arte de la memoria, pero también como espacio subordinado a los ritmos naturales, a los esplendores y miserias de una tierra que, sin las sucesivas invasion

Los poblados dirigidos surgen como solución a un incremento desmedido de la población en la capital española, se crean con un desarrollo innovador y con técnicas hasta el momento inexploradas. Caño Roto se convierte en el más ejemplificado de los siete construidos por su morfología urbana y tipologías edificatorias. Este trabajo se centra en el análisis de su paisaje urbano, así como en la comprensión de su evolución cronológica. Para ello, se pone en cuestión el programa desarrollado, analizando la calidad del espacio y las distintas estrategias que se llevan a cabo. Por un lado, se trata de soluciones con cierta vigencia en la actualidad lo que posibilita sacar características que comparar. Se investiga cómo el pasado influye en la realidad y que queda del planteamiento inicial. El cambio social provoca un desarrollo de la ciudad, además, el propósito original pierde sentido al encontrarse con esta evolución, se estudia la relación poblado-ciudad, permite diagnosticar sus fortalezas y debilidades. Se desarrolla, por otro lado, un análisis sobre la aplicación de conceptos teóricos a un marco práctico, así como su aplicación a un ámbito más social. Caño Roto permite varios ángulos para su investigación, permite su completo recorrido y percepción.

En el contexto de competencia presente en la sociedad de consumo actual, las marcas buscan acercarse cada vez más al cliente. Para conseguir este objetivo un punto clave es la ubicación de sus tiendas físicas, por lo que las compañías que quieren alcanzar un posicionamiento destacado en el mercado, deben elegir cuidadosamente dónde estar presentes, no sólo en términos de localización, sino también del edificio en el que se instalan. Y es que éstos no están elegidos al azar: se buscan construcciones singulares o con historia que permitan hacer de la marca un hito en la ciudad. En este trabajo se exponen varios ejemplos de esta dinámica en una misma marca, para ilustrar cómo un mismo edificio puede albergar usos diametralmente diferentes y la importancia que este hecho tiene para la imagen que se proyecta hacia los consumidores.

La arquitectura de primera mitad del siglo XX es, por razones históricas, difícil de catalogar en la narrativa habitual de las épocas arquitectónicas definidas. Varios grupos, entre ellos la Generación del 25 en Madrid y el GATEPAC/GACTPAC en Barcelona, comienzan a buscar nuevas formas y a romper con los lenguajes más historicistas. También es una de las épocas en las que la relación entre arquitectura y poder se presenta más clara. Las revistas de la época, en especial Arquitectura y A.C. no desvelan esta relación en sus textos, pero sí en su selección editorial de proyectos, exposiciones y columnas de opinión. Después de la dictadura franquista, comienza el análisis directo de la proyección ideológica en la arquitectura, y si bien entre 1975 y 1980 este debate se centra particularmente en la arquitectura de la autarquía, tras estas fechas, el debate decae y sólo aparecen piezas formales ocasionales; casi siempre pasando por encima de las primeras obras de la reconstrucción española. Los edificios que se analizan forman una línea temporal, en la que se conservan ciertos elementos, tradicionales de la arquitectura española, pero traducidos a multitud de lenguajes; el factor principal que separa a estas obras no es el propio lenguaje, si bien este varía bastante, sino su simbología: donde obras como Nuevos Ministerios o el pabellón español de 1937 utilizan formas arquitectónicas por su valor propio, el Ministerio del Aire las emplea como referencia a otras estructuras de poder anteriores y, con ellas, al periodo del que surgen.

El templo cristiano ha ido evolucionando a lo largo del tiempo, desde su aparición en el 313 d.C. hasta la actualidad, adaptándose a los cambios asumidos por la Iglesia. Pero no ha sido hasta el s. XX tras la influencia del Movimiento Litúrgico y del Concilio Vaticano II, que las iglesias han podido desprenderse de las ataduras formales que impedían el desarrollo de templos más funcionales y acordes con su tiempo. El Movimiento Litúrgico y, posteriormente, el Concilio Vaticano II han sido los grandes propulsores de la nueva arquitectura sacra, que, completamente libre y funcional, ha sabido adaptar la arquitectura moderna y las innovaciones estructurales y estilísticas a las nuevas necesidades, no solo de la liturgia, sino de los fieles yo sacerdotes que intervienen en ella. En España, que, durante el posconcilio, todavía se encontraba inmersa en una dictadura, sorprende la cantidad de templos de carácter moderno que supieron adaptarse a las disposiciones del Concilio, y la gran integración que existió en esta tipología de templo, entre arte y arquitectura, existiendo una simbiosis entre arquitectos y artistas. En este trabajo se estudiarán seis parroquias posconciliares madrileñas. Serán analizadas en tres aspectos; su distribución espacial, los flujos de personas en su interior y la incidencia de la luz natural en estos espacios, siendo esta última, uno de los cambios mas característicos que se ad optaron en el posconcilio.

En el presente trabajo se realiza un estudio pormenorizado de las Torres de Colón, no solo del proyecto original de Antonio Lamela, también de la reforma de 1990 a manos de Carlos Lamela y de la actual ampliación de Luis Vidal. El estudio se articula en varios capítulos que se ordenan con el fin de dar un hilo coherente a la investigación. En primer lugar, se estudia la evolución histórica de la obra, abriendo paso a los siguientes capítulos de análisis formal, estructura y construcción, que se apoyan en documentos gráficos de elaboración propia que facilitan el entendimiento de diferentes conceptos, estructurales, constructivos, formales. Por último se estudia el impacto urbano, mediático y cultural de las torres en la sociedad. En la introducción se plantean los objetivos propuestos y la metodología de trabajo. En las conclusiones se apunta la importancia del novedoso sistema estructural y constructivo de las torres, al tratarse de una arquitectura suspendida. En resumen, un edificio que es, ha sido, y continuará siendo, un hito para la ciudad.

Este artículo aborda cualitativamente el alcance e idiosincrasia de la producción arquitectónica llevada a cabo por arquitectas madrileñas entre los años de la Transición española y la crisis económica de 2008. Dicha producción presenta caracteres propios en, al menos, tres cuestiones: funcional, material y formal. Como reza el título, la investigación se centra en la ciudad de Madrid y en la arquitectura residencial, no siendo un estudio cuantitativo, aunque se apoya en datos numéricos, sino una serie de constataciones que permiten extraer conclusiones críticas en torno a los efectos, observables en las viviendas madrileñas, debidos a la incorporación profesional de las arquitectas. A través de estas reflexiones se ha incidido en dos aspectos relacionados con la domesticidad: uno, los tipos residenciales, su composición espacial y su programa funcional; y, dos, los espacios comunitarios de carácter vecinal, como articuladores de la relación entre el ámbito privado y el público. Desde esta perspectiva de género, se aprecia cómo la incorporación de la mujer a la profesión de la arquitectura supuso, entre los inicios de la década de 1980 y el final de la década de 1990, un incremento significativo de soluciones para mejorar la vida, individual y colectiva, de las personas que habitamos el espacio doméstico., The paper addresses the qualitative scope and character of women designed architecture in Madrid area, from the beginning of Spanish democracy Transition to the economic crisis of 2008. This architecture presents its own nature in, at least, three aspects: functionality, materiality, and shape. As it is called in the title, the research has focused on Madrid and its housing design, being not a qualitative study –even though is supported by data–, but a few findings that leads to critical conclusions about the effects of women professional incorporation to Madrid housing architecture. Through these reflections has been abstracted two main questions, related to domesticity: on the one hand, housing typologies, its spatial composition and functional program. On the other hand, condominium in-between spaces, that joint the public realm to the private sphere. From this gender perspective, the paper shows how in less than 20 years, from the beginning of the 80’s to the endings of the 90’s, the activity of women architects meant a significant increasing of solutions oriented to improve everyday life, individual and collectively, of the people who inhabit the domestic realm., Este artigo aborda qualitativamente o alcance e as idiossincrasias da produção arquitetônica realizada por arquitetas madrilenas entre os anos da Transição Espanhola e a crise econômica de 2008. Tal produção apresenta as suas próprias características em pelo menos três aspectos: funcional, material e formal. Como indica o título, a investigação centra-se na cidade de Madrid e na arquitetura residencial, não sendo um estudo quantitativo, embora apoiado em dados numéricos, mas sim uma série de constatações que permitem extrair conclusões críticas sobre os efeitos, observáveis no parque habitacional de Madrid, devidos à incorporação profissional de mulheres arquitetas. Por meio dessas reflexões, chegou-se a dois aspectos relacionados com a domesticidade: um, os tipos residenciais, a sua composição espacial e programa funcional; e, dois, os espaços comunitários de vizinhança, como articuladores da relação entre as esferas privada e pública. Nessa perspectiva de gênero, pode-se apreciar como a incorporação das mulheres na profissão de arquitetura significou, entre o início dos anos 80 e o final dos anos 90, um aumento significativo das soluções para melhorar a vida individual e coletiva das pessoas que habitam o espaço doméstico.

Desde la domesticación del fuego hasta la actualidad, la cocina se ha transformado junto con la humanidad y son muchas las figuras que han influido en su evolución. Gran cantidad de mujeres como Catharine Beecher, Melusina Fay Peirce, Lillian Gilbreth, Christine Frederick o Margarete Schütte-Lihotzky, entre otras, contribuyeron de manera significativa al desarrollo de esta estancia, argumentando que quién mejor conoce el trabajo que allí se realiza son ellas. Es lógico pensar que nos encontramos muy distantes a esos tiempos y que la situación ahora es distinta. Sin embargo, las estadísticas demuestran el hecho de que siguen siendo las mujeres las que llevan la mayor carga doméstica en los hogares españoles a día de hoy. Es por ello que, al igual que tantas mujeres anteriormente mencionadas, podrían aportar un punto de vista diferente en la resolución técnica de un proyecto. El objetivo de este trabajo será comprobar si en la arquitectura residencial española reciente es relevante o no el papel de las mujeres arquitectas respecto a uno de los espacios claves del trabajo reproductivo: la cocina. Para esclarecer las posibles diferencias o similitudes en la manera de resolver un proyecto de cocina, se desarrollará un análisis comparativo de varios proyectos residenciales de tipología colectiva, proyectados entre el 2008 y el 2020 en España, algunos de ellos con participación de arquitectas en el equipo principal de diseño y otros no. Se analizarán factores relacionados con la distribución interior de la estancia y su relación con el resto de la vivienda (tales como relación de superficies, recorridos relevantes, iluminación y ventilación) para así poder ver las posibles coincidencias entre la calidad del diseño y la aportación femenina en el proyecto.

Mientras que en el aspecto sociológico existe un eterno debate sobre si la moda debe o no considerarse un arte, la realidad demuestra que desde la era posmoderna se ha ido adentrando en el ámbito de los museos de manera progresiva, hasta convertirse en uno de los temas expositivos contemporáneos de los últimos años. Lejos de querer entrar en ningún debate, que la moda haya conquistado el espacio museístico es un hecho, y necesita de su arquitectura para expresarse. La luz, los recorridos, las superficies, y los soportes son elementos que trabajan en conjunto para crear la escena donde las piezas textiles cobran protagonismo. Este trabajo es un estudio analítico desde una visión arquitectónica de los espacios expositivos de los museos de moda. Mediante cuatro casos de estudio, se analiza el espacio contenido al que hacen referencia las salas, dentro del elemento contenedor que es el edificio del museo. Todo ello con el fin de explorar de qué forma se exhibe la moda en el espacio museístico, y en consecuencia, descubrir si existen diferencias destacables con el resto de museos convencionales.

Louis Vuitton, fundada en el año 1854, es una de las marcas de moda más lujosas del mundo. Tiene su sede en París y a lo largo de los años se ha ido extendiendo por todos los continentes del planeta. Esta macroexpansión ha sido propiciada por unos ideales muy marcados, entre los que destaca la apariencia de sus tiendas: la marca ha recurrido a algunos de los arquitectos más renombrados del mundo para resolver su cara al público. Louis Vuitton sabe a quién y cómo llamar su atención. Es por tanto que este análisis se ha focalizado en el estudio tanto a escala urbana como a nivel de fachada de cinco proyectos de arquitectura que componen algunas de las 33 flagship stores de la firma francesa. El estudio se ha llevado a cabo mediante mecanismos compositivos como planos urbanos a diferentes escalas y análisis de sus envolventes, desde el despiece de las mismas, hasta su permeabilidad respecto a los espacios interiores. Con este Trabajo de Fin de Grado se pretende manifestar algunas de las claves de la marca para atraer a su público. Esto, entre otros factores, se consigue mediante la arquitectura, en un primer lugar a nivel urbano en cuanto a estrategia de localización de sus tiendas y por otro lado a escala humana gracias a la apariencia exterior de sus edificios, sus fachadas.

José Luis Fernández del Amo formó parte de una generación de arquitectos singulares, que asumieron la responsabilidad de reconectar la arquitectura española con la modernidad. Desde su conocimiento sistemático del arte contemporáneo intuyó una inevitable modernidad crítica: interiorizados los principios elementales de la depuración compositiva, la plástica contemporánea o la racionalidad funcional, se mantuvo ajeno a los dogmas tecnológicos, en especial si los métodos vernáculos le permitían proponer una obra más colectiva, anónima e integrada en su medio social. A la búsqueda de esta identidad comunitaria, su sensibilidad lo llevó a desarrollar un certero análisis del universo rural ibérico, una etnografía operativa paralela a la antropología cultural. En definitiva, conseguir aquel mítico for us, by us de los círculos de Otterlo. En Vegaviana, este destilado de tradición, modernidad y crisis cristaliza en un pueblo moderno, pero rico en ritmos campestres, en espacios para el pausado trabajo colectivo, para la conversación calma. Su trazado racional, técnicamente excesivo frente al módulo-carro, también es capaz de resolver claves de un futuro imaginario urbano: al margen de la tradición rural, los edificios públicos se definen como hitos en torno a un núcleo nodal, la escena perfila los límites y cada cuadrante se reconoce en una diversidad sutil. No es Vegaviana espacio para la reflexión urbana, pero sí una propuesta válida frente a la anomia del suburbio, ya predecible en la seriación de pueblos y barrios de aquella posguerra española. Más allá de la superación del movimiento moderno, Vegaviana incorpora una sensibilidad hacia el lugar, que predice los criterios paisajísticos contemporáneos: enraizado en la misma tierra de sus encinas, de las especies autóctonas hoy aniquiladas, pionero del suburbanismo como arte de la memoria, pero también como espacio subordinado a los ritmos naturales, a los esplendores y miserias de una tierra que, sin las sucesivas invasion

Cañada de Agra is a new village designed in 1962 by José Luis Fernández del Amo for the Spanish INC (National Institute for Colonization). This paper aims to elucidate the cultural context of this urban project, during the Franco Regime’s post-war period of isolation, the hinterland colonization challenge and the state of architectural development at that time. The discipline of “ruralism” can be traced throughout the 20th Century both for Spain and Europe, as a sort of planning policy primarily concerned with landscape, both natural and agricultural. Among the Spanish designers involved in this policy area, Fernández del Amo stands out for his extensive work in INC new settlements. In this examination of his career and in-depth analysis of Cañada de Agra, including schemes, diagrams and accompanying photo essay, the aim is to show the relevance of this project to the rural planning of the past century, in parallel with the work of other figures of the post-war Modern Movement. Moreover, as “ruralism” is now making a comeback to the contemporary scene, a re-reading of these events may be of value in considering our approach., Cañada de Agra es un pueblo ex novo proyectado en 1962 por José Luis Fernández del Amo para el Instituto Nacional de Colonización, INC. Este artículo trata de establecer el contexto cultural de su producción, tras el aislamiento de la España de posguerra, el reto colonizador y el desarrollo del resto de la arquitectura europea. A lo largo del pasado siglo, la disciplina del “ruralismo” se puede rastrear, tanto en España como en Europa, como un tipo de urbanismo especialmente atento al paisaje, natural y productivo. Entre los arquitectos españoles involucrados en esa tarea, Fernández del Amo destaca por su aportación al trazado de pueblos del INC. A través del estudio de su trayectoria y del análisis en profundidad de Cañada de Agra, incluidos esquemas y un reportaje fotográfico, se trata de mostrar la relevancia de este pueblo en el planeamiento rural del siglo XX, en paralelo con otras obras de los protagonistas del movimiento moderno en la posguerra. Es más, dada la vuelta del “ruralismo” al debate contemporáneo, la relectura de este ejemplo sigue siendo útil para la práctica profesional reflexiva.

Este trabajo busca profundizar acerca de la influencia del mobiliario a la hora de configurar un espacio arquitectónico. Partiendo de la base de que la arquitectura marca unos condicionantes iniciales, como las dimensiones o determinadas particiones en el espacio interior, se analiza hasta qué punto los muebles, son capaces de transformar la estancia con respecto a su definición previa. Con el fin de demostrar esta influencia del mobiliario a la hora de conformar un espacio, se lleva a cabo el análisis de cinco casos de estudio que se centran en habitaciones de hoteles contemporáneos, al ser normalmente espacios con unas características arquitectónicas poco notables que permiten al mueble tomar mayor protagonismo. Si bien no todos los casos escogidos siguen esta premisa, al destacar en algunos casos la arquitectura por encima del mobiliario o, incluso en algún caso, desdibujarse los límites entre mueble y arquitectura, dando lugar a duda sobre donde termina uno y comienza la otra. Las habitaciones de hotel tienen un catálogo de mobiliario reducido que, a pesar de las notables diferencias entre los casos de estudio seleccionados, nos permite hacer un análisis comparativo del que extraer conclusiones formales y reflexionar sobre la capacidad del contenido para transformar el continente.

¿Se pueden poner en relación los conceptos de arquitectura y moda a través de un único elemento que los una y permita la experimentación? La moda se presenta en espacios concretos a través de los fashion shows, los cuales han de estar adaptados a la colección y su personalidad. La arquitectura traspasa las barreras de la construcción tradicional y explora la configuración de espacios efímeros más experimentales y creados a partir de elementos concretos. La amplitud de campos que permite explorar la arquitectura permite la conexión de ambas disciplinas a través de la escenografía, ésta es explotada de una manera diferente por Bureau Betak, siendo el objeto de estudio de este trabajo y su característica manera de afrontar la arquitectura efímera. En este TFG se realiza un análisis desde el punto de vista arquitectónico de los espacios creados por Bureau Betak en el que se analizarán sus características compositivas y las distintas percepciones y perspectivas. Además, se introduce un aspecto de estudio extra de análisis, cómo la escenografía y el espacio de los fashion shows influyen en los modelos, tanto en la experiencia del recorrido como en la presión que pueden llegar a sentir durante el mismo.

La empresa Olivetti fue durante muchos años el paradigma de la innovación y el diseño italiano. Sus productos llegaron a ser verdaderos símbolos de la modernización de Italia y algunos han conseguido convertirse en auténticos iconos de la historia del diseño. Pero todo esto no habría sido posible sin las figuras de Camillo Olivetti y su hijo Adriano. Dos visionarios que supieron crear todo un universo cultural alrededor de la compañía a través de la colaboración con los mejores arquitectos, diseñadores, ilustradores y artistas de la Italia del momento. Estos consiguieron definir una identidad corporativa basada en la libertad de creación que trascendió a todos los aspectos de la empresa, desde los productos a la publicidad, pasando por el diseño de sus espacios de venta o sus fábricas. Dando lugar así al estilo Olivetti, caracterizado por la innovación, la belleza y la búsqueda de la excelencia. Este trabajo tratará de analizar los procesos que se llevaron a cabo para construir esta identidad y buscará demostrar cómo, a pesar de la gran variedad de personas que colaboraron con la compañía a lo largo del tiempo, se consiguió crear una imagen de unidad que subyacía en todos los ámbitos de la marca.

¿La moda se sirve de la arquitectura para ganar calidad de marca, o la arquitectura se sirve de la moda para ampliar su campo de trabajo y experimentar? La moda necesita un espacio para mostrar sus creaciones, y este debe estar confi gurado en base a la marca y su identidad. La arquitectura basa parte de su estudio en los espacios creados a partir de elementos, siendo por tanto también arquitectura el espacio que configuran estos. El amplio espectro de la visión analítica de la arquitectura permite que cooperen ambas disciplinas entre sí, sirviéndose, en consecuencia, el uno del otro. Un claro ejemplo de ello, y objeto de estudio de este trabajo es la marca Chanel y sus desfiles, con la peculiaridad de que todos ellos se realizan en el Grand Palais. Este TFG es un estudio analítico de los espacios de los desfiles de Chanel. Tratados desde una visión arquitectónica analizando sus características compositivas y perspectivas. Pero además, se introduce un concepto extra a analizar, cómo interactúa una arquitectura dentro de otra, una arquitectura efímera dentro de una permanente, el “contenido” y el “contenedor”, en el que el espacio del desfile es el contenido y el Grand Palais el contenedor.

La creación y desarrollo de herramientas y metodologías presenciales para la participación ciudadana está en auge. Favorece la interacción de los habitantes y el empoderamiento de las comunidades. Los proyectos que se enmarcan dentro de estos procesos plantean dos caminos paralelos, uno técnico, diseño y planificación y otro social o participativo, con actividades orientadas a la escucha, comunicación, aprendizaje e innovación. Este tipo de metodologías persigue entornos más democráticos, inclusivos y abiertos. Se puede aplicar a pequeña o gran escala para el diseño de espacios urbanos. En el trabajo se hará un repaso de las formas de activación de un espacio urbano y se estudiarán casos en los que se haya involucrado a los ciudadanos en el proceso de transformación del barrio. Primero se estudiará el contexto en el que se encuentra la arquitectura participativa hoy en día y los resultados positivos que se han demostrado en los últimos años. Se analizarán factores que influyen en las dos ramas de estos procesos por un lado los aspectos técnicos y de diseño. Por otro lado la metodología empleada para el proceso de gestión y programación de la intervención.

El objetivo de este trabajo es demostrar que las tiendas que Javier Carvajal realizó para la marca Loewe se crearon como lugares para la integración de artes. Para ello, el trabajo cuenta, por un lado, con una parte teórica de estudio y contextualización histórica y por otro, con una parte práctica donde se analizan cinco tiendas. El punto de partida es la historia de Loewe, donde se resumen los acontecimientos y personas más importantes que dejaron huella en la marca. El contexto histórico, tanto a nivel nacional como internacional, resulta imprescindible para comprender el trabajo. El discurso comienza y termina con la pieza clave del rompecabezas: Javier Carvajal. El corazón del trabajo es un exhaustivo estudio gráfico de cinco tiendas que Javier Carvajal realizó entre 1959 y 1964 para Loewe: Madrid, Sevilla, Valencia, Barcelona y Londres. Los análisis se realizan con el fin de entender las tiendas como espacios para la integración de artes. En definitiva, se llega a la conclusión de que la arquitectura desnuda, es decir, desprovista del resto de objetos artísticos, carece de sentido. Por lo tanto, es el conjunto de arquitectura y elementos de diseño y arte los que construyen el lugar. De esta manera, se reflexiona sobre cómo arquitectura, diseño y arte se integran en un todo indivisible.

En un devenir todavía incierto, la era de la posfotografía atañe ciertos retos, asumibles también desde la fotografía de arquitectura. El cambio de paradigma tecnológico y la aparición de las redes sociales, cuyas consecuencias extienden su postrera sombra al hecho de concebir la imagen actual, ha trastocado el modus operandi de esta histórica disciplina. La impostura de la imagen contemporánea difumina los límites entre lo real e irreal y deja al fotógrafo profesional, inmerso en un mare magnum de cambios, absolutamente desprovisto de su estatus anterior como mediador entre arquitectura y realidad. En un mundo regido por la imagen, intoxicado de información, parece que toda tarea de difusión es prescindible. Sin embargo, mediante la conversación y revisión a fondo del trabajo de varios profesionales del sector se pretende, en este trabajo, no sólo rescatar su figura de la disolución del yo contemporáneo, sino reivindicar su importancia histórica y actual. No pretende ser esta tesis un panegírico, sino simplemente una exégesis acerca de la importancia del fotógrafo como parte responsable de nuestro modo de ver y sentir la arquitectura.

Este trabajo presenta un recorrido por la obra de Christine Dalnoky, referencia clave para el paisajismo contemporáneo en las últimas décadas. Alineada con la corriente crítica que plantea la práctica de la arquitectura del paisaje como recuperación de la memoria del lugar –en contraposición a las teorías arquitectónicas enfocadas al programa–, se expone su análisis como intersección de planteamientos ideológicos, dialéctica espacial y prevalencia de los ritmos, en coherencia con su evolución personal. La biografía de Christine Dalnoky se perfila en dos etapas: la primera en París, marcada por su asociación a Michel Desvignes desde 1988; la segunda en una pequeña localidad de Provenza, donde en 2002 fundó su nuevo estudio junto a Patrick Solvet. Este drástico alejamiento de la metrópolis se presenta en paralelo al desarrollo de sus proyectos, en especial el del Parque del Agua en Zaragoza, donde el ritmo pausado del paisaje se impone definitivamente a la agitación urbana., This paper is displayed like a journey across the work of Christine Dalnoky, key referent for contemporary landscape architecture. Taking part of the critical movement towards a new landscape architecture focused on memory recovering of the site –in contrast with architectonical theories focused on program–, the analysis is presented as a crossing between ideological positions, spatial dialectic and prevalence or rhythms, in coherence with her personal evolution. Christine Dalnoky biography is divided in two periods: first settled in Paris and identified with her association from 1988 with Michel Desvignes; second moved to a little town in Provence, where she founded a new practices with Patrick Solvet. This radical removal from metropolis is shown in parallel with her projects development, in special with this of Parque del Agua in Zaragoza, where slow rhythm of landscape is imposed definitely over urban agitation.

El concepto de vivienda mínima forma parte de la cultura social del siglo XXI, no tanto por los problemas de acceso a la vivienda característicos durante el siglo XX, sino por la evolución de la sociedad hacia un dinamismo y movilidad cada vez mayores. Esto hace que la frecuencia con la que el individuo cambia de vivienda sea mayor, el periodo de tiempo de ocupación sea menor y por tanto el requisito de grandes superficies se convierte en prescindible. Este trabajo recoge una selección de casos centrados cronológicamente desde los años 2000 hasta hoy y geográficamente ubicados en Holanda y Japón, dos de los lugares con mayores dificultades en cuanto a expansión territorial y que por tanto más ha estudiado y desarrollado este modelo de vivienda. Se realiza un análisis minucioso y sistemático de cada caso en función de aspectos como tipología residencial, privacidad, funcionalidad, circulaciones, usos específicos y huecos para iluminación y ventilación naturales. Este estudio permite comprender el funcionamiento de cada caso elegido, identificando los recursos arquitectónicos presentes en cada uno de ellos y además obtener conclusiones particulares y generales de cada caso que hacen posible relacionar y diferenciar las dos zonas tan lejanas y de cultura tan opuesta como son el mundo oriental y occidental.

¿La moda utiliza a la arquitectura para ganar prestigio frente a la competencia o es la arquitectura la que se sirve de la moda? El objetivo de este trabajo de fin de grado es analizar diferentes casos de estudio donde la moda se pone en contacto con la arquitectura. Se pretende llegar a conocer en qué medida interactúa la arquitectura y la moda, a través del espacio del desfile, llevando a cabo diferentes análisis que la identifiquen. La arquitectura y la moda establecen un diálogo. Las pasarelas son aquellos lugares donde se conecta con la gente, donde se dan a conocer las colecciones. Los diseñadores a lo largo de los años han ido buscando arquitecturas singulares que sirvan como base para la idea principal de la colección. Arquitectura y moda se unen para generar un espacio con gran valor propio. Cinco son los casos de estudio a desarrollar bajo unas premisas marcadas por su interés arquitectónico y su repercusión social: el Centro Pompidou con un desfile de Mango, MAC de Niteroi con una pasarela de Louis Vuitton 2016, Ciudad de las Artes y las Ciencias con un desfile de Juan Vidal, 11 11 Lincoln Road con un desfile de la firma Acacia y por último la Filarmónica de Elba con una pasarela de Chanel.

¿Habitamos el espacio o habitamos en el espacio? Se puede apreciar como la arquitectura se debate entre si formar parte de lo materialmente construido o más bien si es aquello construido lo que crea el lugar para la arquitectura a través del espacio. La arquitectura es una disciplina que abarca numerosos campos de actuación y por ello muy rica conceptualmente. Esta riqueza es la que le permite adentrase cada vez más en ámbitos a priori desconocidos o no explorados como sucede en su relación con el mundo de la moda. La arquitectura ayuda a agitar las cosas y a superar los límites y ese es el trabajo que destacamos en un elemento que se había quedado estancado a lo largo del tiempo como es el desfile de moda. El trabajo es un estudio analítico del espacio, concretamente del espacio de los desfiles analizando arquitectónicamente pasarelas de moda entre los años 2010 y el 2017. Cinco es el número de casos de estudio a desarrollar bajo unas premisas marcadas por su interés arquitectónico y su repercusión social: Kenzo, Spring/Summer 2013, men´s show; Prada, Spring/Summer 2013, men´s show; Christian Dior, Autumn/Winter 2014/15, women´show.; Givenchy, Fall Winter 2016, women´s show; Chanel, Spring/Summer 2018, women´s show.

La Arquitectura para el Retail forma parte ya de nuestra trama social. El peso socio-económico que genera en la actualidad reclama como imprescindible la intervención del arquitecto. Éste será elemento clave para generar la conexión y reclamo que una determinada marca de moda necesita crear en los espacios-tienda. La riqueza espacial de estas tiendas va más allá de su funcionalidad comercial. Como resultado encontramos espacios cargados de recursos sensoriales y experiencias perceptivas únicas. El trabajo recoge una selección muy distinta de tiendas. Se estudia: la tienda Jigsaw del arquitecto John Pawson, la marca Prada de OMA, la firma de Yohji Yamamoto realizada por el arquitecto Junya Ishigami, la zapatería Camper proyectada por el estudio Miralles-Tagliabue, la tienda Valentino de David Chipperfield y la nueva tienda Miu Miu de los arquitectos Herzog & De Meuron. Se ha realizado un minucioso y sistemático análisis de todos estos casos bajo un enfoque espacial, funcional, perceptivo y de acabados. Este estudio permitirá entender la diversidad de espacios e identificar los recursos arquitectónicos de cada caso.

No cabe duda de que el Neoplasticismo ha infl uido de manera notable en la obra de muchos artistas del siglo XX. Este movimiento artístico alcanzó su máxima expresión de la mano de Piet Mondrian y Theo van Doesburg, los cuales difundieron al resto del mundo su original forma de ver el arte y la realidad. Estos dos artistas son los protagonistas principales de este trabajo. Después de estudiar sus escritos y tratar de comprender sus ideales, lo que se pretende con este trabajo es asociar esta corriente artística y de pensamiento con un período muy concreto en la historia de la arquitectura holandesa, la posguerra (1945-1962). Para ello, se han escogido una serie de arquitectos y obras representativas de la época que permitan deducir o comprobar de qué manera y con qué intensidad ha infl uido el pensamiento de Van Doesburg y Mondrian en la arquitectura de sus compatriotas. Por otro lado, se atiende especialmente a la fi gura de Aldo van Eyck, coleccionista de Piet Mondrian, miembro del Team 10 y protagonista de la crisis del Movimiento Moderno. No cabe duda de la infl uencia del pensamiento de Aldo van Eyck en la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX.

La tecnología, no solo ha cambiado el modo de vida actual, sino también la manera de diseñar. La parametrización es un nuevo proceso de diseño, en el cual se han incorporado herramientas informáticas permitiendo abarcar volúmenes de datos imposibles de procesar de manera efectiva y rápida por la mente humana. A través del diseño por ordenador, se está creando un vínculo de unión entre disciplinas aparentemente diferentes, al utilizar los mismos programas para áreas distintas. Arquitectura y moda han compartido un escenario estético que discurre en paralelo a lo largo de los siglos, y gracias a las tecnologías, esta distancia que las separa se está reduciendo cada vez más, teniendo siempre en cuenta la diferencia de escala. Los dos primeros proyectos escogidos como estudios de casos - Iris Van Herpen y Zaha Hadid - datan de una primera aproximación sobre las herramientas digitales llevadas al límite. Por otro lado, Maya Hansen y Francine Houben - últimos estudios de casos seleccionados – aportan otro tipo de enfoque, haciendo frente a una parametrización mucho más geométrica y controlada. En todos los casos, a pesar de tener en común el proceso paramétrico, las decisiones de proyecto tomadas se adaptan a las circunstancias concretas de cada área, ya sea arquitectura o moda. Tras un análisis de la parametrización en general, en el que el manejo de herramientas paramétricas ha sido fundamental, y un estudio de cuatro obras en particular, se extraen distintas visiones sobre lo paramétrico, pero que, en cualquier caso, es fundamental alcanzar el control necesario sobre estos programas en el proceso, para que no sean las herramientas las que dominen el diseño, sino el diseñador, pensando siempre en las personas que usan la arquitectura, o se envuelven en una prenda de ropa.

Max Bill fue un artista polivalente, que destacó en numerosas facetas artísticas, como pintura, escultura, diseño de muebles, diseño de carteles de exposiciones, tipografía, y sobre todo como arquitecto. Nació en Suiza en 1908 y estudió en la Escuela de la Bauhaus entre 1927 y 1929. Una vez estuvo en Dessau, se interesó por las matemáticas y la construcción, y posteriormente se dedicó a la pintura, la arquitectura y el diseño, y fundó en 1951 la Escuela de Ulm, que continuaba con la tradición de la Bauhaus. Fue rector y director de los departamentos de arquitectura y diseño desde 1951 a 1956. Defendía el funcionalismo y las formas matemáticas. Este trabajo se centra en la figura de Max Bill como artista polifacético, para entender mejor su obra y su pensamiento. Para ello se hace un análisis de su etapa como estudiante en la Bauhaus y se recopila información sobre los profesores que más le influyeron. En esta época en la Bauhaus se imparten clases de forma, color y equilibrio. El aprendizaje consistía principalmente en el análisis de formas sencillas y colores básicos, combinándolos y entendiendo la naturaleza de cada uno. Este método educativo tenía sus bases en la Psicología de la Gestalt, que se traduce como la Psicología de la forma. Con este escrito se pretende demostrar, a través del análisis de distintas obras del artista, que la Teoría de la Gestalt influyó en la obra de Max Bill, debido principalmente a su paso por la Escuela de la Bauhaus.