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Texto sobre a construção cenográfica de Cleansed no Catálogo da Quadrienal de Praga.

Artigo sobre pesquisa em Pedagogias da Performance.

Texto sobre a construção cenográfica de Cleansed no Catálogo da Quadrienal de Praga.

A autocrítica, como variante da crítica de arte, é um processo reflexivo que eleva o sujeito a questões cada vez mais complexas em relação a sua criação. Para a autocrítica ser identificada é preciso que haja uma matéria resultante da reflexão, passível de ser partilhada com outrem, podendo se constituir de diversas formas, entre elas, pela linguagem verbal ou artística. Identificaremos a partir de escritos autobiográficos do dramaturgo Nelson Rodrigues a presença desse peculiar artifício reflexivo sobre suas próprias obras teatrais.

Problematizando a noção de arquivo a partir de Jacques Derrida, revisitaremos o trajeto histórico da censura no teatro brasileiro e do processo censório da peça teatral Perdoa-me por me traíres do dramaturgo brasileiro Nelson Falcão Rodrigues - processo disponibilizado pelo Arquivo Miroel Silveira (AMS / USP). Exploraremos nessa relação os paradoxos e os conceitos que atravessam o arquivo para compreender as ações censórias que trouxeram para si obras teatrais e, ainda, intencionaram agir diretamente sobre elas, solicitando cortes e mudanças diversas - algo que nos permite considerar a ideia de dupla autoria presente no embate artista versus censura. Com isso, o efeito de abrir o arquivo por meio de conceitos derridanianos é se confrontar com verdades antes não pensadas em torno da censura enquanto arquivo, ampliando a dimensão histórica envolvida e igualmente da nossa capacidade de analisa-lo. Questioning the file notion from Jacques Derrida, we revisit the history of censorship in Brazilian theater and the censorial process concerning the play Forgive me for You betraying me by the Brazilian playwright Nelson Falcão Rodrigues, with material provided by Miroel Silveira Archive (AMS / USP). The article aims to explore the paradoxes and concepts that characterize the file in order to understand the censorship actions against theatre plays and the attempts to intervene directly, prompting cuts and several changes - that allows us to consider the idea of dual authorship in the clash artist versus censorship. Thus, the effect of opening the file applying a Derridarian view means to be confronted with facts previously not taken into account about censorship as a file, expanding the historical dimension involved and also our ability of its analysis.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Esta pesquisa refere-se ao processo de desmontagem contínua da obra original Bálsamo, surgida como objeto de pesquisa da graduação, considerando o atravessamento que ocorre diante da pessoalidade que se apresenta e que conduz a subjetividade na performance. Discorrese como a performance imprime uma transgressão específica diante da realidade, mudando a perspectiva do espaço e do tempo. Para isto, analisa-se o processo de criação usando como metáfora os diferentes estados de deglutição de uma beterraba, a fim de experimentar a persona Aurita e suas formas infinitas. O objetivo geral do trabalho visa investigar o processo de transformação pelo qual passa a persona Aurita, no intento de perceber as dores e afetos que cercam a mulher, através de uma dinâmica de narrativas familiares vinculadas à violência e ao trauma. A pesquisa evidencia a persistência de atitudes que discriminam ou rejeitam a ideia de igualdade de direitos entre homens e mulheres, ainda prevalente na sociedade. Apresenta-se a desmontagem cênica como motor para a criação incessante, multiplicando possibilidades e transformando o processo artístico em uma espécie de “instauração”, ou seja, um estado criativo que permanece em constante desmantelamento e expressa metamorfoses da “persona”, que se mantém fluida, livre e exposta a novas possibilidades de criação. This research refers to the process of continuous disassembly of the original work Bálsamo, created as an object of graduation research, considering the crossing that occurs before the personality that presents itself and that leads to subjectivity in performance. It discusses how the performance prints a specific transgression in the face of reality, changing the perspective of space and time. For this, the creation process is analyzed using the metaphor of the different states of swallowing a beet, in order to experience the persona Aurita and its infinite forms. The general objective of the work aims to investigate the transformation process that persona Aurita goes through, in an attempt to perceive the pains and affections that surround women, through adynamic of family narratives linked to violence and trauma. The research shows the persistence of attitudes that discriminate or reject the idea of equal rights between men and women, still prevalent in society. Scenic disassembly is presented as an engine for incessant creation, multiplying possibilities, transforming the artistic process into a kind of “establishment”, a creative state that remains in constant dismantling and expresses metamorphoses of the “persona”, which remains fluid, free and exposed to new possibilities of creation.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Partindo de um entendimento de performance como ação-pensamento, esta dissertação coloca em discussão uma série de performances da descrença. Numa dinâmica que implica o corpo prostético e os processos autorreflexivos de escritura de gênero, busca-se traçar uma compreensão estética e política acerca de operações metalinguísticas da prótese em cena. Privilegiando o diálogo entre os estudos da performance e conceitos provenientes da teoria queer, cada capítulo é dedicado à leitura de obras que propõem, com particular intensidade, uma crítica ao gênero como mecanismo imposto numa complexa rede de relações econômicas, políticas e sociais. Destacando o gesto metaprostético como procedimento metacrítico da prótese sobre si mesma, argumenta-se que o corpo prostético, na iminência de tornar-se outro, não só experimenta o gênero enquanto máquina, mas se desdobra como agenciador de zonas de descrença em relação a uma tessitura de saberes que produzem identidades, práticas significantes e posições de enunciação a partir da genitalidade (cisnormatividade).

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Esta pesquisa tem como objetivo investigar, na linguagem da performance, como os artistas organizam suas ações. Propomos pensar em algumas maneiras de compor a partir dos escritos de artistas, investigando as qualidades dessas formas. Nosso intuito é propor uma visão geral das formas de composição que abordam os domínios relacional, político e, até mesmo, artivista. As maneiras são vistas aqui como reflexões teóricas de várias artistas críticas da área de atuação, como Eleonora Fabião, Tania Alice, Beatriz de Medeiros e escritos teóricos de Renato Cohen, Naira Ciotti, Guillermo Gomez Pena e Jorge Glusberg. O resultado final é uma ação de performance, intitulada Desembalador de Memórias, criada e realizada por mim. This research aims to investigate, in the language of performance, how performers organize their actions. We propose to think of some ways of composing from the writings of artists, investigating the qualities of these ways. We aimed to propose an overview of forms of composition that touch on the relational, political, and even artivist realms. Manners are seen here as theoretical reflections by several critical female artists in the performance area such as Eleonora Fabião, Tania Alice, Beatriz de Medeiros, and theoretical writings by Renato Cohen, Naira Ciotti, Guillermo Gomez Pena, and Jorge Glusberg. The final result is a performance action of my own entitled Unpacker of Memories, created and performed by me.

Esta Dissertação cartografou performances como experiências de criação de uma narratriz, envolvendo na composição desta uma discussão sobre corpo narrativo, performance art e performance narrativa (contação de histórias). Entendendo meu corpopalavra como primeiro espaçotempo performático e atravessada pelos conceitos de artista/docente de Isabel Marques (2011; 2014) e professor-performer de Naira Ciotti (2014), compreendi o híbrido narratriz como singularidade de uma artista/educadora que pode mobilizar questões inventando espaços liminares entre a performance, a contação de histórias, o teatro e a educação. A investigação aconteceu através da vivência de performances art provocadas pelas questões que o universo da narração oral trouxe a minha existência, costuradas às memórias de meu percurso pessoal como contadora de histórias e a pesquisas das contadoras de histórias brasileiras Aline Cântia Miguel (2017), Ângela Café (2015), Gislayne Avelar Matos (2014; 2015), Regina Machado (2004;2015) sobre a narração oral no mundo contemporâneo, como também da argentina Ana Padovani (2014). Foi através dessas tecituras que emergiu uma produção singular da narratriz, imbricando os fazeres artísticos da performance art com a performance narrativa num mesmo acontecimento, que também incluiu a relação entre performance e educação como disparadora de um processo de pedagogia do teatro, no texto contextualizadas com as vozes de Gilberto Icle (2017) e Mônica Bonatto (2017). Além disso, produzi discussões sobre corpo e performance, dialogando com teóricas/os como Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014) e Suely Rolnik (2016), entrelaçando ainda questões feministas e evidenciando a importância da produção de/ por mulheres, o que reverbera na linguagem produzida pelo corpo e nas palavras escolhidas para serem contadas, que tem ancoragem no que diz Clarissa Pinkola Estés (1998; 2018) e Márcia Tiburi (2019). Está presente no texto também o conceito de experiência em Jorge Larrosa (2014; 2018), visto a partir do lugar de uma mulher artista/educadora/ pesquisadora, que cria caminhos e elabora ref lexões sobre como toda essa tecitura pode ser geradora de uma pedagogia teatral autoral e contemporânea na escola. This dissertation mapped performances as experiences of creation by a narractress, gathering for its composition the discussion about the narrative body, the performance art, and the narrative performance (storytelling). Understanding my body-word as the first space-time of the act of performance, and going through the concepts of artist/teacher formulated by Isabel Marques (2011; 2014) and professor-performer by Naira Ciotti (2014), I understood the hybrid narractress as a singularity of an artist/educator who can mobilize some issues by inventing liminal spaces among performance, storytelling, theater, and education. The investigation happened through the experience of art provoked performances by the questions that the universe of oral narration brought to my existence, sewed to the memories of my personal path as a storyteller, and to the researches made by Brazilian storytellers Aline Cântia Miguel (2017), Ângela Café (2015), Gislayne Avelar Matos (2014; 2015), Regina Machado (2004;2015) on oral narration in the contemporary world, as also by the Argentinian Ana Padovani (2014). It was through those weavings that a unique production of the narractress emerged, imbricating the artistic works of performance art with the narrative performance in the same event, which also included the relationship between performance and education as a trigger for a theater pedagogy process, in the text contextualized to the voices of Gilberto Icle (2017), and Mônica Bonatto (2017). In addition, I developed discussions about body and performance, dialoguing with theorists as Eleonora Fabião (2008), Luciana Hartmann (2015), Paul Zumthor (2014), and Suely Rolnik (2016), connecting to the feminist agenda and highlighting the importance of the production of/ by women, that reverberates in the language produced by the body, and in the words chosen to be told, which is compatible to what Clarissa Pinkola Estés (1998; 2018), and Márcia Tiburi (2019) say. The concept of experience from Jorge Larrosa (2014; 2018) is also present in the text, seen from a woman artist/educator/researcher’s perspective, who creates paths and elaborates ref lections on how all this weaving can generate an authorial and contemporary theatrical pedagogy at school.

Esse portfólio expandido procurou entender as performances criadas por mim como alguém que escapa às verdades de um mundo heterocêntrico que inscreve corpos em determinações biológicas (BUTLER, 1990). A performance arte foi o método utilizado nesta pesquisa, pois pode desencadear afetos entre o singular e o plural e ser capaz de promover crises nos circuitos afetivos (SAFATLE, 2016) já estabelecidos na sociedade, ainda que temporariamente. Uma questão crítica nesta pesquisa foi expor a confluência entre arte e escrita acadêmica. Enfrentamos também o problema da autoria na produção de Agah Precária quando o performer escreve sobre sua presença e navega por identidades de outros artistas que procuram práticas que se aprofundam em poéticas subjetivas. Esta pesquisa tem como conclusão de que as performances podem ser desenhadas. This expanded portfolio sought to understand the performances created by me as someone who escapes the truths of a heterocentric world that inscribes bodies in biological determinations (BUTLER, 1990). Performance art was the method used in this research, as it can trigger affections between the singular and the plural and be able to promote crises in the affective circuits (SAFATLE, 2016) already established in society, albeit temporarily. A critical issue in this research was to expose the confluence between art and academic writing. We also face the problem of authorship in the production of Agah Precária when the performer writes about his presence and navigates the identities of other artists looking for practices that delve into subjective poetics. This research concludes that performances can be designed.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O presente trabalho aborda a temática do corpo que erra por meio da dança improvisada, enquanto possibilidade de atualização estética do espaço na cidade de Natal – Rio Grande do Norte. Considera as práticas de atenção a si para investigação cênica no espaço público e a criação de movimentos improvisados, tendo como mote o sentir a cidade pela caminhada. Parte das seguintes questões norteadoras: que significações são criadas ou atualizadas ao usar de movimentos improvisados nos espaços da cidade pela errância? Como a cidade afeta a dança e a dança afeta a cidade? Posto isso, o trabalho tem como objetivo investigar as relações existentes entre a improvisação do gesto dançado e a errância pela cidade de Natal/RN, bem como compreender a atualização de significados pela relação entre os espaços e lugares da cidade, perceber como se dá a experiência estética da criação em dança em tempo real nas ruas, refletir sobre as possibilidades da vivência poética dos espaços e lugares da cidade de Natal. Divide-se em uma introdução e três capítulos intitulados, respectivamente, “Escrever pelos pés: a cidade, o erro e o corpo que dança”, “Perdida em presença: a poética das ruas” e “Retornar: as pegadas que não deixei para trás”, além de Considerações Finais e Referências. Utiliza-se da descrição, redução e reflexão como procedimentos metodológicos no contexto da Fenomenologia para intepretação dos relatos obtidos como resultado das práticas errantes pela cidade e se apropria também da errância na construção do texto dissertativo por meio das imprevisibilidades poéticas para uma escrita artística-acadêmica. O texto está situado no campo das Artes Cênicas e contribui para área ao refletir e apresentar possibilidades de pesquisar a articulação entre o corpo, a dança e os espaços da cidade, a fim de produzir uma estética do erro e atualizar significados constantemente. Como resultados, o trabalho responde às questões ao relacioná-las às reflexões acerca das vivências descritas, que desvelam-se, durante o terceiro capítulo, na dança em sua ontologia e a atualização de significâncias como aquilo que se sente e se expressa no corpo, pela dança; e as atualizações estéticas da errância dançada, sobre o espaço que afeta a dança e a dança que afeta o espaço à medida que se dança aquilo que se sente da cidade e retribui para ela, suas novas significações. This work approaches the subject of the body that errs by improvised dance as a possibility of aesthetics update of space in Natal - Rio Grande do Norte/Brazil. It considers the practices of self attention for scenic investigation in public spaces and the creation of improvised movement and has as motto the feeling of the city by walking. It starts from the following guiding questions: what meanings are created or updated after using improvised movements in city spaces by erring? How the city affects the dance and the dance affects the city? That said, the work has the objective of investigating the existing relations between the improvisation of the danced gesture and erring through Natal city as well as understanding the meanings update by the relation between the spaces and places of the city, realizing how the aesthetics experience of creation in dance on the streets in real time, reflecting on possibilities of poetic experience of the spaces and places in the city of Natal. It uses the description, reduction and reflection as methodological procedures in the Fenomenology context for interpretation of the reports obtained as a result of erring practices through the city and also appropriate the erring in dissertation text construction by poetic unpredictabilities for academic-artistic writing. The text is in the field of Scenic Arts and contributes to the area by reflecting and presenting possibilities of researching the articulation between the body, the dance and the spaces of the city in order to produce an error aesthetics and to update meantings constantly. As results, the work responds to the questions by relating them to the reflections about the described experiences that got divided during the third chapter in the topics About the permissiveness of feeling and being: the meanings created that treats the dance in its ontology and discusses the updates of meanings as what is felt and is expressed in the body by dance; and About the updates of the dance and of the city: affections, energies and suspensions, that reflect about the aesthetic updates of the danced erring and discourse about the space that affects the dance and the dance that affects the space as the person dances what is felt in the city and give it back its new meanings.

Esta pesquisa é um estudo experimental sobre a arte dos mágicos. Analisamos e discutimos alguns dos processos criativos desencadeantes utilizados por esses artistas como elementos técnicos que promovem a ilusão, formas de fazer e agir e o universo subjetivo do artista. Estabelecemos relações com as artes cênicas, os livros de referência e as anotações de palestras de mágicos, diluindo fronteiras epistêmicas. Três elementos pontuam esta investigação: o corpo do performer, a performatividade e a natureza de sua arte. Entrevistas e relatos de experiências foram analisados nesta pesquisa, considerando também o próprio processo artístico do pesquisador. A discussão teórica propõe diálogos com autores das artes cênicas, performance teatral e performativa, abordando os aspectos práticos e teóricos relacionados à formação de mágicos. This research is an experimental study on the art of magicians. We analyze and discuss some of the creative processes triggered by these artists as technical elements that promote the illusion, ways of doing and acting and the subjective universe of the artist. We established relationships with the performing arts, reference books and magician lecture notes, diluting epistemic boundaries. Three elements punctuate this investigation: the body of the performer, the performativity and the nature of its art. Interviews and reports of experiences were analyzed in this research, also considering the artist's own artistic process. The theoretical discussion proposes dialogues with authors of the performing arts, theatrical and performative performance, addressing the practical and theoretical aspects related to the formation of magicians.

Esta pesquisa-casa tem como referência poética a Casa Amarela, de Vincent Van Gogh, e trata-se de um exercício de escrita em residência. Nos situamos no campo da Performance para perseguir um relato de experiência partir do deslocamento São Paulo/SP - Natal/RN. Na primeira parte – Pesquisa-Casa, abordamos a noção de casa em uma perspectiva ampliada, tornando visíveis as subjetividades no processo de habitar, bem como suas relações com o processo criativo. Na segunda parte – Táticas Analíticas, revisitamos as caixas de objetos e as experiências de moradas passadas. Visitamos as residências, os trabalhos antigos, exposições e projetos dos quais participei. Na terceira parte, Performances invisíveis, evocamos os arquivos, fazendo exercícios de curadoria. Tratamos dos processos de Expulsão e Apagamento, e também algumas diferentes visões do conceito de Afeto. Alguns processos criativos e produtos estéticos foram produzidos ao longo da pesquisa. Como produto artístico apresentamos a instalação de mesmo título da pesquisa, no LABPerformance UFRN/DEART. This house-research has The Yellow House, by Vincent Van Gogh, as poetic reference, and it is a writing exercise in residence. We are located in the field of Performance to pursue an experience report about the displacement São Paulo / SP - Natal / RN. In the first part - House-research, we approach the notion of house in an extended perspective, making visible the subjectivities in the process of dwelling, as well as its relations with the art creative process. In the second part - Analytical Tactics, we revisit the boxes of objects and the experiences of past addresses. We visited the residences, the old works, exhibitions and projects of which I participated. In the third part, Invisible Performances, we evoke the archives by doing curative exercises, dealing with the processes of Expulsion and Erasure, and also some different views of the concept of Affection. Some creative processes and aesthetic products were produced throughout the research. As an artistic product we present the performing installation LABPerformance UFRN / DEART.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Este trabalho configura-se como um diário sobre o compartilhamento de performances com crianças de São Paulo (SP), Cunha (SP), Recife (PE), Natal (RN) e Nova Olinda (CE). Para tanto, se utiliza de uma linguagem que busca compartilhar com o leitor o processo de criação junto às crianças utilizando o método cartográfico (KASTRUP, 2015). O ponto de partida para compreender as crianças está conectado a conceitos oriundos da sociologia (SARMENTO, 2002) e da antropologia da criança (COHN, 2005), nos quais ela é compreendida como protagonista do seu meio cultural. O ato do brincar como performance desenvolvido a partir dos estudos da performance (SCHECHNER, 2003) e do Work in Process (COHEN, 2004), buscando refletir sobre a figura do professor-performer (CIOTTI, 2014) como um agente disparador de propostas e sobre a cena performativa. Para discutir o compartilhamento de ações, a pesquisa apresenta estudos sobre a Arte Participante e Virada Pedagógica na arte (BISHOP, 2012) e a Transpedagogia e Arte Social Engajada (HELGUERA, 2011). Foi verificado, neste estudo, que a desobediência pode ser um ato criativo, as performances desobedientes das crianças criam espaços de livre expressão como possibilidade de diálogo para repensar processos artísticos e pedagógicos e, para refletir sobre essas questões, relaciona-se os estudos das pesquisadoras e feministas negras como Ribeiro (2017), Berth (2018), os estudos sobre a caça as bruxas (FEDERICI, 2017), a perspectiva sobre infância e compartilhamento dos povos originário através de Krenak (2018), a ideia de Cultura Matrística (VERDEN-ZOLLER; MATURANA, 2015) e a contribuição de pensamento sobre a desconstrução da colonialidade (QUIJANO, 2009) para que possamos rever conceitos acerca de políticas para a infância a partir de pontos de vista que estão próximos à formação da cultura Latino Americana. This work is set up as a diary about sharing performances with children from São Paulo (SP), Cunha (SP), Recife (PE), Natal (RN) and Nova Olinda (CE). For this, a language is used that seeks to share with the reader the process of creation with the children using the cartographic method (KASTRUP, 2015). The starting point for understanding children is connected to concepts from sociology (SARMENTO, 2002) and child anthropology (COHN, 2005), in which they are understood as protagonists of their cultural environment. The act of playing as a performance developed from performance studies (SCHECHNER, 2003) and Work in Process (COHEN, 2004), seeking to reflect on the figure of the teacher-performer (CIOTTI, 2014) as a proposal triggering agent and performative scene. To discuss the sharing of actions, the research presents studies on Participatory Art and Pedagogical Turn in Art (BISHOP, 2012) and Transpedagogy and Engaged Social Art (HELGUERA, 2011). It was verified in this study that disobedient can be a creative act, children's disobedient performances create spaces of free expression as a possibility of dialogue to rethink artistic and pedagogical processes, and to reflect on these issues, relates the studies of black feminists and researchers such as Ribeiro (2017), Berth (2018), studies on witch-hunts (FEDERICI, 2017), the perspective on childhood and sharing of the original peoples through Krenak (2018), the idea of matrística culture (Verden-Zoller, Maturana, 2015) and contribution of thought on the deconstruction of coloniality (QUIJANO, 2009) so that we can review concepts about policies for childhood, from points of view that are close to the formation of Latin American culture.

Esta pesquisa propõe uma atitude performativa / colaborativa por parte dos leitores e revisa os processos artísticos de gênese que desenvolveram o interesse de atuar com um teatro performático. Nas pistas dos processos, o ponto de vista do espectador é redimensionado, principalmente pela "mestiçagem" de procedimentos com processos pedagógicos, ou performances pedagógicas. Indicando outras possibilidades e modos de agir, e ampliando diferentes revelações corporais nas práticas de grupos de artistas e coletivos na América Latina. A ideia de atuação, especialmente para a atividade pedagógica, é orientada à luz do livro "O professor- performer”, (CIOTTI, 2014), que delineia esses estudos sobre o procedimento artístico-pedagógico na “Desmontagem Cênica” (CABALLERO, 2009). Examinamos o conceito de Desmontagem no contexto da cena estendida (em performance), concluímos com a dimensão das práticas de fragmentação como ação pedagógica, sob um olhar mais pró - ativo, e percebemos que esta pesquisa possibilitou um percurso investigativo e metodológico a partir do momento em que passamos a vivenciá-las como uma experiência de trabalho artístico / pedagógico. This research proposes a performative / collaborative attitude on the part of the readers and revises the artistic processes of genesis that developed the interest of acting with a performance theater. In the process clues, the spectator's point of view is scaled up, mainly by the "mestizaje" of procedures with pedagogical processes, or pedagogical performances. Indicating other possibilities and ways of acting, and amplifying different corporeal revelations in the practices of groups of artists and collectives in Latin America. The idea of acting, especially for pedagogical activity, is oriented in the light of the book "The teacherinterpreter" (CIOTTI, 2014), which outlines these studies on the artistic-pedagogical procedure in “Scenic Disassembly” (CABALLERO, 2009). concept of Disassembly in the context of the extended scene (in performance), we conclude with the dimension of fragmentation practices as pedagogical action, under a more proactive look, and we realize that this research made possible an investigative and methodological course from the moment in which we come to experience them as an experience of artistic / pedagogical work.

Esta dissertação diz respeito à pesquisa denominada “Lugar de Circo é na Escola: O Estudo da Palhaçaria em Experiência Artística Pedagógica”. Tem como objeto de pesquisa o estudo do circo e da palhaçaria na Educação Básica de ensino, a partir da análise do relato de experiência do projeto artístico/pedagógico “Lugar de Circo é na Escola”, buscando ampliar a discussão do conteúdo “circo e palhaço” em sala de aula. Enquanto palhaço/professor/pesquisador, passei a refletir sobre como construir um percurso artístico/pedagógico sistematizado para os estudos do circo e do palhaço em turmas do ensino fundamental nas séries finais da Escola Maria de Lourdes Bezerra, no município de Macau/RN, culminando no desenvolvimento do projeto “Lugar de Circo é na Escola”, que se tornou objeto de análise e reflexão desta pesquisa dissertativa. A pesquisa se desenvolveu a partir dos seguintes questionamentos: Por que estudar circo e palhaço na escola? Qual o potencial de uma ação como essa no contexto escolar? É possível ensinar a ser palhaço? Que possibilidades metodológicas podem ser utilizadas para a aprendizagem da palhaçaria na escola? Para responder às questões citadas, a pesquisa ancora sua escrita na análise qualitativa, tendo como método a análise de conteúdo proposta por Bardin (1977). Buscando compreender como se deu o desenvolvimento, o envolvimento dos participantes e os desdobramentos do projeto artístico/pedagógico já citado, bem como descrever e analisar o percurso pedagógico e metodológico proposto pelo docente para um estudo teórico/prático do circo e da palhaçaria, as reflexões em torno da pesquisa se constroem e ampliam-se a partir da relação estabelecida entre o desenvolvimento do projeto “Lugar de Circo é na Escola” na construção da identidade dos palhaços (alunos) durante o projeto intercruzado aos estudos da história do circo e da palhaçaria no Brasil e no mundo, além de apontar desdobramentos dessa ação no ambiente escolar e fora dele. Para nossos estudos e desenvolvimento dessa escrita, dialogamos com os seguintes autores: naquilo que diz respeito à compreensão histórica do circo e da palhaçaria no Brasil e no mundo, além de práticas vivenciais ligadas ao tema dessa dissertação, a exemplo referenciamos Bolognesi (2003), Thebas (2005), Burnier (2001), Lecoq (2010); sobre a Arte, o diálogo se deu com Barbosa (1991) e Desgranges (2003), tudo isso para entender a pedagogia por mim utilizada no desenvolvimento do projeto “Lugar de Circo e na Escola”. Assim, os autores citados dão base para a costura dos retalhos de nossa empreitada pedagógica. This dissertation concerns the research called "Circus Place is in the School: The Study of the Clown in Artistic Pedagogical Experience" whose object of research is the study of circus and clowning in the regular system of education, based on the analysis of the story of experience of the artistic / pedagogical project "Lugar de Circo é na Escola". Seeking to broaden the discussion of the circus and clown content in the classroom, as a clown / teacher / researcher, I began to reflect on how to construct an artistic / pedagogical path systematized for circus and clown studies in elementary school classes in the final series of the School Maria de Lourdes Bezerra in the municipality of Macau / RN, culminating in the development of the project "Lugar de Circo é na Escola", which became the object of analysis and reflection of this dissertative research. The research develops from the following questions: Why study circus and clown in school? What is the potential of such an action in the school context? Is it possible to teach to be a clown? What methodological possibilities can be used for learning the tricks in school? To answer the questions cited, the research anchors its writing in the qualitative analysis, having as a method the Content Analysis proposed by Bardin (1977). Seeking to understand how the development took place, the involvement of the participants and the unfolding of the artistic / pedagogical project already mentioned, as well as to describe and analyze the pedagogical and methodological course proposed by the teacher for a theoretical / practical study of circus and clowning. The reflections around the research are built and broadened from the relationship established between the development of the project "Circus Place is in School" in the construction of the identity of the clowns (pupils) during the intercross project to the studies of the circus history and of the clownwork in Brazil and in the world, besides pointing out unfolding of this action in the school environment and outside it. For our studies and development of this writing, we dialogued with the following authors, in what concerns the understanding of circus and clownish history in Brazil and in the world, as well as experiential practices related to the theme of this dissertation, for example, Bolognesi (2003), Thebas (2005), Burnier (2001), Lecoq (2010). From Da Arte, the dialogue was with Barbosa (1991) and Desgranges (2003) to understand the pedagogy I used in the development of the project "Place of Circus and in School", so the cited authors provide the basis for sewing the flaps of our pedagogical work.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Este trabalho traz os desdobramentos das pesquisas de um artista da cena que se debruça sobre o seu próprio processo de criação, investigando-o e analisando-o criticamente. Por meio da personagem drag queen Soraia Queimada, corpo bicha-preta-periférica, é criada uma caricatura de aspectos da sociedade brasileira da segunda década do século XXI profundamente marcada pela violência. Soraia Queimada protagoniza um teatro show, estruturado a partir de expedientes presentes no Teatro de Revista, pelo qual o artista pesquisador investiga a criação de um corpo em cena descolonizado, que opera independente do modelo colonizador do corpo macho - branco - cisgênero - heterossexual. Este trabalho é um compartilhamento de reflexões e desdobramentos de uma pesquisa laboratorial de construção de uma cena e de um corpo descolonizado. This work brings the unfolding of researches of a scene artist who looks over his own creation process, investigating it and analyzing it critically. Through the drag queen character Soraia Queimada, a queer-black-peripheral body, is created a caricature of aspects of Brazilian society of the second decade of the twenty-first century, deeply marked by violence. Soraia Queimada stars in a show theater, structured from some aspects present in the Theater of Magazine, by which the researcher investigates the creation of a decolonized body in a scene, that operates independently of the colonizing model of the male - white - cis sex - heterosexual body. This work is a sharing of reflections and unfolding of a laboratory research of construction of a decolonized scene and body.

As águas, que movem esta pesquisa nascem do desejo de se refletir acerca da linguagem da palhaçaria. Colocamos o foco no corpo cômico e buscamos investigá-lo como potência para a criação artística pondo em evidência a pesquisa do coletivo paraibano ‘Companhia dos Clownssicos’. Objetivamos com este estudo apontar possibilidades criativas de descoberta deste corpo cômico buscando uma organicidade que desemboque num estado risível. Para isto, navegamos pelas terras-devaneios de um palhaço-pesquisAtor, agitando suas águas-memórias que têm nos auxiliado a desvendar a natureza da terra ancestral que nele habita, uma terra que transcende o sentido de firme e assume uma qualidade muito mais movediça. Acreditamos que uma pesquisa sobre o universo do palhaço no meio acadêmico pode suscitar uma rica troca de experiências, assim como aguçar e estimular outros artistas a encontrarem sua maneira de falar, registrar, e além de tudo, refletir sobre o seu processo de trabalho artístico. Por fim, trabalhamos na perspectiva do teatro como encontro e estudamos os afetos que permeiam a máscara líquida do palhaço. The waters, which move this research, are born in the desire to reflect about the language of clowning. We focus on the comical body and seek to investigate in him the potency for artistic creation, highlighting the research of the collective "Companhia dos Clownssicos". With this research, we aim to indicate creative possibilities of the comical body, seeking an organization that can generate a laughable state. For this, we navigate through the reverie grounds of a clownresearcher/actor, stirring up his water memories that have helped unravel the nature of the ancestral land that he inhabits, a land that transcends the sense of firmness and assumes a much more moving quality. We believe that a research on the clown universe in academic terms can give rise to a rich exchange of experiences, as well as sharpen and stimulate other artists to find their way of speaking, recording, and, above all, reflecting on their artistic work process. Finally, we work from the perspective of theatre as an encounter and study affections that permeate the liquid mask of the clown.

Esta pesquisa indaga a possibilidade de uma experiência trágica de um espectador ou do autor no teatro contemporâneo. O objetivo é questionar a possibilidade da concentração do trágico, por exemplo, em um gesto performático. Hans-Thies Lehmann, no seu livro ‘Tragödie und dramatisches Theater’ (2014), reflete sobre a experiência trágica, que envolve vários aspectos, como a estetização de um acontecimento trágico, a cisão dessa estetização e uma reflexão. Foram criados e pesquisados múltiplas reescritas, experimentos e fragmentos reunidos sob o nome de ‘Estrada V’, baseados principalmente na obra ‘A Estrada de Volokolamsk’, de Heiner Müller e nas experiências do presente autor. O foco ficou nas reflexões e práticas em relação ao público e da possibilidade de uma experiência trágica vir a ocorrer. Constatou-se que no mundo moderno, a mística do excesso não precisa ser mais grandiosa, porém exige-se uma aumentada atenção com o comum. O teatro da tragédia contemporâneo é um local de conscientização intensa de perda, onde o sujeito é confrontado com a dissolução inevitável do ser e com uma experiência da própria finitude. Neste contexto, o trágico no teatro contemporâneo investiga o sujeito fragmentado do mundo atual, tocando na antiga e sempre renovada experiência do excesso. O destino fundamental do caráter trágico é seu desejo de investigação por uma verdade maior, em um mundo onde não há certezas e postulados irrefutáveis. Foi verificado que na arte performática a criação do trágico nasce do afeto, estabelecendo uma conexão específica entre o performador e o receptor, permitindo o surgimento de uma experiência trágica. This research investigates the possibility of a tragic experience of a spectator or the author in contemporary theater. The objective is to question the possibility of the concentration of tragic, for example, in a performance gesture. Hans-Thies Lehmann, in his book 'Tragödie und dramatisches Theater' (2014), reflects on the tragic experience, which involves several aspects, such as the aestheticization of a tragic event, the breakup of this aesthetization and a reflection. Multiple re-writings, experiments and fragments were collected and researched organized under the name of 'Estrada V', based mainly on Heiner Müller's 'The Road of Volokolamsk' and the experiences of the present author. The focus was on reflections and practices of the relationship between stage and the public and the possibility of a tragic experience to occur. It has been found that in the modern world, the mystique of excess need not be grand, but an increased attention to the common is demanded. The theater of contemporary tragedy is a place of intense awareness of loss, where the subject is confronted with the inevitable dissolution of being and with an experience of one's own finitude. In this context, the tragic in contemporary theater investigates the fragmented subject of the present world, touching on the old and always renewed experience of excess. The fundamental destiny of the tragic character is its desire to investigate for a greater truth in a world where there are no certainties and irrefutable postulates. It was verified that in performance art the creation of the tragic arises from affection, establishing a specific connection between the performer and the receiver, allowing the emergence of a tragic experience.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O presente trabalho procura desenvolver reflexões no campo das artes sobre as possibilidades de teatro para além do texto clássico (aristotélico) e das separações homogêneas das linguagens artísticas levando em consideração duas produções do artista belga Jan Fabre. Entendendo que teatro performativo seria esse lugar entre o teatro e a performance, onde um percebe no outro a capacidade de germinação, objetiva-se apresentar esse artista e utilizar como base as obras The Power of Theatrical Madness (o reenactment de 2012) e Mount Olympus (uma performance de 24 horas de duração – 2015), e, ainda, a sede do diretor – o Troubleyn / Laboratorium. A partir do título do trabalho, sugestiono para a pesquisa a ideia de dossiê enquanto espécie de coleção de documentos ou “pequeno arquivo” que contém algum assunto para análise. Nessa ideia, procuro desmembrar características do trabalho artístico de Fabre. Trata-se de obras específicas, mas cuja análise crítica acaba por denunciar o modus operandi de Fabre como um todo. Reside aqui, uma tentativa de traduzir Fabre e seu trabalho, não somente no que tange à linguagem, mas no que se refere às imagens, vídeos e buscas. É uma tradução das várias informações e entrevistas realizadas ao longo dessa jornada. É a tradução também do que eu sinto, percebo e assimilo nesses diálogos constantes com o Troubleyn. The present study aims to develop reflections in the arts field about the theater possibilities beyond the classic text (Aristotle) and homogeneous separation of the artistic languages taking into consideration two productions of the Belgian artist Jan Fabre. Understanding that Performative Theater would be this place between the theater and the performance, where one realizes on the other the germination ability. It’s the intention to introduce this artist and use as a basis of study his works The Power of Theatrical Madness (1984 – 2012), and Mount Olympus (a twenty four-hours performance – 2015) and also his head office, the Troubleyn / Laboratorium. From the title of this work, I walk into the dossier idea as a kind of documents collection or a short file, that carries some subject for analysis. This way, I intend to dismember the features of Jan Fabre’s artwork. However these are specifics works, its critical analysis turns out to reveal Fabre’s modus operandi as a whole. Here is an attempt to translate Fabre and his works, not only with regard to the language, but to translate what comes from pictures, videos and searches. It´s a translation of information I receive and interviews I´ve done throughout my journey. It´s also a translation of what I feel, I realize and assimilate through these constant dialogues with Troubleyn.

Esta pesquisa possui como principal objetivo analisar e estudar as micro-relações de poder existentes entre as personagens da peça Eles Não Usam Black-Tie, escrita por Gianfrancesco Guarnieri, em 1955. Pretendemos também mostrar um experimento cênico, no qual buscamos visualizar os micro-poderes em cena. A metodologia escolhida inclui a leitura do texto de Guarnieri, observando-se a inter-relação entre as personagens. Esta observação é realizada sob a perspectiva do poder. O nosso principal suporte teórico para a realização das análises é um conjunto de colocações apresentadas pelo pensador francês Michel Foucault, especialmente a respeito da obra Microfísica do Poder e das questões referentes às teias do poder. As reflexões trazidas por Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço e Anatol Rosenfeld foram também primordiais para entender os aspectos dramatúrgicos da peça, como também a estrutura macropolítica da época em que ela foi encenada. Desse modo, a pesquisa visa facilitar a percepção para as micro-relações presentes no texto Eles Não Usam Black-Tie, bem como expor uma possibilidade de visualização cênica destes elementos. Para isto, utilizamos para a reflexão cênica autores como: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Roberto Machado e Gilles Deleuze. This research is focused in the analysis of the micro-relations of power consisted between characters in the play Eles Não Usam Black-Tie, written by Gianfrancesco Guarnieri, in 1955. In this context, we will present a scenic experiment which represents the micropower inside the scene. The methodology used in this study was based on the reading of the Guarnieri’s play and making observations about the inter-relationship between the characters. This observation is made from the perspective of power. To support our analyses, we used the set of placements showed by the French writer Michel Foucault, especially in his work Microfisica do Poder which presents the influences of the power. We used the reflexions obtained by Sábato Magaldi, Décio de Almeida Prado, Edelcio Mostaço and Anatol Rosenfeld to understand the dramatic aspects and the macro-political structure of the time where the play was written. Thus, this research aims to make an easier understanding of the perception of micro-relations present in Eles Não Usam Black-Tie and show a possible visualization of these elements inside the scene. In this respect, we used the reflexions obtained in works from authors as: Patrice Pavis, Josette Féral, Naira Ciotti, Roberto Machado e Gilles Deleuze.

Esta dissertação descreve o percurso de sete experimentos onde investiguei a possibilidade de criação através da reperformance. Para conseguir desenvolver esta prática investigo três obras de Pina Bausch, duas de Marina Abramovic e dois trabalhos autorais, a partir de laboratórios e investigações desenvolvidas no “Workshop de Estudos em Reperformance” para artistas e pesquisadores da região metropolitana do Natal, Rio Grande do Norte e em Bogotá, Colômbia. Para desenvolver tal trajetória, foi realizado um estudo reflexivo sobre a documentação de registros, que culminam nas impressões da visita à exposição de Marina Abramovic no Sesc Pompéia, assim como levantamentos bibliográficos a fim de refletir sobre o conceito de reperformance, e breve um mapeamento afetivo da história da performance em Natal no período de 2007 à 2016. This dissertation describes the trajectory of seven experiments based on studies in which I investigate the possibility of creation through reperformance. In order to develop my practice, I analyzed three works from Pina Bausch, two from Marina Abramovic, and two of my own works from laboratories and researches developed in "Workshop de Estudos em Reperformance" in which I teach artists and researchers in, both, the metropolitan region of Natal, Rio Grande do Norte, and Bogota, Colombia. To develop such a course, not only a reflective study on records documentation was held, culminating in the impressions of the visit of Marina Abramovic's exhibition at SESC Pompeia, but also literature surveys was made in order to reflect on the concept of reperformance, in which I identify the need to develop an affective mapping of the history of performance in Natal from 2007 to 2016.

Nesta pesquisa prática-teórica abordo o conceito de teatro performativo de Josette Féral (2008) a partir da criação da encenação “Pode ser que seja...” baseada na obra “Pode ser que seja só o leiteiro lá fora” (1974) do escritor gaúcho Caio Fernando Abreu (1948-1996). Procuro, portanto, aliar os conceitos propostos pelos autores Jean Baudrillard (1990) e Jean-François Lyotard (2013) a um estudo comparativo sobre procedimentos de criação, tomando por base os encenadores Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antônio Araújo (2011) e Robert Wilson (2011) alicerçados pela discussão proposta por Ferál (2015) a respeito dos limites entre a teoria e a prática no fazer teatral. A fim de discutir a relação entre a prática e a teoria, apresento na introdução desta dissertação, os conceitos que foram trabalhados no processo de criação e desenvolvo esta pesquisa sobre a montagem de uma encenação performativa em capítulo único que se dedica a descrever o processo de criação do “Pode ser que seja...”, articulando a minha voz enquanto encenador com as vozes dos artistas que fizeram parte deste projeto. In this practice and theoretical research I approach the concept of performative theater by Josette Feral (2008) from the creation of play "Pode ser que seja..." based on the text "Pode ser que seja só o leiteiro lá fora" (1974) by brazilian writer Caio Fernando Abreu (1948-1996). I seeking to combine the concepts proposed by the authors Jean Baudrillard (1990) and Jean-François Lyotard (2013) a comparative study on the creation of procedures, based on the directors Renato Cohen (2006), Tadeusz Kantor (2008), Antonio Araújo (2011) and Robert Wilson (2011) grounded the discussion proposed by Feral (2015) about the boundaries between theory and practice at theater. In order to discuss the relationship between practice and theory, present in the introduction of this dissertation, the concepts that have worked in the creation process and develop this research on the assembly of a performative theater in one chapter dedicated to describing the process of creation of the "Pode ser que seja...", articulating my voice as a director with the voices of the artists who participated in this project.

Nelson Falcão Rodrigues (1912-1980) autor que introduziu a modernidade cênica no Brasil, também se tornou conhecido por retratar, em suas obras, um mundo obscuro tomado por personagens obsessivos e perturbados, tais características foram decisivas para que a censura do Rio de Janeiro e São Paulo o acompanhassem em toda sua trajetória artística. Nesta dissertação, trazemos à luz processos da censura paulistana, das décadas de 40 a 60, referente à três obras teatrais: Senhora dos Afogados, Perdoa-me por me traíres e Boca de Ouro; os quais foram disponibilizados pelo Arquivo Miroel Silveira - AMS da Escola de Comunicação e artes-ECA da Universidade de São Paulo- USP. Através da abordagem denominada Crítica de Processo (SALLES, 2008a), enquanto extensão da Crítica Genética, problematizamos alguns fatores que atravessaram o processo criativo das obras teatrais do dramaturgo. Para tal explanação, fomos guiados pelo conceito de Redes da Criação, do qual foi possível propor a construção de uma rede da criação rodriguiana, que em nossa leitura abarca: o termo filosófico deformação (DIDI-HUBERMAN, 2010); a autocrítica; e a Censura. Propomos uma leitura das 17 peças teatrais do dramaturgo e, em particular dos arquivos em censura, uma vez que indicam um momento específico da construção da obra por conterem originais que foram afastados do alcance do autor. No confronto Documentos de processo versus obra publicada foram mapeadas diversas modificações. Construímos, portanto, essa complexa rede, delimitada pela nossa leitura crítica, porém, capaz de nos aproximar ainda mais do dramaturgo que marcou uma época e continua na contemporaneidade a nos inquietar com seu Teatro desagradável. Nelson Rodrigues (1912-1980) author who introduced the scenic modernity in Brazil, also became known for portraying in his works, an obscure world taken by obsessive and disturbed characters, such characteristics were decisive for the censorship of Rio de Janeiro and Sao Paulo accompany him throughout his artistic career. In this thesis, we bring to light cases of censorship São Paulo, of the 40 to 60, referring to the three theatrical works: Lady of the Drowned, Forgive me for me and betray Golden Mouth; which were provided by Miroel Silveira Archive - AMS School of Communication and Arts ECA-University of São Paulo USP. Through the process called Critical approach (SALLES, 2008a), as an extension of Genetic Critic, problematize some factors that have gone through the creative process of theatrical works of the playwright. For this explanation, we were guided by the concept of Creation Network, which was proposed the construction of a Rodriguean creation, which in our reading includes: the philosophical term deformation (DIDI-HUBERMAN, 2010); self-criticism; and censorship. We propose a reading of 17 theatrical playwright parts and, in particular files on censorship, because they indicate a specific time of the construction work to contain documents that were kept out of reach of the author. In comparison process documents versus work published several modifications were mapped. Built, so this complex network bounded by our critical reading, however, able to bring us closer to the playwright that marked an era and continues the contemporary to unsettle us with their unpleasant Theatre.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Augusto Boal (Brasil) e Heine Müller (Alemanha) são teatrólogos do século XX que viveram em países e contextos evidentemente distintos. Contudo, com a crise do teatro burguês e das condições de legitimidade do regime de produção deste teatro, ambos apresentam pontos de contato em suas linhas e vetores teatrais que, diante da questionável universalidade da dramatização, levam à concepção de um teatro múltiplo e perturbador da ordem do sensível. Os processos de encenação contemporânea exigem uma ultrapassagem do sentido do político, desviando do jogo de representações sociais, para dar lugar ao trabalho desconstrutor de imagens como cisão entre a palavra e o representado, entre o legível e o visível. Em face do exposto, as escritas cênicas e, por isso mesmo, literárias desses autores, lugares de singularização - não sem paradoxos - capazes de mobilizar manifestações e impasses quanto às imagens que organizam ou desorganizam os textos dramáticos, trazem para a contemporaneidade tensões que levam o próprio teatro tanto a se interpelar, quanto, em sua força plural, a encontrar passagens para o novo. Trazer à superfície aspectos políticos nas imagens dos textos dramáticos, considerando-os na sua inscrição literária: “A missão: lembranças de uma revolução”, de Heiner Müller, e “O homem que era uma fábrica”, de Augusto Boal, faz-se um desafio, uma vez que as imagens pretendidas são aquelas com formas ou materialidades ainda não visíveis na cena, poderíamos dizer, em estado virtual. Como imagens pensantes, elas acontecem no plano de imanência da linguagem (Deleuze e Guattari). Sendo o “político” uma perturbação no sensível, contrário à política (Rancière), a dramaturgia se abala em multiplicidades, deslocando e desnaturalizando as funções de autor/dramaturgo e leitor/ator, teatro/literatura. Dramaturgia simultânea, imagem, fragmento e colagem mostram-se como procedimentos artísticos e literários criativos que se encontram apropriados seja na teoria do teatro do oprimido (Boal), seja no teatro pós-dramático (Hans-ThiesLehmann), embora, ao confrontá-las, elas sobressaiam em desentendimentos: a primeira coincide com a lógica da identidade e a segunda, esta se desarticule, movida pela diáfora, contestação, ou desacordo. Tais relações - não apriorísticas- sucedem-se enquanto acontecimento da leitura ou da leitura como acontecimento em que o político nas imagens dá-se, antes, nas lacunas e obscuridades, acenando para o que está além do sentido, da cena do gesto e da palavra. O leitor não para para atribuir sentido, interroga-se diante das metamorfoses e formas obliquas de acontecimentos insuspeitos que compõem o político estabelecendo o agenciamento coletivo da enunciação. Neste caso, o texto de Boal e o texto de Müller inscrevem-se na produção de uma literatura menor, ou de um teatro menor, o que os qualifica como agentes de devires revolucionários, agitando, através da política nas imagens, e irrompendo contra o problema do poder nas artes. Augusto Boal (Brasil) y Heiner Müller (Alemania) son dramaturgos del siglo XX que vivieron en países y contextos evidentemente distintos. Sin embargo, con la crisis del teatro burgués y de las condiciones de legitimidad del régimen de producción de este teatro, ambos presentan puntos de contacto en sus líneas y vectores teatrales que, frente a la universalidad cuestionable de la dramatización, llevan a la concepción de un teatro múltiple y perturbador del orden de lo sensible. Los procesos de escenificación contemporánea exige un adelantamiento del sentido político, desviando del juego de representaciones sociales, para dar lugar al trabajo deconstructor de imágenes como cisión entre la palabra y lo representado, entre lo legible y lo visible. Frente al expuesto, las escritas escénicas y, por eso, literarias de estos autores, sitios de singularización – no con ausencia de paradojas – capaces de movilizar manifestaciones e impases cuanto a las imágenes que ordenan o desordenan los textos dramáticos, traen para la contemporaneidad tensiones que llevan al teatro mismo, tanto a interpelarse como, en su fuerza plural, a encontrar pasajes para el nuevo. Llevar a la superficie aspectos políticos en las imágenes de los textos dramáticos, considerándolos en su inscripción literaria: “La misión: recuerdos de una revolución”, de Heiner Müller, y de “El hombre que era una fábrica”, de Augusto Boal, se hace un desafío, una vez que las imágenes pretendidas son aquellas con formas o materialidades todavía no visibles en la escena, podríamos decir, en estado virtual. Como imágenes pensantes, ellas suceden en el plan de inmanencia del lenguaje (Deleuze y Guattari). Siendo lo “político” una perturbación en lo sensible, contrario a la política (Rancière), la dramaturgia se abala en multiplicidades, desplazando y desnaturalizando las funciones de autor/dramaturgo y lector/actor, teatro/literatura. Dramaturgia simultánea, imagen, fragmento y colaje se muestran como procedimientos artísticos y literarios creativos que se encuentran apropiados sea en la teoría del teatro del oprimido (Boal), sea en el teatro pos-dramático (Hans-ThiesLehmann), a pesar de que, al confrontarlas, sobresalían en desentendimientos: la primera coincide con la lógica de la identidad y la segunda, esta se desarticula, movida por la diáfora, contestación, o desacuerdo. Tales relaciones – no apriorísticas – se suceden en cuanto acontecimiento de la lectura o de la literatura como acontecimiento en que lo político en las imágenes se da, antes, en las lagunas y obscuridades, aludiendo a lo que está más allá de lo sentido, de la escena del gesto y de la palabra. El lector no se para para atribuir sentido, se interroga frente a las metamorfosis y formas oblicuas de acontecimientos insospechables que componen lo político estableciendo la gestión colectiva de la enunciación. En este caso, el texto de Boal y el texto de Müller se inscriben en la producción de una literatura menor, o de un teatro menor, o que los califica como agentes de devenires revolucionarios, agitando, a través de la política en las imágenes, e irrumpiendo contra el problema del poder en las artes.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) O objetivo desta dissertação foi estabelecer um diálogo entre arte e política, a partir dos estudos da performance (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Tomando como hipótese que as fricções entre inscrição (GIL, 2004, 2009, 2014) e não-inscrição que caracterizam o sujeito português construíram o meu percurso artístico no teatro de metamorfoses imperiais (SLOTERDIJK, 2002). Ou seja, onde o meu corpo surge como espaço de inscrição construiu-se um jogo para uma performance de metamorfoses. Para tal, desenvolvi textos autobiográficos que traduzem as metamorfoses vividas tanto em Portugal como Brasil. Incidindo sobretudo no período em que Portugal aderiu à Zona Euro e às manifestações ocorridas no Brasil desde a minha chegada. A partir da literatura consultada este contexto de crise foi nomeado como teatro da metamorfoses imperais criando o con(texto) para a performance FENDA - Zonas de Negociação Temporárias (2016), que se traduz em dois processos de criação que desenvolvi ao longo da pesquisa e nas experiências artísticas, culturais e sociais que vivi em solo brasileiro. O professor Bhabha, entre outros, ajudou-me, antropologicamente, a pensar em modos de organização do espaço nos países colonizados e nos países colonizadores. No jogo que criei na performance, busquei, então, mecanismos para a negociar a diferença (BHABHA, 2000), e criar as relações de alteridade e o saber que pretendo politizar. The purpose of this dissertation was to establish a dialog between art and politics, through performance studies (COHEN, 1989), (FÉRAL, 2014), (SCHECHNER, 2007), (ZUMTHOR, 2007), (PHELAN, 1992). Assuming as a hypothesis that the frictions between inscription (GIL, 2004, 2009, 2014) and non-inscription that characterize the Portuguese individual make my artistic course in the theatre of imperial metamorphosis (SLOTERDIJK, 2002). Meaning, where my body emerges as a space of inscription it was built a set for a performance of metamorphosis. For such, I’ve developed autobiographical texts that translate the metamorphosis lived both in Portugal as in Brazil. Focusing mostly in the period of Portugal’s adhesion to the Euro Zone and the manifestations occurred in Brazil during my stay. Through consulted literature, this context of crisis was designated as theatre of imperial metamorphosis creating a con(text) for the performance FENDA – Zonas de Negociação Temporárias, that translates in two processes of creation that I’ve developed throughout the research and in the artistic, social and cultural experiences that I lived in Brazilian soil. Professor Bhabha, amongst others, helped me anthropologically to think in modes of space organization in colonized and colonizing countries. Therefore in the performative game I have created, I sought mechanisms to negotiate the difference and create the relations of alterity and the knowledge I intend to politicize.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Esta pesquisa trata das relações possíveis entre o corpo e a vestimenta nos estados cênicos performáticos cruzando a cena contemporânea, a filosofia da moda e os argumentos filosóficos de profanação e dos dispositivos. Algumas obras foram observadas e citadas nesta dissertação, para isso realizei entrevistas estruturadas com oito artistas da performance, como estratégia metodológica que pudesse trazer dados sobre as experiências desses corpos vestidos e/ou despidos em cena, para além da pesquisa bibliográfica e revelando a ação da vestimenta sobre o corpo, assim como sua influência nas subjetividades do performador e do público. Essas relações podem ser experienciadas no processo de criação de figurinos na cena contemporânea nomeando a possibilidade da existência de modos do corpo, como maneiras que emergem e que se constituem como alternativas estéticas, criativas e discursivas. This research deals with the possible relationships between the body and the garment in performative scenic states across the contemporary scene, the philosophy of fashion and the philosophical arguments of profanity and dispositive. Some works were observed and cited in this dissertation, for this I conducted structured interviews with eight artists of performance, as a methodological strategy that could bring data about the experiences of this dresses and/or naked bodies on the scene, in addition to literature and revealing the action of clothing on the body as well as its influence on the subjectivities of that whom performes and the public. These relationships can be experienced in the process of creating costumes in contemporary scene naming the possibility of modes of the body, as ways that emerge and constitute as creative, discursive and aesthetic alternatives.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2016-06-09T12:38:12Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Ana Rizek.pdf: 691379 bytes, checksum: fb3b9ca0bb11cf9799308f04aec7a8e4 (MD5) Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-06-13T17:37:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Ana Rizek.pdf: 691379 bytes, checksum: fb3b9ca0bb11cf9799308f04aec7a8e4 (MD5) Made available in DSpace on 2016-06-13T17:37:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Ana Rizek.pdf: 691379 bytes, checksum: fb3b9ca0bb11cf9799308f04aec7a8e4 (MD5) Esta dissertação apresenta uma reflexão acerca da ocorrência de um modo de composição nomeado “instalação coreográfica” por artistas e críticos da cena paulistana da dança contemporânea na primeira década do século XXI. O ponto de partida da pesquisa foi o trabalho Vestígios da coreógrafa paulistana Marta Soares, embora o resultado escrito não se restrinja a uma análise monográfica sobre a obra. O principal desafio metodológico desse estudo foi encontrar uma maneira de dissertar a respeito de um jeito de compor um pensamento em dança que fugisse à descrição ilustrativa ou ao ímpeto por uma definição teórica. O foco da discussão está, assim, nas interlocuções entre dança e artes visuais inscritas no campo da dança contemporânea, identificadas na instalação coreográfica pela hipótese de que nessa forma compositiva opera um dispositivo crítico de relação entre obra e contexto de existência. As noções de limiar (BENJAMIN, 2007) e zona de transitividade (BRITTO, 2008a) foram fundamentais para circunscrever a hipótese deste trabalho.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This dissertation aims to look into the structure of the event Circuito Regional de Performance BodeArte1 to think how it collaborate with its proposal providing theoretical points to relevant questions to the comprehension of Brazilian performance art in contemporaneity, since its conceptual format until its occurrence and practical limitations. From this proposition the dissertation is organized into three chapters guided for the following aspects: the resumption of the events encompassed on the occurrence of Circuit BodeArte as well as a tabulation of the data reunited in its history, the presentation of its conceptual choices, and the metaphors conducted by the use of the term performance and how they can lead us to the idea of a performance-as-BodeArte. The methodological structures moved for this organization are qualitative, and have been formed from printed materials, texts, festival programs, blog, videos, photos, interviews, lectures and forums, plus our own memory as a producer and performer of the event, looking through these set points of the epistemological organization contained on the proposal of the Circuito, expanding and discussing them. This way this research moves between the propositions of this event in its three editions, promoting discussions that dialogue with concepts such as the emergence of Steve Johnson (2004), the metaphors of thought proposed by Christine Greiner (2005), the idea of performance hacker of Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), as well as other propositions presented by Jan Swidzinski (2005) and Eleonora Fabião (2012) Esta dissertação tem por objetivo voltar-se à estrutura do evento Circuito Regional de Performance BodeArte, para pensar, desde seu formato conceitual até seu acontecimento e limitações práticas, como ele em sua proposta aponta questões relevantes para a compreensão da performance brasileira na contemporaneidade. A partir desta proposição, a dissertação organiza-se em três capítulos pautados nos seguintes aspectos: a retomada dos acontecimentos e dados reunidos na ocorrência do Circuito BodeArte, a apresentação de suas escolhas conceituais, e as metáforas conduzidas pelo uso do termo performance e como elas podem nos conduzir a ideia de uma performance-como-BodeArte. As estruturas metodológicas para tanto são de caráter qualitativo, e tomam como base materiais impressos, textos, programas, blog, vídeos, fotografias, entrevistas, palestras e fóruns, além de nossa própria memória como produtor e performer do evento, procurando através destes estabelecer pontos de organização epistemológica da proposta do Circuito, ampliando-os e discutindo-os. Deste modo esta pesquisa desloca-se pelas proposições do evento em suas três edições, promovendo discussões que interpelam e dialogam com conceitos como a emergência de Steve Johnson (2004), as metáforas do pensamento de Christine Greiner, a ideia de performance hacker de Maria Beatriz de Medeiros (AQUINO, et al., 2012), assim como outras proposições lançadas por Jan Swidzinski (2005) e Eleonora Fabião (2012)

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Based on the presupposition that the arts in the West always counted on resources, supports, and devices pertaining to its time context, an reflection is intended regarding the scenic compositions mediated by digital technologies do. Such technologies are inserted in the daily routine, also composing artistic experiments, thus playing a dialogical role with the art/technology intersection. Therefore, the proposal is to investigate what relationships are established in the contemporary theatrical scene from the contagion by digital technologies, aiming at establishing this parallel through a dialogue with the authors discussing the subject, and also based on the group practices having technological resources as a determinant factor in their plays. Furthermore, a reflection should be made on the scene that incorporates or is carried out in intermediatic events, analyzing how digital technologies (re)configure compositional processes of the plays by GAG Phila7, in the city of São Paulo/SP. For such, the dissertation is organized in three sections comprising four moments, to wit: brief overview of the field, contextualization, poetic analysis and synthesis. Qualitative methods are used as the methodological proposal: semi-structure interview, note and document taking (program, website, playing book, disclosure material for advertising text, photographs, and videos). Within the universe of qualitative research, it works with the epistemological perspective of the Gadamer philosophical hermeneutics. The possibilities allowed by the double virtual (Internet/web) generated a type of theater with another material basis and new forms of organization and structure, being possible to perceive that such technological advances and the arts are mutually contaminated, generating a dislocation in the logics of theatrical composition, movement beginning with the artistic vanguards, gradually intensified, thus offering new possibilities of constructions and hybridization of the of the most different possible types. Experiment ―Profanações_superfície de eventos de construção coletiva‖, idealized by Phila7 is inserted in this perspective. Object of the discussion of such research, the experiment works with possible poetics arising from the intersection with the digital technologies, aiming at identifying and problematizing the challenges from the technological evolution and expansion in a scenic context Partindo do pressuposto de que as artes no ocidente sempre dispuseram de recursos, suportes e dispositivos pertencentes ao seu contexto de época, pretende-se uma reflexão acerca de composições cênicas mediadas por tecnologias digitais. Tecnologias essas, que estão inseridas no cotidiano, passando também a compor experimentos artísticos, assumindo dessa forma um papel dialógico por meio da intersecção arte/tecnologia. Propõe-se assim investigar quais as relações que se estabelecem na cena teatral contemporânea a partir do contágio pelas tecnologias digitais, procurando traçar esse paralelo através do diálogo com autores que tratam do assunto, como também, valendo-se de práticas de grupos que tem no uso de recursos tecnológicos fator determinante em suas encenações. Além disso, se realiza uma reflexão sobre a cena que incorpora ou se perfaz em eventos intermidiáticos, analisando de que forma as tecnologias digitais (re)configuram os processos composicionais das encenações do GAG Phila7, da cidade de São Paulo/SP. Para tanto, a dissertação encontra-se organizada em três capítulos que contemplam quatro momentos, a saber: breve panorama do campo, contextualização, análise e síntese poética. Utiliza-se como proposta metodológica os métodos qualitativos: entrevista semi-estruturada, tomada de notas e documentos (programa, site, caderno de encenação, material de divulgação para texto publicitário, fotografias e vídeo de registro). Dentro do universo da pesquisa qualitativa, trabalha-se com a perspectiva epistemológica da hermenêutica filosófica gadameriana. As possibilidades abertas pelo duplo virtual (internet/web) gerou um tipo de teatro com outra base material e novas formas de organização e estruturação, sendo possível perceber que tais avanços tecnológicos e as artes se contaminam mutuamente, gerando um deslocamento na lógica da composição teatral, movimento iniciado com as vanguardas artísticas, que vem se intensificando gradativamente, abrindo possibilidades de construções e hibridizações das mais diversas possíveis. É nessa perspectiva que se encontra inserido o experimento Profanações_superfície de eventos de construção coletiva, idealizado pelo Phila7. Alvo das discussões da referida pesquisa, o experimento trabalha com poéticas possíveis surgidas da intersecção com as tecnologias digitais, buscando apontar e problematizar os desafios advindos da evolução e expansão tecnológica em um contexto cênico

The issue of creating productions of hybrid matrices has demanded, for more than three decades, the attention of several theater theorists (COHEN: 1995; LEHMANN: 2007). The study of philosophers (DELEUZE & GUATTARI: 1995) has contributed for new concepts of the scene. These artistic practices, depending on the context, have been generating, more and more, new ways of staging. I will discuss the contamination caused by Antonin Artaud in contemporary theater, and the theater s infection by the performance, based on the thought of Barbara Browning (1995), from its capacity to penetrate and invade territories, and installs a new system. I affirm that the Totem Group (Recife PE) was contaminated by the performance and analyze two performative plays of the group, their points of convergence and separation. The first one is Ita, the search for the origin, the animal devir; the second is Caosmopolita, the body as a reflex of urbanity A questão da criação de encenações de matrizes híbridas tem demandado, há mais de três décadas, a atenção de diversos teóricos teatrais (COHEN: 1995; LEHMANN: 2007). O estudo de filósofos (DELEUZE & GUATTARI: 1995) tem contribuído para novas conceituações da cena. São práticas artísticas, que dependendo do contexto, vêm gerando cada vez mais, novas formas de encenação. Abordarei a contaminação causada por Antonin Artaud no teatro contemporâneo, e a questão da infecção do teatro pela performance, tomando como base o pensamento de Barbara Browning (1995), a partir da sua capacidade de penetrar e de invadir territórios, e instalar um novo sistema. Afirmo que o Grupo Totem (Recife PE) foi contaminado pela performance e analisarei duas encenações performáticas do grupo, seus pontos de convergência e distanciamento. A primeira é Ita, a busca da origem, o devir animal; a segunda é Caosmopolita, o corpo como reflexo da urbanidade

We try to relate this research with other logic, to discover a path of practical approach to approach a creation composed of fragments and a search of parameters for the aesthetics of appropriation. Accordingly, we find relationship with the theater composed of fragments, where different styles are appropriate theatrical and representational styles are merged with each other. Discusses in the first chapter on the theater composed of fragments, and stroll through lanes of the strategies of some directors in the ways of the contemporary scene. In the second chapter we seek procedures and concepts of atmosphere Mikhail Tchekhov (TCHEKHOV, 1996), and the transition from point-to-point by Scott McCloud (2005). In the third part we describe the observation of the experiment conducted by the students of the Bachelor's Degree in Regional Theatre at the University of Cariri in Juazeiro, Ceará, in 2010. Using the methodology of "pesquisa-ação", observing that the scenic writing end of the experiment, called "Toque Me", and the presentation in the cities of Crato and Barbalha, in August 2010, contained elements of the strategies from theater fragmentary scenes and conceptual contents of contemporary theater Tentamos nos relacionar nessa pesquisa com outra lógica, descobrir um caminho de abordagem prática para nos aproximarmos de uma criação composta de fragmentos e uma busca de parâmetros para a estética da apropriação. Nesse sentido, encontramos relação com o teatro composto por fragmentos, onde diferentes estéticas teatrais são apropriadas e os estilos de representação são mesclados uns com os outros. Discorreremos no primeiro capítulo sobre o teatro composto de fragmentos, e percorreremos pistas através das estratégias de alguns encenadores nos caminhos da cena contemporânea. No segundo capítulo buscamos procedimentos e conceitos de Atmosfera de Mikhail Tchekhov (TCHEKHOV, 1996), e a transição de aspecto-a-aspecto de Scott McCloud (2005). Na terceira parte descrevemos a observação do experimento realizado com os alunos do curso de Licenciatura em Teatro na Universidade Regional do Cariri, em Juazeiro, Ceará, no ano de 2010. Utilizando a metodologia da pesquisa-ação, observarmos que a escrita cênica final do experimento, denominado Toque-me , e a apresentação nas cidades do Crato e Barbalha, no mês de agosto de 2010, continham elementos das estratégias do teatro de fragmentos e os conteúdos conceituais do teatro contemporâneo