Search

Conversación entre Miguel Cabañas, (investigador científico del Instituto de Historia, Departamento de Historia del Arte y Patrimonio) y Rosa Villalón (responsable del Archivo de la Biblioteca Tomás Navarro Tomás), ambos del Centro de Ciencias Humanas y Sociales (CCHS-CSIC), en torno al manuscrito de Ricardo Orueta sobre la historia de la escultura española. Este video forma parte de la exposición ‘Y sin embargo, se mueve: un viaje por los fondos digitalizados de la Red de Bibliotecas y Archivos del CSIC ’, elaborada a partir de documentos emblemáticos disponibles en el portal Simurg, fondos digitalizados del CSIC, y estrenada en junio de 2024 en las VI Jornadas de Análisis de la Red de Bibliotecas y Archivos del CSIC.

"No pretendo hacer en estas páginas una crítica de la obra de Picasso. Ese trabajo corresponde a profesionales, a técnicos en arte. Lo que quisiera es sugerir a través de mis observaciones, por insignificantes que sean, un Picasso más verdadero que el que se conoce superficialmente, un Picasso sin disfraces grotescos que no corresponden a la realidad, sin ese circo que con frecuencia se monta en torno suyo." Así resumía Mercedes Comaposada Guillén el propósito de su Picasso, una cercana biografía sobre el artista, situada en el contexto del exilio español. En ella, la escritora rememora los primeros años de su destierro en París, que pasó en compañía de Picasso, así como episodios compartidos y vivencias posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Documento singular escrito desde dentro de dicho escenario, con esta edición crítica del libro se pretende, aparte de actualizarlo y recuperarlo íntegramente incorporando varios nuevos fragmentos mutilados por la censura franquista, revalorizarlo en un doble sentido. Es decir, por un lado, en cuanto resulta clave para los estudios picassianos y la revisión de los vínculos del malagueño con España; por otro, respecto a su notable importancia en el trazo de la historia del exilio artístico republicano y de la cobertura que este obtuvo del pintor, aspectos que vienen experimentando un gran interés. Asimismo, sobre Mercedes Comaposada Guillén —o Mercedes Guillén, como firmaría su producción en sus últimas décadas—, el libro también incluye apuntes y referencias autobiográficas que permiten dibujar una panorámica de su vida y trayecto profesional. Los estudios introductorios que acompañan la edición crítica aportan nueva información sobre el citado contexto y llaman la atención sobre la necesidad de reivindicar la memoria de la escritora, hasta ahora solo analizada de soslayo.

Análisis introductorio en el que se contextualiza el valioso testimonio y observaciones que, sobre la actitud comprometida y solidaria de Picasso, nos dejó en su obra dedicada al pintor malagueño la escritora barcelonesa Mercedes Guillén (Mercedes Comaposada Guillén). Sin dejar de acudir a su relato y remarcando algunos de los casos más significativos de los que tenemos constancia, se resalta aquí la especial línea de compromiso y apoyo mostrada por Picasso hacia los artistas que hubieron de exiliarse en Francia, dado que, tanto el pintor como la escritora, conocieron bien y compartieron ese mundo de creación exiliada y compromiso antifranquista.

Esta tesis doctoral aborda el exilio español en Nueva York desde una perspectiva interdisciplinar. La intención es esclarecer qué factores impactaron en la diáspora artística española condicionando la experiencia vital de los artistas y generando el contexto de su producción plástica. La investigación explora dos líneas paralelas que confluyen en dos objetivos: por un lado, presentar una visión que aborda la situación de la comunidad española en general y, más en particular, del mundo de la cultura durante este periodo de tiempo en Nueva York; por otro, configurar e integrar un corpus, mediante ejemplos representativos, que ofrece una perspectiva variada y contrastada de las diferentes formas de afrontar el reto migratorio en un núcleo de recepción de migrantes considerado como periférico dentro del conjunto del exilio republicano. La estructura del contenido, a fin de cumplir con los objetivos establecidos, se articula en cuatro partes a través de las que se abordan diversos aspectos del exilio español en Estados Unidos. La primera está dedicada a contextualizar y definir aquellos elementos clave que aparecen durante todo el trabajo, como lo son, la diplomacia cultural basada en la instalación de instituciones culturales y artísticas, la fluctuación de los estereotipos capaces de aproximar o alejar a comunidades o los asentamientos españoles en la ciudad antes de la Guerra Civil. A continuación, se presenta en tres partes cronológicas el resto de información, vehiculadas mediante ritmos migratorios. Este es un sistema de distribución capaz de ofrecer una perspectiva diáfana del fenómeno del exilio artístico que integra en la investigación elementos sociológicos, históricos, migratorios, legislativos y artísticos..., This doctoral paper studies the Spanish exile in New York from an interdisciplinary perspective, in order to determine which factors impacted the Spanish artistic diaspora, conditioned their vital experience and the context of their plastic creations.The research explores two parallel lines, merging in two objectives; on the one hand, the articulation of a vision exploring the situation of the Spanish community in general, and the status of culture in particular during the New York period; on the other hand, a corpus is generated, by means of representative examples, offering a varied and contrasting perspective of the different approaches to the migration challenge, within a core of migrant reception considered peripheral to the republican exile group.The structure of the contents is fourfold, exploring several aspects of the Spanish exile in the United States, in order to reach the set objectives. The first part sets the context and definitions of the key elements analysed in the whole paper, such as cultural diplomacy based on the creation of cultural and artistic institutions, the fluctuation of stereotypes, able to bring together or drive apart communities or Spanish settlements established in the city before the Civil War. The three following sections present the information in three different chronological sets, related to the migratory waves, a system able to present a clear perspective of the artistic exile phenomenon, integrating social, historical, migratory, legal and artistic elements in the research...

A mediados del siglo pasado, el panorama de desarrollo y acreditación artístico-cultural de los artistas españoles, que el desenlace de la guerra civil había seccionado entre los del interior y los lanzados al exilio, continuaba dividido en dos, por más que –también por entonces– comenzaron a surgir entre los intelectuales y creadores los primeros intentos de acercamiento y las actitudes que sirvieran de puente. En medio de este contexto, en esos mismos inicios de la década de los cincuenta, vino a hacer su aparición la Bienal Hispanoamericana de Arte. Un certamen internacional de arte contemporáneo dirigido a los artistas de la comunidad de países hispanos, que era el ámbito que más artistas exiliados españoles acogía y adonde las señas identitarias se habían preservado con mejores condiciones y especial fuerza. La exploración de actitudes y el trazo de puentes para el regreso, en el campo artístico, también tuvo en este momento su gran exponente de inicio, a raíz de la convocatoria del certamen hispano. Sin embargo, junto a ello, este mismo certamen igualmente brindó la oportunidad, a los artistas españoles exiliados y sus solidarizados colegas latinoamericanos, de mostrar la actitud contraria y su irreductible antifranquismo. De aquí que alzasen la voz y, agrupados en diferentes colectivos, además del boicot a sus citas, protagonizasen diferentes acciones de oposición como forma de denuncia del régimen convocante. El lanzamiento de la Bienal Hispanoamericana Arte parecía abrir paso, por primera vez, a unos y a otros. Las intenciones y el trasfondo de puente o captación franquista que se quiso ver en el certamen, además de las grandes adhesiones, las inhibiciones o las tempranas y agrias polémicas vividas por los artistas del interior, en el exterior fue más allá del boicot a la invitación. De hecho, caló entre los más notables colectivos de artistas españoles exiliados y sus colegas hispanos solidarizados, conduciéndoles a poner en pie una nueva arma de denuncia

Introducción al libro: Arte en colectivo. Autoría y agrupación, promoción y relato de la creación contemporánea., El arte, la creación desarrollada o impulsada en colectivo, ha sido una constante a lo largo de la historia en los modos de pensar, hacer, contar o recibir la práctica artística. Los artistas contemporáneos han partido de ideas, conceptos y prácticas creativas como las tradiciones artesanas del gremio y del taller para trazar, cuestionar o replantear autorías, para agruparse o asociarse con nuevas miras o para promocionar su arte o fomentar su visibilidad y estudio. Todo ello ha permitido repensar críticamente y proponer nuevas interpretaciones sobre las prácticas y los relatos construidos canónicamente, sobre las valoraciones asentadas de individualidades o colectivos creativos o sobre las fórmulas de promoción del arte y las lógicas del mercado. Por otro lado, formas artísticas como el cine, la danza y las artes en vivo son prácticamente inconcebibles sin la colectividad. Otras vertientes, como el arte múltiple o el diseño, basculan entre la creación individual y la recepción compartida. Pero todas ellas han tomado parte en la evolución de la creación contemporánea, que entendemos aquí, en términos históricos, como la desarrollada en los siglos XIX a XXI. En consecuencia, este volumen, centrado en el avance que ha supuesto para el arte contemporáneo la colaboración y lo colectivo, da cabida también a las propuestas que abordan las asociaciones o uniones para defender unas u otras posturas o reivindicaciones, la militancia o el mismo activismo conjunto desde las artes, además de alentar la reflexión en sus páginas acerca de las maneras en las que, conjuntamente, se han construido los relatos y los estudios históricos del arte de los últimos siglos. Se incluye en ello el análisis del compromiso del artista frente a las problemáticas de su época, el arte como herramienta estética, educativa, ideológica, política o social, o el ejercicio y fortuna de la crítica artística desde unas posturas comunes, como revulsivo o factor de promoción, que son algunas constantes que

El arte, la creación desarrollada o impulsada en colectivo, ha sido una constante a lo largo de la historia en los modos de pensar, hacer, contar o recibir la práctica artística. Los artistas contemporáneos han partido de ideas, conceptos y prácticas creativas como las tradiciones artesanas del gremio y del taller para trazar, cuestionar o replantear autorías, para agruparse o asociarse con nuevas miras o para promocionar su arte o fomentar su visibilidad y estudio. Todo ello ha permitido repensar críticamente y proponer nuevas interpretaciones sobre las prácticas y los relatos construidos canónicamente, sobre las valoraciones asentadas de individualidades o colectivos creativos o sobre las fórmulas de promoción del arte y las lógicas del mercado. Por otro lado, formas artísticas como el cine, la danza y las artes en vivo son prácticamente inconcebibles sin la colectividad. Otras vertientes, como el arte múltiple o el diseño, basculan entre la creación individual y la recepción compartida. Pero todas ellas han tomado parte en la evolución de la creación contemporánea, que entendemos aquí, en términos históricos, como la desarrollada en los siglos XIX a XXI. En consecuencia, este volumen, centrado en el avance que ha supuesto para el arte contemporáneo la colaboración y lo colectivo, da cabida también a las propuestas que abordan las asociaciones o uniones para defender unas u otras posturas o reivindicaciones, la militancia o el mismo activismo conjunto desde las artes, además de alentar la reflexión en sus páginas acerca de las maneras en las que, conjuntamente, se han construido los relatos y los estudios históricos del arte de los últimos siglos. Se incluye en ello el análisis del compromiso del artista frente a las problemáticas de su época, el arte como herramienta estética, educativa, ideológica, política o social, o el ejercicio y fortuna de la crítica artística desde unas posturas comunes, como revulsivo o factor de promoción, que son algunas constantes que

Este trabajo aborda un viaje de características epopéyicas: el promovido por la administración durante los años treinta para la salvaguarda del patrimonio artístico cultural español o, en la terminología de la época, el “tesoro artístico nacional”, viaje que tuvo lugar durante la Segunda República Española (1931-1939) en tiempos de paz y de guerra. En ambos tramos, la política artística del régimen implementó importantes y trascendentes medidas para la protección de este rico patrimonio, aunque con diferentes condicionamientos y orientaciones en cada uno. El itinerario de tal acción republicana esencialmente lo marcó y vehiculó la Dirección General de Bellas Artes, con destacado protagonismo de sus principales responsables: Ricardo de Orueta durante el tramo de paz, que impulsó su inventariado y puso en marcha las medidas legislativas más notables y trascendentes, y el activo Josep Renau durante el de guerra, que puso en marcha importantes medidas como las de su evacuación y la propaganda de las actuaciones. Así, se resume aquí brevemente la relevante e intensa actuación preservadora general que, con Orueta, antecedió y fue preparando este viaje de proyección internacional, aunque el trabajo se centra más en los intensos tiempos bélicos y las labores de movilización y propaganda que impulsó Renau, las cuales alcanzaron aún mayor proyección y trascendencia cuando, estallada la Segunda Guerra Mundial, sirvieron de clara referencia a la defensa del patrimonio de los países contendientes en la nueva singladura bélica.

La combatividad y el activismo socio-político de Picasso, con sus adjetivaciones antifranquistas y pro-comunistas, son rasgos largamente difundidos y bien conocidos sobre el famoso pintor. Sin embargo, acaso no lo sean tanto los orígenes de ese creciente compromiso socio-político, en buena parte ligados a su acercamiento a la II República Española. Un compromiso que, luego, el conocido desenlace del conflicto armado español y el estallido del subsiguiente mundial, acabarían por potenciar y extender de forma especialmente solidaria y activa –claramente reflejada en los ámbitos intelectual y artístico– hacia los desprotegidos refugiados republicanos españoles y los combativos comunistas, que tanto protagonismo habían adquirido durante la Resistencia. No obstante, lo cierto es que el compromiso socio-político de Picasso, hasta que en los años treinta se fuera haciendo claramente manifiesto, solo había tenido puntuales asomos y un crecimiento gradual de escasa presencia. Todavía en Barcelona, sin embargo, se pueden recordar sus simpatías juveniles hacia los anarquistas y algunas otras muestras ocasionales sobre su posición ideológica. Una posición que, ya establecido en París, también se evidencia en ciertas afinidades y colaboraciones, como las mantenidas con los surrealistas. A lo largo de los primeros años de su reubicación en el solar francés, con todo, el acontecer político-social –en especial el emanado de su país–, realmente no había suscitado en el artista excesiva pasión ni grandes preocupaciones o acercamientos. No obstante, con la llegada de la II República en 1931 y, principalmente, tras el estallido de la guerra en 1936, todo iba a cambiar, pues harían aflorar un marcado e inédito compromiso con el nuevo régimen republicano.

Entre los pioneros que profesionalizaron la historia del arte y la práctica de la crítica artística en Chile, no cabe duda que se encuentra Antonio Romera. Un intelectual español a quien, el masivo exilio de 1939, que sucedió a la derrota republicana en la guerra civil de su país, le llevó a recalar y a afincarse en el solidario refugio latinoamericano del solar chileno. El presente trabajo, sin embargo, no se centra tanto en Romera, quien –comencemos por advertir– firmó su obra bajo tantas rúbricas como variadas fueron sus incursiones en el mundo cultural, como situar su figura y producción –también como dibujante caricaturista– en el contexto del peregrinaje de creadores y aporte artístico que, el desenlace del citado conflicto armado, llevó a Chile. Para trazar tal panorámica, estas páginas se adentran en el arribo al país de los creadores inmersos en este río de sangre española, en sus centros de acomodo y socialización y en sus específicos ámbitos artísticos de acogida y proyección. Aunque, como punto de partida, hay que tener presente que la escena artístico-cultural que los recibió en Chile no había gozado de un gran desarrollo ni de punteras especializaciones, por lo que fue frecuente que, en sus desarrollos creativos, estos artistas huéspedes interconectaran diversos planos profesionales y dedicaciones artísticas. A lo cual se sumaron, de inmediato, las propias necesidades laborales experimentadas como exiliados y sus adaptaciones prácticas. Todo ello condujo su actividad creativa hacia determinados sectores o ámbitos artístico-laborales, a menudo poco precisos o interrelacionados, entre los que, por su representatividad y conexiones profesionales, habría que destacar el ámbito de la arquitectura, la construcción y el diseño mobiliario; el ámbito editorial, de diseño gráfico, ilustración y publicidad; el ámbito de la escenografía, el cine, la fotografía y la música y el ámbito de la enseñanza, la crítica artística y la erudición histórico-artística. Práctic

Se analiza el relevante papel en la salvaguarda del patrimonio histórico-cultural país (o "Tesoro Artístico Nacional", según la terminología de la época) del comprometido artista Josep Renau, director general de Bellas Artes de la II República Española durante la Guerra Civil Española. Renau partió de la legislación y cauces para su protección impulsados por su predecesor, Ricardo de Orueta, y fue más allá, orientando y caracterizando su gestión, fuertemente condicionada por los tiempos bélicos, por una amplia y eficaz acción en la que sobre todo destacó la medida de la evacuación del patrimonio mueble, acompañada de la paralela centralización del mando, la protección antibombardeos de los monumentos y la amplia habilitación de depósitos para la puesta a salvo de lo recogido. Tras su cese en el cargo, siguió apoyando la acción en defensa del arte y patrimonio desde la Subsecretaría de Propaganda (SubPro) del Ministerio de Estado, al ser nombrado director de Propaganda Gráfica del Comisariado General del Estado Mayor Central del Ejército Popular. La actuación desarrollada en la España republicana para la protección del patrimonio durante estos tiempos bélicos, tuvo notable eco en la Organización Internacional de Museos, dependiente de la Sociedad de Naciones, y sus enseñanzas fueron de inmediato aplicadas en los países contendientes en la Segunda Guerra Mundial.

[EN] Since its establishment in 1931, the II Spanish Republic had a new fine arts policy implemented through different measures. Among them, it was particularly relevant the measures related to the safeguard of the historic and cultural patrimony or, -in the terminology of the time- the “Artistic Treasure”. This paper studies such actions and their motivation, which were influenced by different conditions during the years of peace and the establishment of the newly formed regime (1931-1936) and the years of civil war and radicalization (1936-1939). The measures were driven and channeled mainly by the General Directorate of Fine Arts and notably by three of its main leaders: Ricardo de Orueta, Josep Renau and Francesc Galí. Their actions in the field of defense and preservation of the patrimony inspired other countries, who assumed or suggested different legal, practical and theoretical approaches., [ES] Desde su instauración en 1931, la II República Española vino acompañada de una nueva política artística implementada a través de diversas medidas, entre las que alcanzaron especial trascendencia las dedicadas a la salvaguarda del patrimonio histórico-cultural del país o –en la terminología de la época– su “tesoro artístico”. Se introduce aquí a tales actuaciones y su motivación, que tuvieron diferentes condicionamientos y orientación en los años de paz y construcción del joven régimen (1931-1936) y en los de guerra civil y radicalización (1936-1939). Fueron impulsadas y canalizadas primordialmente a través de la Dirección General de Bellas Artes y la responsabilidad de tres de sus principales y más duraderos conductores: Ricardo de Orueta, Josep Renau y Francesc Galí, cuya acción en materia de defensa y preservación del patrimonio histórico-cultural inspiró seguidamente la de otros países, tomando o sugiriendo en ellos diferentes acomodos o asientos legislativos, prácticos y teóricos.

Recensión del libro de José Ramón López García: Frente al signo infinito. Pablo Picasso y los poetas del exilio republicano de 1939 (Madrid: Visor Libros, 2020, 268 pp. [ISBN: 978-84-9895-248-3]). Archivo Español de Arte 94 (376): 428-429 (2021)

Recensión del libro de José Carlos Guerra Cabrera: Óscar Domínguez: obra, contexto y tragedia (Santa Cruz de Tenerife: J. C. Guerra Cabrera, 2020, [ISBN: 978-84-09-20073-3]). En: Archivo Español de Arte 94 (374): 181-194 (2021) [Recensión de Miguel Cabañas Bravo]

Se aborda la trayectoria del pintor exiliado cordobés Antonio Rodríguez Luna (Montoro 1910-Córdoba 1985). Una trayectoria que, tanto vivencial como pictóricamente, fue de lo heroico a lo irónico, de la figuración surrealista a la abstracción y del exilio mexicano a la esperanza con la que retornaría definitivamente a España en 1985, para morir pocos meses después.

Se trata de una reseña del libro Pancartas escolares, de Ángel Ferrant, publicado en 2019.

El presente trabajo es una recensión del libro de Afinoguénova, Eugenia (2019). El Prado. La cultura y el ocio (1819-1939). (Madrid: Cátedra, 2019). [Recensión de Miguel Cabañas Bravo]. En: Archivo Español de Arte 93 (370): 176-177 (2020)

Crónica de la exposición titulada "Exilio y nostalgia. Dibujos inéditos y libros ilustrados de Picasso en la Colección de la Familia Arias", celebrada en el Museo Casa Natal de Picasso (Málaga)

Crónicas de la exposición «1939. El exilio republicano 80 años después», inaugurada en la Biblioteca Nacional de España (Madrid) el 5 de noviembre de 2019 y de las actividades culturales y mesas redondas celebradas en la misma institución los meses de noviembre y diciembre de 2019. Todo ello con motivo de cumplirse los ochenta años del éxodo masivo que provocó en 1939 el desenlace del enfrentamiento bélico español, con el apoyo oficial de la Comisión Interministerial para la Conmemoración del 80 Aniversario del Exilio Republicano.

Se trata de la introducción al libro colectivo "Arte, ciencia y pensamiento del exilio republicano español de 1939". Sus editores (Miguel Cabañas Bravo, Idoia Murga Castro, Miguel Ángel Puig-Samper y Antolín Sánchez Cuervo) exponen aquí la motivación, planteamiento, características y apoyos que ha tenido el libro, cuyo planteamiento parte de la siguiente premisa: Entre los españoles que tomaron el rumbo del exilio en 1939, hubo un considerable número de artistas, científicos y pensadores, a menudo con una singular y destacable producción que, al igual que sus protagonistas y promotores, no debe caer en el olvido. Tampoco han de soslayarse las especiales circunstancias que alteraron y reorientaron sus trayectorias profesionales, creativas o cognoscentes, ni las nuevas vivencias personales y laborales o los paralelos problemas de identidad, acomodo, paisanaje, extranjería, etc. a los que se enfrentarían. De este modo, las siguientes páginas van dirigidas no solo a reivindicar y conocer mejor a estas figuras del arte, la ciencia y el pensamiento, sino también a poner de relieve el marco en el que desarrollaron su fecunda labor tras su forzado peregrinaje y a resaltar los reveladores resultados en los que fueron plasmando su creatividad, cientificidad y reflexión.

Tras la derrota republicana en la guerra civil española, más de medio millón de vencidos fueron lanzados al exilio en 1939. Pasada la primera hora de acogida en los hostiles solares vecinos, Latinoamérica no tardó en convertirse en el segundo gran espacio de recepción de estos vencidos y, con ello, de su creatividad y desarrollo artístico y cultural. Uno de los rincones más lejanos de este solidario refugio latinoamericano fue Chile, que se convirtió en un importante país anfitrión de la diáspora. Sus premisas de partida, con todo, en principio no fueron muy favorables a la instalación de intelectuales y creadores exiliados, aunque ciertamente la labor de estos no tardó mucho en hacerse presente en su mundo cultural y creativo y en dejar allí una trascendente impronta. La presencia de los artistas, en este contexto chileno, no ha sido objeto de estudios específicos de conjunto, por lo que en este trabajo se realiza una breve aproximación con objeto de contribuir a visibilizarlos y a situar las circunstancias y características de su exilio, sin soslayar las singularidades de su adaptación y profesionalización. La escena artístico-cultural que los recibió en Chile no había gozado de un gran desarrollo ni de punteras especializaciones, por lo que fue frecuente que, en sus desarrollos creativos, estos artistas huéspedes interconectaran diversos planos profesionales y dedicaciones artísticas. Además, ello también condicionó la formación y profesionalización artística de los refugiados que llegaron jóvenes, cuyo avance y aporte creativo al país también se presenta diversificado en varios espacios o sectores de actividad. Por todo ello no solo se ha pretendido aquí caracterizar al contingente de artistas arribados, con sus etapas y espacios de acomodo, sociabilización y desarrollo artístico, sino también reparar en algunos de sus más significativos protagonistas y visibilizar a los menos conocidos dedicándoles unas líneas. Ello va mostrando un panorama de amplio espectro

Entre los españoles que tomaron el rumbo del exilio en 1939, hubo un considerable número de artistas, científicos y pensadores, a menudo con una singular y destacable producción que, al igual que sus protagonistas y promotores, no debe caer en el olvido. Tampoco han de soslayarse las especiales circunstancias que alteraron y reorientaron sus trayectorias profesionales, creativas o cognoscentes, ni las nuevas vivencias personales y laborales o los paralelos problemas de identidad, acomodo, paisanaje, extranjería, etc. a los que se enfrentarían. De este modo, las siguientes páginas van dirigidas no solo a reivindicar y conocer mejor a estas figuras del arte, la ciencia y el pensamiento, sino también a poner de relieve el marco en el que desarrollaron su fecunda labor tras su forzado peregrinaje y a resaltar los reveladores resultados en los que fueron plasmando su creatividad, cientificidad y reflexión.

Esta tesis doctoral aborda el estudio crítico de la cultura visual y material vinculada a las puestas en escena de danza escénica española durante la Dictadura Franquista (1939-1975). Estos espectáculos fueron creados a partir de un modelo interdisciplinar implantado por los Ballets Russes de Sergei Diaghilev durante el primer tercio del siglo XX. Los Ballets Russes adaptaron la idea de la «obra de arte total» de Richard Wagner a la danza y con ello provocaron una participación de artistas plásticos sobre la escena sin precedentes, los cuales realizaron los decorados de sus actuaciones. Su modelo fue emulado por distintas compañías de danza internacionales desde su aparición en 1909. Entre ellas, también se encuentra la de los Ballets Espagnols, de Antonia Mercé la Argentina. En el período que nos ocupa las compañías de danza española que tomaron como referencia estos antecedentes proliferaron en un número sin precedentes. Su capacidad de condensar y representar los valores de la nación hizo de ellas un gran instrumento de propaganda y se convirtieron en un poder blando del régimen. Si bien el rol propagandístico de estos espectáculos ya ha sido puesto en relación con algunas de las políticas musicales del franquismo, esta investigación se interroga sobre las consecuencias de las conexiones entre la danza y la pintura con el fin de poner en valor la importancia de lo visual en estos espectáculos en su dimensión simbólica y biopolítica. Con ello, se busca explorar otras dinámicas que afectaban a la cultural artística de una forma más general más allá de las narrativas hegemónicas del período al que se adscriben. Con el fin de entender la supervivencia de determinados modelos y legados de preguerra en el periodo estudiado, se ha puesto el foco en las perspectivas de análisis políticas, estéticas y genealógicas...

Esta tesis doctoral explora las relaciones entre arte y autobiografía en la contemporaneidad española a través del artefacto cultural que se ha denominado autobiografía de artista. A pesar de la dificultad de definición de cada término por separado, la autobiografía de artista podría formularse como el relato retrospectivo en prosa que un artista real hace de su propia existencia, poniendo énfasis en la interacción entre vida y obra. El argumento parte de la constatación de que las autobiografías escritas por artistas plásticos han quedado marginadas del canon general de la autobiografía y, en el caso concreto de España, que a los tópicos recurrentes en la historia nacional de las literaturas del yo se les añadieron además otros prejuicios derivados de la profesión de sus autores. El giro que propone esta tesis consiste en tomar precisamente aquello que les valió la exclusión de los grandes relatos y utilizarlo como base para estudiar sus características específicas. La hipótesis de partida es triple: primero, que el artista tiene entidad como sujeto autobiográfico y consistencia en tanto que colectivo autorial; segundo, que esa posición procede de las tradiciones discursivas que le son propias, y por tanto que no sigue las referencias ortodoxas de San Agustín, Santa Teresa o Rousseau sino más bien a sus colegas Miguel Ángel, Cellini o Frenhofer, según los presenta respectivamente la biografía, la autobiografía o la novela del artista; tercero, que los discursos sobre arte fomentan procesos de subjetivación diferenciales, pues el anacronismo, la materialidad y el aura de la obra de arte desbordan las concepciones habituales sobre tiempo, espacio e identidad. De acuerdo con estas premisas, la tesis plantea la autobiografía de artista como una interfaz en la que interactúan a la vez palabra e imagen, narratividad y visualidad, y adopta un enfoque interdisciplinar en línea con las epistemologías y metodologías del análisis cultural...

Esta tesis doctoral explora las relaciones entre arte y autobiografía en la contemporaneidad española a través del artefacto cultural que se ha denominado autobiografía de artista. A pesar de la dificultad de definición de cada término por separado, la autobiografía de artista podría formularse como el relato retrospectivo en prosa que un artista real hace de su propia existencia, poniendo énfasis en la interacción entre vida y obra. El argumento parte de la constatación de que las autobiografías escritas por artistas plásticos han quedado marginadas del canon general de la autobiografía y, en el caso concreto de España, que a los tópicos recurrentes en la historia nacional de las literaturas del yo se les añadieron además otros prejuicios derivados de la profesión de sus autores. El giro que propone esta tesis consiste en tomar precisamente aquello que les valió la exclusión de los grandes relatos y utilizarlo como base para estudiar sus características específicas. La hipótesis de partida es triple: primero, que el artista tiene entidad como sujeto autobiográfico y consistencia en tanto que colectivo autorial; segundo, que esa posición procede de las tradiciones discursivas que le son propias, y por tanto que no sigue las referencias ortodoxas de San Agustín, Santa Teresa o Rousseau sino más bien a sus colegas Miguel Ángel, Cellini o Frenhofer, según los presenta respectivamente la biografía, la autobiografía o la novela del artista; tercero, que los discursos sobre arte fomentan procesos de subjetivación diferenciales, pues el anacronismo, la materialidad y el aura de la obra de arte desbordan las concepciones habituales sobre tiempo, espacio e identidad. De acuerdo con estas premisas, la tesis plantea la autobiografía de artista como una interfaz en la que interactúan a la vez palabra e imagen, narratividad y visualidad, y adopta un enfoque interdisciplinar en línea con las epistemologías y metodologías del análisis cultural..., This doctoral thesis explores the relationships between art and autobiography in contemporary Spain through the cultural artifact known as artist's autobiography. Despite the difficulty of defining each term separately, the artist's autobiography could be formulated as a retrospective account in prose that a real artist makes of his own existence, emphasizing the interaction between life and work. The argument starts from the verification that autobiographies written by visual artists have been marginalized from the general canon of autobiographies and, in the specific case of Spain, that other prejudices derived from the profession of their authors were also added to the recurring topics in the national history of the Literatures of the Self. The turn that this thesis proposes consists of taking precisely those aspects which excluded artists’autobiographies from the great stories and using them as a basis for speculating on its specific characteristics.The starting hypothesis is threefold: first, that the artist has an entity as an autobiographical subject and consistency as an authorial collective; second, that this position comes from relatable discursive traditions, and therefore that it does not follow the orthodox references of Saint Augustine, Saint Teresa or Rousseau but rather those of their colleagues: Michelangelo, Cellini or Frenhofer, as presented, respectively, by the biography, the artist's autobiography or the novel; third, that discourses on art promote differential subjectivation processes, since the anachronism, materiality and aura of the work of art go beyond the usual conceptions about time, space and identity. In accordance with these premises, the thesis presents the artist's autobiography as an interface in which word and image, narrativity and visuality, interact at the same time, and adopts an interdisciplinary approach in line with the epistemologies and methodologies of cultural analysis...

Esta tesis doctoral aborda el estudio crítico de la cultura visual y material vinculada a las puestas en escena de danza escénica española durante la Dictadura Franquista (1939-1975). Estos espectáculos fueron creados a partir de un modelo interdisciplinar implantado por los Ballets Russes de Sergei Diaghilev durante el primer tercio del siglo XX. Los Ballets Russes adaptaron la idea de la «obra de arte total» de Richard Wagner a la danza y con ello provocaron una participación de artistas plásticos sobre la escena sin precedentes, los cuales realizaron los decorados de sus actuaciones. Su modelo fue emulado por distintas compañías de danza internacionales desde su aparición en 1909. Entre ellas, también se encuentra la de los Ballets Espagnols, de Antonia Mercé la Argentina. En el período que nos ocupa las compañías de danza española que tomaron como referencia estos antecedentes proliferaron en un número sin precedentes. Su capacidad de condensar y representar los valores de la nación hizo de ellas un gran instrumento de propaganda y se convirtieron en un poder blando del régimen. Si bien el rol propagandístico de estos espectáculos ya ha sido puesto en relación con algunas de las políticas musicales del franquismo, esta investigación se interroga sobre las consecuencias de las conexiones entre la danza y la pintura con el fin de poner en valor la importancia de lo visual en estos espectáculos en su dimensión simbólica y biopolítica. Con ello, se busca explorar otras dinámicas que afectaban a la cultural artística de una forma más general más allá de las narrativas hegemónicas del período al que se adscriben. Con el fin de entender la supervivencia de determinados modelos y legados de preguerra en el periodo estudiado, se ha puesto el foco en las perspectivas de análisis políticas, estéticas y genealógicas..., This doctoral dissertation addresses the critical study of visual and material culture linked to the staging of Spanish dance during the Franco dictatorship (1939-1975). These shows were created from an interdisciplinary model implemented by Sergei Diaghilev’s Ballets Russes during the first third of the twentieth century. The Ballets Russes adapted the idea of Richard Wagner’s “total artwork” to dance, and thus caused an unprecedented participation of visual artists on stage, who created the sets for their own performances. This model was emulated by different international dance companies since its appearance in 1909. Among them, there is the Ballets Espagnols, by Antonia Mercé la Argentina.During the period in question, Spanish dance companies that took this model as reference proliferated in an unprecedented number. Their ability to condense and represent the values of the nation made them a great propaganda instrument, and they became a soft power of the regime.Although the propaganda role of these shows has already been put in relation to some of the musical policies of the Franco regime, this research questions the consequences of the connections between dance and painting, in order to value the importance of the visual dimension in these shows, from a symbolic and biopolitical perspective. With this, it seeks to explore other dynamics that affected artistic culture in a more general, way beyond the hegemonic narratives of the period to which they are assigned. In order to understand the survival of certain prewar models and legacies in the period studied, the focus has been placed on the perspectives of political, aesthetic, and genealogical analysis...

[Recensión del libro] Gaitán Salinas, Carmen: Las artistas del exilio republicano español. El refugio latinoamericano (Madrid: Cátedra, 2019). [Recensión de Miguel Cabañas Bravo]. En: Archivo Español de Arte 92 (367): 343-345 (2019)

Prólogo al libro de Adolfo Díaz-Albo Chaparro: "Los hijos artistas de Gabriel García Maroto: Gabriel y José García Narezo", en el que se pone el acento en la trayectoria del polifacetico artista e impresor Gabriel García Maroto, exiliado a México al término de Guerra Civil Española, donde también desarrollarían su creatividad sus hijos, el poeta y escritor Gabriel García Narezo y el pintor José García Narezo, además de su hermana Sara García Narezo.

Recensión del libro de Juan Francisco Prado Sánchez-Cambronero: Conflictividad social y patrimonio en la provincia de Ciudad Real durante la II República (1931-1939) (Ciudad Real, Diputación Provincial de Ciudad Real, 2018). [Recensión: Miguel Cabañas Bravo]. En: Archivo Español de Arte 92 (365): 107-108 (2019)

El arte español de los últimos siglos no solo ha sufrido los efectos de las guerras contemporáneas, sino también los de sus duras secuelas posteriores. Así, la represión, el exilio y los rigores de las posguerras, como notables consecuencias de las mismas, seguidamente han operado como grandes factores actuantes y condicionantes del proceso creativo y el desarrollo del arte. En consecuencia, el presente volumen colectivo centra sus páginas en esos grandes agentes sobrevenidos tras los enfrentamientos bélicos contemporáneos que, con especial intensidad, condicionaron y adjetivaron la evolución artística española de los siglos XIX y XX. En este sentido, han interesado en tal planteamiento las indagaciones, análisis y reflexiones en torno a los corolarios que dejaron las guerras habidas en el ochocientos y novecientos y se ha focalizado la atención sobre el desarrollo artístico posterior a estos conflictos y sus protagonistas: artistas, críticos, promotores, colectivos, instituciones, teóricos o historiadores que vivieron las posguerras, produjeron o fomentaron creaciones artísticas bajo sus efectos o, en fin, proyectaron o interpretaron la significación y consecuencias de lo que vino tras las guerras. En las posguerras a las que aludimos, ante los destrozos sufridos por la previa situación bélica, campearon las dificultades y carestías; pero también, ante las necesidades reconstructoras y el deseo de autoafirmación de los triunfadores, prosperaron las iniciativas impulsoras de la presencia de un nuevo orden y unas normas diferentes de convivencia. No obstante, mientras a los vencidos en tales conflictos les tocó hacer frente a las diferentes formas de represión o al exilio, para los triunfadores de los mismos fue el momento de ir imponiéndose como nuevos protagonistas, cargados con sus fórmulas y reglas de reconstrucción posbélica. Ambos aspectos actuantes, con sus importantes consecuencias para el desarrollo artístico español, han querido ser abordados aquí, aunque c

Con la celebración de la Bienal Hispanoamericana de Arte, magno certamen de arte contemporáneo cuya primera edición se inaguró en Madrid en 1951, atrás iban a ir quedando tanto la cerrazón hacia el arte avanzado como la protección oficial hacia el arte academicista impuestos en la España de los años cuarenta. Al igual que, en paralelo, iba a comenzar a captarse la atención de unos artistas españoles exiliados que, hasta ahora, en su mayoría habían permanecido indiferentes y muy desvinculados del panorama artístico dominante en el país. Y es que, tanto en la escena interior como de cara a la exterior, con ocasión del certamen –más allá de los posicionamientos y las prevenciones sobre la convocatoria o las agrias polémicas en apoyo del «arte nuevo o el arte viejo»– también se abrió la puerta a mostrar las actitudes ante el mismo de los artistas que habían sufrido o sufrían el exilio. Unos convocados para quienes, la invitación a participar en tal certamen, aparecía como una oportunidad, como un puente para el acercamiento, el regreso o la proyección misma en la escena artística de su país. El presente trabajo, en consecuencia, ahonda en este segundo aspecto de puente que representó el certamen, el cual –como observaremos– no fue un aspecto de titubeo y debate exclusivo de los artistas, dado que, en el terreno general de la vida intelectual y creativa, paralelamente aparecieron en 1951 largas reflexiones y controversias entre exilio e interior, que tuvieron por finalidad impulsar el diálogo y tender puentes para el regreso. De este modo, la Bienal Hispanoamericana de Arte, emplazada tanto en este contexto cultural amplio como en el más concreto de la esfera artística, sirvió a los artistas exiliados tanto de arma de disensión como de puente de aproximación a la estrecha escena artística española, utilizándose su cauce incluso por los recién retornados como plataforma de proyección. De aquí que, dadas las contrapuestas posiciones y actitudes que, entre estos creadores

Introducción de los editores al volumen colectivo: Represión, exilio y posguerras. Las consecuencias de las guerras contemporáneas en el arte español (Madrid: Editorial CSIC, 2019)

Se aborda la amplia vinculación que establecieron en sus creaciones los artistas españoles exiliados entre la identidad española y los arraigados iconos de los grandes personajes del Quijote o su mismo autor. La citada iconografía cervantina, de este modo, se convierte en uno de los aportes de estos artistas más significativos y esclarecedores de la evolución colectiva de la identidad común. Se trata, además, de una ilustrativa vin-culación que sobrevoló en paralelo entre los creadores de la pluma y el pincel. En el caso concreto de los artistas, muchos de los más representativos sin duda acudieron a ilustrar esta iconografía como arma de combate contra la nostalgia y para sostenimiento de la identidad. Pero al recurrir al significativo uso e ideación de los símbolos del Quijote y lo cervantino, nos fueron dejando plasmados unos singulares iconos de identificación con la patria y el colectivo exiliado en los que, la mayoría de los acompañantes de este éxodo, se fueron viendo reflejados o concernidos y adoptándolos como símbolos de una común y diferenciada identidad.

[EN] Regarding Picassso’s sociopolitical commitment, his reiterated collaboration in favor of the republican cause during the Spanish Civil War is very well known, with famous and transcendent results as its iconic Guernica. However, it is not so well-known its support, after the fall of the II Spanish Republic and the exodus of the “Retirada”, in favor of Spanish intellectuals and artists that sought his help to elude or leave the French concentration camps and reside in the country or cross the Atlantic. This support ranges from its own nephews –the painters Xavier and Josep Vilató Ruiz (J. Fin)– to different sculptors –among them, Baltasar Lobo, Apel·les Fenosa, Joan Rebull or Eleuterio Blasco Ferrer–, painters –such as Manuel Ángeles Ortiz, Antonio Rodríguez Luna, Josep Renau, Pedro Flores, Antoni Clavé or Carles Fontserè– and, in general, many artists and intellectuals were also helped through his implication and presence in associations, exhibitions, acts and solidary writings. Picasso had, since then, a high and solidary commitment towards these refugee artists, that was progressively consolidated during the days of the global conflagration and increased after the armistice. Picasso's tough and solidary action, in fact, made of him an active symbol of the situation of the exiles and their Spanishness, increased as well in the case of the exiled artists and a truly point of reference of human support and professional example, [ES] Respecto al compromiso socio-político de Picasso, resulta muy conocida su reiterada colaboración a favor de la causa republicana durante la guerra civil española, con resultados tan famosos y trascendentes como su icónico Guernica. Sin embargo, se conoce mal su múltiple apoyo, tras el desmoronamiento de la II República y el éxodo de La Retirada, en favor de los artistas e intelectuales españoles que demandaron su ayuda para eludir o salir de los campos de concentración franceses y residir en el país o cruzar el Atlántico. Un apoyo que abarca desde sus propios sobrinos –los pintores Xavier y Josep Vilató Ruiz (J. Fin)– a diferentes escultores –entre ellos Baltasar Lobo, Apel·les Fenosa, Joan Rebull o Eleuterio Blasco Ferrer–, pintores –como Manuel Ángeles Ortiz, Antonio Rodríguez Luna, Josep Renau, Pedro Flores, Antoni Clavé o Carles Fontserè– y en general muchos artistas e intelectuales también ayudados a través de su implicación y presencia en asociaciones, exposiciones, actos y escritos solidarios. Picasso mantuvo desde entonces un alto y solidario compromiso hacia estos artistas refugiados, que se fue afianzando en los días de la conflagración mundial y continuó en aumento tras el armisticio. Su actuación resistente y solidaria, de hecho, le convirtieron hasta su muerte en símbolo activo de la situación de estos desterrados y su españolidad, elevado también en el caso de los artistas exiliados a todo un referente de apoyo humano y ejemplo profesional.