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The research underpinning this article was carried out thanks to a Visiting Fellowship for Doctoral Research Fellows granted by the Spanish Ministry of Education (EST2017/0008) for a short research period at Harvard University. The author also wishes to acknowledge the support of the research project “Gender and Pathography from a Transnational Perspective”, funded by the Spanish Ministry of Science and Innovation (PID2020-113330-GBI00)., This article examines the Map of Down Below as a central element for understanding Leonora Carrington’s "Down Below" (1944). Carrington’s Surrealist memoir about madness, first dictated in French and then translated into and published in English, recounts her experience of being interned in a mental asylum during the early Francoist dictatorship in Spain while trying to flee from the Nazis in France. The text has often been read as a Surrealist autobiography contesting André Breton’s "Nadja" (1928). However, and without disavowing this reading, I argue that the way in which Carrington narrates her experience of madness is a means to gather knowledge about the world and the Self beyond the literary and institutional conventions of the time, namely, autobiography and eugenic psychiatry as part of the authoritarian state. Thus, I explore how "Down Below", as life writing, illuminates a form of truth that deviates from the autobiographical tradition of the unitarian Self. Carrington’s found truth sheds light on other possibilities of experiencing —or creating— the Self, while she also challenges both the normative Francoist psychiatry and traditional life writing., RESUMEN: Este artículo examina el «Map of Down Below» como elemento central para comprender «Down Below» (1944), las memorias sobre la locura de la autora surrealista Leonora Carrington. El texto, primero dictado en francés y luego traducido al inglés y publicado en este idioma, relata la experiencia de cuando Carrington fue internada en un hospital psiquiátrico en los comienzos del franquismo mientras intentaba huir de los nazis en Francia. A menudo, el texto se ha leído como una autobiografía surrealista que pretende refutar la «Nadja» de André Breton (1928). Sin embargo, y sin desacreditar esta lectura, en este artículo argumento que Carrington narra su experiencia de la locura vista como medio para descubrir la realidad y el Yo más allá de las convenciones literarias e institucionales de la época, a saber, la autobiografía y la psiquiatría eugenésica como herramienta del estado autoritario. Por lo tanto, explico cómo «Down Below», en tanto que autobiografía, muestra una forma de verdad que se desvía de la tradición autobiográfica del Yo unitario. La verdad que Carrington encuentra arroja luz sobre otras posibilidades de experimentar —o de crear— el Yo, a la vez que desafía la psiquiatría franquista normativa y la escritura autobiográfica tradicional., Ministerio de Educación, Ministerio de Ciencia e Innovación (MICINN), Depto. de Estudios Ingleses: Lingüística y Literatura, Fac. de Filología, TRUE, pub

[Resumen] A comienzos del siglo XX la revista literaria encuentra su apogeo en México. El objetivo de este trabajo es revelar dos publicaciones —Taller poético (1936-1938) y Poesía (1938)—, que nacen en el momento en que el surrealismo está comenzando a asentarse en el país azteca, y buscar en ellas el rastro del movimiento de Breton, considerando que ambas pretendían presentar las tendencias poéticas del momento. Para ello, realizaremos una presentación de cada revista para, a continuación, revelar aquellos poemas en que se advierten rasgos surrealistas con el fin de mostrar cómo en esos años el surrealismo se encontraba en un estado todavía incipiente., [Abstract] At the beginning of the 20th century, the literary magazine found its apo-gee in Mexico. The aim of this work is to reveal two publications —Taller poético (1936-1938) and Poesía (1938)—, which were born at a time when surrealism is be-ginning to settle in the Aztec country, and to search in them for the trace of the Breton movement, considering that both tried to present the poetic tendencies of the mo-ment. To do this, we will make a presentation of each magazine to then reveal those poems in which surrealist features are noticed in order to show how in those years surrealism was in a still incipient state

[Resumen] El poeta limeño Xavier Abril (1905-1990) encontró en las páginas de la revista Amauta, fundada por el pensador peruano José Carlos Mariátegui (1894-1930), un medio de difusión de sus creaciones de influencia surrealista. En este trabajo analizaremos los textos publicados en la revista, teniendo en cuenta el encuadre de un autor cosmopolita como Abril en una revista como Amauta, entre cuyos ejes temáticos se encuentra el asunto identitario. A través del estudio de los textos, teniendo en cuenta la propuesta y la trayectoria estética del autor, así como las problemáticas existenciales y sociales de su tiempo, se revelará el destacado papel de Abril en Amauta, caracterizado por tres rasgos fuertemente relacionados entre sí: su filiación surrealista, un declarado pesimismo existencial y su compromiso con el socialismo, [Abstract] The poet Xavier Abril (Lima, 1905-1990) found in the pages of the journal Amauta, founded by the Peruvian thinker José Carlos Mariátegui (1894-1930), the means of disseminating his surrealist creations. In this article we will analyze the texts published in Amauta. They will be analyzed taking into account the presence of a cosmopolitan author like Abril in a journal like Amauta, in which the identity issue was a main topic. Through the analysis of the texts, keeping in mind the proposal and the aesthetic trajectory of the author, as well as the existential and social problems of his time, we will reveal the relevant role of Abril in Amauta, which was characterized by three closely related features: his surrealist affiliation, a declared existential pessimism and his commitment to socialism.

l presente proyecto de investigación constituye un acercamiento al mundo onírico y su representación artístico-plástico a través de las experiencias de un colectivo seleccionado para el estudio de los sueños. Los sueños se entienden como sucesos que generalmente no se dan en el estado de vigilia, estos retoman vivencias de la vida cotidiana que posteriormente serán reinterpretadas y transformadas por la mente de acuerdo con lo que se anhela, lo que se teme y en general sobre procesos complejos del mundo interior. Ahora bien, hay un término que captura algunos aspectos del soñar: el palimpsesto. La palabra palimpsesto proviene del griego antiguo que significa grabado nuevamente, de las raíces palim que significa otra vez y psaein: grabar. Es decir, es un manuscrito que muestra rastros de una escritura anterior sobre la misma superficie, que se ha borrado para sobre-escribir un nuevo texto (con propósitos de economizar los materiales). Esta práctica es antiquísima y se popularizó a partir del siglo VII por motivo de la escasez del papiro egipcio1. El procedimiento consistía en raspar el escrito en tinta con una piedra pumita (piedra pómez). El palimpsesto usado como metáfora de los sueños, alude a una sobre escritura reiterada de las vivencias del soñante, las cuales se transmutan y adquieren diversas formas, transformando sus significados. Es decir, que sobre los mismos escenarios o situaciones se van transformando los sucesos, surgiendo diversos signos y símbolos recurrentes que se van combinando. Así pues, mi interés es mostrar otras realidades individuales a partir de los sueños, mediadas por la experiencia estética a través de una propuesta pictórica que comprende experiencias sensibles, signos, colores y significados posibles de los soñantes. Las series pictóricas de las imágenes oníricas del grupo de soñantes o grupo de estudio toman como elementos principales los símbolos que se expresan en las narraciones de los soñantes, sumados a una herramienta fundamental

[ES] EL PRESENTE TRABAJO DE FIN DE MÁSTER TIENE COMO OBJETIVO REFLEXIONAR SOBRE MI PROCESO CREATIVO, Y COMO ESTE SE VINCULA CON EL SURREALISMO EN RELACIÓN A LA PERSPECTIVA Y SU CONFIGURACIÓN DEL ESPACIO.

[ES] La presente memoria recoge el proceso de creación de una novela gráfica carente de diálogos dirigida a un público joven-adulto, que relata el viaje de su protagonista por un mundo surrealista y onírico. Con esta historia, se pretende experimentar con el guion, el dibujo y la narrativa, pasando por encima de otros aspectos más propios del cómic como son la composición de viñeta o página. Además de lograr un proyecto que sirva como presentación del proyecto a editoriales., [EN] The following report is about the creation process of a graphic novel devoid of dialogues aimed at a young audience, which recounts the journey of its protagonist through a surreal and dreamlike world. With this story, it is intended to experiment with the script, the drawing and the narrative, ignoring other aspects more typical of the comic such as the panel composition. In addition to achieving a project that serves as a presentation of the project to publishing houses.

[ES] Se trata de un proyecto de diseño de cartelería pero enfocado desde una perspectiva pictórica y de obra única, alejándose así del diseño gráfico profesional. Tanto de forma visual con las imágenes, como de forma explicativa con los textos, se representan diferentes experiencias vividas en un plano onírico. Los sueños lúcidos como una segunda forma de vida y todos los elementos que los componen son los temas fundamentales que son mostrados en las obras. Durante el proyecto se documentará además el proceso de obtención de imágenes propias, la creación de tipografías empleadas en las obras y la maquetación e impresión final., [EN] It is a poster design project but focused from a pictorial way. Different experiences lived in a dream plane are represented. Lucid dreams as a second way of life and all the elements that compose them are the fundamental themes that are shown in the works. The process of obtaining their own images, the creation of fonts used in the works and the final layout and printing of the posters is documented.

[ES] En este Trabajo de Final de Grado se abordará la temática de los sueños y el inconsciente, así como su representación en la práctica artística. Los sueños son una serie de sucesos que imaginamos mientras dormimos, por lo que son algo de lo que no nos podemos desligar. Estos muestran imágenes de nuestra vida diaria y, a través de ellos, podemos acceder a nuestro inconsciente, un lugar carente de lógica donde nuestras emociones, pensamientos y deseos más profundos se manifiestan, así como nuestra parte más salvaje y verdadera. Esta idea se ha abordado a lo largo de la historia con numerosas teorías sobre la interpretación y simbología de los sueños; y con la representación de estos en el arte, desde pequeños símbolos hasta la máxima expresión de lo irracional con el movimiento surrealista. Apoyándose en la lectura de textos, documentos y artículos sobre lo anteriormente dicho y basándose en la experiencia onírica propia, este trabajo explora el mundo de los sueños y la representación de estos en al arte. Además, a través de la práctica artística, se intentará recrear escenas oníricas que evoquen las emociones vividas en ellas., [EN] This end-of-degree project will approach the subject of dreams and the subconscious, as well as its representation in artistic practices. Dreams are a series of events that we imagine while we sleep, so they are something from which we cannot detach ourselves. They show us fragments of our daily lives through which we can access our unconscious, a place devoid of any logic. In its domain our thoughts, emotions and deepest desires are manifested, as well as our wildest and most truthful sides. This idea has been addressed throughout history with numerous theories on the interpretation and symbology of dreams which were later displayed in artistic creations, ranging from the smallest symbols to the maximum expression of the irrational with the surrealist movement. This project explores the dream world and its artistic representation, relying on the studying of texts, documents and articles on the aforementioned, as well as the oneiric self-experience. In addition, trough different artistic practices, it aims to recreate dreamlike scenes that evoke the emotions experienced in them.

[EN] By the late 30’s, avoiding the military conflict taking place in Spain and the later that would take place in Europe, Antonio Bonet arrived to Buenos Aires with the purpose of leading the architectonic vanguard. In order to achieve that aim he was formed with the experiences lived along with Josep Lluis Sert and Le Corbusier and the ones lived with painter and architect Roberto Matta Echaurren in Paris. Due to this relationship the drawings that Bonet carried to Argentina could come to life. The aim of this article is to reveal the surrealistic key components which are found in Bonet’s work of those years by analyzing those drawings (some of them unpublished) and the collages that were with him in his journey. His concerns will be tried to be guessed as well as his inevitable contradictions., [ES] A finales de la década de los treinta, alejándose del conflicto bélico que se había desatado en España y del que se presagiaba en Europa, Antonio Bonet llegó a Buenos Aires decidido a liderar la vanguardia arquitectónica. Para ello contaba con su formación moderna junto a Josep Lluis Sert en Barcelona y Le Corbusier en París y con sus experiencias en la corriente surrealista vividas en la propia capital francesa junto al pintor-arquitecto Roberto Matta Echaurren. Fruto de esta relación fueron los dibujos que el arquitecto catalán llevaba consigo al arribar a Argentina. Lo que se pretende desvelar en el artículo son las claves de la componente surrealista presente en el trabajo de Bonet de esos años a partir del análisis de los dibujos -algunos de ellos inéditos y redibujados- y collages de época que le acompañaron en su viaje, intentando adivinar sus inquietudes y, porque no decirlo, sus inevitables contradicciones.

Hyperbolic, pedantic, pretentious, controversial and undoubtedly unique filmmaker, polish Andrzej Zulawski offers a short but succulent body of work, capable of revolve more than one stomach and leaving spectatorsspeechless in plastic and narrative excesses. Gluttony is sometimes necessary., Hiperbólico, pedante, pretencioso como pocos, cineasta polémico e indiscutiblemente único. El polaco Andrzej Zulawski nos ofrece una obra corta pero suculenta, capaz de remover más de un estómago y dejar sin palabrasa los espectadores más curtidos en los excesos del séptimo arte, ya sea a nivel plástico o narrativo. La gula a veces es necesaria.

Resumen

Desde que surge el arte, éste ha usado todo tipo de temas (sobre todo con su secularización, claro) para comunicar ideas, sensaciones o emociones, y a la hora de desempeñar una tarea, el individuo hace uso de las herramientas que están a su alcance para llevarla a cabo. Así, al presentar una parte de los ejercicios de- sarrollados en el Grado, recordamos a Sade y Baude- laire, así como a tantos precedentes que más adelante abordaremos, y decidimos acuñar el término arte del mal. La creación de un arte que llamásemos del mal no surge de la nada. Lo cierto es que a nuestro ideal estético le gustaría que fuese así: es decir, crear un arte cuya explicación o propósito fuese un misterio, y no es ajena a esta preferencia que, con el paso del tiempo, hayamos ido abrazando una inefabilidad teórica de la práctica artística, que la falta de herramientas con que interpretar la pieza, objeto de contemplación, dispare la imaginación de espectadores y artistas. Se trata, en definitiva, de evitar el discurso fácil, aunque pueda ser justo y hasta necesario, y de gozar de absoluta libertad al crear: lo cual, naturalmente, choca con cualquier tipo de dogma.

In this article it is our purpose to analyse recurring patterns, both formal and thematic, in El trueno entre las hojas (1953), which leads us to consider the book as a short story collection with a strong internal unity and coherence. To begin with, the focus is on the influence of surrealism and the socio-political ideas of Roa Bastos. Much of the article is then devoted to the analysis of some concepts of psychoanalytic theory, in particular myths, archetypes and dreams. A comparison is also made between Roa Bastos and García Lorca. The last topic is bilingualism Spanish- Guarani. The short stories of El trueno entre las hojas reveal several conflicts between different worlds: tradition and modernity, myths and civilization, Spanish and Guarani… Roa Bastos provides a universal vision of man through myths that have their origin in a remote past of humanity and that reappear in the Paraguayan people., En este artículo se hace un análisis de los temas y técnicas recurrentes en El trueno entre las hojas (1953), lo que lleva a considerar el libro como una colección de cuentos integrados con una unidad interna bien particular. Para empezar, la atención se centra en la influencia del surrealismo y en las ideas socio-políticas de Roa Bastos. Gran parte del artículo se dedica luego al análisis de algunos conceptos de la teoría psicoanalítica como los mitos, los arquetipos y los sueños. También se hace una comparación entre Roa Bastos y García Lorca. El último tema que se revela como una constante, es el bilingüismo español-guaraní. Los cuentos de El trueno entre las hojas revelan toda una serie de oposiciones, de mundos en conflicto: tradición y modernidad, mito y civilización, español y guaraní… Roa Bastos proporciona una visión universal del hombre a través de mitos que tienen su origen en un pasado remoto de la humanidad y que se reactualizan en el pueblo paraguayo.

From the time of the Renaissance, treaties on architecture, odes to the arts, and the study of their canons through written sources, have served to defend, emphasise, or proclaim the validity of different artistic forms and styles. In this way, programmes and manifestos have reinforced the character of organisations and movements through their fundamental ideas. The artistic Avantgardes have thus used this literary resource to lay the theoretical foundations for their future artistic contributions, being able to justify without any qualifications their most extravagant occurrences. The Avant-garde manifesto shall therefore be considered a literary contribution written in the first place for the subsequent development of the artistic and creative activity of the group or school. The Surrealist Movement generated a lot of written work because the founders, André Breton, Louis Aragon, and Philippe Soupault, were writers. Some of these texts included the Movement’s two manifestos, periodicals such as Le Surréalisme au service de la révolution, Littérature, or Minotaure, and individual writings that were penned by Breton and Aragon. This study will relate the Surrealist written work with the Movement’s idea of the city and its urban imaginary., Desde los tratados de arquitectura renacentistas o la defensa de las artes y su canon a través de las fuentes escritas, estos textos han servido para defender, enfatizar o proclamar la validez de las formas y estilos artísticos. De esta forma, los textos programáticos o manifiestos, han reforzado el carácter de una organización o afiliación a través de sus ideas fundamentales. Así, las vanguardias artísticas se han servido de este recurso literario para sentar las bases teóricas de sus futuras aportaciones artísticas, y así poder justificar sin ningún reparo sus más extravagantes ocurrencias vanguardistas. El manifiesto de vanguardia ha de ser por esto, una aportación literaria redactada en primera instancia para el posterior desarrollo de la actividad artística y creativa del grupo o escuela. El Movimiento Surrealista generó mucha obra escrita gracias a que sus fundadores, André Bretón, Louis Aragón y Philippe Soupault eran escritores. Desde sus dos manifiestos a las publicaciones periódicas como El Surrealismo al Servicio de la Revolución, Litterature o Minotaure además de la obra individual que producirán referentes del movimiento como Bretón o Aragón. A través de este estudio relacionaremos la obra escrita surrealista con su vision de la ciudad y su imaginario urbano.

This article proposes a decoding of the painting Dead girl (1957) by Antonio López. A key painting from the fifties that must be approached from various perspectives of interpretation to be fully understood. To this end, this study proposes in its development the analysis of both its iconographic origin and its morphological construction, in order to clarify the different tactics that the artist assumes in his narrative ideological structuring. In this sense, we present a text that evidences, on the one hand, the use of photography by the artist as a source of inspiration for the creation of this piece, treating in depth the appropriation process that López carries out to conceive it –under the parameter of fusion of the photographic with the pictorial as a representative strategy–. Meanwhile, on the other, the clear idealized coexistence of reality and unreality in it is revealed, consequently manifesting itself as an essential painting in the composition of its surrealist period., Este artículo propone una descodificación del cuadro Niña muerta (1957) de Antonio López. Una pintura clave de los años cincuenta que debe ser abordada desde varias perspectivas de interpretación para comprenderse en su totalidad. Con tal propósito este estudio plantea en su desarrollo el análisis tanto de su origen iconográfico como de su construcción morfológica, para así aclarar las diferentes tácticas que el artista asume en su estructuración ideológico narrativa. En este sentido, presentamos un texto en el que se evidencia, por un lado, el uso de la fotografía por parte del artista como fuente de inspiración para la creación de esta pieza, tratándose en profundidad el proceso apropiacionista que efectúa López para concebirla –bajo el parámetro de fusión de lo fotográfico con lo pictórico como estrategia representativa–. Mientras, por otro, se pone de manifiesto la clara convivencia idealizada de la realidad e irrealidad en la misma, manifestándose en consecuencia como una pintura esencial en la composición de su época surrealista.

The present work reflects about reflects on the intermedial narrative as it was conceived and practiced by surrealist artists, starting from the analysis of two works by the poet and Multiple Task artist Mário-Henrique Leiria – namely Pas Pour les Parents and Conto de Natal para Crianças. From the observation of the main topics that characterise this object of study, in the framework of the experimental artistic practices of this period that cross poetry with photography and collage, this study presents itself essentially as a metacritical commentary around a set of tools and concepts that are essential to ponder on ways of dealing with the porosities between the arts, in order to highlight the important side of the intermedial approach: the attempt to respond to experiences and ideas of poetry, literature and art that dilute borders, and from which we welcome new ways of working not only the literary, but different arts., O presente artigo propõe uma reflexão teórica em torno da narrativa intermedial tal como perspetivada e praticada pelos surrealistas, partindo da análise de duas obras do poeta e artista de Ofício Múltiplo Mário-Henrique Leiria – designadamente Pas Pour les Parents (1951) e Conto de Natal para Crianças (1972). Partindo da observação dos principais tópicos que caracterizam este objeto de estudo, no enquadramento das práticas artísticas experimentais do período em análise que cruzam a poesia com a fotografia e a colagem, este artigo apresenta-se essencialmente como um comentário metacrítico em torno de um conjunto de instrumentos e conceitos essenciais para ponderar sobre modos de tratar as porosidades entre as artes, de forma a pôr em evidência o lado importante da abordagem intermedial: a tentativa de dar resposta a experiências e ideias de poesia, literatura e arte que diluem fronteiras, e de onde acolhemos novas maneiras de trabalhar não só o literário, como diferentes artes.

There are almost no studies on the Cuentos surrealistas (1979) by José Antonio Muñoz Rojas, author best known for his poetic work in the Spanish post-war period. His stories were mostly written in the 1930s, the time of the rise of Spanish surrealism. The author published them as a whole many years later. Due to its great visuality and humorous trait, the work recalls the carefree and jovial tone of the first avant-garde; however, he moves away from this because of the great depth of thought that Muñoz Rojas expresses in these stories. The objective of this study is to analyze the stories in their context, identify the surreal themes, motifs and techniques, as well as their dominant stylistic features and the posible influences of other authors., No existen casi estudios sobre los Cuentos surrealistas (1979) de José Antonio Muñoz Rojas, autor más conocido por su labor poética en la postguerra española. Los cuentos fueron escritos, en su mayoría, por los años 30, momento de auge para el surrealismo español. El autor decidió publicarlos en su conjunto muchos años después. Debido a su gran visualidad y el rasgo humorístico, la obra recuerda el tono despreocupado y jovial de la primera vanguardia; sin embargo, se aleja de esta por la gran profundidad de pensamiento que expresa Muñoz Rojas en estos relatos. El presente estudio tiene por meta analizar los cuentos en su contexto, identificando los temas, motivos y técnicas surrealistas, así como sus rasgos estilísticos dominantes y las posibles influencias de otros autores.

Within the framework of a broader investigation —“Conquest and cruelty”— which addresses some chronicles of the Conquest as propitious materials to document, from an “aesthetic” point of view, the living matter of genocide, this essay constructs a vision of what Fray Bartolomé de las Casas, in his Breve relación de la destrucción de las Indias, called “exquisite ways of cruelty.” And all that, starting with the detailed analysis of an article by Ramón Menéndez Pidal —“An abnormal norm of Father Las Casas”—, its psychiatric ramifications and some unexpectedly surrealist connections, from Jacques Lacan and Minotaure magazine to the “critical paranoia” of Salvador Dalí., Resumen: En el marco de una investigación más amplia —“Conquista y crueldad”—, que aborda algunas crónicas de la Conquista como materiales propicios para documentar, desde un punto de vista “estético”, la materia viva del genocidio, este ensayo construye una visión de lo que fray Bartolomé de las Casas, en su Brevísima relación de la destrucción de las Indias, llamó las “exquisitas maneras de crueldad”. Y eso a partir del análisis detallado de un artículo de Ramón Menéndez Pidal —“Una norma anormal del padre Las Casas”—, de sus ramificaciones psiquiátricas y de algunas conexiones inesperadamente surrealistas, desde Jacques Lacan y la revista Minotauro hasta la “paranoia crítica” de Salvador Dalí.

This study aims to reflect on the role Agustín Espinosa played in the vindication of both Cubism and the figure of Pablo Ruiz Picasso during the first third of the Spanish 20th century. To this end, it starts from a philological and historiographical analysis of Tenerife Gaceta de Arte, vehicle of dissemination of the artistic and cultural renewal in Spain. In this sense, the Picassian discourse of the Tenerife magazine is based on the Parisian surrealist group, headed by André Breton, as well as on a series of literary precedents present in the Canary Islands in the 1920s. When deepening into Espinosa’s work, it is possible to formulate new relational approaches between the literary images of the Canary poet and the Cubist dynamics, together with the defence of the movement., El presente estudio pretende reflexionar en torno al papel que Agustín Espinosa jugó en la reivindicación del cubismo y de la figura de Pablo Ruiz Picasso durante el primer tercio del siglo xx español. Para ello se parte del análisis filológico e historiográfico de Gaceta de Arte de Tenerife, órgano de difusión de la renovación artístico-cultural en España. La interpretación picassiana de la revista tinerfeña bebe del discurso surrealista parisino, encabezado por André Breton, así como de una serie de precedentes literarios presentes en el ámbito insular ya en la década de 1920. Al profundizar en la obra de Espinosa es posible formular nuevos planteamientos relacionales entre las imágenes literarias del poeta canario y las dinámicas de creación y defensa del cubismo.

This article studies the reception of Agustín Espinosa’s work after the 1974 reissue of Lancelot, 28°-7° (1929), Media hora jugando a los dados (1933) and Crimen (1934). The most important contributions and the critical perspectives adopted are shown. The peculiar adoption by Espinosa of cubist and surrealist aesthetics and positions is also dealt with. The basic perspective of this work is Henri Bergson’s conception of durée, also readapted by scholars such as Vladimir Jankélévitch and, especially, by Georges Sebbag in the field of surrealism and philosophy. For Espinosa, analogy, duration and memory constitute a way of interpreting the culture of the past and the present. Agustín Espinosa’s durée from 1974 to the present has to do with his choices and with what was inscribed in his words as continuity of a work and a position before culture. The “Bergsonian opening” of his reception shows the incidence of his choices during the last decades of the 20th century and the first decades of the 21th century., El presente trabajo aborda la recepción de la obra de Agustín Espinosa después de la reedición de 1974 de Lancelot, 28°-7° (1929), Media hora jugando a los dados (1933) y Crimen (1934). Se muestran las aportaciones más importantes y las perspectivas críticas adoptadas. Se aborda, también, la peculiar adopción que hace Espinosa de las estéticas y posiciones cubistas y surrealistas. Este trabajo tiene como perspectiva básica la concepción de durée de Henri Bergson, también readaptada por estudiosos como Vladimir Jankélévitch y, especialmente, por Georges Sebbag en el ámbito de surrealismo y filosofía. La analogía, la duración, la memoria constituyen para Espinosa una manera de interpretar la cultura del pasado y del presente. La durée de Agustín Espinosa desde 1974 hasta la actualidad tiene que ver con sus elecciones y con lo que estaba inscrito en sus palabras como continuidad de una obra y una posición ante la cultura. La «apertura bergsoniana» de su recepción muestra la incidencia de sus elecciones durante las últimas décadas del siglo xx y las primeras del siglo XXI.

After initially forging links with the Dada movement, from 1926 Edouard Léon Théodore Mesens (Brussels, 1903-1971) became an active member of Belgian Surrealism. He was one of the most polyhedral figures of Belgian cultural scene: during his long career he was an artist, collagist, musician, poet and writer, as well as gallery owner, collector and art dealer, constantly involved in the sales and purchases of modern art, in particular Dadaist and Surrealist artworks. Since the beginning, in the 1920s, he used the collage as a medium to subverted the visual representation and develop a new epistemological artistic object, undermining the canonical dialogue between text and image. This methodological approach remained the major trat of his post-war artworks as well, when after a period of inactivity, on the occasion of the 1954 Venice Biennale, he decided to create new collages, finding in Italy a fertile receptive context for his experimentations. Starting from the analysis of unpublished archival materials, as well as visual sources, the article aims to analyze Mesens’ artistic approach to collage and shed new light on his post-war production, characterized by new linguistic and semantic experimentations.

Se presenta la vida, la obra y el pensamiento del freudomarxista francés Jean Audard (1913-1998). Esta presentación está dividida en cinco partes: 1) revisión de las escasas referencias a Audard en el ámbito psicoanalítico; 2) rastreo de información sobre la vida y la obra de este autor, especialmente entre finales de los años 1920 y principios de los 1930; 3) contextualización del freudomarxismo de Audard en relación con otras propuestas semejantes en Francia, como las de los surrealistas Breton, Crevel y Tzara, y especialmente la de Jean Bernier, que desencadena un intenso debate entre comunistas freudomarxistas y antifreudianos; 4) análisis de la forma particular en que Audard integra el marxismo con el psicoanálisis, en discrepancia o coincidencia con respecto a otros freudomarxistas, entre ellos Luria, Reich y Fenichel; 5) consideración de las reacciones que el freudomarxismo de Audard provoca en Georges Politzer y en Jacques Lacan, enfureciendo al primero y despertando un gran interés en el segundo. Esta presentación sirve para introducir la primera traducción española de dos textos freudomarxistas de Audard respectivamente publicados en 1933 y en 1936.

Se ofrece la primera traducción al español de una conferencia dictada por Jean Audard (1913-1998) el 3 de marzo de 1936 en el Grupo de Estudios por la Fenomenología Humana. La conferencia, publicada en junio del mismo año en el único número de la revista Inquisitions, incluye una discusión en la que participan Georges Sadoul, Tristan Tzara y René Etiemble. Tanto la conferencia como la discusión giran en torno a la relación del freudismo con el marxismo. La tesis principal es que el psicoanálisis permite completar el materialismo histórico al dotarlo de la psicología materialista que necesita.