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Dissertação de mestrado em Comunicação, Arte e Cultura, Esta tese de investigação incide sobre questões sobre violência, repressão, mitologia, media e da relação com serial killers. Aqui, pretende-se tornar claro que o fenómeno dos assassinos em série não pode ser fixado na fantasia e no grotesco, sendo ele parte do Mal que esta mesma sociedade insiste em suprimir. O trabalho traz para o palco do "real" a discussão sobre a cobertura e identificação dos serial killers frente ao público. O outro objeto de estudo é o público tomando como “microscópio” o assassino em série para desmistificar e mostrar o lado sombrio do ser humano no dia a dia. E quais os efeitos e comportamentos causados pelo fascínio “repugnante” pelos serial killers. Análise dos textos e adaptação de conceitos para o território que esta tese visa estudar. Para isso, além das leituras e das reflexões de obras bibliográficas, serão produzidos também pensamentos em cima das mesmas, trazendo as ideias levantadas e propostas para o campo dos serial killers. A investigação procurará contextualizar a pesquisa em sites de internet e de matérias do jornal brasileiro Folha de São Paulo, mas de forma qualitativa. Isto porque o fio condutor dessa tese será o caso de Francisco de Assis Pereira, o Maníaco do Parque, o maior Serial Killer brasileiro e que, após extensa análise, considero um caso perfeito para se enquadrar em todos os conceitos que esta dissertação procurará abordar. Procura-se traçar um paralelo dessa situação com a maldade em estado puro e bruto representada pelos assassinos seriais e essa busca pela violência extrema que acontece a partir do momento que a “mola” que prende o nosso Mal interno arrebenta. Refletir sobre um conceito de uma nova violência e sobre as questões mais subjetivas que permeiam esse caso, como a seriação, e traçar paralelos entre esse conceito e o fascínio pela violência ritualizada praticada pelos assassinos em série. Questionar-se-á os motivos que levam as pessoas a se envolverem emocionalmente com esse tipo diferente de crime, que à primeira vista não possui significado, o que é desmentido. Pensar se vemos a violência a um novo nível ao ponto de precisarmos de motivos grotescos para expurgá-la. A metodologia teve como base a pesquisa bibliográfica, análise, comparação e sistematização dessas obras; a análise de casos veiculados pela Folha de São Paulo (num âmbito qualitativo) em especial da história do Maníaco do Parque, e também de sites na internet, filmes, músicas e literatura. Foi feita a análise das reportagens do ponto de vista do conteúdo, do tratamento espetacularizado, ingénuo, irresponsável em certos casos, na cobertura de crimes praticados pelos assassinos em série. Entende-se que, por se tratar de um tema que já por si só é demais subjetivo, não se pretende dar nenhum cunho científico (no sentido de matemática de análises) para o que estamos propondo. A metodologia incluiu ainda conversas informais com David Schmid, um dos maiores experts em Serial Killers do mundo, professor da Universidade de Buffalo, NY., This research thesis focuses on issues of violence, repression, mythology, media and the relationship with serial killers. Here, the intention is to make it clear that the phenomenon of serial killers cannot be set in the fantasy and the grotesque because it is part of the evil that this same society insists on deleting. The work brings to the stage of "real" the discussion about media coverage and identification of serial killers in front of the public. The other object of study is the public taking as a "microscope" the serial killer to demystify and show the dark side of the human being on a day to day basis. Moreover, what effects and behaviors are caused by the "disgusting" fascination by serial killers. By analyzing texts, we will adapt concepts to the territory this aims to study. For this, beyond the readings and reflections on literature, we will produce thoughts on top of it, bringing the ideas and proposals raised to the field of serial killers. The research will seek to contextualize the research on websites and stories published by Brazilian newspaper Folha de São Paulo, in a qualitative approach. This is because the primary thrust of this thesis is the case of Francisco de Assis Pereira, the "Maníaco do Parque" (or "Park Maniac", freely translated), Brazilian serial killer that, after analysis, I believe to be a perfect case to fit into all concepts this dissertation will seek to address. We want to draw a parallel of this situation with the wickedness pure and raw represented by serial killers and that search for the extreme violence that begins when the “spring” that holds our inherent evil is set loose. To reflect on a concept of a new violence and about more subjective issues that permeate this case, such as seriation, and draw parallels between that concept and the ritualized violence practiced by serial killer’s fascination. We will question the motives that drive people into becoming emotionally involved with this different kind of crime, which at first sight does not have to mean, what is later denied. Think about if we see the violence to a new level to the point of needing grotesque reasons to purge it. The methodology was based on a literature search, analysis, comparison and systematization of these works; the analysis of cases carried by the newspaper Folha de São Paulo (a qualitative framework) in particular the story of the "Park Maniac", and also websites, movies, music and literature. The analysis of news stories starts from their sometimes naïve and irresponsible spectacularization of the crimes committed by serial killers. It is understood that, because it is a subject which in itself is too subjective, it is not intended to give any scientific nature (in the sense of mathematical analysis) to what we are proposing. The methodology included informal conversations with David Schmid, one of the top experts on serial killers in the world, a professor at the University of Buffalo, New York.

The lines that flow into the Ramon María del Valle-Inclan's esperpento, are varied and serve very different reasons and legacies: one is, from our particular perspective, Baroque concept of honor, seen as a grotesque distortion of ethical and moral values, led to an ideological and social end. Based on this model of Calderon de la Barca will be unquestionable, both with respect to own term of honor, and by the constant references in the Valle-Inclán's theatre gave about her figure and values underpinning theatrical representation of Spanish culture. Las líneas estéticas que desembocan en el esperpento de Ramón María del Valle-Inclán, son muy variadas y atienden a muy distintas razones y herencias: una de ellas es, desde nuestra particular perspectiva, el concepto barroco del honor, visto como grotesca deformación de unos valores éticos y morales, llevados hasta un extremo ideológico y social. Sobre esta base el modelo de Calderón de la Barca resultará incuestionable, tanto en lo que concierne al propio término del honor, como por las constantes referencias que en la obra valleincliniana se daban en torno a su figura y a los valores que sustentaban su representación teatral del mundo hispánico.

Esta investigación analiza a la familia en Latinoamérica como el núcleo fundante y conservador de la cultura, a partir de la narrativa de Samanta Schweblin estudios, de los estudios literarios del siglo XX y XI, y lo grotesco como el agente que pone en cuestión el supuesto orden fijo sobre el que se desarrolla la normalidad y el mundo familiar. Lo grotesco cuestiona a partir de una irrupción de las jerarquías, desarticulación de las formas y la disolución de las ordenaciones familiares. This research analyzes the family in Latin America as the founding and conservative nucleus of culture, based on the narrative of Samanta Schweblin Estudios, the literary studies of the 20th and 11th centuries, and the grotesque as the agent that questions the supposedly fixed order on which the family world and normality are developed. The grotesque questions from an irruption of the hierarchies, disarticulation of forms and the dissolution of family arrangements. Licenciado en Filosofía y Lengua Castellana Pregrado

Este trabajo examina los medios escénicos que usa Quevedo para provocar la comicidad en los entremeses. No solo el ingenio verbal, indiscutible, sino los elementos de la puesta en escena (paranlingüísticos, movimientos, gesto, vestuario, objetos…) sirven para construir una estética de lo grotesco de dimensiones acusadamente teatrales, no solo verbales, como la crítica suele subrayar a menudo ignorando las posibilidades de la puesta en escena de estas piezas. This paper examines the scenic mechanisms used by Quevedo to provoke laugh in his interludes. These mechanisms involve not only verbal wit, but elements of staging (paralinguistic, movements, gesticulation, costumes, objects…) used to build an aesthetic of the grotesque with important theatrical dimensions.

O presente estudo tem como objetivo analisar as estratégias narrativas que viabilizam a representação de diferentes aspectos do grotesco na obra 'Romance negro e outras histórias' de Rubem Fonseca, propondo a consideração do grotesco como gênero discursivo, estética literária, atitude e prática cultural, operando a partir de duas vias principais: o grotesco como representação estética predominante na contemporaneidade e o grotesco como forma de transgressão dos códigos sociais vigentes na sociedade capitalista moderna This study is devoted to the analysis of narrative strategies that enable the representation of different aspects of the grotesque in 'Romance negro e outras histórias', written by Rubem Fonseca, proposing to account for the grotesque as a discursive genre, literary aesthetics, attitude and cultural practice, operating through two main routes: the grotesque as the predominant aesthetic representation in contemporary society and the grotesque as a form of transgression of social codes enforced in modern capitalist societies.

Este trabajo propone una lectura de la novela Zama (1956) de Antonio Di Benedetto. La obra de este autor ha sido leída en general como manifestación literaria de una negatividad propia del existencialismo. Zama en particular ha sido, por su parte, interpretada como una negación de la novela histórica. Tratando de superar estas dos formas de negatividad, la lectura propone pensar a Zama en relación con el humor y el grotesco. La expresión de lo tragicómico podría proporcionar una nueva clave de lectura tanto de Zama como de la obra narrativa de Di Benedetto. This paper proposes a reading of the novel Zama (1956) by Antonio Di Benedetto. Di Benedetto's works have generally been read as a literary manifestation of existentialism's negativity. Zama in particular has been interpreted as a negation of the historical novel. By trying to overcome these two forms of negativity, this work suggests reading Zama in connection with humor and grotesque. The expression of the tragicomic could provide a new key to reading both Zama and the narrative work of Di Benedetto. Fil: Arce, Rafael Gerardo. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Centro Científico Tecnológico Conicet - Santa Fe; Argentina. Universidad Nacional del Litoral; Argentina

Resumo Este artigo tem como objetivo analisar alguns poemas de João Cabral de Melo Neto, à luz de algumas teorias do grotesco, particularmente as de Bakhtin e de Kayser, tentando mostrar a presença dessa “categoria negativa” na obra do referido poeta. Abstract This paper aims to analyse some poems of João Cabral de Melo Neto in the light of some theories of the grotesque, particularly those of Bakhtin and Kayser, trying to point out the presence of this “negative category” in the work of this poet.

La teoría de lo grotesco ha sido objeto de diversas interpretaciones a lo largo de la historia de las artes desde que dicha categoría estética se constituyó como tal. Los estudios más relevantes que se han llevado a cabo discrepan en el elemento clave que constituye la esencia de lo grotesco: el terror o el humor. Tomando como objeto de estudio el anime -un producto de la cultura popular globalizada-, se analiza la utilización que de lo grotesco se hace en dicho formato artístico, y se llega a la conclusión de que en lo grotesco tienen cabida ambos componentes; es más, ambos resultan imprescindibles. The theory of the grotesque has been analyzed from very different points of view since its appearance as an aesthetic category. Those perspectives differ from each other on the highlighting of the core constitutive element of the grotesque: either horror or humor. Taking anime -an artistic product of the nowadays global pop culture- as the base of the research, this article concludes that both elements are not only present on most of the grotesque representations but also that they are key to the reception of such an affection, and that the given grotesque representation constitutes itself on a key element to explore and express the feelings of a western society.

Este artículo propone un análisis comparativo entre la obra teatral de Roberto Arlt: El fabricante de fantasmas y el teatro de bufones según lo describe Jacques Lecoq en El cuerpo poético. En primer lugar, intentaremos esclarecer algunos conceptos manejados por Lecoq para describir su propuesta escénica relacionándolos con la tradición del arte grotesco de occidente. Luego de abordar estos conceptos del género bufonesco, desde la perspectiva del arte grotesco pasamos al análisis comparativo con la obra de Roberto Arlt para intentar trazar correspondencias entre estas poéticas distantes. Creemos que este análisis comparativo permite repensar la obra del escritor argentino y a su vez propone fundamentos dramatúrgicos para la producción escénica bufonesca.

J’étudierai la question du corps grotesque dans ce roman en m’appuyant notamment sur l’analyse du corps du dictateur, corps positionné dans un entre deux troublant, entre la vie et la mort, entre l’homme et l’animal ou l’homme et la chose. Ces corps grotesques se réfléchissent presque à l’infini dans d’autres corps et s’opposent à certains corps sublimes. Le corps grotesque est un corps instable, en perpétuelle métamorphose, et l’enjeu principal est bien celui d’un temps continu ou brisé : la question essentielle que pose le corps grotesque est celle de la pérennité ou du changement. Estudiaré la cuestión del cuerpo grotesco en esta novela apoyándome particularmente en el análisis del cuerpo del dictador, cuerpo ubicado en un «entre dos» inquietante, entre la vida y la muerte, el hombre y el animal, o el hombre y la cosa. Esos cuerpos grotescos se reflejan casi al infinito en otros cuerpos y se oponen a ciertos cuerpos sublimes. El cuerpo grotesco es un cuerpo inestable, en perpetua metamorfosis, y lo que está en juego es un tiempo continuo o roto: el problema esencial que plantea el cuerpo grotesco es el de la perennidad o del cambio.

Este artigo procura rever o percurso da categoria estética do grotesco na sociedade ocidental a partir de associações teóricas de alguns pesquisadores especializados como Mary Russo, Mikhail Bakhtin, Muniz Sodré e Wolfgang Kayser. Também, discute as relações e implicações do grotesco com as temáticas: sexo e violência na arte contemporânea, enfatizando obras da artista Márcia X.

O texto apresenta uma pesquisa em poéticas desenvolvida através da linguagem pictórica tendo como base a construção de imagens em ambiente digital. Apoiada nos conceitos de apropriação, grotesco e ukiyo-e a pesquisa tem como recorte temático a presença de imagens de sexo explícito e violência na vida cultural contemporânea e, visa tanto a reflexão sobre a atualidade da estética grotesca como o desenvolvimento de uma fatura pictórica capaz de atualizar o conceito de pintura de gênero.

A seguinte investigação tem como objetivo o estudo do romance policial de Miguel Miranda, bem como o seu afastamento do romance policial canónico, com base nos romances: O estranho caso do cadáver sorridente (1998), Livrai-nos do mal (1999), Dois urubus pregados no céu (2002) e Dai-lhes, senhor, o eterno repouso (2011). Para tal, o primeiro capítulo incide sobre as origens do romance policial, a sua receção em Portugal, a sua ideologia, e a sua consolidação enquanto género literário, partindo particularmente dos trabalhos de Maria de Lurdes Morgado Sampaio, Alma Murch e Ernst Mandel. Concluímos que apesar da fluidez de fronteiras dos policiais de Miguel Miranda, eles devem ser entendidos como pertencentes ao género policial. E é no segundo capítulo que problematizamos essa fluidez, analisando os romances mencionados de Miguel Miranda no contexto do recurso à paródia, ao cómico e ao grotesco (que funciona como uma forma de cómico). No terceiro e último capítulo é o conceito de transtextualidade, a partir das concetualizações de Gérard Genette e Julia Kristeva, que é discutido. Este aspeto é fundamental para a perceção do afastamento dos romances de Miranda da linha clássica do romance policial, dado que o autor instaura frequentemente relações para lá do texto, manifestas ou não, de natureza histórica, factual e jornalística, literária, e até mesmo bíblica.

El presente artículo analiza el discurso grotesco como discurso estético/político contracultural, enalgunas de las obras de los artistas José Alberto Hernández de Costa Rica, y Regina José Galindo deGuatemala. Como representantes del arte conceptual latinoamericano, estos dos artistas contemporáneosexploran elementos de la realidad humana tanto desde una perspectiva universal, como regional.Mediante el uso de la estética grotesca, Hernández y Galindo rompen con los estándares artísticos delmainstream, explorando distintos medios, técnicas, e incluso temáticas que horrorizan, disgustan al/laespectador/a, pero a la vez lo/la atraen y fascinan, al mostrarle una perspectiva opuesta a la estéticatradicional del arte occidental, y dándole una voz propia al arte latinoamericano.

Esta pesquisa busca contribuir com os estudos de comunicação acerca da representação da saúde mental através da mídia. Tendo como objeto central a televisão, percorremos as definições e ideias acerca de saúde mental, loucura, cidadania, televisão e gêneros televisivos a fim de desenvolver uma estrutura teórica que dê suporte à análise de conteúdo que foi realizada em seguida. A partir das ideias de Michel Foucault foi feita uma reflexão acerca da saúde mental enquanto uma questão social, política e histórica que gera representações midiáticas. Daí parte a ideia do estigma dentro da estética televisiva do grotesco, tendo como autores-guia Muniz Sodré e Raquel Paiva. Essas teorizações dão suporte a uma análise de conteúdo sobre as edições do programa “A Liga” com a temática de saúde mental. Como resultado apresentamos reflexões acerca da representação midiática não afirmativa da cidadania dos portadores de transtorno mental e a correlação entre loucura e institucionalização. No âmbito dos produtos televisivos chegamos a reflexões sobre aquilo que o programa “A Liga” apresenta como jornalismo, ou como se utiliza de seus fundamentos para apresentar um novo produto: o pseudo jornalismo espetacular. This research seeks to contribute with the studies of communication about the representation of mental health. With television as a central object, we go through the definitions and ideas about mental health, madness, citizenship, television and representation in order to develop a theoretical structure that gives support to the content analysis that will be developed. From the ideas of Foucault's is done a reflection about mental health as a social, politics and historical issue, that generates midiatic representations. From that, arise the idea of stigma within the television aesthetics of grotesque, having as guide autors Muniz Sodré and Raquel Paiva. These theorizations support the content analysis of the editions with the theme of mental health in A Liga tv show. As a result we present reflections about the media not affirmative representation of citizenship of the mentally ill and the correlation between madness and institutionalization. In the scope of the television products we came to reflections about what the tv show The League presented as journalism, or how it uses its foundations to present a new product: the spectacular pseudo journalism.

La presente tesis estudia la narrativa vanguardista en Latinoamérica. Revisa a seis escritores de diferentes latitudes del continente: María Luisa Bombal (1910-1980), de Chile; Julio Garmendia (1898-1977), de Venezuela; Lino Novás Calvo (1905-1983), de Cuba; Enrique Bernardo Núñez (1895-1979), de Venezuela; Pablo Palacio (1906-1947), de Ecuador; y Clemente Palma (1872-1946), de Perú. Para empezar se indaga en las raíces de la literatura moderna; se describen algunos de sus aspectos esenciales para orientar la reflexión teórica. Así se encauzan las indagaciones en el área de la ironía y sus transformaciones a lo largo de la historia de la cultura. En la conclusión de esta parte se amplía dicho tropo como una figuración irónica que desemboca en cuatro modos a estudiar: el humor, lo grotesco y lo fantástico. Abarcados sus aspectos claves, se explora el desarrollo de la vanguardia en Latinoamérica con el objetivo de ampliar sus parámetros y estudiarla como un fenómeno endógeno y no una importación de Europa. Lo anterior tiene como propósito, al mismo tiempo, encuadrar a los autores señalados en su contexto social, histórico y cultural. Por último, se analizan las obras de los nombres indicados que guarden relación con y/o hagan uso de lo fantástico, lo grotesco y el humor. En los resultados se muestra un desarrollo paralelo de técnicas que afianzan la ejecución de los tópicos señalados. Más aún, se nota un proceso de hibridez y desarrollo de temas que enlazan y cohesionan la producción revisada., This thesis studies avant-garde fiction in Latin America. It focuses on six writers of different parts of the continent: María Luisa Bombal (1910-1980), from Chile; Julio Garmendia (1898-1977), from Venezuela; Lino Novás Calvo (1905-1983), from Cuba; Enrique Bernardo Núñez (1895-1979), from Venezuela; Pablo Palacio (1906-1947), from Ecuador; y Clemente Palma (1872-1946), from Peru. It starts considering the roots of modern literature; it describes some of its main aspects to orientate the theoretical considerations. This canalizes the inquiries to irony and its transformations through cultural history. The theoretical thought expands the classical trope into a figuration which leads to four modes: humor, grotesque and fantastic. The next step is to analyze the key aspects of these modes. Once this is accomplished, the study explores the development of Latin-American avant-garde. The purpose is to broaden the analytical criteria which will be use to scrutinize the phenomenon as an endogenous development. Moreover, this will help to fix the mentioned authors in their social, historical and cultural context. Finally, the dissertation examines the work of the mentioned writers taking special consideration of the short-stories or novels that use the fantastic, the grotesque and the humorous. The results show a common improvement of the techniques to materialize those modes. Furthermore, the hybridist condition and the shared topics showed by the authors emphasize the cohesion of the examined production.

En la obra literaria de Edgar Allan Poe el mito romántico de la Imaginación es reformulado como una teoría de la Intuición, articulada en la dualidad entre lo Grotesco –la realidad perceptiva inicial, caótica y confusa–, y lo Arabesco –esa misma realidad percibida en sus patrones armónicos, ordenados y repetitivos–. Los relatos de terror de Poe son depurados ejemplos del funcionamiento de este esquema perceptivo, que alcanza su justificación última en la concepción del mundo que el autor explicitará en su ensayo cosmogónico Eureka. In Edgar Allan Poe’s literary work the Romantic myth of Imagination is recast as a theory of Intuition, which articulates as the movement from the Grotesque –reality first perceived as chaotic and confusing– to the Arabesque –that same reality perceived in the harmony, order and repetition of its constituent patterns–. Poe’s horror tales are fine examples of this perceptive scheme, which reaches its ultimate justification in the world view the author made explicit in his cosmogonic essay Eureka.

La escena inicial de El Chorro de sangre, mientras una pareja se jura amor eterno (de manera repetitiva y mecánica), llueven sobre el escenario partes del cuerpo humano. En este trabajo pretendo demostrar que Artaud pensó esa lluvia de extremidades desde una recepción sensorial. Es decir, la estrategia del disjecta membra responde a su concepción de un teatro de los sentidos que, como lo señala en El teatro y su doble, busca provocar una “revolución del espíritu". Si el cuerpo es espacio de las luchas entre un “interior" libre y caótico, y las presiones “exteriores", sociales, la fragmentación revela la energía excedente del ser humano por sobre esos controles, la capacidad de resistencia y superación. Para expresar esa resistencia, Artaud apela a la carnavalización del cuerpo que, como lo afirma Bajtín, produce una serie de transgresiones en tanto crítica y resistencia. Así, el cuerpo desmembrado trae a la superficie los miedos y tabúes sobre la muerte, la unidad del cuerpo humano y la inviolabilidad del cadáver. Se concluye que interpretar la lluvia de extremidades humanas requiere comprender El chorro de sangre como la puesta en escena de los principios surrealistas de subversión y desmoralización y, al mismo tiempo, que el cuerpo como objeto central de la representación carnavalesca problematiza tópicos filosóficos como la percepción y la existencia del ser. In the opening scene of Jet of blood, while a couple it swears eternal love (on repetitive and mechanical way), human body parts rain down on stage. In this paper we intend to show that Artaud projected the rain of limb since a sensory reception. That is to say, strategy of disjecta membra responds to his conception of a theater of the senses that, as he noted in The Theatre and its Double, seeks to provoke a "revolution of the spirit". If the body is space of fights between a the free and chaotic "inside" and "external" social pressures, fragmentation reveals the excess energy of human above these controls, his resilience and overcoming. To express this resistance, Artaud appeals to body's carnivalization that, as it stated Bakhtin, produces a series of transgressions in both critique and resistance. Thus, the dismembered body brings to the surface, fears and taboos about death, the unity of the human body and the inviolability of the corpse. We conclude that to interpret the rain of human limbs, it is required to understand Jet of blood as the staging of surrealist principles (as subversion and demoralization) and, at the same time, that the body as a central object of the carnival representation, problematizes philosophical topics such as perception and existence of being. Fil: Blanco, María Soledad. Universidad Nacional de Jujuy

O objetivo deste trabalho consiste em contribuir com os estudos relativos à estética do grotesco no rock’n’roll e à utilização de diferentes plataformas midiáticas como forma de estilização poética e criação de narrativas convergentes à obra Viver até Morrer da banda Cicuta. As moldagens grotescas enquanto representação visual das angústias e contradições de uma era repleta de estímulos sensoriais e choques cotidianos constantes aos quais o indivíduo é exposto contestam modelos sociais institucionalizados por meio da estética. A exposição transmidiática da obra proporciona uma expansão do imaginário ficcional por meio de interconexões narrativas a partir de diferentes plataformas em diálogo com o cinema de animação, o videoclipe, as histórias em quadrinhos e a música. The objective of this work is to contribute to studies about the grotesque aesthetic in rock'n'roll and the use of different media platforms as a means of poetic styling and creating new narratives converge to Viver até Morrer. The grotesque as a visual representation of the anxieties and contradictions of an age full of constant daily shocks that the people is exposed challenge institutionalized social models through the aesthetics. The transmedia exhibition of the work provides an expansion of the fictional imaginary narratives through interconnections from different platforms and media languages such as animated film, the music video, comics and music. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Je me propose de concevoir la mode comme une métaphore de l’époque contemporaine. Mon corpus d’analyse ce sont les créations du styliste anglais, Alexander McQueen, qui valorisent les formes baroques dans l’expression artistique. Ces formes se combinent, d’ailleurs, avec des formes tragiques et grotesques. Cette typologie des formes est aussi étrangère à l’idée de la totalisation de l’existence qu’à celle de sa perfection et harmonie. Il s’agit de formes qui déclinent un destin secoué par le vertige du fragmentaire, du marginal, du mondain et du profane, qui nous donnent à voir, en outre, le caractère visqueux, sinueux, vacillant et labyrinthique de la condition humaine. Les créations d’Alexander McQueen, que je convoque en ce texte, me permettent de rendre compte d’une importante translation dans la culture contemporaine: d’“animal de promesse”, comme l’avait défini Nietzsche, l’homme est devenu animal “en souffrance de finalité”, pour parler comme Lyotard. Incapable de promettre, l’homme contemporain se reconnaît surtout dans les figures qui accentuent sa condition transitoire, contingente, multiple, impondérable, nomadique et solitaire, It is my purpose to take fashion as a metaphor for our current condition. The creations of British stylistic Alexander McQueen, which value the tragic, baroque and grotesque forms in the artistic expression, are the object of my corpus analysis. This typology of forms is averse to both the idea of existence totalization and of its perfection and harmony. The question is the forms that decline a destination shaken by the fragmentary vertigo, the marginal, the mundane and the profane, giving us to see, moreover, the viscous, twisty, tottering, labyrinthine character of the human condition. Alexander McQueen’s creations, which I examine, allow me to sign in fact an important translation in contemporary culture: from "animals of promise", as Nietzsche had set, the man converted itself into animal "suffering of purpose" (Lyotard). Unable to promise, contemporary man sees himself clearly mainly on figures that emphasize its transient, groping, contingent, multi, imponderable, nomadic and solitary condition., É meu propósito tomar a moda como metáfora da nossa actual condição. O meu corpus de análise são as criações do estilista britânico Alexander McQueen, que valorizam as formas barrocas na expressão artística. Essas formas, aliás, combinam-se com formas trágicas e grotescas. Esta tipologia de formas é avessa, tanto à ideia de totalização da existência, como à da sua perfeição e harmonia. Trata-se de formas que declinam um destino sacudido pela vertigem do fragmentário, do marginal, do mundano e do profano, dando-nos a ver, além disso, o carácter viscoso, sinuoso, titubeante e labiríntico da condição humana. As criações de Alexander McQueen, que convoco neste texto, permitem-me dar conta de uma importante translação na cultura contemporânea: de “animal da promessa”, como o havia definido Nietzsche, o homem passou a animal em “sofrimento de finalidade” (Lyotard). Incapaz de prometer, o homem contemporâneo revê-se sobretudo nas figuras que acentuam a sua condição transitória, tacteante, contingente, múltipla, imponderável, nomádica e solitária.

This thesis aims to point out the social and psychological constructions of Antonio Carlos Viana‘s characters in Cine Privê collection of short stories (2009), based on the madness and eroticism. Connected to this issue, we are concerned to investigate how the grotesque body is described by the narrator‘s ironic memory, which builds silent characters set in situations of social exclusion, contextualized in decaying spaces. As theoretical and methodological elements, we start from reflections that endorse the relations of power, madness, the grotesque, eroticism and sexuality according to the perspective of Michel Foucault, Gaston Bachelard, Wolfgang Kayser and George Bataille. This research is divided in three chapters: the first one is about the theoretical part which addresses the issues of authorship, discourse and power; the second chapter, talks about the perspective from a narrator-child, presents the analysis of selected short stories through the view of madness and of the grotesque such as: "Santana Quemo-Quemo", "Quando meu pai voltou", "Minha avó Inocência" and "Nós, a maré e o morto ". Finally, the third one discusses in detail the issue of grotesque, sexuality and eroticism in the following short stories: "Cine Privê, "Angeline", "Esperanza", "Dia de parir cabrito", "Eliazar Eliazar" and "Moonlight Serenade". Thus, we intend to discuss in what ways the sexual saturation of Antonio Carlos Viana‘s characters occurs facing a disciplinative and excluding social context, as discourse is via of exclusion, as body and space are taken by repulsive aspects. Esta dissertação tem como objetivo abordar as construções sociais e psicológicas dos personagens de Antônio Carlos Viana, na coletânea de contos Cine Privê (2009), tomando como base a problemática da loucura e do erotismo. Aliada a essas temáticas, temos a preocupação de investigar a forma como o corpo grotesco é descrito pela memória irônica do narrador, que constrói personagens silenciosos ambientados em situações de exclusão social, contextualizadas em espaços decadentes. Como subsídios teórico-metodológicos, partimos de reflexões que referendam as relações de poder, da loucura, do grotesco, do erotismo, e da sexualidade, conforme as perspectivas de Michel Foucault, Gaston Bachelard, Wolfgang Kayser e George Bataille. Didaticamente, dividimos esta pesquisa em três capítulos: o primeiro constitui-se na parte teórica que aborda as questões sobre autoria, discurso e poder; o segundo capítulo, sob a ótica do narrador-menino, apresenta as análises dos contos selecionados pelo prisma da loucura e do grotesco: "Santana Quemo-Quemo", "Quando meu pai voltou", "Minha avó Inocência" e "Nós, a maré e o morto"; o terceiro aborda, de forma detalhada, a questão do grotesco, da sexualidade e erotismo nos contos "Cine Privê", "Angeline", "Esperanza", "Dia de parir cabrito", "Eliazar Eliazar" e "Moonlight Serenade". Com isso, pretendemos problematizar de que maneira ocorre a saturação sexual dos personagens de Antônio Carlos Viana diante de um contexto social disciplinador e excludente, quando o discurso é via de exclusão e o corpo, e espaço, são tomados por aspectos repulsivos.

El análisis de lo grotesco desde una metodología basada en el estudio de sus imágenes y en la recopilación y exámen de material bibliográfico sobre el tema, define la cuestión principal de la presente investigación. En un primer momento, consideramos una serie de términos clave que vinculados a lo grotesco cambian a lo largo de la historia y al mismo tiempo varían sus matices y significados, adaptándose a las distintas sociedades: ‘híbrido’, ‘prodigio’, ‘portento’, ‘fantasía’, y ‘maravilla’; y que concluimos, en la definición de dos vertientes del concepto principal, a saber, ‘lo grotesco-fantástico’ y lo ‘grotesco-cómico’, sobre los que fundamentamos el estudio del monstruo como expresión de marginación. Cronológicamente hablando, la representación del monstruo ha dejado patente que la teoría de Gombrich sobre el ‘simbolismo inconsciente’ es más que probable. El monstruo se encuentra vinculado a la realidad marginal que lo circunda, y es por ahí por donde entra a formar parte del imaginario del ser humano a lo largo de su historia. El estudio de obra seleccionada de cuatro autores, como Bosco (1450-1516), Callot (1592- 1635), Hogarth (1697-1764) y Goya (1746-1828), concreta la biblioteca de imágenes de lo grotesco utilizada en esta investigación, junto con las clasificaciones internas que establecemos. La investigación conluye en un acercamiento a las vanguardias artísticas y al arte contemporáneo desde los planteamientos que proponemos, considerando cómo se manifiesta lo grotesco en autores como Paula Rego o H.R. Giger, desde su particular forma de mirar la realidad con la intención de atraparla y comprenderla., Balibrea Melero, M. (2015). Visiones de lo grotesco: representación de la marginación en el arte a través del monstruo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. doi:10.4995/Thesis/10251/48557., TESIS

Mestrado em Línguas, Literaturas e Culturas Tendo como ponto de partida a leitura intertextual das obras Caim, de José Saramago, e Gaspard, Melchior et Balthazar, de Michel Tournier, encaradas à luz da Teoria da Carnavalização do filósofo russo Mikhail Bakhtin, procura-se estabelecer afinidades e antinomias passíveis de constarem na temática da revisitação subversiva de mitos bíblicos. Assim sendo, pretende-se concluir, nomeadamente, acerca da relevância do diálogo efetuado pelos autores em torno da verdade oficial e sua reinterpretação, ainda que insolente; da validade da viagem de iniciação, enquanto lenitivo, “via-sacra” e demanda de absoluta Plenitude, empreendida pelos heróis e pelos anti-heróis; do grotesco na representação carnavalesca do corpo e da vida terrena; da presença de um discurso narrativo fazendo uso de uma linguagem subversiva, onde grotesco, ironia e/ou paródia são percetíveis; dos valores morais e ética social a preservar versus crítica acérrima ao poder instituído; da queda do Homem e do confronto com Deus e suas imperdoáveis limitações “humanas”; da presença do binómio entidade divina/entidade mefistofélica e o modo como as várias vozes narrativas surgem articuladas. Concomitantemente, pretende-se comprovar que os textos de José Saramago e Michel Tournier, embora mergulhando no desmascaramento, “profanação” e aparente niilismo do Texto Bíblico, na dessacralização de um cosmos oficial e na adoção do riso e impertinência enquanto catarse, longe de provocarem a aniquilação do mito, antes concorrem para uma releitura profícua, pois repleta de pluralidade de significados, onde o Transcendente, por oposição à desilusão prodigalizada pela vida terrena, é objeto de revitalização; pretendendo autores, narradores e leitores, postos em diálogo polifónico, a não reiteração de modos perniciosos de “estar” e “ser”, mas um olhar lúcido e puro sobre o futuro da Humanidade. Taking as a starting point the intertextual reading of Caim, work of José Saramago, and Michel Tournier’s Gaspard, Melchior and Balthazar, viewed in the light of Carnivalization theory of the Russian philosopher Mikhail Bakhtin, will be made an attempt to establish affinities and antinomies liable to be included in the theme of subversive revisiting biblical myths. Therefore, it’s intended to conclude in particular about the relevance of the dialogue accomplished by the authors around the official truth and its reinterpretation, even insolent; the validity of the journey of initiation, while soothing, "via-sacra" and demand of absolute fullness, undertaken by the heroes and the antiheroes; the grotesque in the carnival representation of the body and earthly life; the presence of a narrative discourse making use of a subversive language, where the grotesque, irony and/or parody are noticeable; the moral values and social ethics to preserve versus the fierce criticism to the institutional power; the fall of Man and the confrontation with God and their “human” unforgivable limitations; the presence of the binomial divine/Mephistophelean entities and how the several narrative voices arise articulated. Concomitantly, it’s intended to prove that the texts of José Saramago and Michel Tournier, in spite of diving into the unmasking, "desecration" and apparent nihilism of the Biblical text, the desecration of an official cosmos and the adoption of laughter and impertinence while catharsis, far from causing the annihilation of myth, they compete for a fruitful reinterpretation, full of multiple meanings, where the Transcendent, as opposed to disappointment lavished by earthly life, is a revitalizing object; intending authors, narrators and readers, put into polyphonic dialogue, not the reiteration of pernicious ways of "being" but a lucid and fresh look on the future of humanity.

Talvez uma das características mais notáveis da produção audiovisual conhecida como pornografia seja sua infinita capacidade de parodiar. De desenhos animados a canções, de obras literárias a produções cinematográficas, o gênero pornográfico parece ter como um de seus principais alimentos os outros tipos de “gêneros”: artísticos e sexuais. Desta forma, aproveitando o sucesso midiático de um dos mais divulgados monstros contemporâneos - o zumbi -, a pornografia também incorpora este curioso ser que representa um morto que continua insistentemente atuando no mundo dos vivos. O objetivo deste trabalho é apresentar uma reflexão sobre filmes pornôs com zumbis, indagando o quanto a própria pornografia pode ser vista como um gênero que vive de devorar outros gêneros (artísticos) e, principalmente, o quanto a produção pornô em seu viés mainstream reproduz papéis de gênero (sexual) tradicionais que historicamente poderiam já estar mortos e enterrados, mas que continuam atuando insistentemente em nosso cotidiano.

No decorrer da história da arte, o homem vem demonstrando seu interesse ambíguo pela categoria estética do grotesco. A atração e a inquietação que o grotesco exerce nas pessoas, como ele se reinventa, assume novas formas e invade vários meios lhe confere um poder de instigação e de subversão que revela, diversas vezes, até mesmo, um teor ideológico. A reflexão sobre as manifestações do grotesco na arte contemporânea gerou o interesse por essa pesquisa, tendo em vista a necessidade de estudos acerca dessas expressões que, embora possam causar polêmicas, são cada vez mais utilizadas por artistas da atualidade. Este trabalho se propõe a analisar se algumas representações imagéticas do artista plástico contemporâneo Rodrigo Braga, que dialogam com vários meios e expressões, apresentam a estética grotesca em suas estruturas, bem como se esse tipo de criação pode ser reflexo da contemporaneidade e de seus conflitos e tensões em esferas sociais, políticas e econômicas. Os trabalhos emblemáticos de Rodrigo Braga saltam o olhar diversificando, amplamente, nosso repertório imagético e trazem à tona as inquietações da relação entre arte e vida/cotidiano. A importância que a pesquisa atribui à história da arte, especialmente ao estudo do percurso histórico do feio e do grotesco, aos aspectos da arte contemporânea e seus abrangentes processos criativos (tradicionais e campos mais expandidos) também deram suporte epistemológico para a realização do trabalho. No mundo contemporâneo, encontra-se o grotesco cada vez mais presente, em diversos campos da arte, sobretudo nas artes visuais, na literatura e no cinema.

A noção de grotesco se encontra em quase todas as vanguardas artísticas do começo do século XX. Da literatura às artes plásticas, o termo é comumente relacionado ao exagero, à caricatura, ao satírico ou ao fantástico. Sua origem está fortemente ligada ao elemento pictórico, como os ornamentos murais antigos redescobertos no Renascimento, que mesclam formas do reino vegetal a corpos humanos ou de animais, reforçando a relação estreita com a imagem, o insólito e o artificial. Meierhold dá ao termo uma interpretação pessoal. Conceito-chave de sua obra, o grotesco meyerholdiano não se reduz a uma figura de estilo, exagero, hipérbole, mas integra as diversas contradições sobre as quais funciona seu modo de criação: observação minuciosa e seleção rigorosa, fragmento e generalização, realismo e convenção, política e estética, teatro de variedades e drama musical. A unidade de sua obra baseia-se na união destes contrários e na tensão gerada por esta união.

A challenge facing Latin America and the United States is the ever-increasing violence related to the drug trade. Media reports with counting of cruel and premeditated murders controlled by drug cartels. This dissertation explores the narconovela and the literary representations of such violence in Colombia applying interdisciplinary methodology and approach from a historical, social, and cultural perspective to the following works: La Virgen de los Sicarios (1994) by Fernando Vallejo; Rosario Tijeras (1999) by Jorge Franco Ramo; Sin tetas no hay paraíso (2005) by Gustavo Bolívar; Confesiones de una puta cara (2007) by Francisco Celis; and the motion picture, María, llena eres de gracia (2004) by Josh Martson. In this way, my contribution to Latin American studies is to demonstrate the convergence between the notion of a grotesque reality and the Colombian narconovela. Theoretical perspectives developed by intellectuals in the areas of psychology, philosophy and literary theory, such as Victor Hugo, Sigmund Freud, Judith Lewis Herman, Tzevetan Todorov and Mikhail Bakhtin, among others, have helped accomplish the goal of this study.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T14:51:22Z No. of bitstreams: 1 Simone Cristina Manso Escobar_Tese.pdf: 2742943 bytes, checksum: 9fef1ff06062ef8e1e92fe984fd695d5 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T14:51:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Simone Cristina Manso Escobar_Tese.pdf: 2742943 bytes, checksum: 9fef1ff06062ef8e1e92fe984fd695d5 (MD5) Previous issue date: 2014-04-07 The objective of the research presented is analysing in a compared perspective basis the combination of two types of art: literature and painting, observed in the book "The Baron of Lavos" (1891) by Abel Botelho. The naturalist romance, with decadent traces, of the writer Abel Botelho launches the series entitled Social Patology (1891) showing, as said by José Carlos Pereira (Pereira, 1995), "a time when the romantism, realism and baudealirian modern purpose (a bit satanic) would converge". The various range of art categories are joined as well. In the caotic but fruitful scenary a romance in which plastic art is the focus of the text is set. It is mainly analysed, as the romance unfolds, the writing process where it was possible to observe the deformation of beautiful in to grotesque. The image issue caractherized by the litograph Kdinapping of Ganimedes is investigated. The cited litograph plays an important role in this literary work as it represents not only the esthetic ideal idealized by the Baron himself but also the very meaning of the trajectory and emotions of D. Sebastian during his life Esta pesquisa tem por objetivo, em perspectiva comparada, analisar o encontro de duas artes: a literatura e a pintura, observado na obra O Barão de Lavos (1891), de Abel Botelho. O romance naturalista, com traços decadentistas, do escritor Abel Botelho que abre a série intiulada Patologia Social (1891) nos mostra, como diz José Carlos Seabra Pereira, um tempo em se convegiam o romantismo,o realismo e pretensões de modernidade baudealiriana (mais ou menos satanistas) (PEREIRA, 1995) e onde as diversas categorias das artes se encontram e se conjugam. Nesse cenário caótico, mas profícuo, temos este romance que estabelece a arte plástica como ponto focal dentro do texto. Analisa, sobretudo, o processo da escrita onde foi possível constatar a deformação do belo em grotesco ao longo do romance. Investiga a questão imagética encontrada no texto botelhiano, caracterizada através da gravura Rapto de Ganimedes; litografia de grande simbologia dentro dessa obra literária, pois representa o ideal estético idealizado pelo próprio Barão, e tudo de significativo que compõe a trajetória e as emoções de D. Sebastião ao longo de sua vida, portanto permeando e atravessando toda narrativa

Recensão à antologia de contos de Dulce Maria Cardoso "Tudo são histórias de amor".

Realización de tres series pictóricas a partir de referentes grotescos

El presente trabajo reflexiona sobre un personaje femenino humorístico televisivo contemporáneo: Violencia Rivas; desde una perspectiva que atiende implicaciones de género. El personaje elegido, interpretado por el actor cómico Diego Capusotto, es el objeto y el eje sobre el que me propongo reflexionar a partir de una serie de preguntas: cómo puede un personaje de la década de los 60 inspirar una versión diametralmente opuesta en el 2010; qué plus de sentido pone en consideración esta parodia de largo plazo; cómo se sitúa el personaje real y el personaje ficcional respecto de los mandatos y de las demandas femeninas; qué pasa con el tono grotesco que adquiere el personaje femenino al ser interpretado por un varón travestido. En el intento de responder estas preguntas el análisis y la argumentación prestarán una especial atención a operaciones propias del campo humorístico como son la parodia, la ironía y la sátira, porque ese es el campo en el que vengo desarrollando mi actividad de investigación. This present paper seeks to develop an initial analysis on the comic female character Violencia Rivas, from a gender perspective. The character chosen, played by the comedian actor Diego Capusotto in his contemporary TV show Peter Capusotto y sus videos is the core object of analysis on which I will reflect upon some key questions that will guide the inquiry for this paper: how can a character from the 60s inspire a diametrically opposed version in 2010; what kind of added-value is given to this long term parody; how is the fictional and the real character placed with regard to the social and moral values as well as to the feminine demands; what are the implications of the grotesque quality acquired by the character when played by a maletransvestite performer? Bearing in mind these questions, the present paper will aim to focus on the aesthetic mechanisms of the humour resources such as parody, satire and irony because it is in this field of research I have been working in. Fil: Moglia, Mercedes. Universidad de Buenos Aires. Facultad de Ciencias Sociales. Carrera de Ciencias de la Comunicación; Argentina. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina. Universidad de Buenos Aires. Facultad de Ciencias Sociales. Instituto de Investigaciones "Gino Germani"; Argentina

Truismes, de Marie Darriequssecq, ha dejado cierta inquietud en muchos de sus lectores. El tono perverso en el cual vemos la metamorfosis de una joven mujer en una cerda no puede ser tomado por un tratado sobre los derechos animales, sino parece ser menos ambiguo mientras continúa cuestionando todo limite y frontera conceptual entre especies, géneros, edades y hasta razas.

Se trata de una investigación de la estructura y el contenido del Capricho 4 bajo el aspecto de lo grotesco. A partir de la contextualización de la leyenda El de la rollona y de las explicaciones manuscritas de los Caprichos realizadas en el siglo xix, se analiza cuál es la signifi cación de los amuletos y de los objetos que se perciben en el fondo del grabado. En un segundo paso, los resultados de estos análisis abren el camino hacia la aclaración del programa de la Ilustración en el Capricho 4, que implica no solo una crítica a la nobleza y sus métodos de educación (en la tradición de los retratos de infantes del Siglo de Oro), sino también una crítica a las concepciones educativas poco adecuadas a las necesidades de los niños (en el contexto del debate sobre la educación que se desarrolló a partir de Jean-Jacques Rousseau)., The structure and content of the Capricho 4 are examined in terms of the grotesque. Based on the contextualization of the legend El de la rollona and the 19th century handwritten commentaries on the Caprichos, the article analyses the signifi cance of the amulets and background objects in the etching. Th e results lead on to a defi nition of the programme of the Enlightenment in the Capricho 4, which includes (in the tradition of the portraits of the infantes of the Golden Age) a critical comment on the aristocracy and its education and on inappropriate educational concepts in general (following the discussion on education initiated by Jean-Jacques Rousseau).

Baudelaire diferencia claramente las caricaturas en dos clases de obras casi opuestas: la cómica y la grotesca. En este trabajo he buscado los elementos y características que hacen que una caricatura se quede en el plano de lo cómico o pase a ser grotesca. Para ello nos hemos servido de las teorías de nivelación y agudización de la forma que, aunque no sean determinantes, juegan un papel importante a la hora de definir qué tipo de caricatura estamos generando. La nivelación y la agudización ayudan a simplificar y eliminar ambigüedades, cosa que facilita la tarea del observador. Nivelando la forma se reducen el número de rasgos estructurales. Agudizándola, en lugar de reducir el número de rasgos estructurales, se diferencian más entre sí los ya dados. Además de desarrollar estos conceptos teóricamente, los he puesto en práctica realizando caricaturas cómicas en vivo. Y por otra parte he buscado el límite de lo grotesco en bocetos y estudios., Baudelaire clearly differentiates two kinds of caricatures in nearly opposite works: the comic and the grotesque. In this project I have searched the elements and characteristics that make a caricature to stay in the comic plane or become grotesque. To do this, we have used the theories of leveling and sharpening. Despite they are not decisive, they play an important role to define what kind of cartoon we are generating. Leveling and sharpening help to simplify and eliminate ambiguities, this fact facilitates the task of the observer. Leveling the form, the numbers of structural form features are reduced. Sharpening it, instead of reducing the number of structural features, they differ more and more from each other. In addition of developing these concepts theoretically, I have put it in practice making comic caricatures live. Moreover, I have searched the limit to grotesque caricatures drawing some sketches and studies.

Con el proyecto que aquí presento parto de una fotografía familiar como excusa para pintar, asimilando el defecto fotográfico como recurso de representación para convertirlo en signo pictórico. Ello me permite trabajar con el plano grotesco de la familia en tanto que ámbito de extrañamiento de una intimidad que es así sublimada en el cuadro desde el aprovechamiento de lo ridículo de su realidad.

This article presents the work of Diane Arbus, an important American photographer of Jewish origin who produced her work in the 1960’s and 1970’s. Influenced by the work of Lisette Model, another photographer of Jewish origin, Arbus became one of the first photographers interested in reminding us that the weird/grotesque is very close to us and it is part of our reality. The work that made her famous is characterized by the exhibition of what are considered prohibited by the moral laws of society and must remain hidden because its display could compromise the illusion of an equal, smooth and perfect society. Este artigo pretende apresentar o trabalho de Diane Arbus, importante fotógrafa norte-americana de origem judaica que produziu sua obra nos anos 1960 e 1970. Influenciada pelo trabalho de Lisette Model, também de origem judaica, Arbus se tornou uma das primeiras fotógrafas interessadas em nos lembrar de que o estranho/grotesco está próximo de nós e faz parte da nossa realidade. O trabalho que consagrou Arbus, e que será aqui analisado, se caracteriza pelo registro e exibição daquilo que são consideradas “as partes debaixo” da sociedade, as partes as quais a moral e os bons costumes determinaram como interditadas e que devem permanecer escondidas porque comprometeriam a ilusão de uma sociedade igual, lisa e perfeita, sobretudo, ordenada.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. O presente estudo tem por objetivo propor uma análise sobre a minha produção pictórica construída a partir da apropriação de fotos de situações fuleiras da internet. Tais imagens são reelaboradas por meio de pesquisas vinculadas ao grotesco, ao cômico e à fuleragem. O texto discute os conceitos apontados dentro de um recorte dos meus trabalhos, articulando o pensamento e a prática trazidos por referências teóricas e artísticas. As experiências rememoradas da infância trouxe para a elaboração a reflexão sobre o método, material e procedimento incorporados ao trabalho. Trata da apropriação como método de construção artística, da massa de tinta a óleo como gesto e carnação e das combinações heterogêneas que visam instigar inquietações. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT This paper proposes an analysis of my pictorial production elaborated from the apropriation of bizzar situation pictures in the internet. These images are resignified through research conected to the grotesque, the comic and the fuleragem. The text discusses the concepts within a clipping of my art works and articulates the thought and practice brought by theoretical and artistic references. Reminding experiences brought reflection on the method, material and incorporated procedure into the work. It deals with appropriation as an artistic method, construction of the painting oil masses as a gesture, materic and heterogeneous combinations that aim to instigate and disturb.

Submitted by Edinilson Dias (nilsinho67@hotmail.com) on 2014-01-24T11:50:41Z No. of bitstreams: 1 Escorial Revisitado Digital.pdf: 2361577 bytes, checksum: f343e61230a07aae9e2b00e387f3e2f0 (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-01-28T12:49:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Escorial Revisitado Digital.pdf: 2361577 bytes, checksum: f343e61230a07aae9e2b00e387f3e2f0 (MD5) Made available in DSpace on 2014-01-28T12:49:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Escorial Revisitado Digital.pdf: 2361577 bytes, checksum: f343e61230a07aae9e2b00e387f3e2f0 (MD5) Universidade Federal da Bahia DIAS, Edinilson Mota. Escorial Revisitado: análise do espetáculo à luz do grotesco. 150 f. il. 2013. Dissertação (Mestrado) – Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas, Universidade Federal da Bahia, Salvador, 2013. RESUMO Essa dissertação tem o objetivo de examinar o processo de encenação e reencenação do espetáculo teatral Escorial, realizado pelo Núcleo Criaturas Cênicas, tendo como viés analítico a estética do grotesco. A montagem é baseada no texto homônimo do belga Michel de Ghelderode e estreou em 2002, em Salvador, Bahia. O trabalho adota uma forma investigativa, apoiando-se na teoria e prática das artes cênicas e contempla um levantamento bibliográfico sobre o grotesco, com destaque para teorias, conceitos, aplicações e presença nas várias obras artísticas e em diversos períodos da história da arte. A pesquisa se baseou nos elementos que constituíram a encenação, que continua sua trajetória em eventuais apresentações em temporadas, mostras e festivais, e surgiu a partir da constatação que o grotesco estava presente na encenação de forma intuitiva. O fato de o espetáculo continuar atuante foi de grande importância para a realização deste trabalho, pois permitiu reconstituí-lo em todos seus detalhes, reapresentá-lo e examiná-lo, sob observação direta e olhar do pesquisador. Isto possibilitou a recriação da montagem, com o emprego intencional de aspectos ligados ao grotesco, e assim foi possível observar e analisar como seria a encenação a partir desta nova ótica. A pesquisa revelou que o grotesco pode se tornar uma via operativa da construção cênica nas mãos dos encenadores, utilizado para enfatizar determinados aspectos de uma montagem teatral, dialogando com elementos derivados ou reelaborados a partir dos princípios recorrentes que constituem a estética em foco. Palavras Chave: Encenação. Grotesco. Dramaturgia. Artes Cênicas. DIAS, Edinilson Mota. Escorial Revisited: analysis in the light of the grotesque spectacle. 150 f. il. In 2013. Thesis (Master) - Graduate Program in Theatre Arts, Federal University of Bahia, Salvador, 2013. ABSTRACT This dissertation aims to examine the process of mise-en scène and restaging of Escorial, Michel de Ghelderode, conducted by the Núcleo Criaturas Cênicas, with the analytical bias aesthetics of the grotesque. The assembly is based on the eponymous text Belgian Michel Ghelderode and debuted in 2002 in Salvador, Bahia. The dissertation adopts an investigative manner, relying on the theory and practice of the performing arts and has a bibliography on the grotesque, with emphasis on theories, concepts, applications and presence in various artistic works and in various periods of art history. The research was based on the elements that constitute the scenario, which continues its path in any seasons presentations, shows and festivals, and arose from the observation that the grotesque was present in the mise-en scène intuitively. The fact that the show continue acting was of great importance to this work, because it allowed reconstitute it in all its details, resubmit it and examine it under direct observation and the gaze of the researcher. This allowed for the recreation of the assembly, with the use of intentional aspects to the grotesque, and so it was possible to observe and analyze how the mise-en scène would be from this new perspective. The research revealed that the grotesque can become an operative via the scenic construction in the hands of a director, used to emphasize certain aspects of a stage production; you can talk to or reworked elements derived from the principles that constitute recurring aesthetics in focus. Keywords: Staging. Grotesque. Dramaturgy. Performing Arts.

Neste trabalho investigamos a forma de manifestação de imagens grotescas nos romances de Lúcio Cardoso. Nosso objetivo principal foi demonstrar como os temas constantemente abordados pelo escritor, tidos como desagradáveis, como a morte, a doença, a decadência moral, psíquica e física, quando acoplados a uma linguagem poética, integram um universo do grotesco em seus romances. A presença do grotesco (intencional ou não) em uma obra eleva o nível de crítica aos conceitos cristalizados e conservadores de uma sociedade e exprime a liberdade de criação do escritor. Além disso, a presença de temas desagradáveis contribui para a estruturação do projeto estilístico de um bom romancista traçado pelo próprio Lúcio Cardoso. Neste projeto Lúcio Cardoso defende que é obrigação de um romancista levar suas personagens ao mais alto grau de desespero e angústia, pois é nestes momentos que o ser se revela. In this paper we investigate the manifestation of grotesque images in the novels of Lúcio Cardoso. Our main objective was to demonstrate how the themes constantly approached by writer, regarded as unpleasant, like death, disease, moral decay, mental and physical, coupled with a poetic language, part of a universe of grotesque in his novels. The presence of the grotesque (intentional or not) in a work raises the level of criticism of the concepts crystallized and a conservative society and expresses the writer's creative freedom. Furthermore, the presence of unpleasant subjects contributes to the structure of stylistic design for a good track novelist by the Lúcio Cardoso. In this project Lúcio Cardoso argues that a novelist's obligation to take their characters to the highest degree of despair and anguish, for it is in these moments that the being reveals itself.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-29T14:01:42Z No. of bitstreams: 1 Milena Flick PDF Final.pdf: 5677152 bytes, checksum: c007af9fe28469632f1f99182975eb16 (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-08-30T13:49:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Milena Flick PDF Final.pdf: 5677152 bytes, checksum: c007af9fe28469632f1f99182975eb16 (MD5) Made available in DSpace on 2018-08-30T13:49:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Milena Flick PDF Final.pdf: 5677152 bytes, checksum: c007af9fe28469632f1f99182975eb16 (MD5) A presente dissertação é um estudo vinculado a processos artísticos no campo das artes cênicas, especialmente do teatro, e pretende investigar a atuação do grotesco como estratégia cênico-dramatúrgica na desestabilização da categoria nomeada “feminino”. Esta investigação parte da hipótese de que o grotesco, como uma estratégia estética que joga com a hipérbole, o estranhamento, a ironia e o paradoxo, quando associado ao feminino, poderia colocar em tensão e desconforto a suposta estabilidade dessa categoria do corpo, apresentando estratégias artísticas para a sua subversão. Objetivase, portanto, investigar processos artísticos que se utilizem do grotesco em suas composições estéticas produzindo uma crítica às padronizações que normatizam e definem os corpos ditos “femininos” dentro das estruturas de poder dominantes e que apontem possibilidades de expansão destes corpos para além das fronteiras que as categorizações engendram. Para tanto, adotam-se os esperpentos valleinclanianos, suas propostas artísticas e articulações com processos de criação contemporâneos, como território cênico no qual se articulam as investigações em questão. Nessa conjuntura, o trabalho concentra-se na atuação do grotesco como estratégia cênico-dramatúrgica presente em composições artísticas esperpênticas, no que concerne, sobretudo, às proposições que potencializariam suas características subversivas de maneira a desestabilizar configurações normativas do feminino. Para discutir a hipótese levantada, estabelece diálogos com estudos feministas, notadamente em sua vertente pós-estruturalista, numa problematização da relação entre feminino e grotesco, para chegar à proposição do termo “femininos grotescos” como sugestão de abordagem analítica. Finalmente, discute as articulações teóricas do trabalho e suas contaminações em processos artísticos, apresentando atravessamentos que foram e estão sendo ecoados em práticas do grupo Panacéia Delirante. La presente tesis es un estudio vinculado a procesos artísticos en el campo de las artes escénicas, especialmente del teatro, y pretende investigar la actuación del grotesco como estrategia escénico-dramatúrgica en la desestabilización de la categoría denominada “femenino”. Esta investigación parte de la hipótesis de que el grotesco, como una estrategia estética que juega con la hipérbole, el distanciamiento, la ironía y la paradoja, cuando se asocia a lo femenino, podría colocar en tensión e incomodidad la supuesta estabilidad de esa categoría del cuerpo, presentando estrategias para la subversión del mismo. Se pretende, por tanto, investigar procesos artísticos que utilicen el grotesco en sus composiciones estéticas produciendo una crítica a los patrones que normativizan y definen los cuerpos dichos “femeninos” dentro de las estructuras de poder dominantes y que apunten posibilidades de expansión para estos cuerpos más allá de las fronteras que las categorizaciones engendran. Para esto, se adoptaron los esperpentos valleinclanianos, sus propuestas artísticas y articulaciones con procesos de creación contemporáneos, como territorio escénico en el cual se articulan las investigaciones en cuestión. En esta conjetura, el trabajo se concentra en la actuación del grotesco como estrategia escénico-dramatúrgica presente en composiciones artísticas esperpénticas, en lo que concierne, sobretodo, a las proposiciones que potencializan sus características subversivas de manera que se desestabilicen configuraciones normativas del femenino. Para discutir la hipótesis levantada, se establecen diálogos con estudios feministas, notablemente en su vertiente pos-estructuralista, en una problematización de la relación entre femenino y grotesco, para llegar a la proposición del término “femeninos grotescos” como sugestión de abordaje analítico. Finalmente, discute las articulaciones teóricas del trabajo y sus contaminaciones en procesos artísticos, presentando los cruces que fueron y están haciendo eco en prácticas del grupo Panacéia Delirante.

A ruptura em relação à conceptualização clássica de arte, problematizando o conceito de ‘sublime’ - em que se verificou um abaixamento de valores, da eternidade para a corporalidade - leva-nos ao grotesco e sobre o que se entende por arte, belo e, em consequência, pelo seu contrário. Com este artigo, pretende-se saber de que forma é que o grotesco se dissemina nas pinturas de Paula Rego e os escritos de Adília Lopes e se o que a primeira referiu em relação à obra de Adília e às suas próprias produções, usando o epíteto de “grotesco belo” e possuidor de “muita ternura”, é verificável. As postulações principais sobre o grotesco foram produzidas por Mikhail Bakhtin, Wolfgang Kayser e Victor Hugo. Para além das produções de cada uma das criadoras, foi também observado o cruzamento de ambas no livro “Obra”, uma antologia de Adília Lopes, com imagens da autoria de Rego, The break with the classical conceptualization of art, questioning the concept of ‘sublime’ - in which there was a lowering of values, from eternity to embodiment - brings us to the grotesque and what is meant by art, beautiful and, consequently, its opposite. With this article, we intend to find out how the grotesque is spread through the paintings of Paula Rego and the writings of Adília Lopes and if what the painter commented about Adília’s work, and her own artistic productions, using the epithet “grotesque beautiful” and having “a lot of tenderness”, is verifiable. The main postulates on the grotesque were produced by Mikhail Bakhtin, Wolfgang Kayser and Victor Hugo. In addition to the productions of each one of the creators, the crossing of both authors was also observed in the book “Obra”, an anthology of Adília Lopes, with images by Rego.

Este trabajo está basado en la obra del escritor Ramón del Valle-Inclán titulada Luces de Bohemia. Tras una breve introducción, que permitirá al lector situar la obra en el contexto vital y en la época en la que se escribió, me centraré en tres aspectos fundamentales. El primero de ellos tratará de la representación teatral de Luces de Bohemia, en la que haré un seguimiento de las distintas representaciones teatrales que ha tenido desde su publicación hasta nuestros días, centrándome en una representación de nuestro tiempo llevada a cabo por el Teatro del Temple. En segundo lugar trataré otra adaptación, aunque esta vez dentro del plano cinematográfico: la película que dirigió Miguel Ángel Díez en la década de los ochenta del siglo XX, donde trataré de relacionar obra escrita y obra cinematográfica a través de la crítica y veremos sus aspectos comunes y no comunes, entre otras muchas cosas. En tercer y último lugar, expondré la relación existente entre el personaje protagonista de la obra, Max Estrella, y el viejo escritor Alejandro Sawa, en el cual parece haberse inspirado Valle-Inclán para crear su personaje. This work is based on the work of writer Ramón del Valle-Inclán entitled Bohemian Lights. After a brief introduction on the autor’s life and the historical context in which the work was produced, I will focus mainly on three fundamental points. The first one will deal with the theatrical representation of Bohemian Lights since its publication to the present time, focusing on a representation of our times conducted by the Temple Theatre. Secondly, I will study the movie directed by Miguel Ángel Díez in the eighties of the twentieth century; there I will connect written work and film through criticism, attending to their common traits and their divergences. Finally, I will discuss the relationship between the main character of the work, Max Estrella, and the old writer Alejandro Sawa, which seems to have inspired Valle-Inclán’s character.