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According to Rimbaud, the poetics of prose partakes of the search for a maximum individuation of the language forms. It is set in the field of the rising symbolism, and at the same time it rejects all the styles of the epoch, even the most “modern”. It tends to note in the writing the forms of a voice which is both subjective and trans-personal. Nevertheless, it stands up for reality against the narcissism of the echo, and it takes the hope of a “pas gagné” (“yard gained”) of poetry into existence., La poétique de la prose selon Rimbaud participe de la recherche d’une individuation maximale des formes de la langue. Elle se situe dans le champ du symbolisme naissant, en même temps qu’elle rejette tous les styles d’époque, même les plus “modernes”. Elle tend à noter dans l’écriture lesformes d’une voix à la fois subjective et trans-personnelle. Contre le narcissisme de l’écho, elle prend cependant le parti du réel, et porte l’espérance d’un “pas gagné” de la poésie dans l’existence.

Cette édition des Œuvres en prose d’Albert Samain, en partie originale, est la plus complète à ce jour. Elle contient l’intégralité de ses contes et propose deux états de ses Carnets intimes. L’apparat critique présente des notices introductives, deux index et un choix de trois articles., This edition of Albert Samain’s Œuvres en prose, which is partly original, is the most complete to date. It contains all his stories and two sections of his Carnets intimes. By way of criticism, it includes introductory notes, two indexes, and a selection of three articles.

Claudel, doué d’un solide appétit, était très amateur des plaisirs de la table. Son attention à la qualité comme à la quantité de la nourriture apparaît dans sa correspondance et ses écrits poétiques et dramatiques. Auteur d’un « Éloge du vin », il en apprécie les vertus. De L’Endormie à Connaissance de l’Est et des Grandes Odes au Pain dur et au Soulier de satin, Claudel se plaît à évoquer les bonheurs du goût. Mais il n’en est pas moins attentif au symbolisme sacré du pain et du vin., Endowed with a hearty appetite, Claudel was very keen on good food. His care of the quality of food appears in his correspondance, his poetry and his theater. In his « Éloge du vin » (« in Praise of Wine »), he appreciates its virtues. From L’Endormie to Connaissance de l’Est and through Grandes Odes, Le Pain dur and Le Soulier de Satin, Claudel delights in evoking the joys of taste. But he was nonetheless very mindful of the holy symbolism of bread and wine.

L’étude s'inspire de la querelle entre Pierre Mandonnet et Étienne Gilson sur la figure de Béatrice pour enquêter sur certains aspects du symbolisme complexe de la « très-gentille » dans la Vie nouvelle. À cet effet, Béatrice est analysée dans sa valeur de nombre et de sacrement. Enfin, un parallèle est proposé entre le symbolisme de l'icône sacrée de la tradition byzantine et le symbolisme de Béatrice à la lumière de l'épisode de la Vie nouvelle dans lequel Dante peint des figures d’anges., The study draws on the querelle between Pierre Mandonnet and Étienne Gilson over the figure of Beatrice and investigates a few aspects of the complex symbolism of the “gentilissima” in the Vita Nuova. To this end, Beatrice is analyzed both as a number as well as a sacrament. Finally, a parallel is proposed between the symbolism of the sacred icon of the Byzantine tradition and the symbolism of Beatrice in the light of the episode of the Vita Nuova in which Dante paints figures of angels.

La poétique de la prose selon Rimbaud participe de la recherche d’une individuation maximale des formes de la langue. Elle se situe dans le champ du symbolisme naissant, en même temps qu’elle rejette tous les styles d’époque, même les plus « modernes ». Elle tend à noter dans l’écriture les formes d’une voix à la fois subjective et trans-personnelle. Contre le narcissisme de l’écho, elle prend cependant le parti du réel, et porte l’espérance d’un « pas gagné » de la poésie dans l’existence., According to Rimbaud, the poetics of prose partakes of the search for a maximum individuation of the language forms. It is set in the field of the rising symbolism, and at the same time it rejects all the styles of the epoch, even the most “modern”. It tends to note in the writing the forms of a voice which is both subjective and trans-personal. Nevertheless, it stands up for reality against the narcissism of the echo, and it takes the hope of a “pas gagné” (“yard gained”) of poetry into existence.

Le recours de Bloy aux symboles fait-il de lui un homme séparé du monde ? Le symbole lui permet de se situer dans un espace référentiel biblique permanent. L’écrivain l’emploie en outre pour sa charge polémique clivante, donnant naissance à une « esthétique antirationaliste », qui conjugue au refus de la lecture cartésienne du monde la souveraineté du plaisir de recourir à l’ambiguïté des signes.

Synonyme d’idéal et d’harmonie aussi bien dans la Bible que dans les théories antiques puis les cosmogonies médiévales qui en découlent, au cœur de l’harmonia mundi, la musique des sphères semble à nouveau désigner un idéal esthétique chez les symbolistes et leurs héritiers. Nous nous intéresserons à quelques exemples marquants chez quelques auteurs et artistes issus de ce mouvement

International audience; Maeterlinck’s essay The Tragic in Daily Life (1894) presents a challenge to theatre practitioners. The writer calls for a silent and static theatre, focused on the relationship of soul to soul. His early plays break Aristotelian codes and reject the plausibility in the name of the convention of a choral theatre where voices replace speeches; a theatre of depersonalized presence made up of obscure shadows and forebodings; a static theatre whose expressiveness is based on an inner dynamism; a theatre, built on the non-coincidence of gestures and words. Famous for his realistic performances of Chekhov, Ibsen or Gorki, Stanislavsky was striving in 1904 to break out of this frame where he felt cramped. So he embarked upon a hazardous experiment: the staging of three one-act plays by Maeterlinck, The Intruder, Interior, The Blind. He believing that it would be enough for him to refine the realism and distill it in some spirituality to succeed within his project. But the actors of the Moscow Art Théâtre, accustomed to experience the truth of life, failed to translate the existential anguish that had been only expressed by the stage environment (scenery, light and sound effects).... Stanislavsky failed to make his actors embody these transparent shadows full of sensations that were the trademarks of Maeterlinck’s characters, to make them transcend all difficulties related to the materiality of their body. This failure led Stanislavsky to open an experimental studio in the spring of 1905 where he invited the young Meyerhold to test a symbolist repertoire. For staging The Death of Tintagiles, Meyerhod linked Maeterlinck's dramas to medieval mysteries. The performance taking the form of a ritual, and served by actors cast as priests. Meyerhold focuses on a special diction. In order to establish the distance of the mystery, he blurs the contours of actors and scenery by tulle and light. A strange music, a capella choir must free the souls’ songs. To establish a canvas of movements, which must act as a plastic music, as the drawing of feelings, Meyerhold refers to fine arts of the second half of the 19th century but also to pictures and sculptures of the Italian Renaissance. But the studio experiment fails, too. Stanislavsky and Meyerhold concluded that reforming theatre required not only new performing techniques, but also a new acting methods. They both continued to work upon it, following divergent paths. The triumph of The Blue Bird in 1908 at the Moscow Art Theatre as a world premiere, erased from memory the failures of four years previous. As for Meyerhold, he would still face Maeterlinck at the Vera Komissarjevskaya Theatre in Petersburg, where Sister Beatrice (1906) was hailed a great success along with Pelléas and Mélisande (1907). These experiments prepared the theatre of the future through the association with the pedagogy of acting via performing skills and by making the spectator a fourth creator, inviting them to inventively complete the allusions witnessed on stage. For staging Maeterlinck, to avoid the confusing theatre and life, it was necessary to keep the artistic distance that could (and should) make death a beautiful object of representation within a "joyful apocalypse".

La pratique scripturale de Rachilde et de Mirbeau relève de la réécriture. Ils reprennent des sujets proches ou republient des textes déjà parus. Les deux écrivains étant par ailleurs des critiques littéraires reconnus et des artistes honnêtes, il est intéressant de se pencher sur les motifs de ce « recyclage », au lieu de conclure à leur paresse ou manque d’invention. Leur réécriture, réalisée avec des méthodes différentes, vise un but similaire, au-delà d’une simple stratégie ergonomique., A writing technique that both Rachilde and Mirbeau often lean towards is rewriting. They use similar themes or republish texts. The two writers are also literary critics of a good reputation and honest artists, it’s thus interesting to look at the reasons for this "recycling", instead of hastily concluding their laziness or lack of invention. One will discover then that their rewriting, carried out with different methods, aims at a similar goal, beyond a simple ergonomic strategy.

Ronsard s’inscrit dans la vague homérique au début des années 1550, mais il continue de s’inspirer plus subtilement du poète grec tout au long de sa carrière, notamment dans son emploi hellénisant du mot « genou ». À travers son utilisation du genou comme signe de force, comme outil de supplication et comme vecteur de l’amour, « le premier auteur Lirique François » investit les genoux de symbolisme et de métaphores homériques, tout en préservant la corporalité de ses vers., Ronsard belonged to the Homeric wave of the early 1550s, but he continued more subtly to draw inspiration from the Greek poet throughout his career, especially in his Hellenizing use of the word “knee.” Through his use of the knee as a sign of force, as a tool of supplication, and as a vector of love, “the first French Lyric author” invests knees with symbolism and Homeric metaphors, while maintaining the corporeality of his verses.

La nouvelle de Georges de Lys « Affaire d’honneur » (Le Journal illustré, juin 1896) illustre avec facétie une discussion sur la nature de la poésie qui laisse de marbre l’archétype du poète maudit, le saturnien Névérail. Ce dernier quitte le café en laissant aux théoriciens le soin de payer ses consommations ; les sarcasmes des devisants floués entraînent l’agressivité de Buridan, l’ami de Névérail, et un duel où le jeune poète fougueux doit vite renoncer au combat et soigner ses blessures., Georges Lys’s short story “Affaire d’honneur” (Le Journal illustré, June 1896) playfully illustrates a discussion on the nature of poetry, which fails to impress the archetypal poète maudit, the Saturnian Névérail. The latter leaves the café, leaving the theorists to pay his check; the swindled theorists’ insults then provoke the anger of Buridan, Névérail’s friend, and a duel ensues, which ends when the headstrong young poet soon surrenders to tend to his wounds.

En présentant un visage double, voire multiple, la figure mythique de la fée se déploie de façon ambivalente dans le roman Le Ravissement. Si, traditionnellement, ce personnage principalement féminin et bienveillant est associé à l’accompagnement, Andrée A. Michaud, pour sa part, en infléchit la signification, car bien qu’il escorte toujours les protagonistes, c’est uniquement dans une lente descente aux enfers qui les mène à la folie. Liée à l’égarement, la fée convoque également le symbolisme de la chute. Associée à la perdition et à la transgression, la fée michaudienne, empruntant tour à tour les traits de la sorcière et ceux de la sirène, symbolise un rapport problématique à l’origine et en circonscrit les contours nostalgiques., By showing two, or multiple, faces, the mythical figure of the fairy unfolds in an ambivalent way in the novel Le Ravissement. If, traditionally, this mainly feminine and benevolent character is associated with guidance, Andrée A. Michaud, for her part, changes the meaning, for what the fairy always escorts in a slow descent into hell that leads the protagonists to madness. Linked to distraction, this figure also summons the symbolism of the fall. The michaudian fairy is a figure of perdition and transgression who, borrowing the features of the witch and the mermaid, symbolizes a problematic relationship with the Origin and circumscribes its nostalgic contours.

Le site de plein air de Montlleó (Prats i Sansor, Lérida, Espagne) est situé sur une petite colline de la haute vallée du Sègre, au cœur de la plaine de la Cerdagne, sur un axe stratégique de communication – ou couloir – qui connecte les deux versants des Pyrénées. Les caractéristiques culturelles des industries lithiques et les dates radiocarbone nous démontrent l’âge ancien des occupations humaines sur cette partie méridionale des Pyrénées orientales. Le site de Montlleó se caractérise par la quantité et la variété des éléments culturels, que nous pouvons mettre en relation avec l’univers symbolique de ces populations de chasseurs-cueilleurs. Ces évidences matérielles sont exploitées dans cet article pour étudier le comportement symbolique des populations de la fin du Paléolithique supérieur. Les marqueurs sont répartis en trois types : la parure, dans le sens traditionnel du terme, les minéraux rares apportés sur le site, et enfin les matières colorantes. The open-air site of Montlleó (Prats i Sansor, Lérida, Spain) is located on a small hill in the upper valley of the Segre River, in the center of the Cerdanya plain, on a strategic axis of communication –or corridor– connecting both sides of the Pyrenees. The cultural features of the lithic industries and the radiocarbon dates are indicating the old age of the human occupations in this southern part of the eastern Pyrenees. The site is characterized by the quantity and variety of cultural elements that can be related to the symbolic sphere of these hunter-gatherer populations. In the present research we analyze this material evidence in relation to the symbolic behavior of the late Upper Paleolithic populations. In this regard, we study three types of markers: ornaments, in the traditional meaning of the term; rare minerals brought to the site; and dyestuffs of several hues.

International audience; IT symbolism is so rich that becomes complicated for managers to understand and control all its dimensions. How could managers take into account the symbolic dimensions of an IT during implementation? We first distinguish three typical symbolic meanings associated with IT: IT as a Solution; IT as an Utopia and IT as a Threat. Then we present a detailed description of these three symbolic meanings and we associate them with IT implementation strategies. We obtain a descriptive grid that managers can use to manage IT symbolic dimensions during implementation.; Il existe tant de manières de « faire symbole » pour une TI qu’il est compliqué pour un manager d’en comprendre et d’en maîtriser toutes les dimensions. Comment prendre en compte cette dimension symbolique lors de leur déploiement ? A partir de la littérature, nous distinguons tout d’abord trois significations symboliques types associées à la TI : la TI comme Solution ; la TI comme Utopie ; et la TI comme Menace. Ensuite, nous proposons une description détaillée de ces trois significations symboliques, et les associons à des stratégies de déploiement. Cela permet enfin de proposer une grille descriptive, mobilisable par les managers, pour gérer la dimension symbolique lors du déploiement d’une TI.

In recent scholarship, the portrait miniature has been seen as a symptom of privacy in Elizabethan culture. Nicholas Hilliard’s miniatures in particular are seen as promising to reveal the “Elizabethan self” while simultaneously concealing it behind layers of rooms, cases and intricate painted ornament. Meanwhile, Hilliard’s comment that “all painting imitateth nature, or the life in every thing” is set at odds with characterisations of his style, which is often seen as “anti-naturalistic” and symbolic rather than realistic. This paper offers a new approach to these issues, arguing that miniatures were not viewed as anti-naturalistic or private, but vividly realistic and socially-orientated. La littérature critique récente a souvent associé le portrait miniature à l’expression d’une forme de rapport au privé dans la culture élisabéthaine. Les miniatures de Hilliard en particulier seraient, à la période élisabéthaine, le lieu privilégié de la révélation de l’individu, qu’elles dissimuleraient cependant derrière un emboîtement de pièces, de compartiments ou d’ornements subtils. Les propres mots d’Hilliard, dont le traité rappelle que toute “peinture imite la nature, et la vie en chaque chose », vont à l’encontre de l’analyse qui est faite de son style que l’on considère souvent comme anti-naturaliste et symbolique plutôt que réaliste. Le présent article offre une nouvelle approche de ces questions, et montre que les miniatures, loin d’être le contraire du naturalisme ou l’expression d’un moi privé, sont des plus réalistes et tournées vers la société extérieure.

International audience

This paper deals with the symbolism of gold in Byzantium through the study of chrysographed manuscripts. The use of this ultimate mark of luxury in Byzantine religious manuscripts is in full contradiction with the Church Fathers’ criticism, and we will discuss how the Byzantines found ways to convert a lavish refinement into a “ strict necessity”, a bad and dangerous luxury into a good and rationalized one., Cette étude porte sur la symbolique de l’or à Byzance à travers l’étude des manuscrits chrysographiés. L’utilisation de cet emblème par excellence du luxe dans les manuscrits religieux byzantins est en pleine contradiction avec les critiques des Pères de l’Église et nous verrons comment les Byzantins ont trouvé la parade pour transformer un raffinement fastueux en une «stricte nécessité » , un luxe mauvais et dangereux en un luxe bon et rationalisé., Lazaris StavrosLazaris Stavros. Sur le statut et l’utilisation de l’or à Byzance : le cas des manuscrits chrysographiés. In: Ktèma : civilisations de l'Orient, de la Grèce et de Rome antiques, N°43, 2018. Luxe et richesse dans l'Antiquité et à Byzance. pp. 93-102.

Ludwig, un roi sur la lune, spectacle mis en scène par Madeleine Louarn avec les comédien.ne.s professionnels en situation de handicap mental de l’Atelier Catalyse et présenté lors de la dernière édition du Festival d’Avignon n’est pas une reconstitution historique de la vie de Louis II de Bavière, roi du XIXe siècle diagnostiqué paranoïaque et destitué pour être interné, mais une tentative de transcrire théâtralement la perception du monde d’un homme amoureux de l’Art, de la nature et des hommes, mais qui devait être Roi. Ce n’est ni un personnage ni des comédien.ne.s « handicapé.e.s » que nous sommes invités à voir, mais les visions de Ludwig incarnées par des comédien.ne.s qui se trouvent être en situation de handicap mental. Dans ce spectacle, la « folie » devenue plus tard « handicap mental » apparaît sous les traits de la non-conformité bien plus que sous ceux de la pathologie.

Cet article se consacre à la présence de Joan Maragall dans la revue barcelonaise fondée et dirigée par Ramon Casas et par Miquel Utrillo, Pèl & Ploma (1899-1903), en prenant aussi en compte son édition castillane (1900-1901). Dans un premier temps, nous recensons et retranscrivons intégralement les compositions écrites par Maragall ainsi que toutes les allusions textuelles et iconographiques au poète qui paraissent dans les deux éditions. Ce recensement nous amène, dans un second temps, à comprendre certaines idées du poète et à saisir leurs enjeux dans les pages de Pèl & Ploma. This article is dedicated to determine the presence of Joan Maragall in the Catalan magazine created and directed by Ramon Casas and Miquel Utrillo, Pèl & Ploma (1899-1903), including its Castilian edition (1900-1901). Firstly, we take an inventory of the creations written by Maragall, that we transcribe, as well as all the texts and pictures that refer to the poet in both editions. Secondly, this inventory brings us to understand some ideas of the poet and to understand theirs issues in the pages of Pèl & Ploma.