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Parmi les nombreux discours qui participent de l’éloquence militaire au xvie siècle, on trouve la prosopopée de militaire. Elle partage certains caractères avec la harangue (toutes deux relèvent de l’exercice rhétorique solitaire), mais elle se distingue aussi par son ancrage fictionnel. L’homme de guerre mort (ou absent parce que prisonnier) devient, par le truchement de la prosopopée, le porte-parole d’un discours sur la guerre qui fabrique les orrende guerre. Entre poésie chantée et imprimé populaire, ces prosopopées pouvaient remplir des fonctions variées, voire antagonistes : partagés entre l’oraison funèbre et la parodie qui permet de railler le militaire, ces documents obligent à examiner les appropriations dont ils furent l’objet. Dans le cadre d’une réflexion sur la parole du militaire, l’analyse de ces productions textuelles autorise une lecture de la façon dont le militaire est décrit pendant les guerres d’Italie. Les prosopopées sont ainsi parmi les rares textes à exposer la faiblesse du militaire : agonisant ou déjà mort, ce dernier, par sa souffrance, révèle une identité nouvelle. À travers la plainte du militaire, s’élaborent en effet à la fois une certaine exaltation de l’individu et une solidarité avec ses compagnons d’armes. Ainsi peut-on identifier dans ces prosopopées un creuset où s’élaborent, au xvie siècle, les nouvelles manières de définir le militaire et de lui prêter un langage qui lui soit propre.

Difficile de séparer les premières formes de la guerre sur mer de la piraterie. Le navire pirate est alors un bâtiment, qui attaque n’importe quel autre navire, y compris ceux de sa propre nation et sans autorisation, pour la seule recherche du profit. Avec le renouveau maritime en Europe du Nord et le contrôle de la mer du Nord par la Hanse, « pirate » se restreint pour désigner plus spécifiquement un bandit qui pille les navires de commerce. La course naît au contraire d’une réaction contre le brigandage sur mer. Avec la guerre de Cent Ans apparaît la lettre de représailles, puis la lettre de marque. Le droit corsaire devient commun à toute l’Europe. Le corsaire est un bâtiment marchand faisant une guerre que le suzerain est incapable d’entreprendre. Comme le montre l’exemple français, en tant qu’activité collective d’un port ou d’une île, elle permet de survivre en temps de guerre. Comme stratégie, elle permet à un État dont la marine est faible ou inexistante de ne pas laisser la suprématie maritime à son ennemi. Interdite par le traité de Paris, la course menée par les particuliers a disparu, mais non la stratégie corsaire qui vise à détruire le commerce ennemi.

Le discours de Barère du 1er thermidor an II (19 juillet 1794) est important à plusieurs titres. Il est généralement interprété comme le modèle de ces carmagnoles, morceaux d’éloquence grandiloquente et facile, suite de clichés qui entretiennent un patriotisme, et même un chauvinisme que deux années de guerre ont chauffé à blanc. Ce style ampoulé, qui exalte les récentes victoires remportées sur le front septentrionnal, aurait pour fonction de détourner l’attention du pays de la profonde crise politique qui mine les comités de gouvernement, et qui va déboucher sur le 9 thermidor, pour l’orienter vers un sentiment nationaliste propice à l’aventure militaire au-delà des frontières. Nous proposons une lecture différente du discours et du contexte. La rhétorique patriotique particulière appartient à une période désormais dépassée, qui est celle de la mobilisation et de l’enrôlement. La Patrie était en danger. Or, en ce printemps 1794, le nouveau souverain collectif, la République, représentée par la Convention, établit sa légitimité en écartant la menace aux frontières. En occupant la place symbolique de dispensateur de la gloire, jadis occupée par le monarque, il renoue le fil de la mémoire nationale que l’événement révolutionnaire avait un temps distendu, et menacé de rompre. C’est déjà le discours de la Grande Nation, discours de la continuité et de l’unité, qui veut aussi mettre en scène la stabilité du gouvernement révolutionnaire, après les grandes crises politiques du début de l’année (épuration des Enragés et des Dantonistes). La victoire militaire veut conjurer la division politique et restaurer la concorde nationale. Par-delà l’épisode thermidorien, qui semble compromettre cette tentative d’acculturation républicaine (révolutionner la gloire), c’est bien une entreprise fondatrice d’édification de la mémoire nationale qui se met en place.

Cet article entend montrer comment l’Apologie pascalienne, inachevée, constitue un monument de notre patrimoine littéraire non malgré sa forme fragmentaire mais grâce à elle. Livrant le lecteur à la perplexité, elle le confronte à la réalité physique d’un texte disloqué, et l’oblige à une conscience de ses propres limites. Le lecteur est ainsi frustré de l’illusion narcissique habituellement procurée par un discours cohérent et bien construit. Les Pensées induisent un déplaisir du texte qui instruit l’homme de sa misère, et l’invitent à se laisser déposséder de toute maîtrise du sens. Par ce renoncement le lecteur sera à la fois le destinataire, le support et le témoignage de la vérité servie par l’apologie. This paper means to articulate how the never completed pascalian Apology is a monument of our literary patrimony not despite his fragmentary form, yet because of it. Experiencing perplexity, the reader has to confront the physical reality of a dislocated text, and is therefore led to face his own limits. Such situation deprive the reader of the delusion usually delivered by consistant and constructive speech. Thoughts tend to create displeasure of the text, that enlightens as to human misery and invite to let go of any attempt to control meaning production. Giving up that narcissistic concern, the reader becomes all together the recipient, the substance and the witness of the truth that the apology is meant to serve.

Cet article s’attache à un paradoxe : bien que de nombreuses pièces françaises du xviie siècle aient été des adaptations de comedias espagnoles du Siècle d’Or, certaines d’entre elles ne portent cependant pas l’empreinte de leur culture d’origine. Par ailleurs, l’histoire littéraire les a négligées ou rejetées. Nous étudions ici ce double désaveu, à travers l’exemple de quatre comédies adaptées de comedias espagnoles : L’Esprit follet de d’Ouville, Le Menteur et La Suite du Menteur de Pierre Corneille, La Jalouse d’elle-même de Boisrobert. Nous montrons d’abord comment les intrigues de ces pièces sont régularisées, puis francisées. De la part des adaptateurs, le but principal est de créer une atmosphère susceptible de plaire au public. Nous exposons finalement les raisons pour lesquelles les historiens de la littérature française ont sous-estimé la plupart de ces comédies. This article sets off a paradox : though many French plays in the the XVIIth Century were adaptations from Spanish Golden Age comedias, however some of them conceal the indications of their cultural roots. Moreover, the history of French literature neglected or rejected them. We study that double disavowal through the examples of four French comedies adapted from Spanish comedias : d’Ouville’s L’esprit follet, Pierre Corneille’s Le Menteur and La Suite du Menteur, Boisrobert’s La Jalouse d’elle-même. At first we show how the plots are made more regular, and Gallicized. The adapters’main concern is to create an atmosphere that would appeal to the audience. At last we outline the reasons why historians of French literature underestimated most of those comedies.

Au cours du xviie siècle s’opère une appropriation de plus en plus marquée des arts en vue du maintien de l’État – l’État se définissant davantage comme supra-individuel, capable de renforcer des liens identitaires et nationaux. En focalisant sur quelques exemples dans le domaine de la peinture, nous nous proposons de démontrer à quel point à l’époque baroque – à la différence de la Renaissance – cette raison d’État devient une des finalités de l’art au service de tout pouvoir gouvernemental : indépendamment des orientations politiques – absolutistes ou républicaines –, l’État-nation de l’ère moderne met à contribution les arts pour augmenter la cohésion sociétale dans les domaines militaire, religieux et scientifique. Par des analyses d’une des scènes du « cycle Médicis » de Pierre Paul Rubens (1622-1625) et du « vœu de Louis XIII » de Philippe de Champaigne (1637), ainsi que de quelques paysages, natures mortes et scènes de genre hollandaises d’Ambrosius Bosschaert l’Ancien, de Jacob van Ruisdael, de Gerrit Berckheyde et de Jan Vermeer est mise en évidence la contribution délibérée de la peinture baroque à la consolidation d’un sentiment d’union nationale. Cette mobilisation d’un nationalisme précoce durant la période moderne s’effectue largement par l’imaginaire et le fictif, comme l’a souligné à juste titre Benedict Anderson, et la peinture s’avère être un des instruments performants d’une politique fondée sur la persuasion. During the seventeenth century there was a growing appropriation of the arts in support of the state: the state increasingly defined itself as a supra-individual, capable of strengthening identity and national ties. By focusing on several examples from the field of painting, we intend to show how in the Baroque period – unlike the Renaissance – this reason of state became one of the aims of art in the service of all governmental power: regardless of political orientations – absolutist and republican – the nation-state of the modern era used the arts to increase social cohesion in the military, religious and scientific fields. By analysing one of the scenes from Peter Paul Rubens’s Medici Cycle (1662–1625) and the Vow of Louis XIII by Philippe de Champaigne (1637), as well as landscapes, still lifes and Dutch scenes by Ambrosius Bosschaert the Elder, Jacob van Ruisdael, Gerrit Berckheyde and Jan Vermeer the deliberate contribution of Baroque painting to the consolidation of a sense of national unity is underlined. This mobilization of early nationalism in the modern period was largely carried out by imagination and fiction, as Benedict Anderson rightly pointed out, and painting proved to be an effective political instrument based on persuasion.

Benoît Gonon, author of three collections of short stories, is almost completely unknown today. As one of the epigones of the genre of short story in the 17th century, Gonon writes his stories to moralize and edify his readers. It is hardly surprising that, in terms of the themes addressed by the author, his work does not reveal too much originality. However, one observes there an interesting element: the titles given by Gonon to the three volumes of short stories, which contain in germ the literary program of the author. In each volume Gonon introduces himself as a compiler seeking invention from other writers. But, from one volume to another, Benoît Gonon also adds other interesting elements: he gradually enriches the thematic layer of his compilations, he signals his target audience. These amplifications of the title reveal the concern of the author for the rhetorical effectiveness of the titles of his compilations. Benoît Gonon, auteur de trois recueils de récits brefs, est aujourd’hui presque complètement inconnu. Étant l’un des épigones de la nouvelle exemplaire au XVIIe siècle, il écrit ses histoires pour moraliser et édifier ses destinataires. Il n’est guère surprenant que, au niveau des thèmes abordés par l’auteur, son œuvre ne révèle pas trop d’originalité. Cependant, on observe chez lui un élément intéressant : les titres qu’il donne à ses recueils de nouvelles et qui contiennent en germe son programme littéraire. Dans chaque volume il se présente comme un compilateur qui cherche l’invention chez d’autres écrivains. Mais, d’un volume à l’autre, Benoît Gonon ajoute aussi d’autres éléments intéressants : il enrichit progressivement la couche thématique de ses recueils, il signale son public visé. Ces amplifications du titre révèlent la préoccupation de notre célestin pour l’efficacité rhétorique des titres de ses recueils.

Este artigo apresenta uma leitura da obra Francia interessada con Portugal en la separación de Castilla, publicada por António Moniz de Carvalho em 1644, como uma peça de intersecção entre duas poderosas linhagens textuais: a literatura política concebida no contexto da desagregação de Portugal da Monarquia de Espanha e o modelo analítico inovador que, seguindo o De l’Intéret des princes et états de la chrestienté do duque de Rohan, situou o interesse dos estados como soberano efectivo de uma ordem política europeia. Defende-se que a obra de Henri de Rohan foi o referente discursivo que inspirou Moniz de Carvalho na composição do texto. O seu autor não só enriqueceu o registo retórico da literatura implicada na defesa da causa dos Bragança, estreitamente ligada à linguagem jurídica, mas formalizou também um dos capítulos iniciais e mais singulares da história da receção europeia da obra do duque de Rohan. This paper proposes a comprehensive reading of Francia interessada con Portugal en la separación de Castilla, a treaty published in 1644. Written by António Moniz de Carvalho, it engages with two powerful textual lineages: on one hand, the political literature coined during the process of separation of Portugal from the Spanish Monarchy; and, on the other hand, the new analitycal trend that, following Duke of Rohan’s De l´intérêt des princes et états de la Chrestienté, identifies the interest of the states as the European political order’s effective sovereign. The article states that Henri de Rohan’s work inspires Moniz de Carvalho in the writing of his text. The Portuguese author did not only enriche the rhetorical record of the literature involved in defending the cause of the Bragança, but also formalized one of the first and most unique chapters in the history of the European reception of the work of Rohan. Cet article propose une lecture de Francia interessada con Portugal en la separación de Castilla, publiée par António Moniz de Carvalho en 1644, comme un pièce d’intersection entre deux puissantes lignées textuelles: la littérature politique conçue dans le cadre de désagrégation du Portugal de la monarchie espagnole; et le nouveau modèle analytique qui, dans le sillage du De l’intérêt des princes et des états de la Chrestienté du duc de Rohan, a exalté l’intérêt des États en tant que souverain d’un ordre politique européen. On soutient que l’œuvre de Rohan était le référent discursif auquel Moniz de Carvalho a été confié dans la composition de son texte. Opérant de cette manière, non seulement elle a enrichi la littérature impliquée dans la défense de la cause des Bragance, mais elle a également officialisé l’un des chapitres initiaux et plus singuliers de l’histoire de la réception européenne de l´oeuvre de Rohan.

Este trabajo ofrece un análisis general de cómo funcionaba el sistema de reclutamiento administrativo empleado por la monarquía a comienzos del siglo xvii. Por un lado, se abordan las líneas maestras de cómo se organizaba el proceso, las órdenes enviadas o los partidos de reclutamiento. En segunda instancia se analizan los principales problemas del sistema ya mencionados por la historiografía, y las soluciones implementadas por el Consejo de Guerra para remediarlos. En especial se estudian los problemas sociales y de orden público generados por las tropas durante su alistamiento, y sus elementos de control, como los comisarios. En este sistema el peso del reclutamiento estaba en manos de los capitanes. Para conocer su verdadera capacitación profesional es necesario profundizar en los sistemas de nombramiento de capitanes, la calidad y experiencia de los pretendientes, o la importancia de la venalidad. Algo que también se desarrolla en este texto. Cet article donne un aperçu du fonctionnement du système de recrutement administratif utilisé par la monarchie au début du xviie siècle. Il analyse tout d’abord des principales modalités d'organisation du processus, les ordres envoyés ou les acteurs du recrutement. Par ailleurs, il étudie les principaux problèmes du système déjà mentionnés par l'historiographie, et les solutions mises en œuvre par le Conseil de guerre pour y remédier. Sont examinés notamment les problèmes sociaux et d’ordre public provoqués par les troupes lors de leur enrôlement, ainsi que leurs instances de contrôle, comme les commissaires. Dans ce système, le poids du recrutement était entre les mains des capitaines. Afin de connaître leur véritable formation professionnelle, il est nécessaire d'étudier en profondeur les systèmes de nomination des capitaines, la qualité et l'expérience des candidats, ou l'importance de la vénalité. Un point qui est également développé dans ce texte. This essay offers a general analysis of how worked the administrative system of recruitment used by the Spanish monarchy at the beginning of the 17th century. On the one hand, we approach the key lines of how the process, the instructions, or the districts of recruitment were organized. On the other hand, we analyze the principal problems of the system already mentioned by the historiography, and the solutions implemented by the Council of War to remedy the situation. Specially studying the social problems and of public order generated by the troops during the enrollment, and the elements of control, like the commissioners. In this system, the main burden of the recruitment was in the hands of the captains. To know their real professional skills is necessary to go in depth into the systems of captains’ appointments, the quality and experience of the applicants, or the importance of the venality, which is also developed in this text.

Le titre de l’essai de Camille Esmein-Sarrazin semble pouvoir s’appliquer à de nombreuses époques. En effet, « l’essor du roman » débute-t-il au XVIe siècle, grâce au succès des vastes cycles romanesques (comme les Amadis) ou de l’apparition de nouvelles formes d’écriture (Rabelais) ? Ou alors au XIXe siècle, époque à laquelle le roman « accède à une place dominante » au sein du champ littéraire ? L’auteure préfère observer les premières théorisations du genre et fixer cet essor au XVIIe sièc...

Alain Viala, professeur à l’Université d’Oxford, a constaté que le concept de galanterie est souvent mobilisé lorsqu’il s’agit d’évoquer la France ou les Français. Cette association d’idée l’a alors conduit à étudier, au-delà du lieu commun, comment un certain modèle galant s’est construit, a prospéré et enfin a décliné tout au long des xviie et xviiie siècles. Pour y parvenir, l’auteur se propose une méthode : l’exploration des œuvres picturales, musicales et littéraires revendiquées comme g...

Loin de s’inscrire dans la lignée des paradoxes à portée simplement ludique (l’éloge du parasite de Lucien de Samosate), ou réflexive (la liberté du sage enchaîné dans la veine stoïcienne), voire proprement métaphysique (la coïncidence cusaine des opposés), la sentence que nous empruntons au chapitre « De la gloire » a une portée anthropologique fondamentale et peut servir ici d’horizon à notre réflexion sur l’imagination dans Les Essais. Montaigne vient de rapporter un certain nombre d’éléme...

MALEBRANCHE ET L’IMAGINATION Si l’on considère le début du deuxième livre de De la recherche de la vérité, où Malebranche met en lumière la continuité entre l’imagination et la sensibilité, on pourrait supposer que l’oratorien conçoit l’imagination en des termes aristotéliciens, car Aristote, tout en reconnaissant la spécificité de l’imagination comme fonction de l’âme, suppose qu’il n’y a pas d’imagination sans sensation et que l’imagination touche à ce qui est l’objet des sens. Pourtant, Ma...

Dans la tradition philosophique, l’imagination est la faculté qui est à même de présenter à l’esprit des images d’objets en leur absence. Ayant le pouvoir de reproduire ces objets saisis par le sens, elle joue le rôle de médiateur entre le corps et l’âme, le concret et l’abstrait, entre la sensation et l’entendement et entre le monde extérieur et l’esprit qui l’appréhende. L’imagination est mise en cause par Platon qui en dénonce l’ambiguïté sur la base d’une théorie de l’image considérée com...

Ces mots du chapitre cinquième du livre sur l’imagination de De la recherche de la vérité me permettront de présenter quelques réflexions sur les rapports entre corps social et corps politique dans le texte fondamental de Malebranche. Dans cette page, l’oratorien nous présente deux niveaux de la vie sociale : le niveau de la société dite raisonnable et celui d’une société finalisée par la simple conservation de la vie des individus et du corps social. Tandis que cette dernière est fondée sur ...

Au début de l'âge moderne, de nombreux auteurs ont souligné les vices de l’imagination, jugée inconstante et conçue comme source d’erreurs et de dérèglements. Mais, en dépit de ces défauts, d’autres y ont reconnu un véritable outil de l’entendement, une puissance créative, voire un facteur de cohésion sociale. Le présent livre a pour objet cette ambivalence, et notamment la façon dont l’imagination travaille les relations humaines. L’enquête, collective, s’est effectuée au miroir des textes de plusieurs philosophes des xvie et xviie siècles, de Castiglione à Malebranche, et vise à mieux penser la façon dont l’imagination empreint la constitution des coutumes et la genèse des liens divers qui tissent les rapports sociaux et politiques. Ce volume se propose ainsi d’analyser comment la force de l’imagination s’articule à l’habitude, comment elle agit par le moyen de la persuasion, comment enfin elle renforce l’autorité que la coutume attribue à certains individus établis au sommet du corps politique.

LOCKE, LA PUISSANCE DE L’HABITUDE Au début des Pensées sur l’éducation, dans les considérations sur l’éducation physique, Locke évoque « la réponse du philosophe scythe à un Athénien qui s’étonnait qu’il pût marcher nu dans la glace et dans la neige : “Et vous, dit le Scythe, comment pouvez-vous supporter que votre visage soit exposé à l’air froid de l’hiver ? – C’est que mon visage y est accoutumé. – Eh bien, reprit le Scythe, imaginez que je suis tout visage”. » La formule anglaise est plus...

Dans les années qui précédèrent son arrestation à Venise (1592), Giordano Bruno revient souvent – comme dans le Lampas triginta statuarum – sur de nombreux aspects de sa philosophie déjà exposés dans les Dialogues italiens, sur les procédés illustrés dans ses premiers écrits de mémoire ou sur ses commentaires lulliens. Tantôt le philosophe corrige son interprétation, tantôt il propose des amendements (plus ou moins substantiels) aux techniques mémoratives et combinatoires. C’est le cas du tra...

À l’occasion d’une réflexion sur le sens qu’il convient d’attribuer à l’élection hébraïque, au troisième chapitre du Traité théologico-politique, Spinoza remarque que l’Ancien Testament ne fait pas mention des prophètes non hébreux. Cette absence, selon lui, s’explique par le fait que « les Hébreux se souciaient d’écrire leur propre histoire et non pas celle des autres peuples ». Quelques chapitres plus loin, lors de son enquête sur les livres du Deutéronome, dont l’auteur est selon lui Esdra...

Le Livre du Courtisan est paru à Venise en 1528, un an avant la mort de son auteur. L’ouvrage, qui a connu une grande fortune européenne, est l’œuvre de Baldassar Castiglione (1478-1529), homme de cour de profession : il a passé sa vie au service des princes de Mantoue, puis d’Urbino, avant de poursuivre sa carrière de diplomate au service du pape, comme nonce pontifical à la cour de Charles Quint. Manuel de cour, Le Livre du Courtisan propose le modèle italien d’une petite cour dont Jean-Lou...

La bibliothèque centrale du Muséum national d’histoire naturelle, à Paris, et l’Österreichische National Bibliothek, à Vienne, conservent toutes deux plus de 700 vélins de plantes et d’oiseaux datant du xviie siècle qui sont étonnamment ressemblants. Les vélins parisiens, commandés par Gaston d’Orléans au peintre en miniature Nicolas Robert, puis légués à Louis XIV, sont les premiers d’une collection poursuivie jusqu’au xixe siècle ; les vélins viennois ont été copiés sur ceux de la collection royale pour Colbert par Robert et trois autres miniaturistes, avant d’être vendus en 1728 par le comte de Seignelay. Après avoir évoqué la naissance de la collection parisienne, nous nous sommes intéressées à la carrière et aux conditions de travail des peintres retenus pour exécuter les copies destinées à Colbert, sous l’autorité de ses bibliothécaires, puis à la cession de la collection colbertine au Prince Eugène de Savoie par le libraire Pierre-Jean Mariette. L’examen systématique de la collection viennoise a fait apparaître les modifications matérielles et intellectuelles apportées par Mariette à sa présentation. La comparaison des inventaires dressés de part et d’autre à l’époque a également permis de mettre en évidence les différences entre les deux collections, particulièrement les lacunes de l’une et de l’autre ; ce faisant, elle a, de manière inattendue, révélé l’ampleur des reclassements intervenus au xixe siècle sur la collection du Muséum, dont l’étude complète reste à faire. The Library of the Muséum national d’histoire naturelle in Paris and the Österreichische NationalBibliothek in Vienna both hold more than seven hundred amazingly similar 17th-century paintings on vellum of plants and birds. The Parisian paintings, commissioned by Gaston d'Orléans from the miniaturist Nicolas Robert and then bequeathed to Louis XIV, are the first in a collection that continued until the twentieth century; the Viennese pieces were copied from the royal collection for Colbert by Robert and three other miniaturists, before being sold in 1728 by the Count of Seignelay. After evoking the birth of the Parisian collection, we are interested in the career and working conditions of the painters chosen to execute the copies for Colbert, under the authority of his librarians, and then in the transfer of the Colbertine collection to Prince Eugene of Savoy by the bookseller Pierre-Jean Mariette. The systematic examination of the Viennese collection has revealed the material and intellectual modifications made by Mariette to its presentation. The comparison of the inventories drawn up on both sides at the time has also made it possible to highlight the differences between the two collections, particularly the gaps in both; in so doing, it has unexpectedly revealed the extent of the reclassifications that took place in the nineteenth century in the Museum's collection, the complete study of which has yet to be done.

Cette recherche a pour objet d'étude l'œuvre L’École des filles ou la philosophie des dames. Lorsque celle-ci est publiée en France en 1655, elle est censurée, confisquée, brûlée et elle conduit deux hommes à la condamnation. Selon Lachèvre (1920), L’École des filles porte le statut de première œuvre de langue française délibérément obscène. Pour ce caractère inaugural, le livre est souvent commenté par des chercheurs qui réfléchissent au libertinage ou à la pornographie en France dans une perspective nettement historique, puisqu'il est anérieur à ce qu'on appellera ensuite la prose libertine et la prose pornographique. Cependant, outre son aspect historique, L’École des filles présente des caractéristiques renvoyant aux esthétiques du Baroque et du Classicisme, établit un dialogue avec une tradition de littérature érotique occidentale, aborde des conceptions philosophiques de l'amour et représente des changements de coutumes liés à la sexualité féminine. En raison de ces éléments, cette étude, de caractère bibliographique, entend soutenir que L’École des filles est une œuvre littéraire située dans une période de transition esthétique, philosophique et socioculturelle. Pour cela, la recherche fait un parcours divisé en cinq chapitres. D'abord, basés sur Lachèvre (1920), Muchembled (2007), Hunt (1999), DeJean (1999), Alexandrian (1993) et Darnton (1998), l'historique de production, d’édition, de censure et le processus juridique de l'œuvre sont présentés. Toujours dans ce chapitre, les péritextes sont discutés et analysés, surtout en ce qui concerne leurs genres, à partir de Genette (2009), Costa (2014) et Moisés (2004); en plus quelquesunes des principales éditions de l'œuvre au cours des siècles sont présentées Comme il n’y a pas de traduction de L’École des filles au Brésil, le deuxième chapitre est consacré à la traduction intégrale de l’ouvrage, alors que le troisième chapitre contemple la défense du choix de l'édition étudiée et les réflexions sur sa traduction, celles-ci à l’aide principalement des études de Britto (2020) et d’Oustinoff (2011). Au quatrième chapitre il est question des éléments de transition esthétique, de récupération et d'innovation de la littérature érotique à partir, surtout, de Casalaspro (2007), Lagarde e Michard (2003) e Goulemot (2000). Pour la discussion sur les aspects socioculturels liés à la sexualité féminine, la philosophe et historienne Badinter (1985) est convoquée. Le cinquième et dernier chapitre se concentre sur la formation érotique féminine. Pour alimenter cette réflexion, qui réunit des éléments liés à l'histoire de la lecture, de la réception et de l'érotisme, cette thèse se base sur Chartier (1996, 2004, 2009, 2017), Jauss (1994), Iser (2002), Paz (1994) et Bataille (2014). L'objectif principal de ce parcours est de contribuer à ce que L'École des filles ou la philosophie des dames soit lue comme une œuvre littéraire du XVIIe siècle et tienne sa place parmi les œuvres de la littérature érotique occidentale, puisqu'elle représente esthétiquement les transitions philosophiques et socioculturelles de la période où elle a été écrite This study has as its object of study the work L’École des filles ou la philosophie des dames. When published in France, in 1655, it was censored, confiscated, burned and led to two men being condemned. To Lachèvre (1920), L'École des filles carries the status of the first deliberately obscene French-language work. Due to this inaugural character, the book is often commented on by scholars who think about debauchery or pornography in France from a markedly historical perspective, as it predates what will later be known as libertine prose and pornographic prose. However, in addition to its historical aspect, L'École des filles presents characteristics referring to the aesthetics of Baroque and Classicism, establishes a dialogue with a tradition of Western erotic literature, addresses philosophical conceptions about love and represents changes in customs related to female sexuality. Due to these elements, this study, of bibliographic character, intends to defend that L'École des filles is a literary work situated in a period of aesthetic, philosophical and sociocultural transition. To that end, the research makes a course divided into five chapters. First, based on Lachèvre (1920), Muchembled (2007), Hunt (1999), DeJean (1999), Alexandrian (1993) and Darnton (1998), the history of production, editing, censorship and the legal process of the work were presented. Also, in this chapter, the peritexts were discussed and analysed, especially considering their genres from Genette (2009), Costa (2014) and Moisés (2004); in addition to presenting some of the main editions of the work over the centuries. Since there is no translation of L’École des filles in Brazil, the second chapter of the research is dedicated to the full translation of the work. The third chapter includes the defence of the choice of the edition studied and the reflections relevant to its translation based mainly on Britto (2020) and Oustinoff (2011). The fourth chapter of the study, on the other hand, turns to the elements of aesthetic transition and the rescue and innovation of erotic literature from, especially, Casalaspro (2007), Lagarde and Michard (2003) and Goulemot (2000). The philosopher and historian Badinter (1985) was convened to discuss the sociocultural aspects related to female sexuality. The fifth and final chapter of the study focuses on female erotic training. For this reflection, which brings together elements referring to the history of reading, reception and eroticism, the study was based on Chartier (1996, 2004, 2009, 2017), Jauss (1994), Iser (2002), Paz (1994) and Bataille (2014). The main objective of this path is to contribute for L'École des filles ou la philosophie des dames to be read as a literary work of the 17th century, since it aesthetically represents the philosophical and sociocultural transitions of the period in which it was written, and occupies its place among the works of Western erotic literature. Esta pesquisa tem como objeto de estudo a obra L’École des filles ou la philosophie des dames. Quando publicada na França, em 1655, foi censurada, confiscada, queimada e levou dois homens à condenação. Para Lachèvre (1920), L’École des filles carrega status de primeira obra de língua francesa deliberadamente obscena. Por este caráter inaugural, o livro costuma ser comentado por estudiosos que pensam libertinagem ou pornografia na França sob uma perspectiva acentuadamente histórica, já que antecede o que serão depois conhecidas como prosa libertina e prosa pornográfica. No entanto, além de seu aspecto histórico, L’École des filles apresenta caraterísticas referentes às estéticas do Barroco e do Classicismo, estabelece diálogo com uma tradição de literatura erótica ocidental, aborda concepções filosóficas sobre o amor e representa mudanças de costumes relacionadas à sexualidade feminina. Em razão desses elementos, este estudo, de caráter bibliográfico, pretende defender que L’École des filles é uma obra literária situada em um período de transição estética, filosófica e sociocultural. Para tanto, a pesquisa faz um percurso dividido em cinco capítulos. Primeiro, com base em Lachèvre (1920), Muchembled (2007), Hunt (1999), DeJean (1999), Alexandrian (1993) e Darnton (1998), foram apresentados o histórico de produção, edição, censura e o processo jurídico da obra. Ainda neste capítulo, foram discutidos e analisados os peritextos, considerando sobretudo seus gêneros a partir de Genette (2009), Costa (2014) e Moisés (2004); além de apresentadas algumas das principais edições da obra ao longo dos séculos. Uma vez que não há tradução de L’École des filles no Brasil, o segundo capítulo da pesquisa dedica-se à tradução integral da obra. O terceiro capítulo contempla a defesa da escolha da edição estudada e as reflexões pertinentes à sua tradução fundamentadas principalmente em Britto (2020) e em Oustinoff (2011). Já o quarto capítulo do estudo volta-se aos elementos de transição estética e de resgate e inovação da literatura erótica a partir, sobretudo, de Casalaspro (2007), Lagarde e Michard (2003) e Goulemot (2000). Para a discussão sobre os aspectos socioculturais relacionados à sexualidade feminina, foi convocada a filósofa e historiadora Badinter (1985). O quinto e último capítulo do estudo centra-se na formação erótica feminina. Para essa reflexão, que reúne elementos referentes à história da leitura, recepção e erotismo, o estudo fundamentou-se em Chartier (1996, 2004, 2009, 2017), Compagnon (2010, 2014), Jauss (1994), Iser (2002), Paz (1994) e Bataille (2014). O principal objetivo desse caminho é contribuir para que L’École des filles ou la philosophie des dames seja lida como uma obra literária do século XVII, uma vez que representa esteticamente as transições filosóficas e socioculturais do período em que foi escrita, e ocupe seu lugar entre as obras da literatura erótica ocidental. São Cristóvão

Cet article s’intéresse à la construction du collectif théâtral par l’écrit à partir du cas du « trio » de l’Hôtel de Bourgogne, soit de trois comédiens (Gros Guillaume, Gaultier-Garguille et Turlupin) devenus l’incarnation de la farce française du début du xviiᵉ siècle aux yeux de l’histoire théâtrale. Distincte de la troupe comme configuration sociale, l’image du « trio » s’instaure à travers divers écrits littéraires qui particularisent ces acteurs comiques de leur vivant et, surtout, au moment de leur mort. Les publications concernant le « trio » se sont effectivement multipliées après le décès de Gaultier-Garguille, fin 1633, si bien que l’avènement du groupe s’avère lié à un effet de génération et à un geste de commémoration. Ce cas permet ainsi de réfléchir à l’articulation du singulier et du collectif en étudiant la façon dont s’instaure le succès d’un petit groupe par l’imprimé et certains mécanismes du vedettariat. In this paper we focus on the case of the « trio de l’Hôtel de Bourgogne » to consider the construction of theatrical community by writing, and to understand why three comedians (Gros Guillaume, Gaultier-Garguille and Turlupin) embodie the seventeenth-century French farce in the history of theater. Different from a « troupe » as a social configuration, the picture of the « trio » is built by various literary writings which particularize this group. Most of them were published from Gaultier-Garguille’s death, in Decembre 1633: the « trio » appears like the result of a generation effect and a funeral celebration. With this case, this article aims to think the articulation of individual and collective by studying the mechanisms of stardom with publishing.

International audience; Comparing the translation of the eighth ovidian letter by Marie-Jeanne L’Héritier with its main intertext which is Racine’s Hermione sheds some light upon a translating-rewriting process that serves the Modern ideology. The translater considers indeed the letter that Hermione adresses to Oreste as an example of litterary Modernity because it is not only a generic rewriting of the myth but also a recomposition of Helen’s daughter’s ethos. In her own translation, L’Héritier contests how Racine, a true Ancient author, treated this caracter and, paradoxically, she is unfaithful to the latin text in order to defend more strongly the elegiac version of Ovid and above all Hermione’s glory.; La comparaison de la huitième épître d’Ovide traduite par Marie-Jeanne L’Héritier avec son intertexte majeur qu’est l’Hermione de Racine met en évidence un processus de traduction-réécriture au service de l’idéologie des Modernes. L’Héritier voit en effet dans la lettre d’« Hermione à Oreste » un exemple de Modernité littéraire parce qu’elle est une réécriture générique qui s’accompagne d’une recomposition de l’éthos de l’héroïne. Au sein de sa traduction, L’Héritier dénonce le traitement du personnage que le dramaturge, partisan des Anciens, a offert dans sa tragédie et, paradoxalement, elle fait quelques infidélités au poète de Sulmone pour mieux souscrire à cette réécriture élégiaque qui défend la gloire de la fille d’Hélène.

The Pharmacopoeia Lillensis (editions of 1640 and 1694), a referential for apothecaries in Flanders during the XVIIth century – Two editions of the Pharmacopoeia Lillensis are preserved at the heritage’s library of Catholic University from Lille : the first edition (from 1640) which goes back to Lille’s Spanish occupation’s period, and the second edition (from 1694) which appeared at more delated time during which Lille became French. Both written in Latin, these two editions show great similarities in the presentation of simple drugs and complex preparations ; the second edition nevertheless reflects therapeutics’ evolution during the XVIIth century and it is moreover improved with a new part especially given over to spagyric medicines. Those two successive editions of the Pharmacopoeia Lillensis constitute thus a referential for confection and standardization of pharmaceutical drugs and preparations by Flanders’ apothecaries in the XVIIth century., Deux éditions de la Pharmacopoeia Lillensis sont conservées à la bibliothèque du patrimoine de l’Université Catholique de Lille : la première édition (de 1640) qui remonte à la période de l’occupation espagnole de Lille, et la seconde édition (de 1694) qui parut à une époque plus tardive où Lille était devenue française. Toutes deux rédigées en latin, ces deux éditions présentent de grandes similitudes dans la présentation des drogues simples et des préparations complexes ; la seconde édition reflète cependant l’évolution de la thérapeutique au cours du XVIIe siècle et elle est en outre enrichie d’une partie nouvelle spécifiquement consacrée aux médicaments spagyriques. Ces deux éditions successives de la Pharmacopoeia Lillensis constituèrent ainsi un référentiel pour la confection et la standardisation des drogues et préparations pharmaceutiques par les apothicaires de Flandre au XVIIe siècle., Lehmann Hélène. La Pharmacopoeia Lillensis (éditions de 1640 et de 1694), référentiel pour les apothicaires de Flandre au XVIIe sièclee. In: Revue d'histoire de la pharmacie, 107e année, N. 406, 2020. pp. 159-172.

Thèse dirigée en cotutelle par Dinah Ribard (EHESS, Paris) et Igor Melani (Universita degli Studi di Firenze, Florence), soutenue devant un jury composé de Jean Boutier (EHESS), Alessandro Buono (Universita degli Studi di Pisa), Simona Cerutti (EHESS) et Andrea Gardi (Universita degli Studi di Udine). Résumé : L’objet principal de ce travail de recherche est la première Guerre de Castro, un conflit qui a eu lieu en Italie entre 1641 et 1644 et vit s’opposer le pape Urban VIII et le duc de Par...

International audience

À partir d’une étude comparatiste, ce livre analyse les pensées de Montaigne et de Descartes sur le péché, en suivant un schéma à la fois clinique et thérapeutique. Ainsi, se dévoile le début d’un processus de sécularisation au cours duquel la religion chrétienne est réintégrée dans une nouvelle pensée morale., With a comparative study as its point of departure, this book uses a clinical and therapeutic model in order to analyze Montaigne’s and Descartes’s thoughts on sin. This reveals the beginning of a process of secularization that sees Christianity reintegrated into new moral thinking.

Le portrait est sans conteste le genre artistique le plus fécond du début des Temps modernes. Dans la France du XVIIe siècle, qui se distingue par une mobilité sociale inconnue jusqu’alors, le portrait permet précisément d’appuyer la revendication d’un nouveau statut social ou d’assurer un rang acquis, mais désormais remis en question. Le portrait se fait également l’écho de la discussion capitale concernant le rapport entre le corps et l’âme. Pourtant, les sources écrites parvenues jusqu’à nous, qui s’intéressent au portrait, sont étonnamment parcimonieuses. L’Académie royale de peinture et de sculpture fondée en 1648, en particulier, est presque totalement muette à ce sujet. Et ce, bien que nombre de ses membres gagnent leur vie comme portraitistes et que le genre voie son importance s’accroître au cours du Grand Siècle : les portraits se multiplient, tandis que leur prix augmente constamment. Il semble que l’Académie ait sciemment passé sous silence le portrait et les débats afférents, afin de mieux célébrer comme sa véritable mission la peinture d’histoire, sur laquelle l’institution nous a laissé d’innombrables témoignages. La présente étude reconstitue les discours autour du portrait dans la France du XVIIe siècle et dévoile une discussion d’une vivacité surprenante, où d’aucuns se sont même demandé si le portrait ne méritait pas – plutôt que la peinture d’histoire – d’occuper la première place dans la hiérarchie des genres. Das Porträt ist sicherlich die fruchtbarste künstlerische Gattung der frühen Neuzeit. Gerade im Frankreich des 17. Jahrhunderts, das sich durch eine bis dahin unbekannte soziale Mobilität auszeichnete, erlaubte es das Porträt, den Anspruch auf eine neue gesellschaftliche Position zu unterstreichen bzw. auf einer überkommenen, nun aber in Frage gestellten Position zu beharren. Auch fand die zentrale Diskussion um das Verhältnis von Leib und Seele ihren Niederschlag im Porträt. Hiermit in Kontrast steht der Mangel an schriftlichen Quellen zum Porträt, die auf uns übergekommen sind. Insbesondere die 1648 gegründete Académie royale de peinture et de sculpture schweigt sich nahezu vollkommen zum Porträt aus. Und dies, obwohl viele ihrer Mitglieder ihren Lebensunterhalt mit dem Porträt verdienten und die Gattung während des Jahrhunderts nicht nur quantitativ an Bedeutung gewann, sondern auch die Preise kontinuierlich stiegen. Es stellt sich der Eindruck ein, dass das Porträt und die Diskussionen um die Gattung von der Académie bewusst totgeschwiegen wurden, um der Historienmalerei, zu der uns die Académie zahllose Quellen überliefert hat, als die eigentliche Arbeit der Institution erscheinen zu lassen. Die vorliegende Studie rekonstruiert die Diskurse um das Porträt im Frankreich des 17. Jahrhunderts und zeichnet eine erstaunlich lebhafte Diskussion nach, in der auch überlegt wurde, ob nicht dem Porträt – statt der Historienmalerei – der erste Platz unter den künstlerischen Gattungen gebühre.

« L’Amérique, dans l’histoire, c’est d’abord un rythme » . Tout dans la réflexion de l’historien Pierre Chaunu — de la mise en écho de l’histoire et du rythme à l’usage de singuliers préférés aux pluriels — aurait dû conduire les spécialistes de l’Amérique coloniale à se saisir et à interroger la question vive du rythme dans son historicité. Pourtant, après plus d’un demi-siècle d’avancées historiographiques et méthodologiques, les historiens ne semblent guère avoir reconnu dans le concept de rythme — concept aux contours souvent mal définis, d’ailleurs — un phénomène de première importance dans la marche qui entraîne la vie des hommes et des sociétés aux premières heures de la rencontre entre l’Ancien et le Nouveau monde. Aussi, cette communication en forme d’essai invite-t-elle à explorer le rythme à la fois comme objet historique en ce qu’il structure les conceptions et les usages autochtones et européens du temps et de l’espace, mais aussi comme instrument intellectuel de l’historien qui, cheminant de concert avec l’anthropologue et l’archéologue, œuvre par une poétique qui lui est propre au repérage de scansions, de cycles, de surgissements à l’origine de nouvelles allures du temps.

Cet article s’efforce de déterminer quels sont les régimes de lisibilité sémantique et pragmatique de la circonstance dans la pratique française de l’épigramme au XVIIe siècle. Il montre tout d’abord que la circonstance ne qualifie pas tant une propriété des épigrammes qu’un produit de leur réception. Il isole ensuite des lieux textuels de circonstancialité, susceptibles d’actualiser une lecture de circonstance des épigrammes, à l’échelle des poèmes, des recueils, et des emplois en mention.

Cet article examine l’élaboration pré-patrimoniale du Palais de Paris durant les xviie et xviiie siècles en se concentrant sur la perception et l’expérience des visiteurs. Cette approche traite du regard porté sur le Palais et étudie son insertion pratique et symbolique dans la ville. L’analyse des sources du bailliage du Palais et la lecture des guides imprimés et des mémorialistes permettent d’appréhender la construction touristique précoce d’un lieu hybride. L’héritage royal est non seulement au cœur des discours sur les tribunaux mais aussi de la pratique de ses usagers. L’architecture comme le mobilier donnent matière à une réflexion sur l’ancienneté des lieux, qui leur confère une légitimité. Les visites du Palais constituent une expérience essentielle et quasi indispensable pour les voyageurs, qui souvent la relatent. Celles-ci s’inscrivent dans une logique de découverte monumentale de Paris. Elles relèvent également de la déambulation commerciale dans un endroit où le shopping se développe. Dans un cas comme dans l’autre, il est question de faire sien le lieu parcouru. Le Palais est fréquenté par des observateurs ordinaires venus assister aux spectacles judiciaires et cérémoniels. Des visiteurs étrangers de renom sont accueillis quant à eux avec égard. Les expériences se font singulières dans un lieu très composite dont elles favorisent la monumentalisation. Le palais de justice tend à s’affirmer comme tel sous l’effet des regards touristiques et de l’écriture des guides de voyage. Focusing on the visitors' perception and their experience, this article studies the pre-patrimonial elaboration of the Palais de Paris during the 17th and 18th centuries. This approach gives an insight into the way tourists gaze at the Palais and an opportunity to study the Palace's practical and symbolic integration in the city. The sources of the bailliage du Palais (the Palace’s bailiwick) and the reading of the printed guidebooks and memorialists' theses allow one to comprehend the precocious touristic structure of a hybrid place. Not only was the royal heritage at the heart of the speech on tribunals but also at the heart of the practice of its users. Architecture, as well as furnishings, gave material to think about the great age of those places, which provided them with a source of legitimacy. The visits of the Palace were an essential and almost obligatory experience for the visitors, which they often recounted. These visits were part of the logic behind the discovery of Parisian monuments. They also had to do with commercial meandering in a place where shopping was developing. Either way, what was at stake here was how to make the strolled place one's own. The Palais was visited by ordinary observers who came to attend the judiciary and ceremonial performances. As for some renowned foreign visitors, they were welcomed with respect. The experiences became singular in a very composite place, of which they promoted the recognition of its monument status. The Palace of Justice was tending to assert itself as such through the tourist gaze and the writing of guidebooks.

International audience

Dans cet ouvrage, il s’agira non seulement d’aborder différentes facettes de l’activité mathématique de Descartes, assez peu connues, mais également diverses dimensions de sa pensée mathématique., In this work, we will not only look at different facets of Descartes’s activity as a mathematician, which are not widely known, but also at different dimensions of his mathematical thought.

On trouvera ici une farce paysanne, Le Médecin malgré lui, qui dégrade la médecine, puis des spectacles de cour, qui furent accompagnés de musique et de danses : la Pastorale comique et Le Sicilien, ou L’Amour peintre. Ces deux dernières pièces, comme Mélicerte, constituèrent des entrées dans un grand ballet de cour, Le Ballet des Muses., This volume contains Le Médecin malgré lui, a rural farce (farce paysanne) that pokes fun at French medicine, followed by two plays for the court that were accompanied by music and dancing: the Pastorale comique and Le Sicilien, ou L’Amour peintre. These latter two plays, like Mélicerte, were autonomous scenes within a great court ballet, Le Ballet des Muses.

Amphitryon, sujet venu de Plaute, est une fantaisie mythologique aussi allègre qu’immorale. George Dandin, inséré à la création dans un somptueux spectacle de cour donné lors d’une fête – le Grand Divertissement royal de Versailles – est une comédie rosse se moquant de l'échec d’un paysan riche qui a voulu, par ambition sociale, épouser la fille de hobereaux ruinés., Amphitryon, a subject taken from Plautus, is a mythological fantasy as lighthearted as it is immoral. George Dandin, which premiered at a lavish court show during the Grand Divertissement royal (Great Royal Entertainment) at Versailles, is a comédie rosse mocking the failure of a rich peasant who, as an aspiring social climber, hopes to marry the daughter of ruined squires.

International audience; Le 27 novembre 2018, nous avons célébré le 350e anniversaire de l’un des rares chanceliers de France, avec Michel de L’Hôpital, qui restent encore dans une vague mémoire collective. Ni célèbre, ni méconnu, d’Aguesseau appartient à ce groupe étroit de personnes dont le souvenir est demeuré, discret mais tenace. Sans doute fut-il un homme de gouvernement, au premier plan de la « comédie humaine » qui se jouait, en France, à chaque génération, autour de nos rois. Dans les sources, il apparaît en effet en pleine lumière de ce XVIIIe siècle que, plus qu’aucun autre, nos contemporains ont « adopté » comme fondateur. Est-ce suffisant pour expliquer sa notoriété, relative mais persistante ? D’autres que lui, ses contemporains, semblent enterrés, sitôt morts, dans les profondeurs de l’oubli ! Les juges et juristes, les Facultés de droit contribuèrent pour l’essentiel, il est vrai, à ranimer et entretenir la flamme de son illustration, et peu d’étudiants en droit, au moins jusqu’à la génération de Georges Frêche, qui lui consacra son mémoire de DES en 1968 , pouvaient ignorer tout à fait ce nom. Dans le panorama des commémorations nationales, il est l’un des rares hommes d’Ancien Régime à être régulièrement rappelé à notre bon souvenir, au bicentenaire de sa mort (en 1951, par un colloque à Limoges qui fit date), puis au 250e anniversaire de sa mort en 2001, maintenant au 350e anniversaire de sa naissance. Alors, qu’a eu Henri François d’Aguesseau de plus que d’autres ? Nous proposerons une réponse en deux points : une Œuvre ; une postérité intellectuelle.Henri François naquit le 27 novembre 1668, à Limoges. Il était le quatrième enfant né du mariage d’Henri d’Aguesseau, alors intendant de justice, police et finances, et de Claire Le Picart de Périgny, mais il était le fils premier-né. Plus tard, dans un opuscule de 1718-1720, le chancelier évoque l’événement : «[Mon père] n’avoit que deux filles lorsqu’il y alla [en Limousin], il en sortit avec trois filles et un fils… et qui n’en fut que mieux reçu pour s’être fait attendre plus longtemps ». Heureux événement s’il en fût, à l’en croire, car : « il est incroyable à quel point toute la province, et surtout la ville de Limoges, partagea la joie de mon père dans cet événement ; on eût dit qu’il étoit né un fils à chacun de ses habitants ». Sous ces auspices, la vie et la carrière de d’Aguesseau jusqu’au 2 février 1717, date de sa nomination à la Chancellerie, parurent tirées au cordeau de la destinée prometteuse de ses pères, parents et alliés, au sein de cette grande robe parisienne que le statut des offices de judicature avait élevée, depuis au moins un siècle, au sommet de l’administration royale et à l’antichambre de la plus haute noblesse. Lorsqu’il s’éteint à Paris, en 1751, il compte soixante années de service du roi comme avocat (1691) puis procureur (1700) général du roi au Parlement de Paris, élevé enfin à la Chancellerie par le Régent, où, malgré deux exils en 1718-1720 et 1722-1727, il accomplit sans relâche une œuvre d’administration, de réforme, de modernisation aussi, de la législation et de la justice. Son « Œuvre » porte majuscule dès lors, qu’après sa mort, ses deux fils survivants, l’un et l’autre conseillers d’État, confièrent au dernier bibliothécaire du chancelier le soin de réunir et publier tous ses écrits, discours, plaidoyers, mercuriales, essais, mémoires, instructions, Méditations ou lettres, même des pièces inachevées, même des bribes ou canevas… Treize volumes in-4° sortirent ainsi des presses, progressivement de 1759 à 1789, qui ne laissèrent pour plus tard que la correspondance familiale de d’Aguesseau. Un hommage « construit » qui, de rééditions, « complètes » (1819) ou partielles, en éditions complémentaires, répondait à une certaine vision de l’homme que l’on voulait magnifier : celle d’un grand classique, aussi grand chrétien, politique malheureux (en de brefs moments) parce que modéré et prudent, un esprit éclairé et moderne, mais un serviteur loyal de la monarchie par souci dominant de l’État et du service public.

Versant comique de la comédie-ballet, Monsieur de Pourceaugnac montre comment le provincial de Limoges, prétendant indésirable, est chassé de Paris. Les Amants magnifiques en sont le versant galant ; l’intrigue sentimentale entre grands, prise dans un programme somptueux de musique et de danse, annonce parfois Marivaux., Emphasizing the comic side of the comédie-ballet, Monsieur de Pourceaugnac shows how this provincial from Limoges, an undesirable suitor, is chased from Paris. Meanwhile, Les Amants magnifiques, created as part of a lavish festival of music and dance, is an example of the genre’s more romantic side; in the sentimental plot concerning noble figures, we can at times spot elements that may have influenced Marivaux.

Malgré son importance dans l’histoire des sciences du langage, la Grammaire générale et raisonnée de Port-Royal (1660) n’avait encore fait l’objet d’aucune édition critique. La présente édition a pour objet de situer l’ouvrage dans la tradition linguistique, en en soulignant les traits les plus saillants., Despite its importance in the history of linguistics, the, the Port-Royal Grammaire générale et raisonnée (1660) has never previously been the subject of a critical edition. The present edition aims to situate the work in the linguistic tradition, highlighting its most salient characteristics.

Dans cette grande comédie bourgeoise, Molière, s’attaque au vice pérenne de l’avarice. Il montre la déshumanisation de son héros Harpagon, et, en réponse au tyran domestique, les procédés discutables que sont obligés d’employer ceux qui doivent défendre leur bonheur. Mais l’évidente gravité de la situation est surmontée par la volonté affirmée du comique., In this great bourgeois comedy, Molière attacks the perennial vice of avarice. He shows the dehumanization of his protagonist Harpagon, and, in response to the domestic tyrant, the questionable tactics and strategies that those who must defend their happiness are forced to employ. But the obvious gravity of the situation is overcome by comic assertiveness.