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The execution of Maximilian of Habsburg and his two generals, Miguel Miramón and Tomás Mejía at Cerro de las Campanas, Querétaro, on June 19, 1867, produced a series of visual vestiges such as lithographs, photographs, and paintings that tried to reflect the condition of lay martyr that the ill-fated emperor acquired from that moment on. Many of these images tried to establish an analogy with respect to the biblical passage of the crucifixion since they portray a man about to die next to two prisoners, as well as the inclusion of crosses, pious witnesses, and priests. This dissertation also contemplates the construction of places of memory, such as the expiatory chapel of the Cerro de las Campanas to perpetuate the memory of a man who, according to the artists, sympathizers and witnesses of the trance, had died unjustly. Through an iconographic analysis of some of these visual representations that appeared both in Mexico and in Europe, we will try to confirm this hypothesis. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El Ministerio del Tiempo (2015-2020), TV series broadcasted by Spanish National Public Television Channel, uses pictorial tradition to build up characters, past eras and mise-in-scene. This wide and intense use of painting provides a huge visual, aesthetic and storytelling richness in its building of the past. From this point of view, a case study of the recreation of Las meninas is carried out, revealing parallels between Velázquez's conception of his master painting and its audiovisual construction in the TV series. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article proposes to describe and interpret works of plastic arts around the myth of the mermaids, starting from the Homeric narrative and observing their aesthetics. It is about understanding the effect of the reverberation of the original sonosphere (the song of the sirens in Homer) on the modern imagination of the 19th, 20th and 21th centuries. The research starts from the Jungian conception of myth in its constitutive aspects of the psyche, from the notion of "mermaid effect" proposed by Sloterdijk (2016) and Cavarero (2011) criticism of Sirens silence. It proposes a sonospheric understanding of the mermaid myth from which the various visual interpretations of modernity were derived. It concludes on the loss of mythical meaning in modern society and points to music as a possible reencounter of lost origins. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Investigating the concept of landscape through its representation is a multidisciplinary theme that can reveal much of the human trajectory and how it relates to, perceives, and interferes with its surroundings. The investigation proposed here aims to point out possibilities of analysis from the selection of some pieces of art, paintings, in which the landscape is represented, either as a background, either as the main theme or in dialogue with the other elements. The way it appears highlighted, its colors, compositional relationships and with other elements are fundamental to understand how the category of landscape would perceive, understood, and represented. In the end it is possible to understand it as part of a text not only in what could be readly seen, but beyond it. For this, the images were from Panosfsky’s Iconography and Iconology, extrapolating it also in the light of Cassirer, supported by Cosgrove’s geographical reflections, especially in his book ‘Palladiam Landscape’. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Agnes Martin, one of the most singular figures of the second half of the 20th Century American art scene, created a cohesive body of work based on pale-colored, iterative, geometrical yet lyrical abstraction. Her oeuvre, poetic and subtle to the point of being not easily photographable, has only recently gained international acclaim. Tensioned by the relationships between drawing and painting, the natural and the abstracted, spirituality and rationalism, subjectivity and objectivity... her work awes both critics and the vernacular public. This text dissects Martin's mature paintings in relation to the notions of time and perception. In order to do so, Martin's own notes and writings, as well as interviews transcriptions and memories by close gallerists and critics are analyzed here. Ultimately, this article poses the perceptive and temporal experiences as decisive factors in Martin's pictorial proposals, which demand the attentive, slow gaze to be fully grasped. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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September 11, 2001 was one of the most tragic days in recent human history. A terrorist attack put the entire Western society in check, showing an enormous force and destroying the lives of thousands of free citizens. Conspiracy is one of the most widespread theories to explain the origin of these attacks, but also money, religion and power. With almost 3,000 murdered and numerous unidentified human remains, the main documents remain undeclassified by the US administration, after having passed four different presidents, both Republicans and Democrats. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

El presente artículo se centra en el periodo de consolidación de Joan de Joanes como maestro pintor, y particularmente en el momento en el que, antes de ocuparse de la dirección del obrador familiar trabajó como oficial, a la sombra de su padre. A través de una serie de casos de estudio se perfila someramente la incipiente actividad artística del joven Joanes, al tiempo que se plantean algunas consideraciones sobre el trabajo en los talleres. Todo ello suscita una revisión de la atribución de ciertas obras que en lo sucesivo deben considerarse de autoría conjunta. Se plantean entre líneas, por último, una serie de reflexiones y premisas que, aunque son especialmente válidas para el caso del taller familiar de los Macip, se manifiestan igualmente operativas para otros muchos artistas del periodo.

RESUMO A partir do intenso questionamento sofrido por Giulio Carlo Argan no início da década de 1960, o artigo discute a crise da noção de projeto em seu pensamento e a relaciona historicamente com a emergência do projeto como subgênero da arte conceitual. Por um lado, a relação é articulada através do exame de duas tendências defendidas por Argan, a arte programada e a pintura analítica. Por outro, é pensada contra o pano de fundo da consolidação do mercado de arte no período em questão. Por fim, o exame da parte da obra de Antonio Dias nesse contexto histórico visa descrever com mais clareza o laço dialético entre as duas categorias em questão, arte como projeto e projeto como arte .

En el marco de mis investigaciones en torno a las artes visuales y su relación con otras disciplinas, me interesa abordar la obra del artista argentino Daniel García dado que su producción, conformada principalmente por pinturas y dibujos, con el correr del tiempo ha ido sumando otros formatos o dispositivos que exceden su campo de acción original. En este sentido, la producción de García admite el calificativo de heterogénea, no solo por la materialidad o los soportes utilizados, sino también teniendo presente la variedad de problemáticas que incorpora en sus trabajos. Lo que propongo en este artículo es un recorrido por la obra de García, atento a indagar en aquellas cuestiones que poco a poco se fueron desplegando dentro de su proyecto artístico: cuerpo, representación y memoria.

A pintura de Barnett Newman Vir heroïcus sublimis (1950) e seu texto The Sublime is Now (1950) foram referências para o debate sobre o sublime e pintura em autores como Lyotard, Danto e Saint Girons. Além disso, o pintor destaca sua leitura da obra de Burke. Este trabalho pretende analisar, a partir do encontro de todas essas referências, como se deu a aproximação da pintura com o sublime no âmbito da filosofia.

Hay muchos retratos de Spinoza, pero ninguno de ellos está bien documentado, al menos suficientemente documentado como para satisfacer las exigencias del método iconográfico. Por falta de argumentos objetivos que permitan identificar a Spinoza entre tantos cuadros y grabados, tal vez podamos considerar que el “verdadero” retrato de Spinoza es el frontispicio de las Opera posthuma de 1677.

Tradicionalmente, los trabajos arqueológicos han identificado como villae romanas numerosos yacimientos arqueológicos en el valle medio del Ebro. Sin embargo, en pocos casos han sido estudiados y excavados de forma sistemática, por lo que carecemos de información precisa sobre la vida cotidiana de sus propietarios. Con el presente trabajo, pretendemos analizar las distintas expresiones de luxuria encontradas en este tipo de propiedades ubicadas en el medio rural, para arrojar luz sobre sus modos de vida, costumbres, creencias y gustos. Debemos tener en cuenta que una villa es, esencialmente, una explotación agropecuaria, por lo que otro elemento de expresión de la riqueza será la capacidad de producción de sus instalaciones, aunque en este caso nos centraremos en las manifestaciones relacionadas con las estancias nobles del conjunto arqueológico. Por tanto, estudiaremos la decoración musivaria, escultórica y pictórica, así como las fuentes epigráficas y los monumentos funerarios asociados a estas importantes familias.

Hasta el S XIX, la exclusión de las mujeres de la enseñanza académica oficial de las bellas artes, al mismo tiempo que se les reservaba la práctica de técnicas artesanales y aptas para el entorno doméstico, provocó que ciertas técnicas y estilos pasaran a ser consideradas como más propios de un género o de otro. Diferentes corrientes artísticas feministas han reivindicado o negado la existencia de una particular sensibilidad femenina más afín a determinados medios y estilos. Este artículo parte de la hipótesis de que en el contexto occidental contemporáneo la educación y el entorno cultural son más determinantes en el estilo y técnica de un artista que una supuesta predisposición biológica ligada al género. Para comprobar esta hipótesis, se analiza el uso de la técnica de la acuarela en la obra de Marlene Dumas y de la pintura al óleo en Jenny Saville, comparando su producción con la de otros artistas varones de similares características.

Em 2019, Jacques Rancière apresentou “Architectures Deplacées”, na Société Française des Architectes, em Paris. Nosso trabalho consiste na tradução da referida palestra e no artigo introdutório publicado em revista, os quais abordaram temas de suas conferências recentes sobre arquitetura. Dentre os deslocamentos ético, poético e estético propostos, Rancière elucida questões intrínsecas da arquitetura na relação com a paisagem. Nesse contexto, o movimento se refere ao processo de desestabilização da finalidade da arquitetura e a busca pela perfeição, visando a construção de mundos livres. Segundo Rancière, quando a arquitetura sai do seu reduto, provoca mudanças mais efetivas. O autor também observa que a pintura é fonte de uma “arquitetura para ver”, relevante para o paisagismo. Por fim, Rancière sugere que a arquitetura, resgatada de sua funcionalidade autoritária, torna-se apoio de um movimento da imaginação que parte de arquiteturas modernas – para ver ou imaginárias – baseadas na fuga do olhar e na capacidade de imaginação, propondo uma terceira via de construção e movimento. Não mais a elevação ao céu inacessível e tampouco o deslocamento horizontal infinito, mas o enfrentamento da imperfeição, em que a crítica da vontade arquitetônica se alia à crítica da ordem do mundo.

O presente artigo objetiva articular os conceitos da Abordagem Triangular da autora brasileira Ana Mae Barbosa com o de Arte como experiência do filósofo americano John Dewey, para analisar a prática docente como investigação realizada pelo/a artista professor/a pesquisador/a no contexto do ensino de pintura. Para tanto desenvolvemos partindo dos autores citados, uma pesquisa experimental que tenciona a prática docente e a prática artística, constituindo-se de metáforas e desafios, em meio ao zigue e zague na Abordagem Triangular.

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Este artículo examina el cuadro La partida de ajedrez de Pieter Van Huys como huella dentro de una investigación detectivesca, así como la huella del medio pictórico, la conformación específica del mensaje a través de la pintura. La comparación entre la novela de Arturo Pérez-Reverte y la versión fílmica de Jim McBride muestra la respectiva –e igualmente específica– representación del trabajo detectivesco en los medios. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The essay proposes to dig holes in the school's ground, in order to explode the common notion of school taken from the Foucaultian work that, so often, imprison it in a regulation logic and in an infinite exercise of power. It bets on the importance of showing a radical mismatch between discourses and school images. Therefore, the writing uses Foucault's thought as a toolbox and performs the work of a craftsman, exploding school images from paintings that place, at the center of their experiments, the questioning of their limits constituted as frames, forcing its subjects to a violent and forced adaptation. If Foucault painted in his genealogical writing the schools of power, it is possible to find, in parallel, a curious second painting in which the control technologies fail to imprint their totalizing machinations on the bodies. Emerges a Foucault painting school-canvas between discipline and illegalisms. Finally, it states that holes in school images summon more disputes in school diagrams. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This work tries to find hermeneutical keys of the thought of María Zambrano, of her ideas on painting and poetry from the hypothesis that the philosopher from Malaga establishes a productive and fruitful dialogue with the European thought of the 20th century, which leads her to coin an original philosophy. Zambrano, throughout her writings, moves from the vital reason of Ortega y Gasset to her peculiar meaning of situated poetic reason, which deals with a delimited scope of objects and contributes to laying the foundations for an aesthetic of the poetic and the pictorial as a creative element of human life. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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The aim of this article is to investigate the relationship between a painting, a photograph present in a journalistic story and the necropolitics that was amplified during the Covid-19 pandemic in Brazil. For this purpose, the work "Retirantes", by Cândido Portinari, and a photographic record by Ricardo Borges, which are part of a report in Veja magazine, were used. The dialectical method was chosen to investigate the research, which highlighted the contradictions that were aggravated during the course of the pandemic. It was verified that the necropolitics established by the federal government in the management of the sanitary crisis to combat the virus resulted in a significant increase in social inequalities, making current images of the poverty of the Brazilian population. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El presente estudio tiene como objetivo analizar el significado social y cultural de dos obras pictóricas del pintor Oswaldo Guayasamín, quien fue una figura emblemática en el campo de las artes plásticas en Ecuador. Desde el punto de vista metodológico, la presente es una investigación cualitativa con enfoque hermenéutico, de tipo documental empírica de fuentes primarias; en cuanto al diseño es una investigación de tipo no experimental transeccional descriptiva. Para lograr el objetivo se empleó un corpus de referencia de dos obras del artista ecuatoriano que fueron analizadas con apoyo de la teoría de Iuri Lotman, empleando el método semiótico cultural, así como la técnica exegética que permite valorar de manera hermenéutica el corpus pictórico seleccionado. Como resultados resaltantes, se pueden indicar los siguientes: las pinturas de Guayasamín expresan una visión que defiende los derechos de la raza indígena, especialmente de las mujeres y los niños. Estas pinturas datan del siglo XX cuando se evidenciaba un trato injusto de menosprecio, maltrato, violencia y explotación a las culturas mestizas, indígenas y negras, en una época de guerras civiles y las guerras mundiales. La teoría de Lotman permitió develar que las pinturas de Guayasamín son una demostración de la realidad contextual de su tiempo y evidencian sentimientos de sufrimiento, ira y frustaración de los indígenas en un contexto histórico particual.

Analiza la relación entre la propuesta plástica de Ilowasky Ganchala en la serie Arqueología de lo Cotidiano y su relación con las ideas del escritor vanguardista Pablo Palacio. La arqueología del cotidiano forma parte de un proceso de reflexión más amplio donde cada objeto cobra un sentido gracias a su relación con otros objetos dentro de un contexto específico: una edificación antigua, un taller, un baño, una cocina. Es un trabajo que se dedica al estudio de la cultura material del pasado y muchas veces se construye mediante la articulación visual de fragmentos y nos hace interrogarnos por la relación sujeto-objeto.

Pequenos Oceanos é um ensaio visual que apresenta uma série de vinte e quatro pinturas. A série trata de distância e deslocamento. As pinceladas criam camadas longas de texturas que fazem nascer um pequeno espaço vazio. O vazio também é a falta. A falta é saudade, é um oceano inteiro que distancia.

Este artículo analiza la evolución del matte painting como técnica de representación a lo largo de la historia, su relación con el arte y su influencia en diferentes industrias ligadas a la representación. Utilizamos para ello una metodología de estudio de múltiples casos, lo que nos permite relacionar hitos y utilizar un enfoque abierto para el análisis. A través de él, buscamos conexiones entre su uso en el cine, videojuegos, y diseño, y su influencia en los mismos, lo que nos permite defender la figura del matte painter como artista.

El presente artículo hilvana un recorrido creativo por la teoría del sujeto de la diferencia sexual de Jacques Lacan, desde un ángulo heterodoxo y polivalente, buscando afinar una propuesta crítica que facilite una alternativa concreta a la tesis lacaniana que afirma que la mujer no existe. Persiguiendo este objetivo, el artículo reivindica la noción de deseo inconsciente y acude metodológicamente a Gilles Deleuze y Félix Guattari, y Luce Irigaray. Asimismo, redefine el valor de la letra como trazo de goce, subvirtiendo el potencial de la caligrafía china y japonesa que analiza Lacan. Para ello, se toman como casos de estudio al pintor taoísta Shitao, las semiografías de André Masson y el cuadro El origen del mundo de Gustave Courbet, que fue propiedad de Lacan. El aspecto central del artículo consiste en evidenciar que el significante simbólico, denominado Falo o Nombre del Padre, indica la falta esencial de la castración, que regula la producción identitaria del Otro y excluye a la mujer del lenguaje y la representación.

Da homogeneização do operário no começo do século XX à individualização exacerbada no século XXI, este trabalho investiga as possíveis interpretações sobre a representação do trabalhador em três obras: Trabalhadoras (1900), do pintor alemão Hans Baluschek (1870-1935), Operários (1933), da pintora brasileira Tarsila do Amaral (1886-1973), e o filme estadunidense Nomadland (2020), da chinesa Chloé Zhao. Usando como metodologia a descrição interpretativa desses objetos, possibilita-se uma discussão sobre as alterações nas formas de trabalho nas grandes cidades a partir de leituras sobre o tema. Como conclusão, traz-se uma visão crítica das práticas capitalistas, diante da precarização do trabalho e da supressão da sensação de pertencimento de classe entre os indivíduos. Assim, o olhar melancólico representado nessas diferentes telas traduz a percepção sobre o modo de vida a que essas pessoas são submetidas.

Ativo no terceiro quartel do século XVI, Simon de Myle constitui um verdadeiro enigma, pois sua vida e carreira permanecem totalmente desconhecidas até os dias de hoje. A “Arca de Noé sobre o Monte Ararat” é seu único quadro assinado e datado ("Simone de Myle inventor et fecit 1570"), figurando o desembarque dos animais após o dilúvio. Levando em conta mesmo as representações demasiado precárias, essa composição inclui nada menos de 228 monstros, voláteis e quadrúpedes, isso sem considerar as carcaças e as espécies aquáticas deixadas para trás com o recuo das águas. Entre as fontes iconográficas utilizadas destacam-se vários tomos da “Historia Animalium” de Conrad Gesner, além da “Warachtighe Fabulen der Dieren” de Marcus Gheeraerts. Ao contrário de outras pinturas quinhentistas acerca do mesmo tema, essa “Arca de Noé” retrata um número inesperado de animais do Novo Mundo, elenco composto por dois mamíferos, pelo menos três aves e dois “seres prodígiosos”. Nesse particular, o quadro de Simon de Myle inadvertidamente evoca as dúvidas sobre a verossimilhança da passagem bíblica relativa à Arca de Noé, reflexo da descoberta de um número cada vez maior de espécies zoológicas em terras distantes. Colocada já em 1502 por Amerigo Vespucci, essa questão atravessaria os séculos XVI e XVII, levando autores como Joseph de Acosta (1590) e Athanasius Kircher (1675) a buscar uma improvável conciliação entre a realidade factual observada no outro lado do oceano e a verdade revelada contida no livro do Gênesis.

La publicación de un cómic académico en el campo de las ciencias sociales y las humanidades debe ser motivo de celebración por su impacto sobre la apropiación social del conocimiento. Como resultado de investigación, Delirantes es una fructífera alianza interdisciplinar entre el mundo académico, la industria editorial y la creación artística: el producto fue ideado por la historiadora del arte Olga Acosta, profesora de la Universidad de los Andes, en compañía del editor John Naranjo, especializado en cómics, y del ilustrador Adalberto Camperos, Electrobudista.

Um século depois da tão polêmica e emblemática Semana de Arte Moderna de 1922, a atuação do artista Di Cavalcanti, se revela particularmente importante na medida em que sua investigação pictórica, comprometida com uma nova pesquisa plástica, aliada a outras tradições culturais brasileiras, trazia ao lume o grande debate intelectual sobre um projeto nacional. Considerando a Semana de 22 na conjuntura de um amplo e complexo processo de transformação cultural que ocorria no vasto território brasileiro, o qual não pode ser circunscrito exclusivamente a um fenômeno eminentemente urbano e paulistano, diretamente conectado ao crescimento industrial, à migração maciça de estrangeiros e à urbanização que caracterizavam a cidade de São Paulo na década de 1920, Di Cavalcanti pode ser entendido como figura central para pensar as reverberações desse fenômeno moderno nas décadas seguintes e inclusive nas implicações e releituras críticas que empreendemos transcorridos cem anos de seu acontecimento.

La relación entre la literatura y las artes plásticas es un ámbito de estudio que se lleva desarrollando desde la Antigüedad. En la actualidad, es evidente que imagen y palabra están unidas en medios como el cine, la televisión o el cómic. Sin embargo, no solamente puede encontrarse dicha interrelación en ellos, también el lenguaje es portador de imágenes y las imágenes son portadoras de la palabra. En este trabajo se ahondará en los diferentes tipos de interrelación de ambas disciplinas artísticas a través de la obra del escritor y artista plástico Mark Strand. Su obra permitirá abordar conceptos como la écfrasis y la «imagentexto», reflexionar sobre la intermedialidad y plantear cómo se construyen las imágenes en la literatura y cómo el texto se presenta en el arte plástico.

Este artículo reflexiona sobre el proceso que tiene lugar en nuestra memoria para la construcción de un recuerdo, proceso de interiorización que deviene el punto de partida para la creación de una obra pictórica. Para ello nos serviremos de los conceptos: memoria Involuntaria y experiencia fenomenológica, como componentes que devienen esenciales para explicar el nacimiento de una imagen o si más no, nos sitúan frente a una actitud que en el obrar artístico puede sorprendernos de forma sin igual. Esta investigación se basa en la propia experiencia que como practicante de la pintura, me ha conducido a reconsiderar la memoria como fuente de creación y también como origen de lo que llamamos imaginación. Me referiré en este estudio al pensamiento de Edmund Husserl (1859-1938) y Marcel Proust (1871-1922) para profundizar en los conceptos que son capitales en esta pesquisa, así como también y de forma entrecruzada, citaremos a Henri Bergson (1859-1941) y a la filósofa Marina Garcés (1973-), a quien agradezco la entrada que con sus escritos me ha proporcionado hacia el campo filosófico, en especial a los citados pensadores a través de la publicación de su libro, “Filosofía Inacabada” (2018). Para la construcción de este discurso haré mención de dos proyectos pictóricos personales realizados en los últimos años: “A-cercamientos” (2017-18) y “Gestaciones” (2018-2019). Ambos fueron presentados en los espacios expositivos del Puerto de Tarragona la temporada (2019-20).

Este texto aborda um relato de experiência diante das confrontações vivenciadas no período de isolamento social, ocorridas pela COVID-19. Como metodologia de trabalho, a prática ocorre com experimentações em pinturas a óleo através de reflexões geradas que surgem a partir de imagens recebidas, oriundas via web, através de pessoas que estão em contato direto com a natureza. Esses indivíduos enviam imagens desses espaços para o autor e passam a disparar o processo criativo de novas imagens. Busca-se transpor a experiência paralela à pandemia para um novo olhar, através de estudos de cores.