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Il existe peu d’opéras ou de tragédies traitant du mythe d’Orphée en France à l’époque classique. Les deux oeuvres étudiées (Orphée de Louis Lully et Michel Du Boullay, Orphée de François-Joseph de Lagrange-Chancel) s’inscrivent résolument dans le moule du théâtre racinien et font appel aussi aux canons esthétiques en vigueur dans la tragédie lyrique telle que l’a créée Lully. Il s’agit de montrer combien ces deux oeuvres portent un éclairage nouveau sur le mythe en y intégrant une réflexion sur la notion de tragique ainsi que sur le Mal. Il faudra aussi interroger le positionnement par rapport à la tradition, italienne notamment., There are few operas or tragedies dealing with the myth of Orpheus in France during the classical era. The two works studied in this article (Orphée by Louis Lully and Michel Du Boullay, Orphée by François-Joseph de Lagrange-Chancel) belong to the Racinian tragedy’s tradition and use the aesthetic canons of the lyric tragedy as created by Lully. The aim here is to show how these works put the myth into a new perspective by integrating a reflection on the notion of tragic as well as on Evil. Moreover, we will question their position in relation to tradition, especially Italian.

This essay is a critical reflection on the significance of female breasts in the Greek binary system of sex and gender. The study is built on references to breasts in epic poetry, tragedy, and the decorative scenery of Attic pottery. These documentary sources reveal the active role played by women in the Greek funeral rituals, in which women express pain and suffering for the loss of a loved one by means of a lament and body language in which the breasts turned on a special meaning as symbols of gender identity., Cet essai est une réflexion critique sur la signification des seins féminins dans le système binaire grec du sexe et du genre. L'étude est réalisée à partir de références aux seins dans la poésie épique et la tragédie, ainsi que de scènes décoratives dans la céramique attique. Ces sources documentaires mettent en lumière le rôle actif féminin dans les rituels funéraires grecs où les femmes expriment la douleur et la souffrance de la perte d’un être cher par des pleurs et un langage corporel où les seins acquièrent une signification particulière comme marque d’identité sexuelle., Este ensayo es una reflexión crítica del significado de los pechos femeninos en el sistema binario sexo-género griego. El estudio se lleva a cabo a partir de las referencias a los senos en la poesía épica y la tragedia, y las escenas decorativas de las cerámicas áticas. Estas fuentes documentales ponen de manifiesto el protagonismo femenino en los rituales funerarios griegos en los cuales las mujeres expresan el dolor y el sufrimiento por la pérdida de una persona querida mediante los lamentos y el lenguaje corporal en el que los pechos adquieren un significado especial como marca de identidad de género., Molas Font Maria Dolors. Senos que alimentan la vida y acompañan en la muerte. Cuerpo y feminidad en la Grecia antigua. In: Dialogues d'histoire ancienne. Supplément n°19, 2019. Visiones sobre la lactancia en la Antigüedad. Permanencias, cambios y rupturas. pp. 95-112.

After a quick study of the rare tragedies that borrow their subject from history, S. Saïd analyzes the complex relationship between tragedy and history in contemporary criticism. After criticising the “ historical method”, illustrated by the works of E. Delebecque, R. Goossens and A. Podlecki, which deal with punctual allusions to political events and their actors, the paper accounts for more recent studies attempting to define more broadly the “ historic moment of tragedy” and highlight a political message allowing, thanks to the distance which the myth creates, for an exploration of the relationships between the elite and the masses, as well as a “ negociation” between their respective fields of interest., Après une étude rapide des rares tragédies qui empruntent leur sujet à l’histoire, S. Saïd propose une analyse des rapports complexes ente la tragédie et l’histoire dans la critique contemporaine. Après une critique de la « méthode historique » illustrée par les travaux d’ E. Delebecque, R. Goossens et A. Podlecki qui s’attachent aux allusions ponctuelles à l’actualité politique et à ses acteurs, elle rend compte des travaux plus récents qui tentent de définir plus largement « le moment historique de la tragédie » et mettent l’accent sur un message politique qui permet, grâce à la distance instaurée par le mythe, une exploration des relations entre l’élite et la masse et une « négociation » entre leurs intérêts respectifs., Saïd Suzanne. La tragédie grecque et l’histoire. In: Dialogues d'histoire ancienne, vol. 45, n°2, 2019. pp. 47-79.

International audience; Contribution to an edited volume published as a special issue of the peer-review journal Kernos (deriving from a conference held in Lyon in 2015). My article focuses on a subject that has been little dealt with until now: the fact that certain hymnic addresses, inserted into various poetic genres (comedy, tragedy, Greek and Latin lyric poetry, epigrams), are dedicated not to gods but to material objects (jugs, musical instruments, tree branches, lamps, etc.). The approach developed is situated at the crossroads of literary, dramaturgical and anthropological studies. I demonstrate that through its own stylistic features, the hymnic speech both acknowledges and confers on the object a capacity for action, which in turn is likely to transform the initial performance of the lyric performer or scenic actor. This investigation then opens up avenues of research at the intersection of poetics and the history of religions: the fluidity of the ontological status of the divine object in these poetic texts echoes ancient religious practices in which statues, relics, or other non-anthropomorphic material objects (stones, posts, or pillars) were honored as possible anchors of the divine presence.; L’article s’intéresse à un sujet jusqu’ici peu traité : le fait que certaines adresses de style hymnique, insérées dans des genres poétiques variés (comédie, poésie lyrique grecque et latine, épigrammes), ont pour dédicataires non pas des dieux mais des objets matériels. L’approche développée se situe au croisement des études littéraires, dramaturgiques et anthropologiques. Je démontre que par ses traits stylistiques propres, la parole hymnique reconnaît et confère tout à la fois à l’objet une capacité d’action, susceptible de transformer à son tour la performance initiale du chanteur ou de l’acteur. Cette enquête ouvre donc des pistes de recherche au croisement de la poétique et de l’histoire des religions : la fluidité du statut ontologique de l’objet divin dans ces textes poétiques fait écho aux pratiques religieuses antiques dans lesquelles les statues, les reliques, ou encore d’autres objets matériels non-anthropomorphes (pierres, poteaux ou piliers), étaient honorés comme points d’ancrage possible de la présence divine.

Dans la première moitié du XVIIe siècle, deux tragédies prennent pour sujet la mort de Marie Stuart, à près de quarante ans d’écart. Antoine de Montchrestien, dans L’Escossaise (1601), et Charles Regnault, dans Marie Stuard (1639), mettent en scène le conflit entre les couronnes d’Angleterre et d’Écosse, à travers la confrontation des deux reines. Pour qu’un tel sujet d’histoire immédiate soit transposé sur la scène tragique française, il fallait y intégrer le motif dramatique qui accompagne l’histoire et l’évolution du genre. La fureur tragique devient ainsi le miroir dans lequel se reflète la chute tragique de Marie Stuart, permettant d’en souligner la pluralité des enjeux : d’abord sa face politique, les Grands restant toujours sur la menace d’une sédition populaire ; ensuite sa dimension passionnelle, les deux reines étant prises dans un conflit personnel où se mêlent rivalité et jalousie ; enfin son caractère hagiographique, puisque Marie Stuart, reine catholique, est célébrée par les auteurs français comme victime innocente du bourreau que devient Élizabeth d’Angleterre. During the first half of the XVIIth century, two tragedies focus on the death of Mary Stuart, nearly 40 years apart. Antoine de Montchrestien’s L’Ecossaise (1601) and Charles Regnault’s Marie Stuard (1639) stage the conflict between the crowns of England and Scotland, through the confrontation of the two queens. This article studies the transposition of a contemporary event into a French corpus of tragedies through the integration, in the writing of both plays, of the dramatic motive that goes together with the story as well as with the genre as it evolved in the XVIth and XVIIth centuries: tragic fury. Fury becomes the mirror in which Mary Stuart’s tragic downfall is reflected, thus bringing to light the three-faceted nature of the issues at stake. They are first political, since the ruling class will always be under the threat of popular uprising. The plays are also about passion, for the two queens are entangled in a personal conflict in which ambition, and political and romantic rivalry are entwined. Lastly, the issues at stake are of a hagiographic nature, as French playwrights celebrated the Catholic Queen as the innocent victim of the executioner that Elizabeth I had become.

Author of various theatre plays, French-speaking writer of Togolese origin Kossi Efoui transfers in his texts, relying on the puppet’s medium, his experience of political exile from his native country and statelessness, as well as search for an identity, in his adoptive country, France. In the texts "Io (tragédie)" (2006) and "En Guise de divertissement" (2013), the basic themes of Efoui’s writings find their best concretization in the staging carried out with puppets. This research has been funded by the European Union’s Horizon 2020 Research and Innovation Programme under Grant Agreement 835193., Auteur de diverses pièces de théâtre, l'écrivain francophone d'origine togolaise Kossi Efoui transfère dans ses textes, en s'appuyant sur le médium de la marionnette, son expérience de l'exil politique de son pays natal, ainsi que de la recherche d'une identité dans son pays d'adoption, la France. Dans les textes « Io (tragédie) » (2006) et En « Guise de divertissement » (2013), les thèmes fondamentaux de l'écriture d'Efoui trouvent leur meilleure concrétisation dans la mise en scène réalisée avec des marionnettes. This research has been funded by the European Union’s Horizon 2020 Research and Innovation Programme under Grant Agreement 835193.

Alors que l’acteur néerlandais Johannes Jelgerhuis (1770–1836) est surtout connu pour son traité sur le jeu de l’acteur Theoretische Lessen (1827), ses écrits privés peu étudiés révèlent l’acteur passionné au-delà de la théorie. Particulièrement détaillé, son manuscrit Toneel Studien de 1811, met en lumière les pensées et les préparatifs de Jelgerhuis relatifs à la création et l’interprétation de six rôles., While Dutch actor Johannes Jelgerhuis (1770–1836) is best known for his acting treatise Theoretische Lessen (1827), his lesser-known private writings reveal the passionate actor behind the theory. Particularly detailed, his manuscript Toneel Studien of 1811, casts light on Jelgerhuis’s thoughts and preparations behind the creation and performance of six roles.

Héritier de l’énergumène sénéquien du théâtre humaniste, le tyran des tragédies de Tristan L’Hermite incarne certaines formes extraordinaires du pouvoir judiciaire moderne. Sa représentation est servie par une dramaturgie du soupçon qui rend sensibles aux spectateurs les effets de la persécution judiciaire. La déchéance du tyran ne donne plus lieu à une déploration exemplaire, mais à une interrogation critique, qui passe parfois, dans Osman, par une héroïsation paradoxale., Heir to the Senecan maniac of humanist theater, the tyrant in the tragedies of Tristan L’Hermite embodies certain extraordinary forms of modern judicial power. His representation is served by a dramaturgy of suspicion which makes the effects of judicial persecution palpable to the spectators. The tyrant’s fall from grace no longer gives rise to exemplary laments, but to a critical investigation, which sometimes, in Osman, entails a paradoxical heroization.

Si la tragédie semble être définie comme un genre non-naturel à la Renaissance, la nature peut avoir une certaine importance dans les pièces. Dans Hippolyte de Garnier, Phèdre cherche son modèle d’union dans la nature, tandis qu’Hippolyte, chasseur, refuse la ville et choisit de vivre en forêt. Ces deux rapports à la nature peuvent être interrogés au prisme de textes théoriques de l’époque, de la pièce dans son ensemble ou encore à la lueur du texte politique de Garnier, L’Hymne de la Monarchie., While tragedy seems to be defined as an unnatural genre in the Renaissance, nature may still have some importance in the plays. In Garnier’s Hippolyte, Phèdre seeks her model of union in nature, whereas Hippolyte, as a hunter, rejects the city and chooses to live in the woods. These two ways of relating to nature can be examined through the lens of theoretical texts of the time, of the tragedy as a whole, or even in the light of Garnier's political work, L'Hymne de la Monarchie.

Pendue en 1755 pour crime de complicité dans l’assassinat de son mari, Marie-Catherine Lescombat était l’une des criminelles les plus célèbres de son époque. La tragédie anonyme La Mort de Lescombat peint sa passion adultérine avec Jean-Louis de Mongeot et leur crime qui dépasse les limites de la poétique traditionnelle. Tissue de vers tirés de Corneille, Molière et Quinault, cette pièce est bien plus qu’un simple jeu littéraire : c’est un drame à l’état embryonnaire.

Au xviiie siècle, les discours sur les genres dramatiques convoquent un imaginaire genré, la référence au masculin et au féminin permettant de penser les mutations en cours. S’opposent les promoteurs d’une évolution du système, qui prônent la régénération de formes inopérantes, et les tenants de la tradition, qui font de la référence genrée l’étendard d’une angoisse face à la contestation des grilles d’intelligibilité taxinomiques du monde et des arts, qu’elles soient esthétiques, politiques ou sociales.

Traduction française de l'ouvrage de Giorgio Agamben, "La Follia di Hölderlin. Cronaca di una vita abitante" (Einaudi, 2020)

Un manuscrit de la Tragédie de Jehanne d’Arc, attribuée à Jean Virey (ou à François Berthrand), se trouve à la Bibliothèque nationale de Vienne. Le texte présente des variantes considérables par rapport à l’impression de 1600. Ce manuscrit correspond sans doute à une représentation donnée à Orléans pour les fêtes de la sainte en 1600 ; il témoigne de l’intérêt des jeunes Carl et Joannes Fugger, membres de l’illustre famille, présents alors à Orléans, pour notre théâtre et surtout pour la sainte.

Le troisième volume du Théâtre complet de Pierre Du Ryer, dramaturge contemporain de Pierre Corneille, rassemble ses six tragédies, créées au tournant des années 1640. Cette édition permet au lecteur de découvrir et de goûter un des auteurs majeurs de la modernité classique., The third volume of the Théâtre complet of Pierre Du Ryer, a dramatist contemporary with Pierre Corneille, comprises his six tragedies, written in the early 1640s. This edition allows the reader to discover and experience one of the major authors of classical modernity.

Les années 1792 et 1793 coïncident avec l’écriture par Marie-Joseph Chénier d’une tragédie romaine, Caius Gracchus, puis d’une tragédie grecque, Timoléon. Les vicissitudes de la réception des deux pièces reflètent les incertitudes et les tâtonnements de la trajectoire politique du dramaturge au milieu de ces profondes mutations. Et la matière antique est propice à une mise en abyme riche d’enseignements de la parole publique et du dispositif oratoire.

Cet article examine, à travers les critiques du Journal des théâtres, les techniques expérimentées par les acteurs dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, destinées à marquer le trouble et l’éclatement des émotions. Les acteurs privilégient l’interruption du discours, l’ajout de mots ou de sons, de même que le bégaiement pour rendre le débit saccadé. Enfin, l’art de la dissonance vocale relève d’un ensemble de techniques telles que le gémissement, le cri ou la diction discordante., This article examine through the lens of the Journal des théâtres and its critiques, the different techniques experimented with by actors in the second half of the eighteenth century, designed to mark the disorder and outburst of emotions. It shows that actors favoured the interruption of speech, the addition of words or sounds, and stammering to make the flow jerky. Finally, dissonance involved a range of techniques such as moaning, shouting or discordant diction.

Étéocle, tragédie de Legouvé (1799), présente une réflexion sur le contexte socio-politique d’une République finissante déchirée par ses luttes intestines. La possibilité d’une lecture actualisée de l’épisode des Labdacides s’impose d’autant plus que le dramaturge, à la différence d’autres auteurs, se concentre sur la lutte fratricide en éliminant éléments et personnages secondaires pour esquisser un « tableau effrayant » amenant une « catastrophe qui surpasse les horreurs communes ».

Aben-Saïd de Le Blanc offre un exemple des liens entre utopie et espace théâtral au XVIIIe siècle. La compréhension du travail dramaturgique sur l’espace à partir des travaux de P. Frantz révèle la coïncidence de deux espaces (l’un littéraire et fictif sur la scène, l’autre matériel et sensible dans la salle) et une oscillation dans les représentations des systèmes de gouvernement asiatiques, entre une terre archaïque immuable et l’horizon d’un monde utopique instable ou en révolution.

L’année 1843 marque un tournant dans l’histoire du théâtre français, que Nerval analyse dans sa critique dramatique des années 1844-1846. Le retour de la tragédie y apparaît moins comme une véritable « réaction » que comme le signe l’incapacité du théâtre à produire des formes dramatiques adaptées à son époque. La « réaction » est selon lui un symptôme de l’échec romantique, qui n’est pas parvenu à substituer au théâtre d’Ancien Régime un théâtre moderne., The year 1843 is a turning point in the French theatre’s history, that Nerval considers in his dramatic critic of the years 1844-1846. The tragedy’s return appears to be less a true reaction than a sign of the inability of the theatre to produce dramatic forms adapted to its times. To Nerval, the reaction is the symptom of the romanticist failure, which hasn’t managed to replace the Old Regime theatre by a modern theatre.

L’article analyse l’anagnorisis dans Mérope de Voltaire. La reconnaissance entre personnages est l’aboutissement d'un tropisme renvoyant aux affections familiales. Cependant la voix du sang ne se réduit pas à une donnée purement sentimentale. Ses conséquences font balancer le héros entre une identité ancestrale et une identité affective. Ainsi l’anagnorisis dans Mérope résume parfaitement la « contradiction » fondamentale de la dramaturgie voltairienne, suspendue entre tragédie et mélodrame.

Cet article interroge les enjeux politiques de trois tragédies de Tristan L'Hermite (La Mariane, La Mort de Sénèque et Osman) à partir d'une lecture des dédicaces. Il s'agit de saisir en quoi l'esthétique de la noirceur proposée par Tristan constitue une prise de position dans le processus polémique et politique d'institution du théâtre.

Le scandale esthétique et moral suscité à la fin du xixe siècle par Une Maison de poupée a inspiré de multiples réécritures et suites, ici réunis, illustrant sur un mode sérieux, parodique ou polémique, les réponses des contemporains à cette question : peut-on, et faut-il, réparer la pièce d’Ibsen ?, The aesthetic and moral stir caused by A Doll’s House at the end of the nineteenth century inspired many rewrites and sequels, which have been gathered here, illustrating in a serious, parodic, or polemical way how his contemporaries answered this question: Can we—and must we—fix Ibsen’s play?

Pour réconcilier le Voltaire tragédien avec le défenseur des Calas – deux figures que les Lumières elles-mêmes et la postérité ont opposées –, pourquoi ne pas les réunir au sein d’une pièce, certes fictive, mais au potentiel méthodologique intéressant ? Imaginer la tragédie des Calas que Voltaire aurait pu écrire pour en faire une idée régulatrice qui puisse éclairer les liens entre l’épistolier et le dramaturge, et interroger les choix esthétiques du tragédien dans la décennie cruciale de 1760.

Comment penser l’Histoire lorsqu’on vient de traverser des années de trouble intense, de guerre civile et de violence ? Cet article envisage cette question à partir d’une pièce de théâtre postérieure aux guerres de religion, L’Embryon romain, de Bernier de La Brousse (1618). Il analyse la manière dont on peut figurer les temps présents en recourant aux références et aux exempla des temps passés, antiques de préférence, en l’occurrence le meurtre fratricide de Rémus par Romulus.

L’article propose une étude de la portée politique de la pièce. Celle-ci s’exprime à travers un télescopage temporel qui fait de la ville pré-chrétienne une préfiguration de l’Espagne catholique. La résistance héroïque de la Numance celtique prépare et annonce la destinée impériale de la Monarchie hispanique : sa chute et sa mort (comparable à la passion du Christ et des martyrs chrétiens) rendent possible l’apothéose de l’Espagne de Philippe II.

En 1941, Roland Barthes soutient son diplôme d’études supérieures à la Sorbonne sous la direction de Paul Mazon. Le mémoire qui porte sur les évocations et incantations dans la tragédie grecque analyse les passages où les hommes grâce au chant appellent les dieux et les morts à se manifester. Inédit jusqu’à ce jour, cet opus de jeunesse dialogue désormais avec la totalité de l’œuvre de Barthes dont il révèle à la fois les permanences et les métamorphoses., In 1941, Roland Barthes defended his Diplôme d’études supérieures at the Sorbonne University under the direction of Paul Mazon. The dissertation on evocations and incantations in Greek tragedy analyzes the passages where men through song call the gods and the dead to manifest themselves.

Through comparative exploration of metadramatic elements, this article proposes a reading of Philip Massinger’s _The Roman Actor_ (pub. 1629) in the light of _Le véritable Saint Genest_, by Jean de Rotrou (1644). Rotrou’s hagiographic drama intertextually exposes Massinger’s revenge tragedy as a parallel study of an actor’s martyrdom under imperial Roman tyranny but conspicuously lacking the supplement of Christian grace. The preeminence of grace in Rotrou reflects his hagiographic sources, including a treatise by Jean Baudoin which itself recalls _The Roman Actor_s evocation of the notion of _theatrum mundi_., A travers une exploration comparative des éléments méta-théâtraux, cet article propose un lecture de _The Roman Actor_ de Philip Massinger (pub. 1629) à la lumière de _Le véritable Saint Genest_ de Jean de Rotrou (1644). Du point de vue intertextuel, la tragédie hagiographique de Rotrou expose la tragédie de vengeance de Massinger comme étant une étude parallèle du martyre d'un comédien sous la tyrannie romaine impériale mais où le supplément de la grâce chrétienne manque de façon notable. Le rôle essentiel de la grâce chez Rotrou reflète ses sources hagiographiques, y compris un traité de Jean Baudoin qui rappelle lui-même l'évocation dans _The Roman Actor_ de la notion de _theatrum mundi_.

Introduktion og oversættelse af Aristoteles' De poetica

traduction de l'ouvrage de Giorgio Agamben, La Follia di Hölderlin. Cronaca di una vita abitante; International audience; Traduction française de l'ouvrage de Giorgio Agamben, "La Follia di Hölderlin. Cronaca di una vita abitante" (Einaudi, 2020)

International audience

L’Enfant rêvé, anthologie de pièces de théâtre destinées à la jeunesse composées et jouées durant le xviiie siècle, éclaire la révolution qui s’opère autour de la figure enfantine et adolescente, ses relations avec le monde, ses apprentissages dans un siècle passionné par la pédagogie., L’Enfant rêvé, an anthology of plays for young people written and performed in the eighteenth century, sheds light on the revolution that was taking place at the time around the juvenile and adolescent figure, its relationship with the world, and its learning process in a century passionate about pedagogy.

L’avènement de la parole délibérante dans les assemblées de la Révolution fut porteur d’une ambivalence difficile à appréhender : l’éloquence politique offre-t-elle une alternative aux discordes civiles – Cedant arma togae, écrivait Cicéron – ou bien ne fait-elle que les attiser ? La parole est une arme : ce topos circule dans une bonne partie de la littérature. L’examen de la question met ici à contribution quelques acteurs de l’événement, comme le constituant Adrien Duquesnoy, le Montagnard Lequinio.

L’« avertissement » de La Mariane n’est pas retenu comme un texte important dans la pensée du théâtre. C’est pourtant l’énoncé d’un projet littéraire, et qui prend tout son sens si on le resitue dans le contexte de la « renaissance de la tragédie » du milieu des années 1630. Tristan L’Hermite reprend la vieille idée de la juste représentation des caractères pour proposer un nouvel idéal à la tragédie, celui du naturel., The “foreword” to La Mariane is not remembered as an important text in reflections on the theater. Yet it sets out a literary project, which becomes meaningful if we put it in the context of the “rebirth of tragedy” of the mid-1630s. Tristan L’Hermite takes up the old idea of the proper representation of characters to propose a new ideal for tragedy, that of the natural.

Après l’âge de l’éloquence, puis le temps de son histoire, l’ère des médias revendique ce nom : l’éloquence est devenue la marque déposée d’un produit haut de gamme offrant bien plus que la communication. Dans le contexte des menaces contre la démocratie, l’éloquence ne saurait donc faire son retour dans l’enseignement sans s’accompagner d’une réflexion civique : voilà pourquoi l’ethos doit y occuper une position centrale. Sans doute est-ce la raison de la vivacité du concept en sciences humaines et sociales. Mais pour le grand public, les formateurs, les enseignants, cette transversalité ne peut manquer d’être un facteur aggravant de complexité. Comment définir l’ethos et tirer parti des apports de ces disciplines pour en garantir au mieux la transposition didactique ? Quels devoirs implique aujourd’hui ce pouvoir persuasif de l’ethos ? Peut-on concevoir l’ethos sans l’éthique ? Ces enjeux seront dégagés à partir d’Athalie et de la formation rhétorique de Racine. Une mise en perspective du concept en sociologie, rhétorique, et analyse du discours permettra d’aborder les problèmes épistémologiques, anthropologiques, éthiques, afin de proposer une transposition didactique appliquée à Britannicus. After the age of eloquence, then the time of its history, the media age claims this name: eloquence has become the trademark of a high-end product offering much more than communication. In the context of threats against democracy, eloquence cannot therefore make a comeback in education without being accompanied by civic reflection, which is why ethos must occupy a central position. This is undoubtedly the reason for the vivacity of the concept in the humanities and social sciences. But for the general public, for trainers and teachers, this transversality cannot fail to be an aggravating factor of complexity. How can we define ethos and take advantage of the contributions of these disciplines in order to better guarantee their didactic transposition? What duties does this persuasive power of ethos imply today? Is it possible to conceive of ethos without ethics? These issues will be identified from Athalie and from young Racine's rhetorical training. A perspective of the concept in sociology, rhetoric, and discourse analysis will address the epistemological, anthropological, and ethical problems, in order to propose a didactic transposition applied to Britannicus.

The notion of hamartia in Aristotle’s Poetics and his moral writings refers to harmful and yet unintentional acts committed in ignorance. In the Poetics it is considered as an important feature of the best type of tragic plot and the action of many tragic characters, while relevant instances are found in both tragedy and comedy. The aim of this paper is to examine hamartia in Herondas’ mimiambs, a literary genre that draws upon the tradition of genres such as the mime, iambic poetry and drama. It is argued that mimiambs 1 and 5 show an awareness of hamartia’s usages in Aristotle and in dramatic poetry. Yet in Herondas these usages are not fully developed. They contribute instead to the elucidation of specific aspects of the characters who emerge from the mimiambs. This demonstrates Herondas’ concern with ethical norms in a world of everyday experience and his multi-faceted use of earlier philosophical discourse and literary genres. La notion d’hamartia dans la Poétique d’Aristote et ses écrits moraux fait référence à des actes nuisibles et pourtant involontaires commis dans l’ignorance. Dans la Poétique, cette notion est considérée comme une caractéristique importante du meilleur type d’intrigue tragique et de l’action de nombreux personnages tragiques, tandis que des exemples pertinents se trouvent à la fois dans la tragédie et la comédie. L’objectif de cet article est d’examiner l’hamartia dans les Mimiambes d’Hérondas, un genre littéraire qui s’inspire de la tradition de genres tels que le mime, la poésie iambique et le théâtre. On y avance que les Mimiambes 1 et 5 manifestent une conscience des usages d’hamartia chez Aristote et dans la poésie dramatique. Pourtant, chez Hérondas, ces usages ne sont pas très développés. Ils contribuent plutôt à l’élucidation d’aspects spécifiques des personnages qui apparaissent dans les mimiambes. Cela démontre l’intérêt d’Hérondas pour les normes éthiques dans l’expérience quotidienne et son utilisation aux multiples facettes du discours philosophique et des genres littéraires antérieurs. Il concetto di hamartia nella Poetica di Aristotele e nei suoi scritti morali si riferisce ad atti non intenzionali che pure infliggono dolore, commessi in ignoranza. Nella Poetica viene considerate come un tratto significativo del miglior tipo di trama tragica e dell’azione di molti personaggi tragici, e se ne trovano esempi importanti sia in tragedia sia in commedia. Lo scopo di questo articolo è di esaminare questo concetto nei mimiambi di Eroda, un genere letterario che attinge alla tradizione di generi come il mimo, la poesia giambica e il dramma. Si sostiene che i mimiambi 1 e 5 dimostrino consapevolezza di come il concetto è impiegato da Aristotele e nella poesia drammatica. Tuttavia, questi impieghi in Eroda non sono pienamente sviluppati. Piuttosto, essi contribuiscono a mettere in luce tratti specifici dei personaggi che emergono nei mimiambi. Ciò dimostra l’attenzione di Eroda per le norme etiche nel mondo dell’esperienza quotidiana e il suo uso variegato della riflessione filosofica e della tradizione letteraria precedente.