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Durante muitos séculos da história ocidental, a tradição filosófica vem atribuindo aos gênios toda a responsabilidade pela criação artística, compreendendo esta última como um desdobramento necessário e, portanto, inevitável resultante da inspiração transcendental e da personalidade peculiar característica de alguns poucos sujeitos iluminados. Em linhas gerais, os principais expoentes da história da filosofia ocidental, de Platão até Hegel, conceberam o gênio como preceptor daquelas consideradas como sendo as mais belas obras já produzidas pela humanidade. Somente a partir do segundo quartel do século XIX, Marx e Engels romperam radicalmente com esta concepção, compreendendo a arte e o artista, não como singularidades puras manifestas no mundo médium da relação entre o transcendental e o material, mas como sujeitos históricos, fruto e expressão das contradições sociais inerente às sociedades de classes.

Este artigo tem por objetivo refletir sobre o ateliê como lugar/espaço em processos de criação em Artes Visuais, bem como sua relevância na construção intelectual, crítica e reflexiva do artista. Busca-se, assim, possibilidade de compreensão do que seria esse ateliê nas Artes Visuais, sua conceitualização, finalidade e espaço/tempo para a construção de um ser/estar artista em meio ao processo criativo. Nessa perspectiva, propõe-se transitar por ateliês de artistas, em especial, o ateliê de William Kentridge, onde se aponta para a presença dos objetos inseridos neste contexto, investigando a cadeira como possível impulsionadora nos processos cognitivos de criação. Como desdobramento para este estudo, pretende-se também investigar os conceitos de espaço e lugar, assim como a dialética entre a poética e a estética nos processos de criação, ancorando-se nos estudos de René Passeron (1997) e Luigi Pareyson (2001), que neste momento somente serão adotados para elucidar o início da pesquisa.

O principal objetivo desse estudo foi analisar o efeito da marca do evento no comportamento do consumidor de eventos musicais. Para isso foi realizado um experimento com 217 indivíduos, e constatado que uma marca reconhecida aumenta a intenção de compra do ingresso e a percepção de qualidade do evento. A marca reconhecida foi mais bem avaliada quando contou com artista-celebridade de alta congruência com o evento, tanto para intenção de compra do ingresso como percepção de qualidade. A marca não reconhecida foi mais bem avaliada apenas em relação à percepção de qualidade do evento quando contou com artista-celebridade de alta congruência com o evento.

The Tomb of Julius II. Glory DeniedThis article analyzes the history of Michelangelo Buonarroti’s Tomb of Julius II from the unusual point of view of the artist, rather than from the perspective of the difficulties entailed in its creation, making use of the topic’s abundant documentary tradition. Commissioned by Pope della Rovere in 1505 with the aim of creating a mausoleum in the style of antiquity, work was interrupted at the behest of della Rovere himself shortly after it began. Upon the death of the pope, work was recommenced by his heirs in 1513 and continued until 1545. After this, the popes of the sixteenth century either did their best to slow down the work or went as far as to hinder its execution, with the notable exception of Adrian VI. Both the two Medici popes − Leo X and Clement VII − and Paul III Farnese, wishing to link their names with that of Michelangelo, commissioned him to undertake great tasks: the Medici Tombs, the Last Judgement and the Cappella Paolina. These popes viewed the realization of their own commissions as more important than work on the monument to Julius II; in fact, they prevented Michelangelo from fulfilling his contractual commitments with the della Rovere by issuing special papal briefs, albeit in agreement with Michelangelo. The fate of the monument of Julius II unequivocally testifies to Michelangelo’s standing and exceptional achievement: the artist was already revered as a great master by his contemporaries and attracted patrons who swarmed around him, wishing their own glory to be celebrated only by his art. This was not only true for the Medici and Farnese popes but also for the della Rovere, who would not abandon their mission of having the monument executed by Michelangelo, to the point where they would rather wait decades for him than see it completed by any other artist. This story of the monument, which is itself the protagonist, reflects the Renaissance as a whole − in the broadest sense of the political, social and cultural development of the entire era − with all the contrast of its lights and shadows.

A partir da descrição da trajetória de retratistas com formação em artes plásticas que trabalham nas ruas do Rio de Janeiro, este artigo discute a constituição da condição de artista por atores sociais das classes populares. São trazidos para a análise vínculos entre espaços sociais apartados - de um lado, aquele onde esses artistas tiveram sua formação artística e para onde gostariam de estar produzindo sua arte e, de outro, aquele em que interagem com outros retratistas que consideram desqualificados e com quem disputam clientela e espaço de trabalho. A disseminação e a diversidade de configurações que práticas artísticas assumem e a maneira por vezes tensa por meio da qual convivem indicam os limites da compreensão da experiência desses artistas plásticos a partir exclusivamente das suas impossibilidades de inserção no chamado campo artístico. O artigo enfatiza como concepções de arte e de artista que operam em processos muito restritivos de formação de artistas plásticos incidem extensivamente nas formas pelas quais, em diferentes contextos, artistas das classes populares se especificam e a arte é avaliada. Essas concepções também trespassam o significado que atribuem à venda de seus produtos e à sua relação com clientes, e o modo como aferem a capacidade de os clientes compreenderem a sua arte.

El tema central de su obra exalta la importancia de los paisajes del Departamento de Nariño que renuevan el alma y alimentan el espíritu.

Within circuits of dissemination, visibility and legitimacy of art that were structured in Argentina, there has been a trend by which metropolitan cities like Buenos Aires have condensed exhibition and marketing spaces with more recognition in this field, thus becoming a privileged center for legitimizing cultural productions and producers. However, the installation of cultural centers in different localities of the Buenos Aires province has generated changes in this distribution dynamics by including spaces that were previously marginalized in the art map. Through a case study, I analyze the changes brought about in the cultural context of Las Flores, a city in the province of Buenos Aires, with the emergence of "La Despensa Cultural", an independent cultural center promoting the achievements of artists who live in the town. The article aims to examine if the installation of this space created new opportunities locally for the artistic and professional development of artists who lived there. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este ensaio, de cunho filosófico e programático, discorre sobre as significações da arte no contexto de sua exibição e suas implicações pedagógicas. Por contexto de exibição compreende-se os espaços institucionais e não institucionais que abrigam e expõem a produção dita de arte, tais como: os museus e as galerias de arte. O texto discute o caráter politico e pedagógico, como também ideológico da arte e das instituições museais ao analisar as injunções dessas instituições face às suas representações sociais e ao mercado de arte. Com isso, busca demonstrar de que maneira os discursos que sacralizam a arte, o artista e o espaço de exibição das obras de arte minimizam ou mesmo restringem o acesso à experiência da e com a arte; procura problematizar os meandros de uma relação de poder estabelecida entre público e obra no âmbito de exposição. Esta investigação tem, ademais, o propósito de descortinar as "promessas benfazejas da arte e de suas instituições de exposição" que grassam no âmbito do ensino de arte, tornando-o, não raro, mecanismo de reprodução da cultura dominante. Analisa, em suma, como a esfera da arte normatiza não apenas a produção da arte, como também estabelece os critérios de seleção das obras e do público. A investigação se ampara pelas contribuições de Paul Valéry, Theodor Adorno, Pierre Bourdieu, Bruno Deloche, Roger L. Taylor, Nildo Viana e Marilia Xavier Cury.

El police procedural se caracteriza por colocar en el centro de la trama el accionar de la policía, que pacientemente investiga uno o varios crímenes hasta atrapar a los culpables. Estos films son, por tanto, un panegírico del trabajo policial, del sacrificio del funcionario público por el bien social. Pero a la vez tienen por tema principal la búsqueda de la verdad. En el cine argentino, el director Don Napy es considerado el realizador de las mejores películas de este género. Nos proponemos mostrar que la investigación de la realidad es concebida allí como desmantelamiento de los engaños del crimen, de la puesta en escena de las ficciones delictivas. La indagación es así una empresa colectiva que persigue la verdad y curar el cuerpo social. La policía actúa como médico de la sociedad, que debe eliminar o corregir las anomalías de la individualidad excesiva y perversa, así como combatir a los otros organismos complejos que atentan contra la salud social –organizaciones criminales–. Así, estas películas policiales coadyuvan a la construcción simbólica del Estado peronista.

Pascal Gielen discusses the current moment when everything must be creative. The neoliberal society have developed the fetish of the individual undertaking. Often, we don’t realize the political and artistic implications of the agreement with this logic.

A estética de Nietzsche pode ser caracterizada como estética da expressividade. É através da expressividade do conjunto de seus escritos que ele constrói a imagem do filósofo-artista. O caminho que vai do filósofo ao filósofo-artista é construído com a aniquilação dos conceitos clássicos da estética e o confronto produtivo do mundo pessoal do filósofo e da arte, apresentados como a criação de novos valores. Para Nietzsche, a criatividade filosófica está a serviço da expressão do seu pensamento enquanto obra de arte e o seu ponto de partida e de chegada é a vida. Partindo dessa concepção de estética e de criatividade, é possível compreender melhor a crítica endereçada à obra de Wagner.

Julián Bonequi es un artista mexicano que imparte docencia en escuelas artísticas de Barcelona y Valencia. Su obra es muy variada, realizando ilustraciones, pinturas, videos y composición musical. Ha colaborado en numerosos proyectos, como es el caso del diseño de personajes, modelado, blend shapes, y animación de mandalas.

En el presente artículo se analizan tres episodios de la novela Un Año. Primero se estudian las restricciones del artista en la sociedad colonial y la forma como resiste frente al poder. Luego se revela la uniformidad de la sociedad premoderna y la manera como se desarticula esta homogeneidad. Por último, se propone una verdadera poética del proceso creativo, la cual se inserta en la discusión sobre el papel y función del arte en la época.This is an essay that focuses on three episodes of the novel Un Año. It begins by analyzing the restrictions of the artist in colonial society, and how he is able to endure in the face of power. It goes on to unveil the uniformity of pre-modern society, pausing to discuss ways in which such homogeneity can be disarticulated. Finally, this work proposes what really amounts to a poetics of the creative process, which is an intrinsic part of the discussion about the role and function of art during those times.

En el mismo año en que se publicaba póstumamente el así llamado “último gran tratado moderno de la disciplina estética”, la Teoría Estética de T. W. Adorno, un joven Giorgio Agamben escribía su contribución, marginal pero decisiva, a un debate muy presente en la filosofía italiana por esos días. Se trata del debate en torno a las relaciones entre el destino nihilista de la metafísica occidental, la estética y la política del que se ocupan entre otros el “pensiero debole” de Gianni Vattimo y el “pensiero negativo” de Massimo Cacciari. Este trabajo tiene como objetivo general analizar las tesis del primer libro de Agamben, L’uomo senza contenuto, en cuanto intento por comprender el proyecto estético de Occidente. Allí se afirma que el ingreso del arte en la dimensión estética con la Modernidad responde al desplazamiento de una consideración de la capacidad pro-ductiva humana (la “inquietante” téchne que permite al hombre llevar una cosa del no-ser al ser) hacia una mirada centrada en el punto de vista del espectador que puede apreciar “desinteresadamente” la belleza. Pero este proceso, lejos de ser natural, evidencia una crisis del “hacer” humano en general. Si con Aristóteles podía distinguirse entre póiesis (un hacer aparecer o un traer a la presencia como forma de un saber) y praxis (un realizar producto de la voluntad, entendida como apetito, como forma de un actuar), en la Modernidad asistimos al solapamiento de la esfera poiética por la de la praxis y a una progresiva reducción de toda actividad productiva al trabajo que, por reducir al hombre a su desnuda vida biológica, es la dimensión más baja de la vida activa. Teniendo en cuenta este diagnóstico agambeniano, me propongo pensar aquí el lugar central que tendría la estética como disciplina filosófica privilegiada para preguntar por las posibilidades actuales de una nueva póiesis y con ella de una “vita nova” para el hombre.

O artigo confronta os itinerários de formação artística e profissional de Lasar Segall e Xul Solar no exterior, com ênfase nas vicissitudes de sua história social, nos modelos de aprendizagem artística na Europa e nas respostas estéticas reconhecíveis em sua produção plástica após a fixação de ambos nos mercados de arte, respectivamente, no Brasil e na Argentina.The article compares and contrasts the artistic and professional formations of Laser Segall and Xul Solar abroad, with emphasis on the vicissitudes of their social histories, models of artistic learning in Europe and the aesthetic responses discernable in their output after establishing themselves in their respective art markets in Brazil and Argentina.

El trabajo tiene como finalidad realizar un estudio de derecho comparado entre los países de Iberoamérica, que permita determinar la existencia de regímenes integrados para la protección de los artistas intérpretes o ejecutantes. Se llevó a cabo a través de un análisis al sujeto y objeto del derecho y de las diversas facultades otorgadas a los artistas intérpretes o ejecutantes sobre su interpretación o ejecución, contempladas en los instrumentos del derecho, a saber: a través de las distintas leyes en donde se hace referencia a los mismos. La conclusión a la que se llegó es que en la región iberoamericana se protege de forma integral al artista intérprete o ejecutante.

En este trabajo pretendemos reflexionar sobre un aspecto del arte que se está perdiendo: su espiritualidad. No toda obra de arte debe tener algo de espiritualidad, pero sí que debe tener al menos un alcance trascendente. Por otro lado, hablamos también de la importancia de la inspiración, de la vuelta al hogar, de la relación entre artista y filósofo, etc.In this work we try to think about an aspect of the art that is getting lost: his spirituality. Not any work of art must have something of spirituality, but yes that must have at least a transcendent scope. On the other hand we speak also about the importance of the inspiration, about the return to the home, about the relation between artist and philosopher, etc.

Qualquer valor de mercado resulta de uma construção social. Por maioria de razão, esse é o caso do valor de uma obra de arte: uma vez que a percepção de qualidade do objecto, enquanto determinante do seu valor de uso, não é imediatamente objectivável através de propriedades tangíveis, é necessário que um conjunto significativo de actores sociais certifiquem e atribuam valor à obra. Através da análise exploratória dos discursos de várias categorias de actores envolvidos, das posições por estes ocupadas e dos valores orientadores das suas acções neste processo, é possível apreender que atributos são necessários para que uma obra ou um artista adquiram estatuto de mercado e lhes seja atribuído um determinado valor, e por que processos esses atributos são construídos. Abordando o mercado como uma hierarquia de valores e de estatutos de produtores, enfatiza-se a compreensão dos valores intersubjectivos invocados pelos actores em jogo na arte contemporânea, e de que forma estes valores orientam as suas acções e representações.

El presente artículo plantea una reflexión personal como sujeto creador que se dedica a la producción y a la enseñanza del arte. Una mirada despierta a la educación artística recibida.

Todos recordamos la asociación que hace Benjamin entre la ficción de Kafka y el mundo primordial de las hetairas. Las fuentes para esas consideraciones benjaminianas respecto de la proto-historia remontan a los estudios de uno de los participantes en el congreso de filosofía de Mendoza, Ludwig Klages (Von Kosmogonischen Eros, 1922), y además a los escritos de Johann Jakob Bachofen (1815-1887), autor sobre el cual Benjamin llegó a escribir un pequeño estudio, en francés, en 1934, donde lo parangona a Aby Warburg, como ejemplo del teórico grand seigneur, a la manera de Aloïs Riegl, por su rescate de lo bizarro, y a su complemento, el anarquista Elisée Reclus, por su teoría omnicomprensiva de espacios y tiempo

A garatuja parte de esquemas procedimentais e cognitivos diversos da imagem abstrata. Configura-se como peça pré-simbólica em um momento em que o desenhista já está de posse da função simbólica. Estes aspectos elucidam sobremaneira a didática da arte que observa a produção da infância com fonte de alimentação na arte adulta.Children's scribbles start from several cognitive and procedural schemes of abstract images. It constitutes a pre-symbolic piece at a moment in which the drawer already dominates the symbolic function. These aspects tell us a great deal about the didactic of art that observes childhood production with food source in adult art.

El Romanticismo, como periodo histórico, nos aporta conceptualmente muchos de los valores del Arte Moderno y del Arte Contemporáneo. Atendiendo a su motor generatriz, los sentimientos, y entendido como una reacción a la prepotencia racional de su tiempo, el Romanticismo debe ser observado, entre otros muchos aspectos, en su afinidad a los principios y a los valores, en numerosos ámbitos y áreas de conocimiento, de una gran cantidad de creadores actuales. Sus principios definitorios hoy no pierden vigencia porque nos invitan a entender el arte y la creatividad como un cuestionamiento reaccionario frente a modelos y a estereotipos diseñados desde intereses, en absoluto, acordes a las cualidades del sentir.

Reseña del libro de Larry Shiner, La invención del arte. Una historia cultural, Paidós, Barcelona/Buenos Aires/México, 2010, 476 pp.

Este trabajo pretende reflexionar acerca de los dispositivos usados por los realizadores audiovisuales en la construcción del indígena en sus relatos fílmicos. Para ello se analizó la película Archipiélago, del cineasta Pablo Perelman, donde encontramos el mecanismo de la transfiguración de la imagen como herramienta fílmica de construcción visual. En Archipiélago se muestra una escena que recrea una antigua película filmada por el sacerdote Alberto María De Agostini. La recreación de estas imágenes, no constituye en sí una transfiguración, sino en el hecho de que ellas se encadenan en una trama fílmica cumpliendo una función en el relato. Las conclusiones obtenidas a partir de la aplicación del modelo desarrollado por Gombrich, que incluye al artista, su obra y el espectador, develaron los elementos que intervienen en la construcción de la imagen indígena transfigurándola en su sentido y formaThis work seeks to reflect on the tools used by the filmmakers when constructing the aboriginal in their film stories. For this purpose, the film Archipiélago, by the cinematographer Pablo Perelman, was analyzed, in which we find the mechanism of the image transfiguration as a film tool for visual construction. In Archipiélago a scene is shown that recreates an old film, made by the priest Alberto María De Agostini. The recreation of these images does not constitute a transfiguration in itself, but it does in the sense that they are linked in a film plot that fulfils a function in the story. The conclusions drawn from the application of the model developed by Gombrich, which includes the artist, their work and the spectator, revealed the elements that intervene in the construction of the aboriginal image, transfiguring it in its sense and form.

This study aims to carry out the study for the realization of the Artist's House project - support of country music center in Presidente Prudente - SP. The project has the intention to house all the stages that an artist needs. These steps are: instrument or vocal teaching, body development , music production, CD and / or DVD. The project also has an area for lodging, recreation and green. The study aims to discuss and identify the musical center that achieves the growth of the student / artist from the school until the end of the musical product. Moreover, the interaction between renowned artists and students. The acoustics are based , since it is primarily a music studio. The relevance of this study is the absence of such a project at the national level for this bibliographic and electronic resources were used in addition to technical visit. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

We propose to address in this article the movie El artista (2009) and the book El artista (2010) as mutations of the same participative artistic practice which creates thresholds between different disciplines. These affect them at different levels until they are submitted to a sort of authorial indetermination, allowing them to create small and imperceptible cracks on the classification device of the cultural market they subscribe to while anticipating the end of its hegemony over art. [ABSTRACT FROM AUTHOR]