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Los juegos del hambre es una de las sagas cinematográficas más conocidas y rentables de los últimos años. Se trata de un producto abiertamente intertextual que mezcla hábilmente la tradición de la ciencia ficción distópica con los tópicos de las novelas románticas para adolescentes. Su éxito ha generado atención por parte de la academia, que lleva tiempo examinando sus constantes narrativas, su universo visual y también su propuesta política. En este último terreno se ha destacado mucho el papel de Katniss Everdeen como heroína y, como consecuencia de ello, se ha analizado también el valor de la rebelión llevada a cabo contra el orden político totalitario expuesto en este universo distópico. El objetivo del presente artículo es examinar el sentido y significado de dicho gesto de rebeldía y analizar las conexiones que mantiene con el populismo político. Destacaremos la profunda ambigüedad de la propuesta política inserta en Los juegos del hambre, el papel jugado por una heroína mesiánica como Katniss y nos preguntaremos por el verdadero sentido de su mediática revolución.

El ensayo intenta pensar la serie de fotografías que conforman la obra Los coros menores (2010-2011) del artista chileno-alemán Demian Schopf. En términos metodológicos, la investigación toma como claves de lectura las nociones de carnaval, distopía y revolución. Primero se analiza la obra en relación con los elementos que configuran el Carnaval de la Edad Media: permisividad, exceso, travestismo e inversión; para luego pensar su trama con el Carnaval latinoamericano de Oruro (de donde provienen algunos de los personajes de las fotografías) y determinar la especificidad de la “fiesta” que tendría lugar en Los coros menores. Como segundo paso, se aborda la obra respecto a la noción convencional de distopía, con el objeto de reconocer los elementos que en ella permiten entenderla como una proyección distópica. Por último, ambos caminos convergen en un tercero que es el de la inteligencia de la obra como el símbolo de una Revolución devastadora que estaría ocurriendo en el mundo actual. Este desarrollo permite, finalmente, que el ensayo tome una posición distinta frente a las lecturas precedentes que se han hecho de la obra.

L’articolo si concentra, da una prospettiva che si avvale dello strumentario terminologico e teorico dell’ecologia dei media, su alcuni testi di finzione – Generation A di Douglas Coupland e The Raw Shark Texts di Steven Hall – in cui viene trattato il tema della possibile estinzione o sopravvivenza del letterario in una chiave di lettura che potremmo definire ecodistopica. In un periodo caratterizzato da cambiamenti climatici e disastri ambientali, anche questi testi esprimono preoccupazioni profonde riguardo all’ambiente narrativo – radicalmente modificato dal digitale – attingendo a piene mani al campo metaforico della sostenibilità, dello sfruttamento ed esaurimento delle risorse e dell’evoluzione e rigenerazione delle forme, con un focus particolare sull’elemento acquatico.

La ficción distópica es un género discursivo conformado por productos culturales (textos literarios, películas, series) orientados a producir un tipo particular de efectos de sentido en el lector modelo: idealmente, al consumirlos, los lectores serán capaces de realizar una evaluación crítica de sus circunstancias sociopolíticas. Por lo tanto, la ficción distópica, que es un discurso ficcional, pretende ser motor del cambio sociopolítico mediante la intervención en la esfera discursiva de lo no ficcional. Este artículo se aproxima al género de la ficción distópica en literatura desde una perspectiva semiótica. Específicamente, estudia el tipo de imaginación y de construcción de mundos posibles que lo definen. La tesis que presenta es que la ficción distópica se caracteriza por una construcción de futuros que son plausibles, esto es, que tienen un anclaje en la realidad tal cual es y que, por lo tanto, son viables, a diferencia de lo que ocurre en la ciencia ficción

El artículo propone una lectura de la novela Tóquio de Daniel Galera, en la que se narra, en un contexto postapocalíptico, la historia de un hombre que ha recibido la mente de su madre en un aparato de almacenamiento digital; la disyuntiva de dicho hombre es dilucidar si aquello que se encuentra almacenado allí es realmente su madre o apenas una simulación. Sobre esta base, se busca desarrollar dos objetivos: el primero, analizar las peculiaridades de esta distopía y su relación con el capitalismo; el segundo, establecer la naturaleza de las relaciones que humanos y posthumanos (en este caso, entidades cibernéticas) desarrollan en ese contexto de crisis.

Mugre Rosa de Fernanda Trías narra la historia de una mujer que debe enfrentarse a la destrucción de todo lo conocido ante la irrupción de una epidemia contemporánea. Es, en ese sentido, una novela distópica que pronostica el fin de la ciudad moderna por cuenta del sobre consumo. Las oleadas de una gran bruma tóxica dejan al descubierto la fragilidad de una sociedad en la que no existe la noción de comunidad. En el centro de la crisis sanitaria está el hambre como manifestación del vacío en tanto revés de la promesa neoliberal.

La trilogía de Pinedo nos presenta diferentes escenarios postapocalípticos en los que, sin embargo, persiste alguna forma de cultura. Esta aparece representada de forma predominantemente negativa: como represión (principalmente de instintos sexuales); fuente de deberes y culpas que agobian a los sujetos y los hacen infelices; dispositivo ideológico que, por una parte, produce sujetos obedientes y, por otra, un enemigo considerado “bárbaro” o “indecente”. Frente “al malestar en la cultura”, los personajes protagónicos de la trilogía asumen distintas salidas: la transgresión, la fuga hacia la locura y la asunción total de la ley.

En este artículo se analizan tres novelas latinoamericanas distópicas escritas en la primera década del siglo XXI —Ygdrasil (2005) y Synco (2008) del chileno Jorge Baradit e Iris (2014) del boliviano Edmundo Paz Soldán— para mostrar cómo ellas representan el capitalismo —según las formas bio o necropolíticas, gore o farmacopornográficas que este adquiere en el presente—, como un orden cerrado, sin que se vislumbren en los textos posibilidades de exterioridad respecto al sistema.

¿Cómo es posible saber si una utopía se está convirtiendo en una distopía? Una forma es a través del lenguaje, cuando el lenguaje oficial, el de las normativas, las políticas, las metas, sirven también para reeducar y someter a los sujetos en un sistema de poder, deja de ser una utopía. El lenguaje se presenta como un instrumento o símbolo de control y coerción, el cual tiene el poder para señalar, tiene el poder de influenciar la realidad (Moreno Trujillo, 2016). Este ensayo es una referencia hacia la contradicción distópica de la estrategia denominada Atención Primaria de Salud (APS), de los pioneros que la establecieron, de las instituciones formadoras de recursos, de las instituciones prestadoras de servicios, y de las mujeres y hombres que escogen la medicina como profesión. La narrativa y las ilusiones de dos mujeres médicas, se convierte en el hilo conductor que permite el análisis del desarrollo de este discurso, de este lenguaje. Para esto se comparte las historias de vida y de lucha, de dos médicas de familia.

This study deals with three science fiction novels published in the Romanian interwar period, using concepts and theories from the field of posthumanism. My approach will consist of three interconnected but equally important steps. In the first place, these novels are part of a larger cluster of 20th-century art that thematizes technological development and the ‘crisis’ of modern man. Their importance also arises from the need to expand our understanding of world literature beyond the phenomenon of translation and the national canon. In addition, I will examine how posthuman configurations activate different reactions to the dominant ideologies of the age (modern machinism, feminism, species expansion, etc.). A second step will entail reconstructing the scientific, ideological, social and artistic contexts that made the articulation of the three novels. Last but not least, in the background of my study, I will lead a demonstration of the incompatibility between posthumanist ideology and the interwar science fiction novel, which rather features a posthuman imaginary without posthumanism. This result invalidates Simona Micali’s thesis that considers any SF product as a critique of anthropocentrism. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This paper shows the utopian vocation of the Concheros dancers, as well as the role of aesthetics as the distinctive strategy of persuasion and transmission of its proposal. Special emphasis is placed on the renewal and adaptation of its discourse and on the dystopian responses it generates. The Concheros belong to a nativist current that's been called the Mexicanness movement. In this cult, dance, along with other ritual practices, constitutes the means to transmit and update its philosophical and ideological principles. Its followers consider the Mesoamerican past as a source of wisdom and the reworking of Mesoamerican knowledge and philosophies as an alternative to Western values and ways of life. The text exposes some of the transformations that this movement had and how these have been reflected in the choice of new utopian and aesthetic horizons. In these multiple paths, utopian ideals have also faced their dystopian and contradictory counterpart, which breaks the ideal and makes the search continue. It shows, with a case study, the arrival of two Concheros dance groups in the Nahua region of the Sierra de Zongolica (Veracruz) and how they inserted themselves in the communities and dystopias, as well as the new paths that opened. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Hace más de dos siglos el movimiento ludita representó, en la destrucción de las máquinas, el miedo hacia el avance de la tecnología y la supervivencia de los puestos de trabajo menos intelectuales o cualificados. Unos años más tarde se vio en la tecnología la base del progreso de la humanidad mientras que algunos autores, como H. G. Wells, miraban con recelo la falta de madurez social ante su avance. En la actualidad tenemos un gran reto entre manos: conjugar ese avance científico aplicado al campo laboral, evitando la destrucción de millones de empleos por la robotización y mecanización de la mayoría de los puestos de trabajo. More than two centuries ago the luddite movement represented through machine destruction the fear of progress in technology and the survival of less intellectual or qualified jobs. A few years later, technology was seen as the basis of humanity´s progress. Some people, such a H. G. Wells, looked down on the lack of social maturity in the face of its advance. At present we have a great challenge in our hands, i.e. combining this scientific advance applied to the labor field, and thus avoiding the destruction of millions of jobs due to the robotization and mechanization of most of them.

I Zombie es una serie de televisión inspirada en un cómic, en la cual se narran las relaciones de cooperación y conflicto entre zombis y humanos. Dicha convivencia es posible debido a que los zombis se parecen a los humanos cuando están bien alimentados. Esta convivencia representa, de forma figurada, algunos de los conflictos más importantes de nuestro tiempo, como el reconocimiento del otro, los límites de la moralidad kantiana, a favor de la eticidad [sittlichkeit] hegeliana. Además, ilustra problemas más concretos, como la gestión de los flujos de población o la convivencia entre nacionalismos distintos dentro del mismo Estado. Se nos enseña también que la libertad no es una cuestión de pura voluntad moral individual, sino que además necesita de instituciones para desarrollarse, sin que suponga grandes tensiones psíquicas entre egoísmo y altruismo. I Zombieis a television series inspired by a comic book, which depicts the relationship of cooperation and conflict between zombies and humans. This coexistence is made possible by the fact that zombies resemble humans when they are well fed. This coexistence figuratively represents some of the most important conflicts of our time, such as the recognition of the other, the limits of Kantian morality in favour of Hegelian ethical life [sittlichkeit]. It also illustrates more concrete problems, such as the management of population flows or the coexistence of different nationalisms within the same state. We are also taught that freedom is not a matter of purely individual moral will, but that it also needs institutions to develop, without involving great psychic tensions between egoism and altruism.

Antz (Hormigaz), de Eric Darnell y Tim Johnson, es una película que contiene un imaginario temático y estilístico muy rico en cuanto a su relación con otros géneros de la historia del cine. Se trata de un documento complejo, al estar a caballo entre una divertida comedia de animación y una distopía de manual. En este artículo se analizan sus características visuales y narrativas con el fin de establecer un diálogo comparativo con el género distópico y subrayar las características que comparte con él. Estableciendo una analogía con La semilla inmortal, de Jordi Balló y Xavier Pérez, se enumeran algunos argumentos universales propios de la narrativa distópica, presentes en la literatura y en el cine, y que sirven para establecer conexiones entre Antz y el resto de las películas del género, como Metrópolis o Matrix, entre otras. Asimismo, se hace un análisis visual del filme, en relación con las ya clásicas Sinfonías urbanas y con el cine de propaganda de Leni Riefenstahl, para dar cuenta de que, además de argumentos universales, existen imágenes de la misma índole, que influyen en la película y amplían su abanico estilístico, enriqueciendo el imaginario. Antz, by Eric Darnell and Tim Johnson, contains a very rich thematic and stylistic imagination in terms of its relationship with other genres in cinema history. It is a complex film, saddled between a funny animated comedy and a standard dystopia. In this article, its visual and narrative characteristics are analyzed in order to establish a comparative dialogue with the dystopian genre and underline the characteristics that the film shares with it. Establishing an analogy with La semilla inmortal, by Jordi Balló andXavier Pérez, some universal arguments of the dystopian narrative are listed, present in literature and in the cinema, which serve to establish connections between Antz and the rest of the films of the genre, such as Metropolis or Matrix, among others. Likewise, a visual analysis of the film is made in relation to the now classic Urban Symphonies and to Leni Riefenstahl's propaganda cinema, to account for how, apart from universal arguments, there are images of the same nature, which influence on the film by broadening its stylistic range and enriching its imaginary.

El presente escrito busca poner el foco en películas de tintes distópicos en las cuales se puede apreciar la destrucción de monumentos o elementos patrimoniales no solo como parte de un espectáculo visual, sino también como símbolo o refuerzo semántico de la trama. Para ello, ahondaremos en las raíces de conceptos como el de iconoclastia que nos permitirán hacer un recorrido por la Historia del Arte y la Historia Reciente mediante el cual se establecerán las bases de otros más complejos como el de “trauma cultural” o “iconoclash”. Así, de la realidad a la ficción, estableceremos paralelismos y buscaremos los enlaces e identificaciones asentados en el inconsciente colectivo que nos permitan entender el poder de la destrucción del patrimonio en el cine. This paper focuses on dystopian films in which we can watch the destruction of heritage or cultural elements, not only as a part of a visual spectacle, but also as a symbol or taking an important meaning for the plot. According to this view, we will delve into the origin of a few concepts, such as iconoclasm, which will allow us to direct our way across different periods of Art and Recent History to establish more complex concepts like “cultural trauma” or “iconoclash”. Thus, from fact to fiction, we will draw parallels, and find links or images between one and another, which, immersed in the collective unconscious, could be a crucial line of research to understand the power of the destruction of our heritage in films.

Presentamos, a continuación, un análisis audiovisual e interpretativo de los primeros minutos de la serie de televisión The Handmaid's Tale. Dicho análisis será desarrollado en tres apartados: primero, los créditos de apertura [1]; después, la secuencia introductoria [2]; y, para acabar, la presentación del personaje principal en tres planos consecutivos [3]. Esta propuesta parte de la hipótesis de que en todo producto audiovisual contemporáneo de temática distópica, más allá de su historia en sí, pueden hallarse elementos estéticos que pueden caracterizarse de distópicos. Nuestro análisis se centrará, entre otras cosas, en aspectos como la composición, el sonido, la iluminación, el color o el montaje. Por lo tanto, a través del estudio de estos elementos, se intentará [des]cubrir un discurso distópico audiovisual que, paralelo al relato mismo, ensanchará aquello que hemos llamado “efecto distópico”. El objetivo de esta investigación será, pues, [de]mostrar cómo cada uno de dichos elementos (composición, sonido, iluminación, color o montaje, entre otros) pueden utilizarse en los productos audiovisuales contemporáneos y de qué forma esto se lleva a cabo para amplificar dicho efecto distópico. The following is an audiovisual and interpretative analysis of the first minutes of the television series The Handmaid's Tale. This analysis will be developed in three sections: first, the opening credits [1]; then, the introductory sequence [2]; and, finally, the presentation of the main character in three consecutive shots [3]. This proposal is based on the hypothesis that in any contemporary audiovisual product with a dystopian theme, beyond the story itself, aesthetic elements that can be characterised as dystopian can be found. Our analysis will focus, among other aspects, on composition, sound, lighting, colour or editing. Therefore, through the study of these elements, we will try to discover a dystopian audiovisual discourse that, parallel to the story itself, will widen what we have called “dystopian effect”. The aim of this research will, therefore. be to show how each of the aboved mentioned elements can be used in contemporary audiovisual products, and in what way this is done to amplify the so-called dystopian effect.

Entre las principales tramas interpretativas del género distópico desde 1948 hasta la actualidad, el mito del hombre nuevo que emana del transhumanismo ha alcanzado una relevancia y atractivo notorios en ámbitos como el arte, la literatura o la cultura audiovisual. El literato Howard Phillips Lovecraft y el académico y ensayista Clive Staples Lewis —ubicados en los géneros de horror cósmico el primero y tanto la fantasía como la apologética cristiana el segundo—habrían formulado narrativamente advertenciassobre la posibilidad de alcanzar la condición posthumana. Ambos se adelantaron varias décadas a la oferta transhumana de superar las penurias de la condición biológica merced a la tecnología y coincidieron en calificar esta propuesta como distópica. Así, el relato de Lovecraft “El que susurra en la Oscuridad” (1931/2017a) y la obra de Lewis Esa horrible fortaleza (1945/2006c) parten de planteamientos filosóficos, antropológicos e ideológicos dispares pero convergen en su denuncia de aquella distopía en la que resulte factible escindir el cerebro respecto del cuerpo para alcanzar un sucedáneo de existencia posbiológica. A su juicio, el resultado final es una terrible distopía. The myth of the new man that emanates from transhumanism is a very significant argument to the dystopian genre from 1948 to the present. It has achieved notorious relevance in areas such as art, literature or audiovisual culture. The writer Howard Phillips Lovecraft and the academic and essayist Clive Staples Lewis — located in the genres of cosmic horror the first and both fantasy and Christian apologetics the second—would have warned narratively about the possibility of reaching the posthuman condition. Both were several decades ahead of the transhuman offer to overcome the hardships of the biological condition thanks to technology and agreed to qualify this proposal as dystopian. Thus, Lovecraft's story "Whisperer in darkness" (1931/2017a) and Lewis's That Hideous Strength (1945/2006c) are based on disparate philosophical, anthropological and ideological approaches but converge in their complaint against that dystopia in which it is feasible splitting the brain from the body to achieve a substitute for post-biological existence. In his view, transhumanism is a terrible dystopia.

La fascinación contemporánea por la distopía se expresa no solo en la gran profusión de productos creados en las últimas décadas, sino en la multiplicación de los análisis culturales y académicos en torno al género en sus expresiones tanto literarias como cinematográficas. Así, son numerosas las lecturas desarrolladas en torno al género de la distopía, bien desde un punto de vista estético-político, bien desde una óptica problematizadora del futuro. Sin embargo, son escasas las lecturas clasificatorias de los subtipos de la distopía, siendo más común la identificación del género de acuerdo a su periodización o contextualización político-cronológica por “olas” o “mareas”. Teniendo en cuenta este trabajo previo, el presente texto propone una clasificación sincrónica de las categorías de la distopía de acuerdo a las premisas de la “imaginación sociológica” y a un análisis multidisciplinar de sus caracterizaciones. Lejos de resultar una categorización definitiva y concluyente, el presente texto propone un enfoque alternativo para analizar el género y sus lecturas tanto artísticas como sociopolíticas. The contemporary fascination with dystopia is not only expressed in the large amount of products created in the recent decades, but also in the proliferation of cultural and academic analysis of the genre’s literary and cinematographic expressions. Thus, there are numerous readings developed around the dystopian genre, either from an aesthetical-political point of view or from a problematized perspective of the future. However, the classificatory readings of the dystopia subtypes are scarce, being more common the identification of the genre according to a periodization or political-chronological contextualization by “waves” or “tides”. Taking into account these previous works, this text proposes a synchronous classification of the dystopian categories according to “sociological imagination" premises and a multidisciplinary analysis of dystopia’s characterizations. Far from being a definitive and conclusive categorization, this text offers an alternative approach for the analysis of the genre and its artistic and socio-political readings.

El creciente interés suscitado por la distopía entre investigadores y público en los últimos años ha permitido la apertura de nuevas y sugerentes vías para su análisis y estudio. En este artículo se propone una aproximación al fenómeno a partir de la consideración del poderoso potencial emocional desplegado por lo distópico y la diversidad de reacciones y comportamientos -muchos de ellos, inadvertidosque su discurso provoca entre la audiencia. A partir de dichas respuestas, se propone una nueva clasificación del género distópico fundada en la pluralidad que funciones que, a juicio del autor, puede llegar a desempeñar y que va más allá de la vocación crítica que unánimemente se le suele venir otorgando. The growing interest aroused by dystopia among researchers and the public in recent years has allowed the opening of new and suggestive lines for its analysis and study. This article proposes an approach to the phenomenon based on the consideration of the powerful emotional potential displayed by the dystopian and the diversity of reactions and behaviors - many of them unnoticed - that its discourse provokes among the audience. Based on these responses, a new classification of the dystopian genre is proposed based on the plurality of functions that, in the author's opinion, it can perform and that goes beyond the critical vocation that is usually unanimously granted.

El maltusianismo decimonónico, y su desarrollo gracias al neomaltusianismo de finales del siglo xix, atendían a las consecuencias que la sobrepoblación, derivada del desequilibrio entre los medios de subsistencia y la población, podría tener en una sociedad. Esta ideología científico-social conservadora fue revitalizada a finales del siglo xx de manera que, al igual que en la centuria anterior, la cultura popular de masas reflejó este ideario en sus narrativas. De esta forma, Wedlock, Fortress, Judge Dredd e, incluso, Total Recall y Johnny Mnemonic destacan entre los relatos distópicos hollywoodienses que, en un contexto conservador y en crisis del que son incapaces de desinhibirse, difunden y perpetúan el control social maltusiano en sus especulaciones negativas de sociedades futuras. Estos, en su calidad de registros del pasado, pueden ser analizados desde una perspectiva de análisis neohistoricista, al realizar una interpretación de la sociedad a la que pertenecen creando otra, de manera que el contexto real forma parte de la ficción. Nineteenth-century Malthusianism, and its development thanks to neo-Malthusianism of the late nineteenth century, addressed the consequences that overpopulation, derived from the imbalance between means of subsistence and population, could have in a society. This conservative social-scientific ideology was revitalized at the end of the 20th century so that, as in the previous century, popular mass culture reflected this ideology in its narratives. In this way, Wedlock, Fortress, Judge Dredd and even Total Recall and Johnny Mnemonicstand out among the dystopian Hollywood narratives that, in a conservative context and in crisis from which they are unable to disinhibit, spread and perpetuate Malthusian social control in their negative speculations of future societies. These narratives, considered as records of the past, can be analyzed from a new historicist analysis perspective, by making an interpretation of the society to which they belong and creating another, so that the real context is part of the fiction itself.

The following article analyzes the novels Debimos ser Felices, by Rafaela Lahore and Mugre rosa, by Fernanda Trías, both published in 2020. While Lahore works her way through remembrance in an intimate, fragmentary, autobiographical way, Trías’ narrative is complex, apocalyptic, and dystopic. It ranges from a progressive uncertainty about the present to memory’s capacity to hang on to family affections. However, they converge in their narratives’ subtle, dreamlike atmospheres that focus on the voice of children fluctuating between abnormality and monstrosity. Their reflections emphasize the reconstruction of their respective genealogies through reminiscence. --- El siguiente artículo analiza las novelas Debimos ser felices, de Rafaela Lahore, y Mugre rosa, de Fernanda Trías, ambas publicadas en 2020. Si bien comparten ciertas atmósferas sutiles, casi oníricas, Lahore trabaja el recuerdo de manera íntima, fragmentaria y autobiográfica, mientras que la narración de Trías se proyecta como una compleja novela apocalíptica, distópica, que oscila entre la progresiva incertidumbre del presente y la capacidad del recuerdo para aferrarse a los afectos familiares. Ambas ponen en el centro de sus reflexiones a niños y niñas que transitan entre la anomalía y la monstruosidad, con un fuerte acento en la reconstrucción memoriosa de sus respectivas genealogías.

El cine es el gran constructor de imaginarios sobre el futuro. En el imaginario colectivo determinados films de ciencia ficción han pasado a consolidarse como partes activas de la memoria, su importancia reside en los valores culturales que portan y los discursos que son capaces de articular. La conformación del discurso del futuro se ha debatido entre una visión de la tecnología que se presentaba como sinónimo de progreso y de una modernidad robotizada; y una segunda visión que proyecta el futuro como un espacio adverso y escasamente prometedor, sometido al criterio de las inteligencias artificiales creadas.

O presente artigo, pensado teoricamente pelo viés da distopia, objetiva analisar as narrativas Animal Farm, de George Orwell (1945) e Fazenda Modelo – Novela Pecuária (1974), de Chico Buarque, produções que articulam representações sociais complexas, geradas em contextos históricos de distintas motivações culturais e políticas. A escolha do corpus deu-se porque os enredos apresentam a configuração do autoritarismo e também de governos totalitários e ditatoriais, fatores esses que possibilitam um debate sobre o conceito de distopia e sobre a função da literatura, que não se fixa apenas na ideia de fruição estética, mas se torna um elemento capaz de questionar as várias esferas sociais, culturais, políticas e humanas que promovem os movimentos de imanência e transcendência entre a ficção e a história.

El siguiente artículo se propone realizar una lectura de una de las novelas más representativas de Rosa Arciniega en su estancia en España desde 1928 a 1936, Mosko-Strom. El torbellino de las grandes metrópolis (1933). Por medio del análisis de la obra se reflexionará en torno a la posición crítica que desarrolla la autora respecto al proceso de maquinización que experimenta occidente en las primeras décadas del siglo XX, en el cual el futurismo, como ideología, desempeña un rol muy importante. Para realizar dicha crítica, Arciniega elabora una distopía en la que presenta los efectos negativos de dicha maquinización. Lo interesante del texto es que no solo se hace referencia a este negativo estado de cosas, sino que se plantea una solución para resolverlo. En este sentido, Mosko-Strom se constituye en una novela de tesis.

This essay scrutinizes the interpretation made by the Brazilian extreme right about George Orwell’s 1984 book. We argue that it is inadequate to name such an interpretation as ‘conservative’. The current work of Bolsonaro’s intellectuals allows us to see how Western classic conservative thoughts are transformed and canonized in a reactionary way. Furthermore, the duel of dystopias wielded by far-right ideologues also gives us access to a cultural industry in which products are trying to captivate a potentially ultra conservative audience. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This text aims at showing the song Revelations by the British heavy metal band Iron Maiden, which is part of the Piece of Mind album and presents a great and diverse thematic, emphasizing historical events, war and the predominance of religious and mystical narratives. The song Revelations is written in layers that combine Christian traditions, the esotericism and mystique of Aleister Crowley and elements of Egyptian and Hindu traditions. The core of the analysis considers the song a composition of dystopian predominance, similar with apocalyptic literature, also known as dystopia, one of the categories of analysis of the referred song. Thus, what is revealed in the song is a critique and denunciation of oppression and violence when hegemonic systems of power instrumentalize religion for the purposes of domination. In order to develop these ideas, the article is structured in three sections: the first tries to show the still scarce presence of the relationship between heavy metal and religion in academic productions in the area of Religious Sciences; in the second, the main layers of literary and religious influences in the composition of the song are presented; finally, in the last section, there is the analytical development of facing, by hypothesis, the problem of the song being received by the category of dystopian analysis. It is hoped that the text will contribute so that the area of Religious Sciences, in its transdisciplinarity, can dialogue more widely with musical artistic forms, in particular with the rock/heavy metal genre, in its representative strength of problematizing reality. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El artículo se interesa en experiencias barriales cotidianas de adultos mayores y en la forma en que estos piensan y viven su barrio actual. Se basa en resultados de una investigación participativa realizada en 2019 con 51 residentes de larga estancia en tres barrios de Valparaíso (Chile). A partir de los relatos sobre sus experiencias pasadas y actuales, el trabajo se focaliza en las nostalgias que expresan respecto a su barrio de antes que, según ellos, hoy no existirían más. Estas nostalgias hacen aparecer representaciones e imaginarios distópicos que asocian con su barrio de hoy. A partir del análisis de estas representaciones y estos imaginarios distópicos, el artículo muestra que la trayectoria barrial descrita por los habitantes revela una comunidad barrial deseada, vinculada con un pasado que nunca se concretó totalmente. En este sentido, el artículo plantea que para estos habitantes el barrio se piensa y se concibe como lugar distópico, tensionado entre deseos y anhelos por un pasado idealizado y disconformidad por la situación actual.

This paper examines Paolo Volponi’s novel Il Pianeta Irritabile (1977) by a double perspective: on the one hand the anti-anthropocentric and forerunning eco-critical approach, like other writers of the same period as Cassola or Morselli, used by the author to denounce the exploitation of the planet, until the extreme, post-atomic consequences, by humans, in general, and capitalism, in particular, resolving in a harsh disapproval of human progress. On the other hand, being the entire plot based on a long voyage done by non-humans (or semi-human) protagonists, the hodeoporic interpretation key becomes a central point in the development of the novel and a new perspective to study and analyze the transformations of the characters.

Este artigo apresenta um referencial pragmatista para compreender o estatuto epistêmico da valoração que é produzida na reflexão acerca das consequências sociais de propostas científicas e tecnológicas. O problema é posto seguindo as considerações de Bertrand Russell sobre o impacto da ciência na sociedade. Russell argumenta que a valoração de arranjos sociais fica fora dos limites do conhecimento, porque valorações não podem ser verdadeiras ou falsas em sentido correspondencial. Isso leva o pensamento social a um impasse, pois não se pode saber que dado arranjo social seria indesejável ou inadequado. Este artigo esboça uma alternativa a partir dos trabalhos sobre valoração de Clarence Irving Lewis tomados em continuidade com a teoria da investigação de John Dewey. Este referencial alternativo assume noções epistêmicas de verdade e justificação, o que permite que valorações possam ser concebidas em contextos de investigação e, assim, como objetos de conhecimento.

Este estudio aborda el uso de estrategias y técnicas generadoras de miedo de la teoría de la propaganda en el audiovisual, enfocándose en el análisis de la serie distópica de El cuento de la criada. El miedo es utilizado en propaganda como una herramienta de control social y dominación política. Esta investigación plantea si este instrumento propagandístico se utiliza en los sistemas políticos representados en el audiovisual, pues estos son reflejos de los miedos actuales en un futuro catastrófico. Para esto, utiliza un análisis de contenido que se aplica a las tres primeras temporadas de la serie mencionada a través de las escenas en las que aparecen Fred Waterford, Serena Joy y Tía Lydia, como representantes de Gilead en la narrativa.

A primeira metade do século XX se caracteriza por ser um dos períodos mais tenebrosos da História, pelo motivo de o Crash de 1929, a Primeira e Segunda Grande Guerra configurarem grandes decadências. Dado o grande sofrimento desse período, uma das consequências foi a ascensão do gênero literário de distopia, que se trata de inculcar no futuro o pessimismo humano. Por essa questão, esse artigo visa demostrar, através de revisão bibliográfica, como as obras dessa literatura podem servir para o ensino de História através da temática referente aos sofrimentos da primeira metade do século XX, na proposição de uma aula temática para o Novo Ensino Médio e de uma atividade didática utilizando dois exemplos de obras literárias. Nesse assunto, será dissertado sobre o imaginário social do século XIX para que se possa compreender a grande ruptura de experiências europeias entre os oitocentistas e os novecentistas. As informações desse artigo, que foram possibilitadas através dos incentivos do Pibid e experiências de um bolsista, poderão servir para aulas e atividades avaliativas. Dessa forma, será observado como a distopia e a incorporação imaginativa dessa em sala de aula poderá colaborar para o aprendizado de História e para com a prática do criticismo.

Como se sabe, o campo da arte vem se apropriando de procedimentos e formatos da cultura de massa. No texto, aborda-se essa aproximação na ficção brasileira do século XXI, com o objetivo de analisar a relação entre o uso de matrizes de gêneros narrativos e a composição de um quadro distópico do país e do mundo atual. Trata-se de pensar os efeitos críticos da interseção de gêneros narrativos diversos na abordagem das questões sociais e de verificar como convenções da narrativa de terror, da ficção científica e do western são acionadas para representação das tensões do mundo contemporâneo. Dentre outras, são discutidas obras como o filme Divino amor (2019), de Gabriel Mascaro, e o livro A nova ordem (2019), de Bernardo Kucinski.

O mundo hiperconectado e globalizado não está imune ao trânsito do autoritarismo, se utilizando dos próprios mecanismos da liberdade para corroer as estruturas democráticas, se apropriando das demandas por igualdade para justificar políticas de ódio e segregação. Resistir é cada vez mais necessário, mas começando por resistir exatamente ao que Theodor Adorno definiu como a roda-viva que teima em mirar o peito dos homens, que busca exatamente a contradição para manter a espiral de violência como única lógica possível para a ideia de civilização que foi construída.

A pandemia do novo coronavírus tornou corrente a ideia de que estamos vivendo uma distopia. Instigados por essa ideia, exploramos neste ensaio o potencial de textos de ficção científica distópica para tensionar a noção de verdade científica ao omitir informações e gerar incertezas sobre a realidade, envolvendo artefatos tecnológicos que condicionam as possibilidades de vida e sociabilidade, como na novela A máquina parou de E. M. Forster. A partir do conto “Proteção” da obra Vício de forma de Primo Levi — judeu, químico e sobrevivente da Shoá —, discutimos sua percepção de ciência e estabelecemos um paralelo com nosso contexto abordando a tecnologia como cerceamento da liberdade e da verdade e como ampliação que limita a vida humana. Esperamos que esse ensaio contribua para que esse subgênero literário siga cumprindo o papel de nos alertar para os perigos iminentes da nossa sociedade.

Podemos compreender a escrita da história como esforço criativo de configuração de imagens para representar o movimento do tempo, observando a mudança das coisas e a passagem deste tempo. Por meio de narrativas que entrelaçam acontecimentos e tramam enredos historiográficos, a história torna o tempo inteligível, acessível e compreensível quando transformado em temporalidade. O objetivo do presente artigo é buscar conceitos capazes de iluminar esse processo de temporalização do tempo na contemporaneidade, marcado pela ação dos sujeitos no espaço digital, pela presença de tecnologias que aumentam significativamente a velocidade da produção e troca de informação e ampliam as formas de comunicação. Para isso, pretendemos tensionar o conceito de “Atualismo” (ARAÚJO; PEREIRA, 2018), relacionando-o com a estrutura do espaço digital. Acreditamos que tal noção tem o potencial de provocar questionamentos capazes de impactar diretamente o fazer historiográfico no século XXI, tendo em vista a forma como o tempo é percebido e temporalizado. Vislumbramos, nesse cenário, que os desafios que o atualismo propõe aos historiadores giram em torno de dois aspectos: o domínio do espaço digital e a reflexão acerca da possibilidade de estarmos diante da percepção de tempo fragmentado e da configuração de uma consciência histórica cada dia mais distópica.

En su trilogía africana, Javier Reverte superpone dos realidades antinómicas. La primera es la cultura occidental que él presenta sigilosamente en sus relatos como el orden social preestablecido, preexistente y por ende hegemónico. Sumiendo a su lector en la memoria colectiva de las tierras visitadas, el autor resucita mientras ensalza las glorias exploratorias y las grandes hazañas protagonizadas por occidentales que trajeron así, por sus actos, la luz y la civilización en las tinieblas. Pero, se produce lo contrario cuando se trata de referirse a las realidades negroafricanas. En efecto, el autor se hace eco de las observaciones y opiniones de los viajeros anteriores para legitimar su propia visión de las sociedades a las que él descubre a lo largo de su itinerario. Así es como se llega a la presentación distópica, enriquecida por los prejuicios y estereotipos del imaginario colectivo occidental tendiente a estigmatizar a las sociedades negroafricanas como feas y extrañas.

O objetivo deste artigo é discutir, a partir do cinema hollywoodiano, as visões distópicas sobre o futuro, tomando como base o imaginário sobre o fim do mundo a partir da perspectiva de crise ambiental oriunda na segunda metade do século XX. A crise ambiental demonstra que os efeitos da ação humana, sob a égide do sistema capitalista, não apenas promoverão o esgotamento dos recursos naturais, como a transformação radical do clima, especialmente o aquecimento global, tornando o planeta inabitável para todas as espécies. Diversos filmes do gênero ficção científica trouxeram direta ou indiretamente em seus enredos a discussão da degradação ambiental e suas consequências para a humanidade. Nossa discussão se dará a partir de três filmes: 2012 (2009), Elysium (2013) e Interstellar (2014), obras cinematográficas representativas do argumento defendido, ou seja, a relação entre ficção científica, cinema e meio ambiente.

A Alceu 43 conjuga reflexões em torno de um assunto recorrente nas narrativas cinematográficas e literárias, e nos debates acadêmicos: distopia. Intensificado nos tempos convulsos da pandemia, o tema desdobra-se em múltiplas incursões teóricas, decorrentes de constantes indagações, inquietações. Se toda utopia nasce da busca imaginária de alternativas à ordem vigente e, portanto, se caracteriza mais pela negatividade do que pela afirmação de uma sociedade perfeita, utopia e distopia seriam duas faces da mesma moeda? A distopia configura-se como uma utopia pelo avesso? Constitui um gênero narrativo? Como se constrói a relação entre distopia e presentismo no universo ficcional?

Debruçando-se sobre o universo criado por Sébastien Mounier na série Ad Vitam (2018), dirigida por Thomas Cailley e Manuel Schapira, tem-se a oportunidade de debater sobre a perpetuidade da vida e as motivações subjetivas individuais à luz de referenciais socioantropológicos e comunicacionais contemporâneos. Ao considerar a vivência em ambiente distópico, seus desafios e insurgências para a sociedade e o coletivo, o presente artigo tem como objetivo analisar questões acerca dos efeitos da saúde, do tempo e da construção de projetos de vida a partir do enredamento narrativo da série.

Partindo de imagens dos sonhos de futuro do contemporâneo, recuamos historicamente para tentar mapear o enfraquecimento do pensamento utópico e a ascensão da imaginação distópica na atualidade. A partir do gesto genealógico, procuramos elucidar de que modo essa virada estaria relacionada com uma experiência temporal, que deu frutos a outras imagens de futuro na modernidade. Nesse sentido, utopia e distopia não simplesmente se contrapõem, são modos de imaginar o futuro estreitamente relacionados com dinâmicas de poder e modos de experienciar o tempo. O presentismo nos coloca isolados – física e politicamente – em um presente sufocado por previsões de futuro que se expandem num agora que parece se repetir. O presente torna-se o espaço de ação, embora a passagem do tempo não mais esteja associada ao alcance do lugar melhor ou à utopia moderna que irrompe no futuro para ser afeiçoada e concretizada no projeto coletivo imaginado para o amanhã.

El presente artículo es un análisis comparativo entres dos obras de Julio Cortázar para mostrar cómo ciertos tópicos representativos de su obra —lo fantástico, el confinamiento, lo monstruoso, la huida o el Doppelgänger— ya están presentes desde sus textos primigenios, como en el libro de cuentos Bestiario o en la novela El examen. Además, veremos cómo la conjunción de estos tópicos y el contexto opresivo en que se desarrollan sus historias, no solo las hermana, sino que las insertan dentro de la distopía, corriente literaria y crítica de la modernidad, en boga a mediados del siglo XX.