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La réactivité expressive des avatars est au cœur des créations de Cédric Plessiet et Georges Gagneré. Les deux artistes-chercheurs recourent aux techniques et méthodes de la prévisualisation in situ qui permet à un réalisateur ou un acteur de contrôler en temps réel un avatar dans un environnement virtuel proche du résultat final. La série de portraits interactifs Les Double-autres est l’occasion pour Cédric Plessiet de décrire Taupipeline, l’architecture logicielle qui lui permet d’établir un dialogue avec les modèles physiques à l’origine des avatars réalistes qu’il met en relation avec les spectateurs. Georges Gagneré présente sa manière de diriger des avatars d’ombres dans la création L’Ombre, d’après le conte homonyme d’H. C. Andersen. Les deux artistes évoquent la manière dont leurs approches se compléteront dans le cadre de leur prochaine recherche-création commune, Les Spectateurs.

Deux chercheuses-artistes des Arts et technologies de l’image s’entretiennent à deux occasions avec les co-directeurs de ce numéro d’Hybrid pour éclairer les enjeux des acteurs virtuels et des avatars, en s’appuyant sur leurs expériences respectives au sein d’un laboratoire universitaire (INREV-AIAC de Paris 8) et d’un festival d’art numérique (Laval Virtual/Recto VRso). La première rencontre traite de la question des dynamiques arts-sciences concernant les protagonistes virtuels selon les trajectoires rétrospectives et actuelles. Interrogeant les avatars et acteurs virtuels, ils livrent leur analyse sur leur expressivité, sensibilité, impression de vie, imperfection, ainsi que sur l’empathie qu’ils provoquent, et sur l’externalisation/intégration des compétences humaines. Se repère alors ce passage du corps réel du spectateur vers le virtuel par l’avatarisation, abordant ainsi leur humanisation, versus notre artificialisation et l’émergence de « co-espèces » virtuelles. La seconde rencontre favorise un échange plus informel qui aide à reformuler les types d’hybridation. Y sont aussi débattues les possibles explorations artistiques et créatives des métavers par les avatars dans une visée prospective à partir de plusieurs questionnements : pluralité ou unicité des identités ; anticipation de l’évolutions des usages et hybridations. Au cœur du débat, se pensent les fonctions de l’art et des artistes, entre libertés et limites ; appropriations et subversions ; création d’univers singuliers, appelés ici « singulavers », ou simple investissement des espaces non artistiques pour tester les options possibles pour mieux vivre ensemble avec ou à travers ces créatures virtuelles.

Traverser les écrans et habiter les espaces numériques grâce à l’avatar interactif Cet article contextualise la notion d’avatar qui a unifié bien des manières d’exister dans ces espaces se déployant de l’autre côté de l’écran. À travers ses appropriations et sa richesse créative, ce corps programmé se fait passerelle pour exister dans des dimensions parallèles et pour interagir avec d’autres habitants de ces espaces représentés et simulés. Investi par des secteurs et évolutions technologiques...

International audience

Cet article propose d’examiner la dimension vocale des expériences vidéoludiques à partir du concept de bruit. Il interroge la capacité des esthétiques vocales bruitistes à favoriser l’entretien de relations sensibles avec les matières vidéoludiques. Le bruit vidéoludique est considéré suivant deux approches en apparence contradictoires : comme un obstacle à la communication, puis comme un dispositif d’incarnation et d’appropriation. Pour montrer que cette contradiction n’est qu’apparente, l’article présente un cadre théorique articulant bruit et vocalité, puis procède à une étude de cas. Celle-ci porte sur STTTS (Meyer, 2018), une composition sonore générative réalisée dans une démarche de recherche-création. L’article montre que, dans cette œuvre, le bruit est un outil de redéfinition des modes d’interactions entre jeu et joueur par la réappropriation artistique. Au cours du processus de composition de STTTS, bruit et vocalité structurent une mutation ludique depuis un jeu vidéo premier vers une œuvre sonore seconde. This paper uses noise as a tool to study video game vocal aesthetics with a specific research goal: studying how noise can sustain sensible relationships with video games as a medium. Noise is conceived here in two seemingly contradictory ways: as a disruption of communication and as an appropriation and incarnation apparatus. In order to demonstrate that these two conceptions of noise are in fact complementary, this paper builds a conceptual framework with both concepts of noise and vocality. Then, a case study is presented: an analysis of a generative sound piece, STTTS (Meyer, 2018) composed through a research-creation process. The paper shows that in this work, noise is used as a means to redefine interaction patterns between games and players. In the case of STTTS, noise and vocality are a tool for tactical artistic appropriation, used to operate a ludic mutation from a video game to a sound piece.

International audience; Tisser le social, tisser les savoi-arts, c'est l'ambitieuse démarche de cette édition de mascuPlanet, animée par l'artiste québécois Guillaume Adjutor Provost. Parmi les doctorants ayant participé à cet atelier de recherche-création, nous avons offert une carte blanche à quatre doctorantes, aux parcours académiques et personnels divers. Elles racontent leur expérience, leurs tâtonnements dans le processus de recherche et de création, ainsi que les rencontres qui les ont marquées

Situé à la croisée de la photographie et de la sociologie, cet article s'intéresse à l'apparence vestimentaire comme instrument de lutte collective. Il met en lumière quelques fragments d’un travail de recherche-création initié dans le cadre d’un doctorat par la pratique mené conjointement au sein de l’université d’Aix-Marseille et à l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles. L’enjeu de cette thèse soutenue en 2017 était de tisser des liens entre cinq communautés sous-culturelles (cosplayers, joueuses de roller derby, performeuses de cabaret new-burlesque, voguers, sapeurs) investissant l’apparence comme un support de revendications sociales et politiques. Les membres des communautés rencontrés utilisent en effet leur image comme un dispositif de résistance et interrogent la validité et les limites des impératifs sociétaux. L’approche méthodologique et la démarche artistique se situent résolument du côté de la recherche par la pratique. Elles proposent de considérer le travail des apparences et de l’image photographique comme des langages à part entière, capables d’apporter une connaissance réflexive sur les mondes sociaux. La part sensible du réel, parfois encore stigmatisée, est ici centrale dans la compréhension des dynamiques sociales au travail dans l’image de soi. At the intersection of sociology and photographic practice, the present article focuses on appearance as an instrument of collective struggle. It highlights some fragments of a larger academic and artistic work initiated in the context of a practice-based PHD pursued simultaneously at Aix-Marseille Université and École nationale supérieure de la photographie in Arles, France. The challenge of this doctoral thesis, defended in 2017, was to establish connections between five subcultural communities (cosplayers, roller derby players, new-burlesque cabaret performers, voguers, and sappers) who invest appearance as a medium for social and political protests. The community members interviewed use their image as a resistance mechanism and question the validity and limits of societal norms. The methodological and artistic approach is strongly related to practice led research. They aim to consider the work of appearances and the photographic image as languages of their own, capable of providing a reflexive knowledge on social worlds. The sensitive part of reality, sometimes still stigmatized, is central in the understanding of the social dynamics involved in one' s image.

Le 22 janvier 2020 s’est tenu à Genève le premier laboratoire du projet de recherche en création « Perspectives actuelles de la musique polychorale », réunissant notamment des étudiants de la Haute école de musique (hem) de Genève et l’ensemble Contrechamps. Jean-Pascal Chaigne, compositeur, professeur à la hem et responsable du projet, présente les résultats de sa recherche tels qu’ils se concrétisent dans sa pièce Echo, composée à cette occasion. Après avoir expliqué en quoi l’écriture polyphonique de Giovanni Gabrieli et son rapport spécifique au timbre ont inspiré un tel projet, il détaille les procédés de sa partition qui trouvent leur origine dans la musique polychorale vénitienne du xvie siècle : en l’occurrence, les propositions de diminutions ainsi que les différentes formes de polychoralité que l’on rencontre dans Echo., On January 22, 2020, the first workshop of the research-creation project “Perspectives actuelles de la musique polychorale” (“Current Outlooks of Polychoral Music”) was held in Geneva, bringing together students from the Haute école de musique (hem) de Genève and the Ensemble Contrechamps. Project leader Jean-Pascal Chaigne, composer and hem professor, presents the results of his research as they are applied in his piece Echo, composed for the occasion. After explaining how Giovanni Gabrieli’s polyphonic writing and its specific relationship to timbre inspired such a project, he details his musical means, which originate in 16th century Venetian polychoral music: namely, the rhythmic diminutions as well as the different forms of polychorality that we encounter in Echo.

Les auteurs proposent de saisir ce qu’un chercheur vit, avant de penser une autre écriture de la recherche. L’originalité est de montrer le chercheur « sans mode d’emploi » dans ses dimensions biologiques, psychologiques et sociales d’aujourd’hui. Penser ainsi l’humain amène le chercheur à envisager la recherche et son rapport au savoir autrement. Le corps du chercheur parle et s’écrit. Les auteurs valorisent les essais et la recherche-création pour lesquels le corps, les émotions et les sentiments du chercheur répondent à l’expérience de la relation à l’autre par des temporalités, des rythmes et des décalages In this work, the authors seek first to understand what a researcher experiences, before they tackle research writing per se. What makes this paper different is that it shows how researchers today are bereft of biological, psychological, and social guidance. Looking at people in this way leads the authors to think differently about research and its relationship to knowledge. The researcher’s body speaks and writes. The authors focus on trials and creative research where the researcher’s body, emotions, and feelings react to how they experience their relationship to others through temporalities, rhythms, and shifts Los autores del artículo proponen entender lo que vive un investigador, antes de pensar en otra manera de escribir la investigación. La originalidad es mostrar al investigador “tal como es”, en sus dimensiones biológicas, psicológicas y sociales de hoy en día. Pensar en el humano de esta manera lleva al investigador a considerar la investigación y su relación al saber, de manera diferente. El cuerpo del investigador habla y se escribe. Los autores del artículo valoran los ensayos y la investigación–creación por las cuales el cuerpo, las emociones y los sentimientos del investigador responden a la experiencia de la relación con el otro a través de temporalidades, ritmos y desfases

Cette publication s’inscrit dans la foulée des Cahiers et des Notes de recherche produits dans le cadre des projets "Archives et création : nouvelles perspectives sur l’archivistique" (2013-2016) et "De la diffusion à l’exploitation : nouveau regard sur l’archivistique" (2017-2020). À la différence toutefois des deux projets de recherche précédents, notre approche s’inscrit dans une optique de "recherche-création" où l’intentionnalité scientifique emprunte à la création ses moyens d’expression afin d’engendrer la réflexion. L’analyse cède la place à une forme de "poésie documentaire" élaborée à partir d’un corpus de plus de mille citations axées principalement sur le terme archives et des mots de la même famille tels que archive, archivage, archiver, archiviste ou archivistique. Des photographies provenant de BAnQ numérique ont également été intégrées au montage. De plus, ce premier volume des Carnets comprend des commentaires d’Anne Klein, Annaëlle Winand, Simon Côté-Lapointe et William Yoakim ainsi que des observations sur la démarche en tant que telle., Ce premier volume des Carnets s'inscrit dans le cadre d'un projet de recherche-création ayant débuté en avril 2020. Nous le dédions à la mémoire d’Andrée Fortin (1953-2022).

Cet article se propose de revenir sur une expérience de recherche-création menée dans un musée d’art et d’histoire de la région parisienne entre 2017 et 2018. Marionnettiste, performeuse mais aussi chercheuse, l’autrice s’y interroge, à la première personne, sur la confrontation des désirs et des fantasmes théoriques à leur réalisation pratique. S’agissait-il vraiment de « faire entrer les arts vivants au musée » comme l’annonçait certains médias locaux ? D’occuper l’espace, de se saisir du lieu, des œuvres ? A quels prix et pour quels effets ? Retraçant presque chronologiquement ce parcours, cet article se fait le portrait sinueux d’une recherche qui se (re)trouve en actes et se transforme à l’œuvre. Mots clés : recherche-création, théâtralité, musée, marionnette, performance

International audience; During their research-creation residencies at the LIPhy (Laboratoire Interdisciplinaire de Physique, Université Grenoble Alpes), the two artists Lia Giraud and Térence Meunier investigated the mysterious ‘fish songs’, assisted by researchers in physics of bubbles (Philippe Marmottant), voice sciences (Nathalie Henrich Bernardoni), bioacoustics and animal biology.The initial aim of the project was to reproduce the fish sounds by modelling swim bladders and the action of the associated sonic muscle in the laboratory. During their research quest, the two artists were led to question the biomimetic modelling of this phenomenon and to propose a new working methodology inspired by the concrete approach found at the heart of ‘acousmatic’ music. What if these songs were finally just a matter of ‘stick slip’?From an organological approach to biomimetic fantasies, from poetic imagination to the reality of experimental devices, this narrative explores the areas of slippage and friction between different ways of approaching and understanding a phenomenon.We have chosen to restitute this investigation through a corpus of images by means of a portfolio. These documents, collected and created during the experiments and meetings, are the common thread of our reflexion.; Au fil de leurs résidences de recherche-création au LIPhy (Laboratoire interdisciplinaire de physique, Université Grenoble-Alpes), les deux artistes Lia Giraud et Térence Meunier ont enquêté sur le mystérieux « chant des poissons », aidés par des chercheurs spécialisés en physique des bulles (Philippe Marmottant), en sciences de la voix (Nathalie Henrich Bernardoni), en bioacoustique et biologie animale.Ce projet cherchait originellement à reproduire les sons émis par les poissons en modélisant en laboratoire des vessies natatoires et l’action du muscle sonique associé. Au fil de la recherche, les deux artistes ont été amenés à interroger l’approche biomimétique de ce phénomène et à proposer une nouvelle méthodologie de travail inspirée de la démarche concrète que l’on retrouve au cœur de la musique dite « acousmatique ». Et si ces chants n’étaient finalement qu’une histoire de « stick-slip » ?De la démarche organologique aux fantasmes biomimétiques, de l’imaginaire poétique à la réalité des dispositifs expérimentaux, ce récit explore les zones de glissement et de friction entre différentes manières d’approcher et de comprendre un phénomène.Notre choix de format d’écriture s’est porté sur le portfolio, ce qui nous permet de restituer cette enquête par le biais d’un corpus d’images. Ces documents, collectés et produits lors des expérimentations et rencontres, s’offrent comme fil rouge de notre réflexion.

Ce mémoire s’intéresse à la notion d’expérimentation en jeu vidéo pour jeter un éclairage conceptuel productif sur le terme vague « jeu vidéo expérimental ». Postulant que le jeu vidéo s’inscrit à la fois dans le domaine des arts (par l’entremise de la création de composantes visuelles, audio ou narratives par exemple), des sciences (notamment parce qu’il dépend de l’avancement des nouvelles technologies numériques) et du design, l’auteur s’inspire des formes variées et parfois distinctes d’expérimentations à travers l’ensemble de ces domaines afin de décrire non pas une méthode expérimentale unique, mais un espace vaste composé de multiples démarches expérimentales. L’auteur montre finalement comment l’on peut réfléchir l’espace expérimental d’un jeu en s’inspirant de la systémique, puis relève quelques formes et figures expérimentales uniques aux domaines ludiques et vidéoludiques. Ce mémoire inclut aussi un compte rendu rétrospectif de création ainsi que quelques réflexions autour d’une oeuvre développée par l’auteur tout au long de sa recherche, l’album musical vidéoludique pour ordinateur Hoverboy. D’abord imaginée comme une oeuvre foncièrement expérimentale, l’auteur revient sur son processus de création et recadre sa démarche en fonction de ses réflexions théoriques autour de la notion d’expérimentation vidéoludique. Cette double démarche de recherche et de création menée en parallèle ouvre des réflexions méthodologiques sur la recherche-création., This thesis examines the notion of experimentation in video games to shed a productive conceptual light on the vague term “experimental video game”. Postulating that video games are simultaneously part of the arts (through the creation of visual, audio, and narrative components for example), sciences (notably because it relies on technological advancements), and design, the author leans on by the varied and sometimes distinct forms of experimentation across all these fields in order to describe not one singular experimental method, but a vast space which consists of multiple experimental approaches. The author finally shows how we can contemplate the experimental space of a game by drawing inspiration from systems theory, then identifies some unique experimental forms and figures in games and video games. This thesis also includes a retrospective creation report journal as well as some observations on a work developed by the author throughout their research, the computer-based videoludic music album Hoverboy. First imagined as a fundamentally experimental work, the author looks back on their creative process and reframes their approach regarding their theoretical observations around the notion of video game experimentation. This dual approach of research and creation carried out in parallel leads to methodological discussions on research-creation.

Les films produits par les grandes compagnies de l’industrie cinématographique permettent de représenter des identités multiples à travers les personnages mis en scène, et de les diffuser largement auprès de publics diversifiés (chaines de télévision, cinéma, plateformes de diffusion en ligne). Ce travail de recherche-création se penche sur les représentations dans le cinéma dit « grand public » des identités de personnes s’identifiant en marge de la binarité de genre, et particulièrement à la visibilité des personnes s’identifiant comme non-binaires. Je constate en effet un manque en matière de représentations d’identités transgenres et non-binaires dans les films et séries « mainstream », par rapport à ma propre expérience de la diversité des identités dans les communautés queer et LGBTQ+. Pour prendre en compte les impressions de personnes aux identités de genre diverses, j’ai enregistré et filmé neuf entretiens réalisés auprès de personnes de mon entourage par la plateforme Zoom, afin d’utiliser leurs témoignages dans mon travail de recherche. Iels m’apportent leurs avis, leurs expériences et leurs références filmiques que j’utilise en complément de recherches théoriques issues des études féministes, des études de genres et des travaux propres à certaines communautés étudiant les rapports de pouvoirs qui s’exercent contre elleux (Crip Studies, Trans Studies, Black Studies principalement). Je m’attarde sur les exemples de représentations dans certains des films et d’une série cité.es en entretien. J’analyse également les représentations de personnages et le langage employé, en les confrontant au discours des communautés touchées par ces représentations. J’ai réalisé à partir des entretiens filmés un montage de certains passages illustrant l’importance pour chacun.e des participant.e.s de voir des représentations d’identités diversifiées et de la place qu’iels trouvent — ou non — dans les représentations existantes., Movies produced by main companies in the film industry make it possible to represent multiple identities through the characters shown, and to spread them widely to diverse audiences (through television channels, movie theatres, online broadcasting platforms). In this research-creation project, I look at the representations in so-called “main stream” movies of people’s identities identifying outside of a gender binary, and in particular the visibility of people identifying as non-binary. I see a lack of representation of transgender and non-binary identities in mainstream films and series, compared to my own experience with the diversity of identities in queer and LGBTQ+ communities. To take into account the impressions of people within a wide range of gender identities, I recorded and filmed through Zoom discussions with nine persons from my close environment, in order to use their testimonies in my research work. In those discussions, they share their opinions, their experiences and their movie references for me to use as a complement to theoretical research in fields such as feminist studies, gender studies and community-specific work studying power relations against them (mainly Crip Studies, Trans Studies, Black Studies). I then linger on examples provided by the characters taken from some of the films and a Tv serie quoted in the interviews. I analyze some of the linguistic expressions used in these films as well as the representations of the characters, in order to compare them to the actual speeches of the communities affected by these representations. The interviews were edited as to form a collection of testimonies illustrating the importance for my interlocutors of finding faithful representations of their identities onscreen., Mémoire en recherche-création

Cette recherche-création s’articule autour de deux questions : - Selon le « circuit de la culture » (Du Gay et al. 1997), comment la survie dans le réel et la survie dans le fictionnel s’articulent-elles au handicap, et comment peuvent-elles être appréhendées comme un artefact culturel appartenant à l’imaginaire collectif cadrant le faisable et l’intelligible? - Plus spécifiquement, comment une méthodologie issue de la recherche-création, et des études critiques du handicap permettent-elles de « cripper » (Sandahl 2003; McRuer 2006; Kafer 2013) le concept de la survie dans un jeu vidéo post-apocalyptique, et ce afin de reconfigurer les sensibles (Rancière 2000)? La revue de littérature dresse le constat que la survie handicapée est un enjeu rarement traité; que mon travail se situe aux frontières de nombreuses recherches abordant la survie des handicapé-es en contexte de l’actuelle sixième extinction de masse, et de nombreuses créations sur la survie des handicapées en contexte post-apocalyptique. Le cadre théorique prend pour assises conceptuelles les études culturelles afin de penser au-delà de la distinction entre réel et fictionnel et de conceptions stéréotypées du handicap et des in/capacités; ainsi que dans le but de comprendre comment un artefact culturel est un aperçu de l’imaginaire collectif d’une culture. Il prend également pour assises les études critiques du handicap pour lier la notion de handicap avec des enjeux qui semblent de prime abord incompatibles -comme la survie-; pour être critique des futurs imaginés; et pour établir la catégorie du handicap comme politique. Les assises conceptuelles soulignent la nécessité de s’engager avec des théories pratiques ayant des effets sur le réel, en raison de l’urgence soulevées par les conditions de vie présentes et futures des personnes handicapées. De ce fait, la méthodologie de ce projet passe par un processus de recherche-création, qui dans le cas présent, permet de créer un mémoire écrit et un jeu vidéo desquels émergent des réflexions et des pratiques qui participent à reconfigurer les sensibles., This research-creation explores two core questions : - Based on the « circuit of culture » (Du Gay et al. 1997), how do real survival and fictional survival relate to disability and how can they be understood as a cultural artefact belonging to the collective representations, framing the feasible and the intelligible? - More specifically, how does a methodology resulting from research-creation and critical disability studies enables to « crip » (Sandahl 2003; McRuer 2006; Kafer 2013) the concept of survival in a post-apocalyptic video game in order to reconfigure the sensible (Rancière 2000)? The literature review notes that the future survival of disabled people is an issue rarely discussed and that my research-creation is at the frontiers of numerous researches addressing disabled people’s survival during the actual sixth mass extinction, as well as of numerous creations on disabled people’s survival in a post-apocalyptic context. The theoretical framework takes the cultural studies as a conceptual foundation allowing to think beyond the distinction between a real and fictional world, beyond stereotypical ideas about disability and in/capacities, and with the goal of understanding how a cultural artefact is a glimpse in our collective representations. It also takes critical disability studies as a framework to link the notion of disability with issues whose seem incompatible, such as the notion of survival; to be critical of imagined futurities; and to establish disability as a political category. These conceptual foundations raise the need to engage with practical theories in order to have a real effect in the world, all the more so with the urgent needs of dealing with the present and future living conditions of disabled people. As a result, the methodology of this work involves research-creation, which allowed me to deploy a written dissertation and a video game from which has emerged reflections and practices that participate to reconfigure the sensible., Mémoire en recherche-création

L’essai Du désir dans l’écriture (ailleurs, une rencontre) propose une quête de décloisonnement – menée dans un contexte pandémique de confinement – pour les formes textuelles qui demandent de repenser les catégories définissant (et limitant) les modes d’existence et de circulation des objets culturels. Cette réflexion s’articule entre autres à travers une lecture de La nuit juste avant les forêts, œuvre de Bernard-Marie Koltès irréductible à ce qui s’appelle « théâtre » et qui tout de même invite au partage d’une expérience : malgré le flux intarissable de mots tirés à sens unique, la parole déborde de son média (la page, la scène) et une véritable communion happe qui est là, hors diégèse, pour l’accueillir. Par une approche du texte au-delà de sa médiation, ce mémoire propose alors une contribution intuitive, fondée sur la recherche-création, à la pensée de la communication (et de son impossibilité). Dans le prolongement de la théorie, Peut-être que dehors incarne cette quête de parole vivante dans la pratique. La proposition artistique et méditative prend la forme d’une série de fragments qui rendent de façon morcelée un récit de mémoire traumatique, fait de trous et de blancs. La configuration textuelle reflète d’une part le balbutiement du dire pour ce qui est généralement tu, et d’autre part la place qu’il manque pour respirer et guérir. Dans des conditions de solitude, d’isolement, la voix de l’écriture questionne ce qu’il faut pour créer de la confiance et de la rencontre, de la communauté peut-être, avec qui reçoit les mots., The essay Du désir dans l'écriture (ailleurs, une rencontre) proposes a quest for decompartmentalization – carried out in a pandemic context of confinement – for textual forms that require a rethinking of the categories defining (and limiting) the modes of existence and circulation of cultural objects. This reflection is articulated, among other things, through a reading of La nuit juste avant les forêts, a work by Bernard-Marie Koltès that is irreducible to what is called “theater” and that nevertheless invites the sharing of an experience: despite the endless flow of words drawn in one direction, the word overflows its medium (the page, the stage) and a true communion catches whoever is there, outside the diegesis, to welcome it. By approaching the text beyond its mediation, this thesis proposes an intuitive contribution, based on research-creation, to the thought of communication (and its impossibility). As an extension of the theory, Peut-être que dehors embodies this quest for a living word in practice. The artistic and meditative proposal takes the form of a series of fragments that render in a fragmented way a narrative of traumatic memory, made of holes and blanks. The textual configuration reflects on the one hand the stammering of saying what is usually kept silent, and on the other hand the space that is missing to breathe and heal. In conditions of solitude, of isolation, the voice of writing questions what it takes to create trust and encounter, community perhaps, with whoever receives the words., Mémoire en recherche-création

L’engagement corporel de l’écoute est au cœur du travail de transmission de Kitsou Dubois auprès des apprentis danseurs et circassiens de l’Académie Fratellini. Au gré d’un dialogue, Anne Sèdes et Kitsou Dubois reviennent sur les expérimentations du projet Corps infini, vers des productions hybrides et immersives entre arts du cirque et création chorégraphique. Elles abordent l’activité d’écoute qui est au centre du travail de la chorégraphe dans sa tentative de transmettre l’expérience de l’apesanteur et son appropriation par les circassiens. Elles reviennent sur la notion d’appui, présente en danse et en cirque, comprise par la chorégraphe comme une écoute du toucher. Elles évoquent la relation au public, l’attention et l’imaginaire sensible, par empathie avec l’engagement corporel et sensible des circassiens, à l’écoute…

« Est virtuel dans la modalité visuelle ce qui […] s’impose à la perception visuelle avec la force du réel », exprime Denis Berthier. Le réel et le virtuel ainsi tous deux actuels, dans ce contexte phénoménologique, peuvent se rencontrer et former un nouvel espace où de nombreux jeux d’illusion sont imaginables. C’est donc par recherche et création de nouvelles formes autour de ces illusions entre le réel et le virtuel (IRV) qui questionnent nos perceptions, que j’explore des dispositifs, telles des toiles aux nombreuses variations artistiques possibles. Trois créations de réalité virtuelle, étudiées de manière chronologique par des analyses subjectives et objectives, vont faire émerger étape par étape de nouvelles ouvertures artistiques, permettant ainsi de construire par une méthode complexe (cf. Edgar Morin) ma propre palette d’IRV, plus proche de la sensation.

Ce partage d'expérience à propos d'une installation artistique, réalisée de septembre à décembre 2021 dans le cadre de MAGMA la 10e Triennale d'art contemporain d'Ottignies–Louvain-la-Neuve, met en évidence plusieurs questions : Comment concilier dans un même projet artistique les finalités d'une chercheuse en architecture et d'un artiste visuel ? L'installation traduit-elle seulement des résultats de la recherche, ou possède-t-elle un rôle plus actif dans un projet, qui se définit comme recherche-création ? L'association de la recherche en architecture et de l'installation artistique génère-t-elle plutôt de nouvelles connaissances ou plutôt de nouvelles questions ?

Mon intervention dans cette journée d'étude a été motivée par la proposition qui m’a été faite par AMarie Petitjean « de venir parler de la manière dont je concevais une différence et ou des points de passage entre le tempo d’un processus de création et celui d’un projet de recherche, selon mon expérience personnelle de créatrice et d’enseignante-chercheuse ». Or l’analyse des tensions et/ou complicités temporelles à l’œuvre dans le bipôle création/recherche (que sous-tend le distinguo, délibéré ou non, entre processus [de création] et projet [de recherche], termes qui supposent un rapport au temps radicalement différent) est rendue d’autant plus complexe qu’elle se reprend à d’autres temporalités : celles, elles-mêmes plurielles, relatives à l’enseignement, à l’encadrement des mémoires et thèses et à l’animation d’ateliers d’écriture en contexte universitaire – temporalités qui, si elles interrompent voire perturbent régulièrement celles relatives à la création et à la recherche, participent aussi à les nourrir, les informer, les relancer.Trois étapes ont jalonné ma réflexion : Premièrement, descriptive (titrée « Temps court, temps long, contre-temps ») ; deuxièmement, analytique (« Dysharmoniques & contrepoints ») ; troisièmement, théorique (« Dé-coïncidence, anachronisme, tiers-temps »). Il m’importait en effet de voir en quoi mes pratiques créatives-scientifiques, recoupant des expériences que je crois (au moins en partie) partagées, étaient susceptibles, pour peu que le constat débouchât sur l’analyse, d’ouvrir des chemins théoriques aptes à nourrir en retour nos pratiques pour nous les rendre plus conscientes – cette conscientisation étant essentielle dans toute démarche de recherche-création.

Communication, lors de la journée inaugurale de la Cité des écritures, dans le cadre de la table ronde "Écritures : l’articulation entre recherche et formation".Cette table ronde vise à mettre en évidence l’articulation entre recherche et formation en lien avec les écritures de création, quelles qu’en soient les modalités et les objets. Elle se propose de questionner notamment la démarche de recherche-création en écriture ou en traduction littéraires, l’intermédialité, ainsi que les enjeux pédagogiques et créatifs du webdocumentaire historique.

La restitution, au même titre que l'enregistrement, est une situation d'interaction qui fait partie de la pratique documentaire. Cette contribution propose quelques pistes pour penser les enjeux de cette situation de restitution et ses conditions de félicité. Elle se base sur l'expérience de restitution de la pièce sonore, "Le désensableur", qui était dans un premier temps un documentaire, puis une fiction radiophonique. La version fictionnelle ayant eu un effet plus percutant auprès de la personne initialement enregistrée, nous nous interrogerons sur les raisons de cette réception positive.

International audience; Les œuvres écrites entre les langues ne se contentent pas de mélanger ou d’alterner des langues, par la tension de l’entre-deux, elles figurent à la fois la présence et le manque, la proximité et la divergence. Ce volume collectif, issu d’un colloque international co-organisé les 14 et 15 juin 2021 par l’INALCO, l’Université Sorbonne Nouvelle, Aix-Marseille Université et l’Université d’Angers, avec la participation de la Chaire UNESCO pour le multilinguisme et avec le soutien de l’Institut du Tout-Monde et de la Maison des Écrivains et de la Littérature a été pensé lui aussi en tension entre des pratiques et des approches – de recherche, d’intervention, de création et de traduction – ancrées dans des épistémologies et des disciplines différentes. S’ouvrant par un entretien avec l’autrice et dessinatrice Zeina Abirached, il propose d’entrer dans le plurilinguisme littéraire à travers l’analyse de pratiques créatives entre les langues d’auteur.ices d’aires géographiques et linguistiques très diverses. Il présente ensuite un foisonnant espace de pratiques pédagogiques associant traduction et écriture créatives, entre les langues et les arts. Il a débouché sur une convention de partenariat de recherche, Lire et écrire entre les langues – LÉEL, 2022-2027* – pour fédérer, autour de la diversité des formes de lecture et d’écriture entre les langues, un réseau ouvert, où enseignant.es, chercheur.e.s, artistes, apprenant.e.s, actrices et acteurs locaux sont amenés à s’investir et dialoguer ensemble.* https://ecriplur.hypotheses.org/category/leel

La restitution, au même titre que l'enregistrement, est une situation d'interaction qui fait partie de la pratique documentaire. Cette contribution propose quelques pistes pour penser les enjeux de cette situation de restitution et ses conditions de félicité. Elle se base sur l'expérience de restitution de la pièce sonore, "Le désensableur", qui était dans un premier temps un documentaire, puis une fiction radiophonique. La version fictionnelle ayant eu un effet plus percutant auprès de la personne initialement enregistrée, nous nous interrogerons sur les raisons de cette réception positive.

For several years, choreography and dance have been emancipating themselves from each other and a new conception of choreography as an "expanded field" has been developing. This concept considers choreography as a practice that goes beyond the boundaries of art and education to be interested in society. Presented as an eminently theoretical and critical activity (Jenn Joy) it becomes a technology (that is to say, as an entanglement of possibilities having no precise goal but opening up possibilities to find and activate accurate knowledge for a certain situation) which can apply to different fields (Mårten Spångberg, 2017). In this sense, choreography is "the opportunity to enable forms of navigation of the world"; "A way of approaching and conducting life". We appropriate this notion of expanded choreography to address the question of how choreography can contribute to our ways of relating to the human and the non-human. The proposal to renew the notion of choreography and to make of it an expanded practice responds to a new paradigm that amplifies and surpasses its disciplinary conception to experiment with other ways of positioning ourselves in the world and of supporting our bodies in connection to an environment. Thus, from the expanded field of choreography, we develop relational strategies to experience learning through the body and subscribe to an artistic openness but also to an openness of the discipline to other practices. This thesis combines academic and artistic research on choreography based on the question: What sustains us? Based on a heuristic methodology between practice and reflection, we have designed choreographic research devices to write the body in the situation of creation, which we call corpographies. Conceived with a plurality of bodies, these explore our research questions while creating new questions and new avenues of reflection. Finally, we present the process of creation for the choreographic solo K()SA, the backbone of this exploration of practice-as-research and the singular embodiment of the questions brought forth by this research.; Depuis plusieurs années, la chorégraphie et la danse s’émancipent l’une de l’autre et une nouvelle conception de la chorégraphie comme « champ expansé » se développe. Il s’agit de penser la chorégraphie comme une pratique qui dépasse les frontières de l’art et de l’éducation pour s’intéresser à la société. Présentée comme une activité éminemment théorique et critique (Jenn Joy) elle devient une technologie (c’est-à-dire un entrelacement de possibilités pour activer les connaissances appropriées à une situation donnée) qui peut s’appliquer à différents champs et situations. Selon Mårten Spångberg, la chorégraphie est « l’opportunité d’activer des formes de navigation du monde » ; « une façon d’approcher et de conduire la vie » . Nous nous approprions cette notion de chorégraphie expansée pour nous intéresser à ce qu’elle peut apporter à nos façons de nous mettre en relation avec l’humain et le non-humain. La proposition de renouveler cette notion et d’en faire une pratique expansée répond à un nouveau paradigme qui amplifie et dépasse sa conception disciplinaire pour expérimenter d’autres façons de nous positionner dans le monde et de soutenir nos corps en lien avec un milieu. Ainsi, à partir du champ expansé de la chorégraphie, nous développons des stratégies relationnelles pour expérimenter un apprentissage par le corps et souscrivons à une ouverture artistique mais aussi à une ouverture de la discipline à d’autres pratiques. Cette thèse combine des pratiques de création et de recherche sur la chorégraphie à partir de la question : qu’est-ce qui nous soutient ? Sur la base d’une méthodologie heuristique située entre la pratique et la réflexion, nous avons conçu des dispositifs de recherche chorégraphiques pour écrire le corps en situation de création, que nous nommons les corpographies. Conçues avec une pluralité de corps, celles-ci explorent les questions de recherche tout en créant de nouveaux questionnements et de nouvelles pistes de réflexion. Finalement, nous présentons le processus de création de la pièce chorégraphique K( )SA, moelle épinière de cette recherche-création et incarnation singulière des questionnements de cette recherche.

Cet article interroge le genre médiatique et le format artistique des otome games, jeux vidéo qui racontent des histoires d’amour destinées à un public féminin. Un projet de recherche-création ancré dans le fonctionnement économique des industries culturelles permet de montrer que ces productions vidéoludiques standardisées permettent paradoxalement aux joueuses d’expérimenter leur identité et autorisent les variations en partant de l’idée centrale du désir féminin. This article questions the media genre and artistic format of otome games, video games based on love stories and aimed at female audiences. A research-creation project rooted in the economic working of cultural industries has shown that these standardized video games paradoxically allow players to experiment with their identity and allow variations around the central concept of female desire.

Actes à paraître; International audience; Depuis 2010, les livres d'historiens de l'art sur les ateliers d'artistes se multiplient. Or, ce qui me retient dans ce constat, du côté non de l’histoire de l’art mais de la recherche-création, soit de ce que j’appelle (reprenant certains termes à Pierre-Damien Huyghe, Brian Massumi et Erin Manning) "l’intensité inactuelle d’une pensée en pratiques et en actes des formes et gestes de l’art" et réciproquement de leurs "pratiques en pensée", c’est que l’atelier, son imaginaire, le « terrain » ethnographique qu’il constitue pour la pratique artistique, insistent précisément en deux moments essentiels, deux moments-charnières pour la recherche-création en France (mais au-delà de l’hexagone aussi bien).À ces raisons historiques que décrit le premier temps de l'analyse, qui me font dire qu’il y a aujourd’hui nécessité de penser l’atelier à partir de/pour nos démarches en recherche-création, s’en ajoutent d’autres, qui ont trait à l’empan pluridisciplinaire et à la visée transdisciplinaire qui motivent ma réflexion, que traversent en sous-main différents axes (terminologique, épistémologique, méthodologique, pédagogique): l'étude les déplie sous la forme de « nœuds » transdisciplinaires, qui tous interrogent le "commun" des ateliers en recherche-création.

Les troubles anxieux sont parmi les troubles de santé mentale les plus fréquents au Canada. En plus de sa prévalence sur le plan pathologique, l’anxiété consiste aussi en un état dont la plupart des humains feront l’expérience au cours de leur vie. Cela en fait un point de départ intéressant pour aborder l’enjeu plus large de la santé mentale. Les troubles anxieux, comme plusieurs autres maladies et incapacités, sont souvent invisibles, ce qui peut rendre leur expérience plus difficile pour ceux et celles qui en sont atteint∙e∙s. Ce projet de recherche-création aborde cette problématique en pensant aux possibilités et aux formes du « rendre visible ». De façon plus spécifique, son objectif est d’explorer et de comprendre comment des témoignages de personnes vivant avec un trouble anxieux peuvent être adaptés artistiquement et médiatiquement. En ce sens, le projet comportait trois étapes de recherche : 1) la collecte, par la méthode du récit de vie thématique, de deux témoignages de personnes vivant avec un trouble anxieux, 2) une adaptation artistique de ces témoignages réalisée par deux artistes invité∙e∙s, 3) la rétroaction face à l’œuvre des personnes ayant offert leur témoignage. La recherche a permis à la fois d’analyser le passage entre l’expérience vécue et l’œuvre d’art créée, mais aussi d’investiguer, par des entretiens semi-dirigés, la façon dont les artistes et les personnes ayant offert leur témoignage vivent ce processus. Dans l’esprit de la recherche-création, le projet propose aussi de communiquer à un grand public, par le biais du web, les témoignages, les créations et les résultats de cet échange. Me basant sur la pratique de la « curation », j’ai entrepris une adaptation (médiatique), dont le résultat est une exposition virtuelle appelée Anxiogenèse. Cette dernière, en plus de viser la sensibilisation à la réalité des troubles anxieux, m’a permis de réfléchir de façon plus personnelle à l’adaptation comme procédé créatif. Enfin, l’analyse des entretiens de recherche a mis en lumière divers résultats clés : comment plusieurs éléments extérieurs au matériel original contribuent au processus d’adaptation; comment les participant∙e∙s interprètent le passage du témoignage à l’œuvre selon des rapports de représentation abstraite, métaphorique et littérale; comment, sans s’être rencontré∙e∙s, les participant∙e∙s échangent indirectement entre eux; et, finalement, comment le concept d’adaptation prend divers sens au cours du projet, incluant lors du travail curatorial., Anxiety disorders are among the most common mental health issues in Canada. Not only is anxiety prevalent in a pathological form, it is also a state most human beings experience during their life, which makes it an interesting starting point to approach the issues surrounding mental health in general. Anxiety disorders, as other illnesses and disabilities, are often invisible. This makes them all the more challenging to live with. This research-creation project engages with this problem by reflecting on how we can “make visible”. More precisely, it aims to explore and understand how testimonies of persons living with an anxiety disorder can be adapted through arts and media – and therefore be rendered visible in various ways. The research was undertaken in three stages: 1) the collection, through the topical life story method, of testimonies by people living with an anxiety disorder, 2) artistic adaptions of these accounts by invited artists, 3) receiving feedback from the participants who had offered their testimony about the adaptation of their story. The research project allowed me to investigate how experiences of anxiety disorders can be translated into art, but also how the people involved in such a process (both artists and those sharing their story) experience this process. In the spirit of research-creation, I also set forth to share the stories, art pieces and knowledge resulting from this exchange to a larger audience through the medium of the web. Guided by the concept of curation, I endeavoured a second (media-oriented) adaptation phase, resulting in an online exhibition, Anxiogenèse. This allowed me to reflect in a more personal way about adaptation as a creative process, in addition to contributing to raising awareness about anxiety disorders. Finally, analysis of the research data highlights a few key ideas: on the ways in which elements that are external to the original testimony contribute to the adaptation process; on how participants construe the adaptations of the testimonials in ways that are literal, metaphorical and abstract; on the ways that the participants connect and relate to each other despite not having met; and lastly, on how the concept of adaptation takes on various meanings throughout the project, including through the curation process., Mémoire en recherche-création. L'annexe 3 contient, à des fins d'archivage, une version texte (accompagnée de captures d'écran) du site web produit dans le cadre de la recherche. Les vidéos incluses ici font partie des fichiers multimédia présentés sur le site web.

Ce mémoire de recherche-création a comme objectif de mieux comprendre les perceptions qu’ont les journalistes sur leur travail quotidien à l’ère numérique. Plus précisément, on tente de comprendre comment ces perceptions ont évolué depuis l’intégration des nouvelles technologies, comme Internet et les réseaux sociaux, au sein des entreprises médiatiques dans les 10 dernières années. En s’inspirant du concept d’accélération sociale d’Harmut Rosa, nous voulions examiner comment l’immédiateté conditionne quotidiennement les perceptions des journalistes sur les pratiques journalistiques. Pour l’illustrer, nous avons interviewé huit journalistes canadiens issus des quatre médiums différents – la télévision, la radio, la presse écrite et le web. D’autres facteurs comme l’âge, l’expérience de travail et le genre ont été pris en considération dans le processus de sélection des participants afin d’obtenir différentes perspectives sur le phénomène à l’étude. Ainsi, les journalistes participants ont été questionnés sur leurs façons de travailler et sur leur production, mais aussi sur leur rythme de travail, leur rapport au temps, l’intégration des technologies dans leur travail et les impacts de celles-ci. Les résultats, présentés sous forme de mise en abîme du journalisme, montrent que les journalistes ont l’impression qu’ils travaillent plus, travaillent plus vite, ont plus de pression, sont plus autonomes et multitâches, mais aussi que l’évolution des méthodes de travail a des répercussions sur la qualité de l’information. Ces sujets sont tous abordés dans les articles d’analyse rédigés pour le site web (Annexe 1) qui a été créé pour la partie créative de ce mémoire. Pour en arriver à ces résultats, nous avons opté pour une analyse thématique. Bien entendu, le faible échantillon de l’étude ne permet en aucun temps de proposer des généralités en la matière. Malgré cela, le nombre d’éléments communs dans chacune des entrevues démontre un raisonnement qui porte à croire que le travail des journalistes a bel et bien évolué depuis le début de l’ère numérique., This research-creation dissertation aims to better understand the perception that journalists have on the daily work in the digital age. More specifically, we try to understand how these perceptions have evolved since the integration of new technologies, such as the Internet and social networks, within media companies in the last 10 years. Drawing on Harmut Rosa's concept of social acceleration, we wanted to examine how immediacy conditions the perceptions that the press workers have on journalistic practices on a daily basis. To demonstrate this, we interviewed eight Canadian journalists from four different media - television, radio, print and the web. Other factors such as age, work experience and gender were taken into consideration in the selection process of participants in order to gain different perspectives on the phenomenon under study. Thus, the participating journalists were questioned about their ways of working and their production, but also about their pace of work, their relationship to time, the integration of technologies into their work and the impacts of these on their work. The results, presented in the form of a news website, show that journalists are under the impression that they work more, work faster, are under more pressure, are more autonomous and required to multitask, but also that the evolution of working methods has repercussions on the quality of the news. These topics are all covered in the articles written for the website (Appendix 1) that was created for the creative part of this dissertation. To get to these results, we opted for a thematic analysis. Of course, the small sample of the study does not at any time allow us to offer generalities in this area. Despite this, the number of common elements in each of the interviews demonstrates reasoning that suggests that the work of journalists has indeed evolved since the onset of the digital age., Mémoire en recherche-création

La médiation du corps performatif soulève la question de la réévaluation du corps vécu lié à certains phénomènes de recréation, recomposition impliquant le corps sensible et somatique lorsqu’il est touché par la technologie et qu’il incorpore les effets de la technologie. Pour comprendre ce phénomène, cet essai suggère d’examiner l’interrelation des notions de corporalité (notion qui concerne le corps physique dans sa matérialité, soit le corps anthropomorphique), de corporéité et d’incarnation (embodiment) dans une approche transdisciplinaire et en tant qu’ancrage à une dynamique d’auto-organisation. La philosophie de Merleau-Ponty sous-tendant les fondements mêmes de ces recherches, elle permettra de réfléchir sur le nouveau statut du corps contemporain dans le contexte technologique. Deux notions seront principalement utilisées. La « corporéité », en tant que forme du corps vécu et concept transdisciplinaire, et l’incarnation (embodiment) en tant qu’acte d’intégration par le corps – ici dans un environnement maintenant technologique. Dans l’évolution de l’interrelation entre le corps et l’environnement en modification, les deux sont en transrelation, une transformation se produit du fait de la relation entre le corps et son environnement. Pour conclure, nous proposons d’analyser ces nouvelles « réalités » dans une approche d’interconnexion merleau-pontienne et nietzschéenne, soit par une philosophie du devenir (of becoming), philosophie qui passe par le corps : être un corps, faire, risquer et créer – une philosophie qui entre en résonance avec cette transformation. The mediation of the performative body raises the question of the re-evaluation of the lived body related to certain phenomena of recreation, a recomposition involving the sensate and somatic body when it is affected by technology and incorporates the effects of technology. In order to understand this phenomenon, this essay suggests examining the interrelation of the notions of corporality (notion which concerns the physical body in its materiality, that is to say the anthropomorphic body), corporeality and embodiment in a transdisciplinary approach and as an anchoring to a dynamic of self-organization. With Merleau-Ponty’s philosophy underpinning the very foundations of this research, it will allow us to reflect on the new status of the contemporary body in the technological context. Two main notions will be used. “Corporeality”, as a form of the lived body and a transdisciplinary concept and embodiment as an act of integration by the body – here in a technological environment. In the evolution of the interrelation between the body and the changing environment, the two are in transrelation, a transformation occurs. To conclude, we propose to analyze these new “realities” in a Merleau-Pontian and Nietzschean interconnected approach, that is, through a philosophy “of becoming”, a philosophy that flows through the body: being a body, doing, risking and creating – a philosophy that resonates with this transformation.

International audience; Cet article analyse cinq pièces de théâtre contemporaines prenant pour objet l'espace et les transformations qu'il subit et dont la création s'appuie sur un travail d'enquête. Son objectif est de comprendre les intentions, méthodes d'enquête et pratiques d'écriture de ces artistes, ainsi que les choix et difficultés auxquels ils ont été confrontés. Il ne s'agit pas ici de juger les qualités esthétiques de ces pièces mais de comprendre comment leurs auteurs mobilisent un savoir d'enquête pour faire oeuvre, et peuvent, en cela, informer sur des enjeux géographiques. Le théâtre, par ses moyens spécifiques de représentation et en tant qu'espace de rencontre entre des publics, offre une scène de représentation des territoires, des projets dont ils sont l'objet et des débats qu'ils suscitent. Ces expériences se distinguent des pratiques de l'écriture académique tout en questionnant ses conventions. En s'intéressant en particulier à la mise en abyme de l'enquête, à la place de l'auteur, au recours à la fiction et aux inventions formelles, cet article mettra en évidence en quoi ces formes théâtrales ouvrent de nouvelles perspectives pour produire et restituer des connaissances sur l'espace, entre l'habitus de l'objectivité propre à la recherche académique et expression de la subjectivité dans une création artistique.

À partir de réflexions sur la participation citoyenne dans les quartiers, les notions du sensible et de l’esthétique environnementale, mais aussi le rôle de l’art dans les démarches citoyennes, cet article présente la démarche de cocréation de trajectoires territoriales Intertexting ainsi que les premiers retours d’expériences de ce nouvel outil dans différents quartiers. L’élaboration de récits collectifs sensibles ouvre des perspectives de déploiement dans les pratiques urbaines, du projet de quartier au projet urbain, avec les acteurs institutionnels et les acteurs locaux. Based on reflections on citizen participation in neighborhoods, notions of the sensitive and environmental aesthetics, but also the role of art in citizen approaches, this article presents the Intertexting co-creation process as well as the first feedback of this new tool from different neighborhoods. The development of sensitive collective narratives opens up prospects for deployment in urban practices, from the neighborhood project to the urban project, with institutional actors and local actors.

International audience

Ce texte est la version française d'un chapitre publié en espagnol dont voici les références bibliographiques définitives : Genvo S. (2021), « Teorías y práctica de los juegos expresivos » in : A.C. Moreno, A. Venegas (Eds.), La vida en juego. La realidad a través de lo lúdico. AnaitGames, Madrid, pp. 9-47. Version française disponible en ligne, « Theories et pratique des jeux expressifs » en ligne : https://hal.archives-ouvertes.fr/hal-03251467; International audience; Depuis le début des années 2010, je développe dans le cadre de mes travaux de recherche le concept de jeu expressif : un jeu proposant de se mettre à la place d’autrui pour explorer ses problématiques de vie (sociales, psychologiques, etc.), tout en permettant de faire l’expérience des dilemmes, choix et conséquences qui découlent de ces situations. Ce concept impose plusieurs questionnements à la recherche en ludologie : comment faire considérer ces productions comme des « jeux » alors qu’elles vont à l’encontre des attentes habituelles liées aux jeux vidéo du fait de leurs sujets sensibles ? Le jeu, notamment dans l’industrie vidéoludique, est en effet davantage synonyme de « fun » et de divertissement dans nos sociétés contemporaines. Comment impliquer émotionnellement le joueur tout en l’amenant à s’interroger sur les contenus sensibles développés dans ces jeux ? Et quelle serait la part d’expressivité du joueur et de l'oeuvre dans l'expérience ? De la même façon, quelles seraient les caractéristiques du jeu vidéo comme forme d’expression pour aborder ces thématiques ? L’article reviendra à la fois sur la genèse du concept de « jeux expressifs » (en le distinguant notamment de la notion de jeux sérieux et de jeux persuasifs), tout en donnant des pistes de réponse à l’ensemble des interrogations précédentes. Pour illustrer ces considérations théoriques, je montrerai comment cette recherche s’ancre également dans une perspective de game design, qui permet d’alimenter la réflexion. Je reviendrai notamment sur le développement et la réception de deux jeux que j’ai conçu en lien avec le concept de jeux expressifs, Keys of a gamespace (2011), qui abordait la thématique de l’atteinte à l’enfance et de la mémoire, et Lie in my heart (2019) qui aborde de façon autobiographique les thèmes du suicide, de la maladie mentale, du rapport de l’enfance au décès et de la résilience.

Inscrites au sein de notre société actuelle hétéronormée (Butler 1990), les représentations visuelles sont toujours teintées de codes culturels prescrits et genrés dont il est impossible de se défaire. Ces images actualisent et véhiculent des rapports de pouvoir (Foucault 1973) que l’on incorpore à travers nos identifications personnelles et nos pratiques artistiques. Les objectifs de cette maîtrise en études cinématographiques sont d’une part de contribuer au développement d’une méthodologie de recherche-création (Boutet 2018) critique et située (Haraway 1988) comme exercice de recherche académique en questionnant les rapports de pouvoir, et, d’autre part de proposer une alternative à la photographie de nu à travers la conception d’une installation lumineuse et sonore éphémère. Ma question de recherche se déploie à la fois à travers une posture politique et une méthodologie de recherche. D’une part, comment une recherche-création autoethnographique collaborative (Chang, Hernandez et Ngunjiri 2012) permet-elle de réfléchir les rapports de pouvoir au sein d’une pratique artistique afin de créer des images d’un corps féminin sans pour autant reproduire certains réflexes hétéronormatifs ? D’autre part, comment une posture critique et auto-réflexive féministe queer permet-elle de développer des stratégies de résistance et, par le fait même, d’échapper aux codifications culturelles genrées de son contexte ? J’avance l’hypothèse qu’en dématérialisant le corps au sein d’une pratique installative lumineuse et sonore, fondée sur une méthodologie collaborative, il serait possible d’offrir une résistance aux réflexes hétéronormatifs présents dans la représentation visuelle d’un corps féminin. Cette forme artistique qui se détache d’une narration visuelle traditionnelle serait ainsi une manière de résister au Male gaze (Mulvey 1993). Mon projet est une enquête méthodologique qui investigue la démarche intuitive et qualitative de l’autoethnographie collaborative en tant que méthode inclusive qui permet de questionner l’éthique d’une représentation. Au sein d’une recherche-création, le processus créatif est appréhendé comme recherche académique et me permet d’inclure mes autres pratiques artistiques parallèles au sein d’un mémoire protéiforme., Among our current hetero-normed society (Butler 1990), visual representations are always tainted with prescribed and gendered cultural codes that are impossible to get rid of. These images actualize and convey power relations (Foucault 1973) that we unconsciously incorporate through our personal identifications and artistic practices. This master's degree in film studies aims, on the one hand, to contribute to the development of a critical and situated (Haraway 1988) research-creation methodology (Boutet 2018) as an academic research exercise by questioning power relations, and, on the other hand, to offer an alternative to nude photography through the conception of an ephemeral light and sound installation. My research question includes a political approach and a research methodology. On the one hand, how does a collaborative autoethnographic research-creation (Chang, Hernandez and Ngunjiri 2012) allows us to rethink the power relations within an artistic practice in order to create images of a female body without reproducing some heteronormative reflexes? On the other hand, how does a critical and self-reflexive feminist queer approach can develop strategies of resistance and consequently avoid the gendered cultural codifications of its context? I argue that by dematerializing the body though a light and sound ephemeral installation practice, based on a collaborative methodology, it would be possible to offer resistance to the heteronormative reflexes currently involved in the visual representation of a female body. This artistic form that intentionally stands out from a traditional visual storytelling would thus become a way of resisting the Male Gaze (Mulvey 1993). My project is a methodological inquiry that investigates the intuitive and qualitative approach of collaborative autoethnography as an inclusive method that allows us to question the ethics of representation. Within the framework of a research-creation methodology, the creative process is regarded as an academic research and allows me to include my other parallel artistic practices into a protean master’s thesis., Mémoire en recherche-création

Morel est un roman social qui raconte l’évolution de la ville de Montréal au cours du 20e siècle, en particulier des quartiers Centre-Sud et Hochelaga-Maisonneuve, à travers la vie familiale et professionnelle d’un personnage fictif, Jean-Claude Morel, de sa naissance durant la Grande crise jusqu’à l’année 2018. En tant qu’ouvrier travaillant aux grands projets d’ingénierie urbaine qui ont transformé Montréal (gratte-ciels, métro, autoroutes, échangeurs, tunnel Louis-Hippolyte- La Fontaine, stade olympique), Morel est une victime collatérale de la modernité à laquelle il contribue : la destruction du Faubourg à M’lasse, les expropriations en vue de la construction de l’autoroute Notre-Dame, la désindustrialisation et l’embourgeoisement ont pour effet de le repousser toujours plus loin vers l’est et de briser sa famille, alors que son métier exigeant et dangereux brise son propre corps. Morel remet en question la manière de raconter la vie d’un homme et de faire le récit d’une ville en faisant de la chronologie l’enjeu principal de sa forme, par un constant jeu d’analepses et par un télescopage temporel, la fin d’un chapitre se poursuivant au début du suivant, bien que l’action se déroule dans des lieux et un temps différents. Ainsi, ce roman est aussi une « fiction de l’histoire » en ce qu’il interroge les caractéristiques communes entre la fiction et la science de l’histoire : la narrativité, la focalisation, l’ancrage documentaire, et la chronologie au premier chef. /// Gilbert La Rocque, Montréal et la modernité pourrie est un essai littéraire dans lequel je m’investis comme écrivain pour faire dialoguer ma pratique d’écriture avec celle de l’écrivain montréalais Gilbert La Rocque (1943-1984). Auteur de six romans et d’un téléthéâtre entre 1970 et 1984, La Rocque, bien qu’il ait bénéficié de son vivant de la reconnaissance de ses pairs en tant que romancier et éditeur, demeure une figure négligée par les études littéraires québécoises. Cet essai a pour but de le recadrer dans l’écosystème littéraire de son époque en analysant comment sa représentation de Montréal est une manifestation du « catastrophisme [qui] se trouve au cœur même de la modernité québécoise » (Pierre Nepveu, L’écologie du réel), principalement à travers les figures de la ville en tant que « monstre-avaleur » et que nécropole dont les habitants sont des parasites, des insectes et des vermines. Le concept de modernité québécoise est interrogé dans une perspective historique, des représentations de Montréal au 19e siècle jusqu’à la Révolution tranquille où le Québec achève son « entrée dans la modernité » (Marcel Fournier). Les œuvres de La Rocque sont étudiées en fonction de diverses tendances qui animent la littérature québécoise durant la modernité propre à ses années de production : la littérature engagée ayant un « sujet- nation » comme protagoniste, les romans autoréférentiels de la modernité de l’écriture (Jean Fisette) et les romans de l’écrivain mettant en scène une institution littéraire professionnalisée, manifestations d’une « modernité avancée » spécifiquement québécoise qui, chez Gilbert La Rocque, étant donné l’omniprésence de la mort de la putréfaction dans son œuvre, est synonyme de modernité pourrie. Essai libre qui construit son propos dans la spéculation propre à la création littéraire universitaire (Jean-Simon DesRochers), Gilbert La Rocque, Montréal et la modernité pourrie peut être considéré comme un essai-découverte (Gérard Bessette) qui n’est pas sans rappeler les œuvres que consacre Victor-Lévy Beaulieu à ses influences., Morel is a social novel that recalls the evolution of the city of Montréal throughout the twentieth century, in particular the working-class neighbourhoods of le Centre-Sud and Hochelaga- Maisonneuve, via the personal and professional life of Jean-Claude Morel, who was born during the Great Depression. The eponymous Morel, a construction worker, participates in major engineering works that change the face of Montréal (including sky-scrapers, the métro, highways, interchanges, the Louis-Hyppolite-La Fontaine tunnel, and the Olympic Stadium), and is also a collateral victim of the modernity he helps shape: the destruction of the Faubourg à M’lasse, the expropriations ahead of the construction of the Notre-Dame highway, the city’s deindustrialization and the gentrification push him further East and break up his family, while his dangerous and strenuous profession breaks his body. Morel questions the way we tell a character’s story and the history of a city by making chronology its key formal issue, through constant use of analepses and “temporal telescoping” between chapters, where the action at the end of a chapter is continued in the beginning of the next, even though the time and location of the action may differ. The novel is, therefore, a “fiction of history”: it questions those characteristics shared by fiction and by the discipline of history alike, such as narrativity, focalization, documentation reliability, and first and foremost chronology. /// Gilbert La Rocque, Montréal and the Rotten Modernity is a literary essay in which, as a fiction writer myself, I enter into dialogue with the work of Montréal writer Gilbert La Rocque (1943- 1984). Having published six novels and a television play published between 1970 and 1984, La Rocque gained recognition among his peers as a critical writer and editor, and yet he remains a marginal figure in Québec literary studies. This essay attempts to reframe him into his generation’s literary ecosystem by studying how his representation of Montréal is a manifestation of the “catastrophism at the heart of Québec’s modernity” (Pierre Nepveu, L’écologie du réel), mostly though the figures of the city as a “swallowing monster” and a necropolis inhabited by a population of parasites, insects, and vermin. The concept of Québec’s modernity is discussed within an historical perspective, from the representation of Montréal in nineteenth literature to the Quiet Revolution, when Québec finalizes its “entry in modernity” (Marcel Fournier). La Rocque’s novels are influenced by the various literary movements that evolved in Québec literature throughout the particular modernity of his fifteen years of production: militant literature with a “character-nation” as a protagonist, autoreferential novels characteristic of the writing modernity (Jean Fisette), and “writer novels” depicting the professionalization of Québec’s literary institution. All are manifestations of a specifically Québécois “advanced” or “late modernity”, which, considering the omnipresence of death and decay in La Rocque’s novels, is a modernity synonymous with putrefaction. This freely composed essay with the characteristic speculation of creative writing in University (Jean-Simon DesRochers) can be considered as an essay-discovery (Gérard Bessette) that resembles Victor-Lévy Beaulieu’s series dedicated to the authors that influenced him., Thèse en recherche-création.

International audience; "Based on reflections on citizen participation in neighborhoods, notions of the sensitive and environmental aesthetics, but also the role of art in citizen approaches, this article presents the Intertexting co-creation process as well as the first feedback of this new tool from different neighborhoods. The development of sensitive collective narratives opens up prospects for deployment in urban practices, from the neighborhood project to the urban project, with institutional actors and local actors."; "À partir de réflexions sur la participation citoyenne dans les quartiers, les notions du sensible et de l’esthétique environnementale, mais aussi le rôle de l’art dans les démarches citoyennes, cet article présente la démarche de cocréation de trajectoires territoriales Intertexting ainsi que les premiers retours d’expériences de ce nouvel outil dans différents quartiers. L’élaboration de récits collectifs sensibles ouvre des perspectives de déploiement dans les pratiques urbaines, du projet de quartier au projet urbain, avec les acteurs institutionnels et les acteurs locaux." (source éditeur)

International audience; How to share an individual life story through play? Isn't there a contradiction in wanting to transmit established events to a player who is in search of possibilities of appropriation, of exercising what is possible? And conversely, in this case, how to mediate the lived experience of others? How can we encourage involvement on a ludic and narrative level, these two aspects being in this case inseparable? While these questions arise repeatedly in the context of games with a strong narrative component, they were central to a research-creation project entitled Lie in my heart (Expressive Gamestudio, 2019). Presented as a production inspired by real events, Lie in my heart is a game that proposes a reflection on videogame autobiography. It addresses the themes of the loss of a loved one who has chosen to end his or her life, the relationship between childhood and death, and resilience. This article develops a model of ludonarrative analysis that allows us to provide answers to the preceding problems. Then we relate this model to the creative choices that were established during the development of Lie in my heart. We finally explore some elements of reception of the game.; Comment partager une histoire de vie individuelle par le jeu ? N’y a t’il pas une contradiction à vouloir transmettre des évènements établis à un joueur qui est en quête de possibilités d'appropriation, d’exercice des possibles ? Et à l’inverse, dans ce cas, comment faire œuvre de médiation par rapport l’expérience vécue d’autrui ? Comment susciter l’engagement sur le plan ludique et narratif, ces deux aspects étant dans ce cas indissociables ? Si ces questions reviennent de façon récurrente dans le cadre de jeux à forte composante narrative, elles ont été centrales au sein d’un projet de recherche - création intitulé Lie in my heart (Expressive Gamestudio, 2019). Présenté comme une production inspirée d’évènements réels, Lie in my heart est un jeu qui propose une réflexion sur l’autobiographie vidéoludique. Il aborde les thèmes de la perte d’un être proche ayant choisi de mettre fin à ses jours, la relation de l’enfance au décès et la résilience. Cet article développe un modèle d’analyse ludonarratif permettant d’apporter des pistes de réponse aux problématiques précédentes, ceci en les mettant en relation avec les choix créatifs qui ont été établis lors du développement de Lie in my heart et avec l’analyse d’éléments de réception du jeu.

Faisant écho aux recherches contemporaines sur la narrativité du jeu vidéo et s’inscrivant au cœur des problématiques du Narrative Design, cet article s’appuie sur un travail de recherche-création pour défendre l’idée d’une valeur narrative de l’expérience corporelle des mécaniques ludiques. Il met plus précisément en lumière les potentiels expressifs de la dissonance et de l’harmonie ludo-narrative, la portée narrative des mécaniques ludiques et l’importance de la corporéité dans la construction du sens de l’expérience. Anchored in contemporary scientific research about video games narrativity and tackling current considerations in the field of Narrative Design, his paper presents a research-creation project that explores the idea of a narrative value of the game mechanics experienced through the body. More precisely, three concepts are discussed: the ludo-narrative dissonance and harmony, the narrative game mechanics and the narrative body experience of the game.