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The research deals with a question about Architecture and its design strategies, combining historical information and digital tools. Design strategies are historically defined, they rely on geometry, context, building technologies and other factors. The study of Architecture´s own history, particularly in the verge of technological advancements, like the introduction of new materials or tools may shed some light on how to internalize digital tools like parametric design and digital fabrication.

Das 1850 an der Münchner Theresienwiese enthüllte Bavaria-Standbild von Ludwig von Schwanthaler erfuhr in den Bildmedien der zweiten Hälfte des 19. ebenso wie des frühen 20. Jahrhunderts eine intensive Rezeption. Neben Darstellungen in etablierten Techniken wie der Ölmalerei, der Lithografie oder dem Fresko traten vermehrt karikierende Verarbeitungen der Bavaria in Kunst- und Satireblättern sowie auf Postkarten auf. Dies führte zu einer zunehmend ereignisbezogenen Motivik mit beachtlicher inhaltlicher Vielfalt. Ausgehend von einem mehr als 120 Darstellungen umfassenden Bildkorpus konnten übergreifende Themenkomplexe wie Kunst und Kultur, Politik und Gesellschaft, Technik und Fortschritt, Tourismus oder Freizeit und Brauchtum mit jeweils eigener Funktion der Bavaria im innerbildlichen Gefüge herausgearbeitet werden. Das Bavaria-Standbild diente entsprechend als aktives Sprachrohr gleichermaßen wie passive Projektionsfläche spezifischer Ereignisse. Eine eminente Rolle spielte dabei die individualisierte und situativ angepasste bildliche Inszenierung. Ludwig von Schwanthaler's statue of Bavaria, unveiled in 1850 at Munich's Theresienwiese, received intensive reception in the visual media of the second half of the 19th and early 20th centuries. In addition to depictions in established techniques such as oil painting, lithography or frescoes, caricatures of the statue of Bavaria increasingly appeared in art and satirical magazines as well as on postcards. This led to an increasingly event-related motifs with considerable diversity of content. Based on a pictorial corpus comprising more than 120 representations, overarching thematic complexes such as art and culture, politics and society, technology and progress, tourism or leisure and customs, each with its own function of Bavaria, could be worked out in the inner pictorial structure. The statue of Bavaria served as an active mouthpiece as well as a passive projection screen for specific events. An eminent role was played by the individualized and situationally adapted pictorial staging.

The doctoral thesis examines the photographic technique of composite portraiture in relation to the works of Francis Galton and other protagonists of the technique in the context of the time of its invention in late nineteenth-century, as well as in current science, arts and popular culture. By starting with an exploration of the development as well as the epistemic nature, understanding, and reception of composite portraiture, the study aims to contextualise the photographic technique in nineteenth-century scientific and artistic discourses and analyse its controversial role as artificial construct and material evidence, as a prognostic tool and visual proof for physical, mental and social difference in the human species. The study reveals divergent but interlinked gazes, historically shaped lexi-visual regimes that have been adopted by composite portraiture as a socio-technological practice, which provide the organisational structure of the individual case studies in the different fields in which the technique has been used. My discussion of examples from this extensive corpus shows the pervasiveness and persistence of the technique in various fields as well as the adaptations, re-evaluations, and advancements of composite portraiture over its almost 150-year history. Composite portraiture is understood not only as a photographic technique of the superimpostion of several photographic portraits into an artificial meta-portrait in order to provide representative, stereotypical images of human features, but as an active agent and a (sometimes racist) ideologically motivated process in the formation of knowledge and social realities. The study aims to untangle the diverse interests, ideological backgrounds, experimental layouts, and the power-knowledge regimes that were involved in the formation of composite narratives and that became condensed into (highly charged) visual facial forms. Moreover, the examination demonstrates the proximity of the scientific technique to artistic photography and aesthetic theories. Thus its historical-epistemological approach can be described as a de-composition of the composite meta-portraits and of their discursive formation as typecasts for alleged social and biological groups of society. The investigation shows the connections of composite portraiture to earlier modes of “reading off the face” in physiognomy and phrenology; its involvement in criminology and criminalistics; the technique’s role in the medical field; as a diagnostic and predictive device and as a disciplinary technique of biopolitical management; its role in eugenics and its use as a normative ideal and visual target for a future society. Furthermore the technique was influential in a metaphorical and conceptual way: as a photo-visual re-enactment of visual modes of medical and scientific reasoning, as a conceptual aid in the development of theories of genetic transmission, and as a way of making sense of human perception and the formation of mental images. As artificial visualisations, they furthered a specific form of epistemological reasoning in which vision as the primary sense of evidential production was maintained – and complemented with an apparative hyper-visuality and new forms of photo-chemical perception. This first comprehensive study of composite portraiture examines the large corpus of historical composite portraits and individual component portraits, their production and contextualisation as well as the more recent production of composite portraits, often by digital means, in science, the arts, and popular culture. This diachronic reading of composite portraiture opens new perspectives on present uses of the technique but also on the historical images and their modes of reasoning, as well as on the role of composite photography in the construction of a particular epistemic picture of the human.

Der Titel „Kulturhauptstadt Europas“ als historisch einmalige Chance gibt Wesprim und der Bakony-Plattensee-Region die Möglichkeit, die Vielfalt und die Gemeinsamkeiten europäischer Kulturen und die gemeinsame europäische Zugehörigkeit zu präsentieren.

Dieser Band eröffnet einen neuen, intersektionalen Blick auf die Kunstpatronage und künstlerische Repräsentation von Herrscherinnen der Frühen Neuzeit. Unter dem Begriff „Herrscherinnen“ werden dabei sowohl Herrscherinnen aus eigenem Recht als auch Frauen, die als Gemahlinnen, Regentinnen oder Witwen ihren Einfluss bei Hofe geltend machten, verstanden. Untersucht wird die Auftraggeberschaft von Herrscherinnen speziell im Hinblick auf die intersektionale Verschränkung von Differenzkategorien sowie deren Einfluss auf die Handlungsspielräume der Akteurinnen. Somit liegt der Schwerpunkt auf den vielfältigen Faktoren, die neben dem Faktor Geschlecht die Präsentation und Repräsentation von Frauen an frühneuzeitlichen Höfen konditionierten. Die versammelten Fallstudien leuchten den Zeitraum zwischen dem 15. und späten 18. Jahrhundert aus und ermöglichen einen Vergleich der Situation in den verschiedenen, intensiv miteinander verflochtenen Staaten Europas., This book introduces a new, intersectional perspective on the artistic patronage and representation of female rulers in the early modern period. The term "rulers" refers to female rulers in their own right as well as to women who asserted their influence at court as consorts, regents, or widows. The patronage of female rulers is examined particularly with regard to the intersectional entanglement of categories of difference and their influence on these women’s agency. Thus, the focus is on the manifold factors that, besides gender, shaped the presentation and representation of women at early modern courts. The different case studies cover the period from the 15th to the late 18th century and offer a comparison of the situation in the different, intensely intertwined states of Europe., FAU Studien Gender Differenz Diversität; 3

The calculus of design is a diagrammatic approach towards the relationship between design and insight. The thesis I am evolving is that insights are not discovered, gained, explored, revealed, or mined, but are operatively de—signed. The de in design neglects the contingency of the space towards the sign. The — is the drawing of a distinction within the operation. Space collapses through the negativity of the sign; the command draws a distinction that neglects the space for the form's sake. The operation to de—sign is counterintuitively not the creation of signs, but their removal, the exclusion of possible sign propositions of space. De—sign is thus an act of exclusion; the possibilities of space are crossed into form. Das Kalkül des Designs ist ein diagrammatischer Denkansatz zum Verhältnis von Design und Erkenntnis. Die These, die ich vertrete, lautet, dass Erkenntnisse nicht entdeckt, gewonnen, erkundet, aufgedeckt oder abgebaut werden, sondern operativ de—signed werden. Das de im Design vernachlässigt die Kontingenz des Raums gegenüber dem Zeichen. Das — ist die Zeichnung einer Unterscheidung innerhalb der Operation. Der Raum kollabiert durch die Negativität des Zeichens; der Befehl zieht eine Unterscheidung, die den Raum um der Form willen vernachlässigt. Die Operation "de—sign" ist kontraintuitiv nicht die Erschaffung von Zeichen, sondern ihre Beseitigung, der Ausschluss möglicher Zeichensätze des Raums. De—sign ist also ein Akt des Ausschlusses; die Möglichkeiten des Raums werden in die Form gekreuzt.

Der Artikel beschreibt in Form eines Erfahrungsberichts verschiedene Aspekte der Diaprojektion in kunsthistorischen Vorlesungen und Seminaren an deutschen Universitäten. Die Beispiele beziehen sich vorwiegend auf die Kleinbilddiaprojektion in den 1980er bis 2000er Jahren., The article describes in the form of a testimonial various aspects of slide projection in art history lectures and seminars at German universities. The examples mainly refer to 35mm slide projection from the 1980s to the 2000s.

This meta-analysis synthesizes 332 effect sizes of various methods to enhance creativity. We clustered all studies into twelve methods to identify the most effective creativity enhancement methods. We found that, on average, creativity can be enhanced, Hedges’ g = 0.53, 95%-CI [0.44, 0.61], with 70.09% of the participants in the enhancement conditions being more creative than the average person in the control conditions. Complex training courses, meditation and cultural exposure were most effective (gs = 0.66), while the use of cognitive manipulation drugs was least and also non-effective, g = 0.10. The type of training material was also important. For instance, figural methods were more effective in enhancing creativity, and enhancing converging thinking was more effective than enhancing divergent thinking. Study effect sizes varied considerably across all studies and for many subgroup analyses, suggesting that researchers can plausibly expect to find reversed effects occasionally. We found no evidence of publication bias. We discuss theoretical implications and suggest future directions for best practice in enhancing creativity.

Im Fokus dieser Studie stehen mehrere Gruppen von tragbaren Skulpturen unterschiedlicher Größe und aus unterschiedlichem Material gefertigt (Bronze bzw. Papiermaché), die eine bestimmte Überlieferungslinie von Lehrern der Lamdre-Tradition darstellen. Lamdre („Der Weg und das Resultat“) bildet das zentrale religiöse Lehrsystem der Sakya-Schule des tibetischen Buddhismus und ihrer wichtigsten Zweigschule, der Ngor-Schule. Diese wenig bekannten oder weitgehend unerforschten Skulpturen und Skulpturengruppen befinden sich in der Sammlung des Klosters Namgyal in Mustang (Nepal), dem ehemaligen Königreich von Lowo (Glo bo), an der Grenze zu Tibet gelegen. Sie stammen aus dem späten 15. bis frühen 16. Jahrhundert, einer höchst innovativen Phase buddhistischer Kunstproduktion in Tibet und dem Himalaya, in der sich regionale Stile entwickelten und neue künstlerische Gestaltungsformen erprobt wurden, einschließlich verschiedener Arten des Porträts. Hierzu zählen idealisierte, typisierte, und gelegentlich hoch-expressive, Darstellungen von Lehrern innerhalb einer Überlieferungslinie ebenso wie individualisierte, realistische Einzelporträts von bedeutenden buddhistischen Meistern, die offensichtlich nach dem lebenden Modell geschaffen wurden. Basierend auf einer vergleichenden kunsthistorischen Analyse zeigt die Arbeit, dass der Repräsentation der Überlieferungslinie als Ganzes eine höhere Stellung beigemessen wurde als der Schaffung von Ähnlichkeit mit den einzelnen Figuren innerhalb einer Skulpturengruppe. Die Bildwerke reflektieren außerdem die religiösen, historischen und künstlerischen Verbindungen zwischen Mustang und angrenzenden Königreichen in West-Tibet, der Provinz Tsang und dem Kathmandu-Tal. Sie zeigen, dass die lokalen Klöster auf ein etabliertes Netzwerk von buddhistischen Klostergemeinschaften, machtvollen und wohlhabenden Stiftern und künstlerischen Traditionen aufbauen konnten, und dass sich die Region als ein Zentrum skulpturaler Produktion von höchster Qualität und Innovation etablierte. This two-volume dissertation on lineage portraiture in Tibetan Buddhist art investigates in its core a body of portable sculpture preserved in a monastery in Mustang, Nepal. Most of these sculptures were originally part of sets documenting the person-to-person transmission of the most important teaching of the Ngor tradition, the Lamdre or “Path with the Result.” The Ngor tradition is a sub-tradition of the Sakya school of Tibetan Buddhism to which this teaching traces back. Accordingly, most Sakyapa and Ngorpa monasteries may have had one or more Lamdre lineage sets in painting and/or sculpture. The focus of the study is on the iconographic and overall visual conceptions of different sets representing the same teacher lineage produced for or within the same regional context (Mustang in the fifteenth and sixteenth centuries). A comparative analysis of the different sets shows that depicting the lineage teachers as a collective entity was deemed more important than creating physical likenesses of the individual teachers. This is reflected in the variation of the depiction of individual teachers from one set to another in terms of facial features, hand gestures, and even the type of practice a teacher may be associated with. The study also considers the emergence and evolution of teacher lineages within the Sakya school, introducing lineage representations on monumental backrest arches in repoussé work at the Sakya Lhakhang Chenmo in south-western Tibet. It also discusses teacher portraits produced outside the Lamdre lineage to reflect on questions of individuality, realism and likeness in Tibetan portraiture. A special focus is on portraits of two princely monks from the ruling house of Mustang, Lowo Khenchen and Lodrö Gyaltsen Pelzangpo. Overall, the lineage depictions and individual portraits are analyzed in relation to art history research on portraiture, Tibetan religious and political history, as well as their religious significance and ritual use.

Visual Literacy (VL) is defined as a set of competencies to understand and express oneself through visual imagery. An expansive model, the Common European Framework of Reference for Visual Literacy (CEFR-VL) (Wagner & Schönau, 2016), comprises 16 sub-competencies, including abilities such as analyzing, judging, experimenting with or aesthetically experiencing images. To empirically assess VL sub-competencies different visual tasks were presented to VL experts and novices. Problem-solving behavior and cognitive strategies involved in visual logical reasoning (Paper 1), Visual Search (Paper 2), and judgments of visual abstraction (Paper 3) were investigated. Eye tracking in combination with innovative statistical methods were used to uncover latent variables during task performance and to assess the possible effects of differences in expertise level. Furthermore, the relationship between students' self-reported visual abilities and their performance on VL assessment tasks is systematically explored. Results show how effects of perceptual skills of VL experts are less pronounced and more nuanced than implied by VL models. The comprehension of visual logical models does not seem to depend much on VL, as experts and novices did not differ in their solution strategies and eye movement indicators (Paper 1). In contrast, the visual search task on artworks revealed how experts were able to detect target regions with higher efficiency than novices revealed by higher precision of fixations on target regions. Furthermore, latent image features were detected by experts with more certainty (Paper 2). The assessment of perceived level of visual abstraction revealed how, contrary to our expectations, experts did not outperform novices but despite that were able to detect nuanced level of abstraction compared to student groups. Distribution of fixations indicate how attention is directed towards more ambiguous images (Paper 3). Students can be classified based on different levels of visual logical comprehension (Paper 1), on self-reported visual skills, and the time spent on the tasks (Paper 2, Paper 3). Self-reported visual art abilities of students (e.g., imagination) influences the visual search and the judgment of visual abstraction. Taken together the results show how VL skills are not determined solely by the number of correct responses, but rather by how visual tasks are solved and deconstructed; for example, experts are able to focus on less salient image regions during visual search and demonstrate a more nuanced interpretation of visual abstraction. Low-level perceptual abilities of experts and novices differ marginally, which is consistent with research on art expertise. Assessment of VL remains challenging, but new empirical methods are proposed to uncover the underlying components of VL., Visual Literacy (VL; dt: "Bildkompetenz") ist definiert als eine Reihe von Kompetenzen, zur Rezeption und Produktion von Bildsprache. Ein umfassendes Modell, der Gemeinsame Europäische Referenzrahmen für Visual Literacy (CEFR-VL) (Wagner & Schönau, 2016), umfasst 16 Teilkompetenzen, darunter Fähigkeiten wie das Analysieren, Beurteilen, Experimentieren mit Bildern oder das ästhetische Erleben von Bildern. Um VL-Teilkompetenzen empirisch zu untersuchen, wurden verschiedene visuellen Aufgaben zwischen VL-Experten und Novizen verglichen. Untersucht wurde das Problemlösungsverhalten und die kognitiven Strategien bei visuell-logischem Denken (Paper 1), Visueller Suche (Paper 2) und der Beurteilung von visueller Abstraktion (Paper 3). Eye-Tracking in Kombination mit innovativen statistischen Methoden wurden verwendet, um latente Variablen aufzudecken, welche bei der Aufgabenausführung ein Rolle spielen und mögliche Unterschieden im Expertiselevel differenzieren. Darüber hinaus wurde die Beziehung zwischen den selbstberichteten visuellen Fähigkeiten von Schüler*innen und ihrer Leistung zu VL-Aufgaben systematisch exploriert. Die Ergebnisse zeigen, dass die Effekte der Wahrnehmungsfähigkeiten von VL-Experten weniger ausgeprägt und nuancierter sind als von VL-Modellen impliziert. Das Verständnis von visuell-logischen Modellen scheint nicht von VL abhängig zu sein, da sich Experten und Novizen in ihren Lösungsstrategien und Augenbewegungen kaum unterschieden (Paper 1). Im Gegensatz dazu zeigte die visuelle Suchaufgabe auf Kunstwerken, wie Experten in der Lage waren Bildelemente mit höherer Effizienz als Novizen zu identifizieren, indiziert durch eine höhere Präzision der Fixierungen auf Zielregionen. Darüber hinaus wurden latente Bildmerkmale von Experten klarer umrissen (Papier 2). Die Bewertung des wahrgenommenen visuellen Abstraktionsniveaus zeigte, entgegen den Erwartungen, dass Experten Novizen nicht übertreffen konnten aber trotzdem ein nuanciertes Niveau der Abstraktion im Vergleich zu Studentengruppen aufzeigten. Die Verteilung der Fixierungen zeigt an, wie sich die meiste Aufmerksamkeit auf mehrdeutige Bilder verteilt (Paper 3). Schüler*innen können auf der Grundlage unterschiedlicher Ebenen des visuell-logischen Verständnisses (Paper 1), zu selbstberichteten visuellen Fähigkeiten und der aufgewendeten Zeit zur Lösung der Aufgaben (Paper 2, Paper 3) klassifiziert werden. Selbstberichtete künstlerische Fähigkeiten der Schüler (z. B. Vorstellungskraft) beeinflusst die visuelle Suche und die Beurteilung visueller Abstraktion. Zusammengenommen zeigen die Ergebnisse, dass VL-Fertigkeiten nicht nur durch die Anzahl der richtigen Lösungen bestimmt werden kann, sondern vielmehr dadurch, wie visuellen Aufgaben gelöst und dekonstruiert werden; Experten sind beispielsweise in der Lage, sich während der visuellen Suche auf weniger markante Bildbereiche zu konzentrieren und zeigen eine nuanciertere Interpretation von visueller Abstraktion. Die Wahrnehmungsfähigkeiten von Experten und Novizen unterscheiden sich marginal, was mit Ergebnissen aus der Kunstexpertise-Forschung vergleichbar ist. Bewertung von VL bleibt eine Herausforderung. Neue empirische Methoden werden vorgeschlagen, um die zugrunde liegenden Komponenten von VL aufzudecken.

In der Dissertation werden textile und andere organische Materialien der Bekleidung und Gürtel, der Ausrüstung und der Grabausstattung, wie Polster- und Füllmaterialien, Unterlagen und Einstreuungen aus Männergräbern des frühmittelalterlichen Reihengräberfelds aus dem oberbayerischen Ort Petting (Lkr. Traunstein) untersucht. Es werden 534 Objekte mit u. a. 790 Textilfragmenten aus 55 Männergräbern ausgewertet. 1700 Proben werden mit dem Rasterelektronenmikroskop und dem Durchlichtmikroskop analysiert. Abhängig von der Menge und dem Potential der Untersuchungsergebnisse können die einzelnen Bestattungen rekonstruiert werden. Die Ergebnisse der einzelnen Gräber werden zusammengeführt und ausgewertet. The present dissertation examines textiles and other organic materials of clothing and belts, personal equipment and grave furnishings, as padding and filling materials, underlays and scatters from male graves from the early medieval linear cemetery at Petting (county of Traunstein), Upper Bavaria. 534 objects with inter alia 790 textile fragments from 55 male graves are evaluated. 1,700 samples are investigated by scanning electron microscope and transmitted light microscope. Depending on the amount and the potential of the investigation results the single burials can be reconstructed. The results of the single graves are merged and evaluated.

Seit dem in den 1990er Jahren proklamierten Animal Turn befasst sich das interdisziplinäre Forschungsfeld der Human-Animal Studies mit dem von Missverständnissen geprägten Verhältnis zwischen Mensch und Tier. Das Bestreben liegt darin, Disziplinen wie Biologie, Philosophie, Soziologie, Anthropologie und Geschichte zusammenzuführen und einen Perspektivwechsel hin zur Anerkennung nichtmenschlicher Wirkmächtigkeit und ihrer Agency vorzunehmen. Ich werde zu Beginn meiner Arbeit nachvollziehen, in welchem Maße die religiöse, wissenschaftliche und philosophische Zentrierung des Menschen immer wieder dazu gedient hat, jedwede Form von Unterdrückung und Gewalt an sogenannten Anderen zu legitimieren. Dies war und ist nur dadurch möglich, dass sich der angebliche Universalismus des Menschen aus dem Konstrukt des heterosexuellen, weißen Mannes speist(e), dessen Männlichkeit als geschlechtslos, dessen „Weißsein als unrassifiziert, Cis-Geschlechtlichkeit als echt, und so weiter“ (Laboria Cuboniks 2015: 26) erscheint. So wurden „Tiere“, „Frauen“ und „Schwarze“ in abendländischen Diskursen immer wieder als „Andere“ konstruiert, diffamiert, diskriminiert und eliminiert. Während das Überleben auf einem gemeinsamen Planeten einen ebenso bescheidenen wie essentiellen Anspruch formuliert, bleibt darüber hinaus auf kommende Gemeinschaften zu hoffen, in der unterschiedlichen Seins- und Beziehungsweisen nicht mit Gewalt und Unterdrückung, sondern gegenseitigem Respekt, Neugierde und „uneigennütziger Solidarität“ (Vgl. Ebd.: 33) begegnet wird, sowohl zwischen Menschen als auch zwischen Spezies. Die Bestrebungen der Human-Animal Studies sind in diesem Sinne basal für zukünftige, fürsorglichere Gesellschaften, die erst mit der Überwindung des Anthropozentrismus möglich sind. Wie kommen wir endlich von den etablierten Positionen im Nachdenken über humans und nonhuman animals hin zu einer Neukonstitution von Beziehungsweisen und zu der Anerkennung produktiver Differenzen? Einen eigenen Wissenskanon zu formulieren, ist eine wirksame Intervention, um den hartnäckigen Fundamenten den Kampf anzusagen. Diese Arbeit ist in dieser Hinsicht auch eine Dokumentation meiner Recherche nach Verbündeten, deren Gemeinsamkeiten und produktiven Differenzen. Die titelgebenden ANIMAL REMINDER leihe ich mir von Martha C. Nussbaum und etabliere sie im Laufe der Arbeit als eine Figur der Transition: ANIMAL REMINDER verweisen auf die Probleme und Potentiale an porösen Grenzübergängen. Deren Koordinaten sind variabel und einer Vielzahl an Interpretationen und Irritationen unterworfen. ANIMAL REMINDER kommentieren zeitgenössische Diskurse an den Schnittstellen von feministischer Theorie, Kunst, Technik und Wissenschaft und lassen sie in unterschiedlichen Bedeutungsfacetten changieren. Sie durchwirken und verbinden die folgenden Kapitel auf der Suche nach widerständigen Praktiken: ANIMAL REMINDER erscheinen in der Liebe, in Verwandtschaften, bei der Reproduktion, in Architekturen, als Abjekte und Monster. Sie sind trans*, sie atmen und sind belebt. Ausgehend von der Ordnung der Lebewesen als nur eine mögliche von vielen, werde ich die Möglich- und Wirklichkeiten der Transformation sozialer Beziehungen und deren Bedingungen erforschen. Interdependenzen zwischen menschlichen und speziesübergreifenden Beziehungen werde ich fortlaufend bespiegeln. Mit dieser Arbeit erhebe ich keinen Anspruch auf Vollständigkeit, ihre Form der künstlerischen Recherche ist unabgeschlossen und durchlässig. Mein Umgang mit Sprache, Verknüpfung und Übersetzung ist spielerisch und beharrt auf ebendieser Unabgeschlossenheit. Jack Halberstam benutzt in seinen* Arbeiten den Asterisk nicht zur Markierung eines alternierenden Geschlechts, sondern drückt damit die „prinzipielle Konstruiertheit und Instabilität jeglicher (Geschlechts-)Identität“ (Halberstam 2021: 10) aus. „Trans* sei demnach weder als ein Seinszustand noch als ein zielgerichteter Übergang zu verstehen, sondern als genuine Unabgeschlossenheit ungewisser Seinsweisen, wie – aus einer queer-dekonstruktiven Perspektive – in letzter Konsequenz alle Identitäten betrachtet werden müssen.“ (Ebd.: 11) So bestand laut Halberstam auch der Nutzen des Begriffs queer nie darin, etwas zu beschreiben: „Queer sollte nie ein Begriff sein, mit dem sich jemand vollständig identifiziert, den jemand für sich in Anspruch nimmt […] Die Intention war vielmehr, mit queer ein kritisches Verhältnis zu Identität auszudrücken.“ (Halberstam 2007: 30) Dieses kritische Verhältnis ist für ANIMAL REMINDER wesentlich. Queere Diskurse sind in einer zweiten Hinsicht für diese Arbeit von Bedeutung: So wie das Tier als Prototyp für die Konstruktion von Andersartigkeit dient(e), können die Verhandlungen am Geschlecht als beispielhaft für die kulturelle Tradierung des Verhältnisses von Norm und Tatsache gelesen werden (Vgl. Laboria Cuboniks 2015: 22). Dieses Verhältnis ist laut Laboria Cuboniks nie festgelegt, sondern der unendlichen Aufgabe des Entwirrens unterlegen (Vgl. Ebd.: 28). Laboria Cuboniks (2015): „Xenofeminismus – Eine Politik für die Entfremdung“. In: Armen Avanessian, Helen Hester (Hg.): Dea Ex Machina. Merve Verlag Berlin Halberstam, Jack (2021): Trans*Positionen zu Geschlecht und Architektur. Anna Babka, Rosemarie Brucher (Hg.), Verlag Turia+r Kant Wien Berlin:Vorwort DELTA FIKTIVE TIERE* ANIMAL LOVERS [CON]FUSION ARCHITEKTUREN WE HAVE NEVER BEEN HUMAN

In den letzten Jahren erschien über die Geschichte der italienischen Militärinternierten, die ab 1943 in deutsche Gefangenschaft gerieten, eine nicht geringe Anzahl an italienischsprachigen Veröffentlichungen, darunter auch Zeitzeugenberichte, die über die Zustände im Lager Wietzendorf (Oflag 83) während des Zweiten Weltkriegs Auskunft geben. So berichtete der italienische Leutnant der Artillerie Tullio Battaglia (†1999) in dem 2008 in Mailand erschienenen Buch von Luca Frigerio „Noi Nei Lager. Testimonianze di militari italiani internati nei campi nazisti (1943–1945)" über die 1944 entstandene Weihnachtskrippe der italienischen Militärinternierten im Lager Wietzendorf.

In dem vorliegenden Text stehen die Fotografien von Albrecht Kunkel zur Diskussion, der von ca. 1989 bis 2009 eine ausserordentlich vielschichtige künstlerische Praxis entwickelte, in der er sich theoretische Fragestellungen durch das eigene kreative Tun näherte. In einer stetigen gedanklichen Suchbewegung, die sich auch tatsächlich in einer regen Reisetätigkeit ausdrückte, bewegte Kunkel sich durch Raum und – wie wir im Verlauf feststellen werden – Zeit, um Verbildlichungen für seine Ideen zu finden. Mit seiner Arbeitsweise entwickelte Kunkel ein Werk, dass zahlreiche Anknüpfungspunkte an medientheoretische, kunstgeschichtliche, bildanalytische und epistemologische Themenkomplexe in sich trägt. Manche sind vom Künstler bewusst während des Produktionsprozesses eingedacht worden, andere werden durch die nachträgliche Analyse erkennbar. In einer Zeit, in der Umwerfungen wie beispielsweise der Deutsche Mauerfall oder die Anschläge auf das Word Trade Center in New York die bisherige (geo)politische Ordnung neu sortierten und sich die Digitalisierung des technischen Mediums der Fotografie rasant durchsetzte, war Albrecht Kunkel ein Zeitgenosse, der die Gegenwart für sich zugänglich machen wollte, indem er zum Einen bildhafte Übertragungen für seine Überlegungen (er)fand und zum anderen sein eigenes Medium, die Fotografie, hinterfragte. Die kunstwissenschaftliche Beschäftigung mit Kunkels Werk birgt die Erkenntnis und das Vergnügen, einen künstlerischen Zugang zur Welt nachzuvollziehen, der eine zugleich geschichtliche wie auch gegenwartsanalytische Bewegung in sich trägt und in dem das Medium Fotografie in besonderer Weise medienreflexiv eingesetzt wird. Dieser Text untersucht, kontextualisiert und interpretiert in vier Teilen und einem ausführlichen Anhang folgende Aspekte der künstlerischen Fotografie von Albrecht Kunkel: seinen beruflichen Werdegang, seine Bildmotive und deren theoretische Konzepte, seine Bildsprache als bewusste Darstellung eines Blick in mehrfache Zeitlichkeiten sowie den Einfluss medientheoretischen Denkens auf seine Fotografie. In "Teil 1 – Künstlerische Biografie" wird in einem ersten Schritt der berufliche Weg Kunkels mit seinen unterschiedlichen Stationen in den Blick genommen. In einem zweiten Schritt werden Kunkels Fotografien denen seines Lehrers Thomas Struth gegenüber gestellt. "Teil 2 – Kunkels Bildmotive und deren theoretische Konzepte: Landschaften, Orte, Räume und Portraits" ist der umfangreichste Teil dieser Arbeit, der sich wiederum in drei Teile strukturiert, die sich an den unterschiedlichen Motivgruppen in Kunkels Werk orientieren. In "Teil 3 – Der distanzierte Blick: Kunkels Bildsprache als Bühne einer mehrfachen Zeitlichkeit" wird die Bildsprache Kunkels im Hinblick auf etablierte fototheoretische Begriffe hin diskutiert. In einem ersten Schritt wird Kunkels Bildsprache der dokumentarischen Fotografie zugeordnet. Daraufhin wird die Idee eines distanzierten Blicks anhand von kurzen Werkanalysen formuliert, welche das dokumentarische Programm Kunkels als die Voraussetzung für ein inhaltliches Spiel mit mehrfachen Zeitlichkeiten kennzeichnet, in dem eine dreifache Zeitstruktur zur Wirkung kommt: die gegenwärtige Zeit im Akt des Betrachtens, die zeitgenössische im dargestellten Ort zum Entstehungszeitpunkt der Aufnahme und eine historische im abgebildeten Bildgegenstand. Als abschließender Gedanke dieser Arbeit wird in "Teil 4 – Medientheorie(n) als künstlerisches Thema in den Arbeiten von Albrecht Kunkel" der Bedeutung von medientheoretischen Texten nachgegangen. Kunkel betonte selbst mehrfach, dass bildanalytische und medientheoretische Fragestellungen als inhaltliche Ankerpunkte seiner künstlerischen Praxis eine wichtige Rolle spielten, und so wird in einem letzten Analyseschritt dieser Aspekt vertiefend betrachtet. Der Textteil dieser Arbeit wird ergänzt mit einem ausführlichen Anhang, in dem der Nachlass in seiner materiellen und systematischen Form erläutert wird. Ergänzt wird der Anhang mit schriftlichen Selbstzeugnissen des Künstlers., The present text contains the photographs by Albrecht Kunkel, who developed an extraordinarily complex artistic practice from around 1989 to 2009, in which he approached theoretical questions through his own creative work. In a constant intellectual search, which was actually expressed in a lively travel activity, Kunkel moved through space and - as we will find out later - time to find illustrations for his ideas. With his way of working, Kunkel developed a body of work that bears numerous links to media-theoretical, art-historical, image-analytical and epistemological thematic complexes. Some were consciously thought of by the artist during the production process, others become recognizable through subsequent analysis. At a time when upheavals such as the fall of the German Wall or the attacks on the World Trade Center in New York were reorganizing the previous (geo)political order and the digitization of the technical medium of photography was rapidly gaining ground, Albrecht Kunkel was a contemporary who wanted to make the present accessible for himself by on the one hand (inventing) pictorial translations for his reflections and on the other by questioning his own medium, photography. Studying Kunkel's work from an art-historical point of view brings with it the knowledge and pleasure of understanding an artistic approach to the world that carries both a historical and contemporary-analytical movement and in which the medium of photography is used in a particularly media-reflective manner. This text examines, contextualizes and interprets the following aspects of Albrecht Kunkel's artistic photography in four parts and a detailed appendix: his professional career, his pictorial motifs and their theoretical concepts, his pictorial language as a conscious representation of a view into multiple temporalities and the influence of media-theoretical thinking on his photography. In "Part 1 - Artistic Biography" Kunkel's professional path with its various stations is examined in a first step. In a second step, Kunkel's photographs are compared to those of his teacher Thomas Struth. "Part 2 - Kunkel's motifs and their theoretical concepts: landscapes, places, spaces and portraits" is the most extensive part of this work, which in turn is structured into three parts, which are based on the different motif groups in Kunkel's work. In "Part 3 – The Distant Gaze: Kunkel's Visual Language as a Stage for Multiple Temporality" Kunkel's visual language is discussed with regard to established photo-theoretical terms. In a first step, Kunkel's visual language is assigned to documentary photography. The idea of a distanced view is then formulated on the basis of short work analyses, which characterize Kunkel's documentary program as the prerequisite for a substantive game with multiple temporalities, in which a threefold time structure comes into effect: the present time in the act of viewing, the contemporary in the location shown at the time the picture was taken and a historical one in the pictured object. As a concluding thought of this work, the meaning of media-theoretical texts is pursued in "Part 4 - Media theory(s) as an artistic theme in the works of Albrecht Kunkel". Kunkel himself repeatedly emphasized that image-analytical and media-theoretical questions played an important role as anchor points in his artistic practice, and so this aspect is examined in depth in a final analysis step. The text part of this work is supplemented with a detailed appendix in which the estate is explained in its material and systematic form. The appendix is supplemented with written testimonials from the artist.

Wichtig ist die Beschäftigung mit dem Thema Theater für Kinder allemal. Die kreative und künstlerische Arbeit mit Texten stellt einen wichtigen Schritt in der umfassenden Bildung dar und sollte besonders in der Schule keinesfalls vernachlässigt werden. Mit dem vorliegenden Buch sollen die Themen Mittelalter und Theater verbunden werden, um Kindern der Primarstufe und der frühen Sekundarstufe 1 einen einfachen Einstieg in die Arbeit auf und hinter der Bühne zu bieten. Zu diesem Zweck wurde eine eine ,echte‘ mittelalterliche Schauernovelle, ,Die Vögte von Weida‘ , in den letzten Jahren im Rahmen des EU geförderten Projektes ,Kulturweg der Vögte‘ übersetzt und bearbeitet. Herausgekommen ist eine moderne Fassung des ursprünglichen Textes, die nur zu Gunsten der Spielbarkeit einige kleine Änderungen in der Handlung aufweist. Umrahmt wird dieser Text von verschiedenen Grundlagenkapiteln zur Theaterpädagogik und Bühnenbildentwürfen.:1. Einleitung 2. Einführung in das theaterpädagogische Arbeiten 3. Allgemeine Informationen zum mittelalterlichen Original 4. Hinweise zur Neuinszenierung 5. »Die Vögte von Weida« – der Grundtext 6. Rahmenhandlungen 7. Aufbau des Theaterstücks 8. Die Gestaltung des Theaterstücks The creative and artistic work with literature is an important step in comprehensive education and should not be disregarded, especially not at school. The book aims to combine the topics of the middle ages and theatre in order to offer children in primary and early secondary school an easy introduction to the work on stageplays. For this purpose a real medieval novella, ,Die Vögte von Weida’, has been translated and edited as a part of the EU-funded project ,Kulturweg der Vögte’. The result is a modern version of the original text, which only shows some small changes in the plot in favor of playability. The text is framed by various basic chapters on theatre pedagogy and concept stage designs.:1. Einleitung 2. Einführung in das theaterpädagogische Arbeiten 3. Allgemeine Informationen zum mittelalterlichen Original 4. Hinweise zur Neuinszenierung 5. »Die Vögte von Weida« – der Grundtext 6. Rahmenhandlungen 7. Aufbau des Theaterstücks 8. Die Gestaltung des Theaterstücks

This dissertation discusses the process involved sculptors becoming professionals and the aspects that characterise a professional sculptor when compared to art students., Diese Dissertation befasst sich mit dem Prozess, wie sich Bildhauerinnen und Bildhauer professionalisieren sowie mit den Aspekten, die professionelle Bildhauerinnen und Bildhauer im Vergleich zu Kunststudierenden charakterisieren.

kunsttexte.de - Journal für Kunst- und Bildgeschichte, Nr. 4 (2015): Kunsttexte