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Existe una preocupación evidente sobre las consecuencias que la aparición de la Inteligencia Artificial tendrá sobre el trabajo de diseñadores y creativos en general. Este artículo plantea abordar el problema con una perspectiva histórica que nos permita recorrer hechos del pasado que pudiéramos definir como homólogos o equivalentes. La robótica como sustitutoria de trabajos humanos, los ordenadores dotados de herramientas de diseño dando lugar al arte digital, la fotografía irrumpiendo en un mundo en que la imagen se construye tan solo mediante la pintura o el grabado, o muy especialmente, la imprenta de tipos móviles, que permite la multicopia en un mundo de copistas controlado por la iglesia, tuvieron en su momento detractores que alertaron de los peligros de su adopción. Solo el paso del tiempo ha permitido conocer su impacto en la humanidad, y esclarecer si las preocupaciones que despertaron estaban o no justificadas. Analizando qué sucedió en su momento, e intentando encontrar similitudes con el suceso actual de implementación de la IA, quizá podamos esclarecer qué esperar , o, sobre todo, qué vigilar, ante un hecho como este. Saber si debemos estar o no preocupados.

El escaso reconocimiento de las mujeres en el ámbito artístico ha dado como resultado un legado cultural incompleto. Este artículo se centra en una de esas mujeres, Monika Buch. Valenciana de nacimiento con raíces germanas, fue la única estudiante española que formó parte de la Hochschule für Gestaltung / HfG Ulm. Para narrar su biografía hemos contado con la propia protagonista y para entender su obra hemos estudiado el marco socio-político en el que vivió: España (II República, Guerra Civil, franquismo), Alemania (post II Guerra Mundial) y Holanda (inicio de la segunda ola feminista). Todo ello sin dejar al margen los roles y estereotipos de género a los que tuvo que enfrentarse. Este est¡tudio tiene como fin contribuir a completar un vacío historiográfico, y de esta manera crear una narrativa más justa y equitativa, que sirva de referente para generaciones futuras.

La obra Still Life (1960) de Giorgio Morandi adquiere un carácter didáctico en la ecfrasis que de ella hace el poeta argentino Hugo Mujica. Bajo una mirada fenomenológica, Mujica discurre literariamente sobre el carácter artístico de esta pintura, sugiriendo una noción “aurática” –a la manera de de Walter Benjamin– pero dirigida bajo el carácter propio de la poética del autor argentino. Mujica entiende que la poesía no adquiere dominio de significación. Still Life no tendrá el de la representación. Entre lo indeterminado del carácter de la imagen como tiempo y el acto mismo de escritura poética, Still Life se torna un modelo de escritura en el rasgo ontológico de lo artístico, en términos del poeta.

Las artes audiovisuales y el diseño en comunicación visual siempre tuvieron muchas cosas en común, pero nunca como hoy en día en donde el diseñador participa en casi todas la etapas de elaboración de un film. Su tarea en esta industria es tan importante que, sin él, faltarían muchos de los elementos que la caracterizan: los títulos de crédito, los pósters, las marcas de productoras y distribuidoras, los ploteos de los vehículos promocionales, etc. Al mismo tiempo el diseño en comunicación visual desde hace tiempo incluye -no sólo elementos gráficos estáticos - sino también diseños con movimiento, que conlleva a que también esté presente mediante animaciones y efectos visuales en distintas instancias de la producción fílmica. El póster, a su vez, ha sido por décadas el único y mejor referente de las producciones audiovisuales pero no hay duda de que su rol actual en la industria audiovisual exige una revisión que lo reivindique.

Este ensayo describe a partir de un enfoque holístico cómo se estructura un proceso creativo en el diseño gráfico, desde el ámbito profesional. Para comprender cómo se desarrolla, lo exploramos desde cuatro perspectivas diferentes: espiritual, cognitiva, biológica y pragmática. Con la finalidad de determinar una tabla donde se representa un patrón de etapas secuenciales, en relación con los posibles condicionantes que influyen en el proceso creativo. Entendemos que esta aportación será de utilidad, para analizar y evaluar un determinado proceso creativo.

El presente ensayo es una reflexión sobre la relación conceptual que se establece entre la disciplina del diseño y las teorías de la diferencia del ámbito de la filosofía. Evidencia una relación conceptual directa y abre vías de reflexión sobre la actual docencia del diseño en las universidades contraponiendo la profesionalización de las enseñanzas como respuesta al imperante mercado capitalista y el potencial valor de cambio social al que se puede llegar a través de las prácticas de diseño. A través de los conceptos de diferencia, disciplina y poder leídos de forma transversal desde la filosofía a través del diseño se reflexiona sobre el papel que puede o debe asumir el diseñador en la sociedad más allá del mercado de consumo.

El presente trabajo realiza una introducción conceptual acerca de la relación de la técnica con las nociones de naturaleza y ciencia, y plantea una aproximación con el diseño industrial y la producción de objetos desde el paradigma global. Avanza luego en la comprensión de las implicancias sociales de la producción técnica, al abordar las problemáticas de la tecnología desde una dimensión social, para luego situar, en el marco latinoamericano, las condiciones de la industria y la tecnología local cordobesa.

El presente artículo expone el resultado de investigación y puesta en valor del fondo fotográfico Rolando Videla Olguín (RVO), a través de una experiencia basada en el diseño y la participación sociocomunitaria, que permitió valorar un periodo determinado de la historia de un pueblo, específicamente, Putaendo (Chile). RVO fue un fotógrafo aficionado que se desempeñó en el ex Sanatorio Broncopulmonar de Putaendo y realizó un registro fotográfico único en su especie, de las dinámicas de la vida hospitalaria y cotidiana asociada al campo y las tradiciones folclóricas chilenas. Se trabajó con una metodología interdisciplinaria que pone en el centro al diseño en las acciones de salvaguarda, en lo concerniente al catastro, sistematización documental y participación ciudadana para la identificación, discusión, definición de atributos y valor de las fotografías representadas en el fondo. Los resultados permiten visualizar la importancia del diseño como mediador en la interacción con la comunidad para la definición de los atributos de la fotografía y la generación de nuevos contenidos en torno a ella. El análisis fotográfico del fondo permitió reflexionar sobre el sistema hospitalario desde otro punto de vista, entendiéndolo como un sistema normativo, pero también social. Las conclusiones resaltan la importancia del diseño participativo para dar una nueva resignificación y valor de los fondos.

Este artículo se refiere a la obra de la artista argentina Lucrecia Moyano, con el objetivo de indagar en las relaciones entre arte, diseño y artesanía que se manifiestan en sus creaciones. A su vez, se busca reflexionar sobre algunas de las primeras experiencias estéticas en la industria y el comercio en la Argentina de las décadas de 1940 y 1950, años de profundas transformaciones socioeconómicas. Mientras que para este período existen estudios que abordan la llegada del diseño moderno a partir de la figura de Tomás Maldonado y la vanguardia de arte concreto, es menos lo que se conoce sobre estas manifestaciones pioneras. Partiendo de la idea de imaginación sociológica, se propone una revisión de las obras y experiencias de Moyano a partir del cruce entre biografía, contexto e historia. Con este objetivo, se focalizará el análisis en tres facetas significativas de su trayectoria. La primera, su labor como directora artística en la fábrica de vidrio Rigolleau, que da cuenta de un particular desempeño en la industria de producción masiva. La segunda, las alfombras que diseñó para la firma Dándolo y Primi en el marco de la experiencia Escuela Fábrica, que fueron comercializadas y expuestas en Argentina y el exterior. La tercera, su obra artística en las vidrieras de la tienda Harrods de Buenos Aires, intervención que no ha sido estudiada hasta la fecha. A través de este recorrido, que incorpora el trabajo con fuentes inéditas, se busca observar distintas percepciones en torno al papel de los artistas en la producción masiva, las fricciones entre lo artístico y lo artesanal y los procesos de distinción social operados a partir del consumo de bienes simbólicos. De este modo, este estudio aspira a enriquecer los relatos convencionales sobre el período, así como también recuperar el legado de Moyano en los campos del diseño y el arte argentinos.

Los resultados de investigación-creación relacionados en este artículo se derivan de la investigación de la tesis doctoral Modelo de la acción creadora en diseño fotográfico. Este trabajo, basado en la aplicación de elementos cognitivos y de producción visual, observa y analiza la figura del diseñador fotográfico a partir de un modelo de creación que surge del cruce de paradigmas y correlaciones entre semiótica fotográfica, ciencia, arte, diseño, tecnología y comunicación visual. En el sentido de que el modelo se presenta como una metodología que busca mostrar con transparencia los procesos creativos que ocurren en la mente del diseñador fotográfico, se establece un espacio donde es posible articular el signo fotográfico como un vehículo de creación. En este contexto, la figura del diseñador fotográfico se observa y analiza a partir de un modelo de creación que surge en la aplicación de instrumentos metodológicos basados en el análisis cualitativo, la observación participante e instrumentos de análisis y evaluación. Así, en el marco de estos instrumentos, se analizan y evalúan los intercambios semióticos y creativos del signo fotográfico diseñado, los cuales fueron dirigidos a través de un trabajo de campo a un grupo de estudiantes universitarios de Diseño Gráfico con amplios conocimientos en fotografía y comunicación visual. Los resultados del trabajo de campo permitieron concluir que los elementos del modelo de creación en diseño fotográfico deben estar fundamentados en el análisis semiótico del pensamiento creativo y la cognición visual

En la búsqueda de intenciones orientadas a fines, hacia las combinaciones de corte metodológico, el Diseño se reinventa cada día como una disciplina que, mediada por los diseñadores, da respuesta a los problemas y oportunidades emergentes de los estudios contextuales. Esta heterogeneidad, presente en sus diversas prácticas y acciones, es la que caracteriza o se refleja en los contenidos de los artículos publicados en este volumen 20, número 28, correspondiente a la edición de juliodiciembre 2023 de nuestra Revista Kepes.

El trabajo que se presenta en este artículo trata sobre el desarrollo de productos en material de cantera. Desde la perspectiva social del diseño, se busca una innovación sistémica, donde los saberes tradicionales de una comunidad como el Ejido de Escalerillas, en el estado de San Luis Potosí, México, son el referente para reflexionar sobre los cambios esperados en la localidad. El proceso del proyecto consideró, como parte del sistema, a tres ejes de indagación: lo productivo, lo social y lo comercial. A partir del reconocimiento de esos aspectos, se hicieron las siguientes preguntas: ¿Es necesaria una adecuación o cambio en sus procesos productivos? ¿Qué debería permanecer o quizá movilizarse de manera más pausada en los aspectos sociales? ¿Qué dirección debían tomar los cambios comerciales? Esto se hizo con el fin de poder generar propuestas de diseño comprometidas con la trayectoria cultural del grupo. El resultado fue, por un lado, una línea de productos utilitarios de pequeñas dimensiones en cantera como principal material y con un alto valor simbólico. Además, emergieron otros proyectos de carácter interdisciplinar, colaborativo y de investigación, donde la comunidad del Ejido y la institución educativa han mantenido doce años de intercambio permanente. Este artículo se centra en las bases que dieron inicio al proyecto.

El presente trabajo muestra el desafío de la proyectación de la vivienda multifamiliar bajo criterios contextuales naturales definidos en el proceso de aprendizaje que propicien una morfogénesis del proyecto para la habitabilidad residencial y la manera en que éste se vincula al uso mixto, para presentar una dialogía entre usos de suelo para interactuar de manera espacial en beneficio de las formas de habitar. Este trabajo tiene como objetivo cuestionar, reflexionar y ejemplificar los insumos académicos, metodológicos y de diseño que sustentan una propuesta, en enseñanza-aprendizaje, de coexistencia y articulación de usos de suelo entre la vivienda multifamiliar y el planteamiento comercial. Esto se hace con mira hacia el nuevo paradigma de fraccionamientos mixtos, que se traduce en una forma de vivir con una habitabilidad adecuada, donde se aporta al valor del hábitat en su forma de vida y no en la calidad de materiales. En la propuesta, se reflexiona sobre la evolución de la vivienda colectiva a través del tiempo como respuesta a los acontecimientos sociales y urbanos y, con ello, se visualiza el argumento para que el estudiante de arquitectura proponga una respuesta de vivienda multifamiliar en la contemporaneidad actual. Se atiende a respuesta de grupos vulnerables, formas de vivir actuales, contexto peatonal del proyecto, entre otros; se acentúa en el valor que ofrece el vincular el uso habitacional y comercial para la propuesta de un proyecto de esta índole, que marca directamente los lineamientos de áreas privadas y comunes. Las consideraciones que de este trabajo emanan muestran los criterios mínimos para el desarrollo de la vivienda vertical mixta y su impacto directo en la calidad de vida en la contemporaneidad de la ciudad actual, así como un diálogo para determinar las variables que asumen el proceso proyectual para amalgamar el contexto natural y urbano de forma inmediata.

“A tientas. Palpando los márgenes de la profesión del diseño” es un proyecto de investigación en diseño realizado por Diego March (@diegomarch.info), Nacho Pérez (@_nacho_perez) y José Alonso Català (@josealonso.studio) entre enero y mayo de 2022. La investigación se centró en analizar nuevas ramas periféricas del diseño (más cercanas a las humanidades y a una idea más transversal de la profesión) y cómo las integran las nuevas generaciones en su práctica profesional.

El presente artículo relaciona los principios metodológicos, dentro del diseño gráfico, y las herramientas de enseñanza-aprendizaje dirigidas a alumnas y alumnos durante sus estudios de Dibujo Artístico, exponiendo como caso concreto un taller impartido por Diego Mir, Ilustrar un país. El objetivo es vincular dos mundos: el que supone la propia etapa educativa y el ámbito profesional, con el fin de establecer conexiones para facilitar y hacer más comprensible el paso del Bachillerato de Artes a los Estudios Artísticos Superiores.

Al norte de la ciudad de San Luis Potosí, México, se localiza la iglesia del Saucito; un templo que alberga la imagen del Señor de Burgos o del Saucito, para cuya imagen los fieles creyentes han realizado cientos de exvotos por los milagros que han recibido. Esas obras votivas se colocaron en la sacristía del templo, pero paulatinamente el espacio fue insuficiente; por ello el presbítero, un grupo de feligreses y un comité científico se unieron para promover la creación de un museo para ubicar las piezas. En 2019 un miembro del comité científico del Museo de los Exvotos solicitó el apoyo de la materia de antropología para el diseño, para desarrollar un logotipo para ese recinto, la cual fue aceptada. Sin embargo, se presentaron dos dificultades, por un lado, la distancia entre los diseñadores y el usuario, por el otro el desconocimiento del tema, los ritos, costumbres y tradiciones asociados a la creación de exvotos, que dieron como resultado la fundación del museo. En este contexto la antropología para el diseño permitió reflexionar sobre la manera en que se había trabajado en casos similares, así como las estrategias etnográficas que se podían utilizar para sortear la distancia y las diferencias culturales.

En una investigación aplicada generalmente se desarrollan tres etapas: la exploración de una zona de estudio, la generación de datos a través de métodos de experimentación, y la evaluación de resultados que sustentan las conclusiones. En la disciplina del diseño es habitual comparar estas etapas con las que desarrollamos en un proceso de diseño. Posiblemente, sea un error, o tal vez no. Por ello, nos preguntamos ¿cómo se desarrolla investigación aplicada en diseño? Observamos que existen tareas diferentes, similares, y complementarias. Este trabajo sostiene que las posibles diferencias se identifican en la planificación de la actividad investigadora.

La situación contextual actual evidencia profundas crisis sociales, económicas y ambientales. La disciplina del diseño requiere acoplarse a los cambios y necesidades contemporáneas y para ello es necesario mirar hacia otros enfoques teóricos que permitan la emergencia de nuevas maneras de mirar y hacer diseño. En este escrito, se recorre por estudios que relacionan el diseño con lo social, el consumo y las prácticas, así como en las nociones básicas de la Teoría de la Práctica Social (TPS). De allí, se analizan casos en los que se han puesto en diálogo el diseño y la TPS. En el recorrido se construye un estado de la cuestión en torno a las posibilidades derivadas del diálogo entre estas dos para, finalmente, evidenciar el potencial de esta relación para el enriquecimiento del marco teórico y práctico de la disciplina.

El rol de los Derechos Humanos (DH) ha comenzado a explorarse en la disciplina del diseño sin profundizar en la perspectiva de las y los diseñadores profesionales. Ante este vacío, el objetivo de la investigación fue indagar la experiencia de un grupo de personas diseñadoras a partir de sus conocimientos, habilidades prácticas, formación e interés en diseñar con perspectiva de DH. Para cumplir el objetivo se estableció llevar a cabo una investigación exploratoria y se diseñó un cuestionario con 15 reactivos para indagar los puntos antes mencionados. El instrumento se aplicó vía formularios de Google a 55 diseñadoras y diseñadores. Los datos obtenidos fueron tratados mediante dos tipos de análisis, el primero estadístico descriptivo y el segundo cualitativo a partir del análisis de contenido con el apoyo del software MAXQDA. Los resultados muestran que las personas participantes: a) consideraron novedosa la idea de diseñar bajo un enfoque de DH, b) reportaron estar dispuestas a explorarlo por la relevancia que tienen los DH y cómo estos pueden insertarse en la práctica de diseño y c) reconocieron no tener los conocimientos ni haber recibido formación suficiente sobre el tema. Se concluye que es importante generar propuestas para implementar los DH en la práctica de diseño, lo que también impactará en la formación de las personas diseñadoras.

Este artículo presenta la investigación de las principales estrategias que se han venido ensayando desde las prácticas artísticas contemporáneas para la conformación de discursos que propicien procesos de acción colectiva en la esfera pública. El objetivo principal es analizar dichas estrategias en relación con la creación de dispositivos para la resignificación del territorio y la conformación de saberes específicos que surgen en y desde las prácticas. Para ello, se establece una metodología híbrida que propone métodos y herramientas propias de la investigación en artes y de la metodología cualitativa. La investigación permite establecer unas categorías de análisis que exponen una cartografía de las principales líneas de acción de las prácticas artísticas de intervención en el espacio público, tales como acciones lúdicas, relacionales, creación de relatos subalternos y ecosóficos. Se analizan, así mismo, sus ejes discursivos, potencialidades y conflictos que visibilizan. Los resultados presentan constantes que definen estas prácticas artísticas de intervención en el espacio urbano en torno a cuatro ejes: la reapropiación del espacio, las metodologías colaborativas, el énfasis en los valores identitarios y la reivindicación del conocimiento encarnado y situado. Esto posibilita acciones colectivas, en las que los acuerdos y la resolución de conflictos se basan en el vínculo con el otro, que promueven otras formas de relación comunitaria para un conocimiento socialmente distribuido.

En este artículo presentamos algunos de los resultados de una investigación creación que integra diversas disciplinas de las áreas creativas, humanidades y ciencias sociales, que llevamos a cabo en la zona rururbana del municipio de Riosucio (Caldas) en Colombia y que, a nuestro entender, se asienta en otras maneras de pensar-hacer desde un saber diseñístico contextualizado. En esencia, desde esta investigación creación buscamos dar cuenta de los saberes de la domesticidad cotidiana y territorializada que reposa en las narraciones y las prácticas de tres grupos de mujeres con los que trabajamos de manera colaborativa con el objetivo de renarrar, con ellas, aquello que saben y ponen en práctica todos los días para cuidar y producir sus casas y sus territorios. Así, en este documento avanzamos hacia la consecución de este propósito desde tres coordenadas relacionadas: (i) una epistemológica, que apunta a la materialización de otras maneras de hacer del diseño, (ii) una conceptual, para aproximarnos a esos saberes que queremos reconocer y que hemos denominado el sistema Casa-Habitante-Artefacto (C-H-A) y (iii) una metodológica, que centra la atención en las formas en que ese sistema C-H-A condujo al trabajo colaborativo con las mujeres participantes de la investigación, consiguiendo recabar aquellos saberes domésticos que hacen la casa y, en parte, el territorio. Con lo anterior, concluimos que las narraciones de las mujeres con las que trabajamos son una voz resonante que se suma al sostenimiento cultural y ambiental de la vida cotidiana de estos territorios. Y que los diseños otros se resuelven más en las propuestas afincadas en la conversación con grupos de personas situadas y territorializadas, que en el plano de la discusión experta y metadiscursiva del diseño. Porque cuando las experiencias del diseño (otras) son tangibles, pueden ser identificadas, evaluadas y criticadas.

La extensión de la vida útil o del tiempo de uso de las prendas de vestir es una forma de enfrentar el incremento del impacto ambiental en la industria de la moda, derivado de la aceleración en la demanda y el descarte de los productos. El objetivo de este estudio fue identificar las variables involucradas en el desuso prematuro de las prendas de vestir casuales con el fin de ser intervenidas por el diseño a lo largo de sus etapas. Esto, a través de un enfoque cualitativo en el que se aplicaron entrevistas a representantes de empresas y consumidoras de la ciudad de Bucaramanga y su área metropolitana, además de observaciones en los entornos de venta digitales de marcas nacionales. Lo anterior, con el fin de identificar las acciones y declaraciones de las marcas en torno a la durabilidad y su relación con los criterios de compra de las consumidoras, así como las motivaciones para la retención y el descarte de prendas de vestir. Los hallazgos muestran que el foco de los esfuerzos de las marcas se encuentra en la robustez de los materiales y la oferta de prendas atemporales basadas en el minimalismo, el uso de técnicas de producción manuales y artesanales, así como la construcción de una identidad estética de marca reconocible. Por su parte, la comodidad representó el principal criterio de compra, y de decisión de retener o descartar una prenda para las consumidoras, mientras que la calidad o robustez no presentó mayor influencia en estos escenarios. Estos resultados permiten visualizar oportunidades para la innovación mediante la aplicación del diseño, a partir de la empatía con el usuario.

El texto propone que procesos de investigación desde la perspectiva de ‘diseños otros’ contribuyen a resituar los talleres artesanales y sus prácticas como espacios con capacidad de enactuar el mundo y con la posibilidad de transicionar a procesos productivos y comerciales más humanos y sostenibles. Para exponer esta idea, el artículo realiza un análisis del concepto de taller artesanal desde diferentes miradas y delimita una para el proyecto desde el concepto de transiciones. Posteriormente, se contextualiza la situación histórica y presente de los talleres artesanales en Nariño (Colombia), región con una amplia y reconocida tradición artesanal. La información se soporta en informes estatales, autores reconocidos y datos recopilados por medio de trabajo etnográfico y herramientas de diseño en trabajo participativo (2021-2023). Como resultado se propone una agenda de trabajo para las transiciones en la que se aborda el taller como eje central de estudio—un espacio en el que además de procesos productivos y comerciales se dan prácticas creativas y cooperativas que tienen origen en el saber hacer—. Este conocimiento, conformado por procesos de carácter intelectual, social, ambiental y cooperativo esenciales para la pervivencia de los oficios, incluye además prácticas que pueden cambiar la relación entre talleres, instituciones y el diseño, al potenciar elementos positivos del taller en beneficio de prácticas cotidianas y comunitarias.

El artículo tiene como objetivo analizar una experiencia de creación-investigación en educación desde el campo del diseño; enfocada en la pregunta: ¿cómo generar experiencias pedagógicas que nos aproximen a realidades complejas? Se tomó como caso de estudio al curso Contexto y Región: Introducción al Pensamiento Sistémico, asignatura impartida en la Universidad de Ibagué (Colombia), bajo una línea de trabajo de diseño, desde donde se estructuró una metodología de enseñanza-aprendizaje en cuatro momentos, comprensión, desarrollo de etapa intuitiva, acercamiento a contextos y realidades complejas desde la simulación, diseño de acciones colectivas. Los resultados de este análisis llevaron al aterrizaje en categorías tales como el “prototiparse”, concepto emergente cercano al diseño que articuló la ideación con el sentipensar —acción contraria a la separación drástica entre sentimientos y pensamiento racional— desde una constante tensión creativa de estudiantes y docentes. Esto conllevó sin duda a movilizar a dichos actores fuera de sus zonas de confort, identificando y poniendo en cuestión prejuicios y convicciones subjetivas, pero, además, convirtiéndolo en un ejercicio transversal de completa relevancia en la formación profesional de estudiantes de distintas disciplinas, al fomentar el diálogo de saberes para favorecer sentidos cada vez más amplios de lo humano. Finalmente, las comprensiones de lo que se ha venido denominando “realidades complejas” en teorías sistémicas y de la complejidad, fueron abordadas a partir de procesos de observación y reflexión educativa, entendiendo al diseño no solamente en su función pragmática-objetual, sino también como praxis social.

En este volumen número 27, de la Revista Kepes, del período enero-junio 2023, se presentan contribuciones que respondieron al llamado “Diseños otros y transiciones hacia el pluriverso”, que exhortaba a la comunidad latinoamericana dedicada a las prácticas proyectuales y creativas, a impulsar diseños otros, orientados a regenerar las relaciones que se tejen entre las personas y también las que las comunidades tejen con sus entornos. Los diseños otros que logramos recolectar aquí, parten de una noción de la sostenibilidad que trasciende al antropocentrismo y enfocan sus esfuerzos a trabajar colaborativamente con comunidades locales, con el fin de abordar problemáticas complejas y abrir espacios para vislumbrar juntos futuros más alentadores. El fin último es lograr un modo pluriversal de habitar este planeta, que valore primordialmente la diversidad natural y cultural y que cultive el respeto tanto por el mundo propio como por los otros que podrían no serlo.

Exploramos la actividad del prototipo, cómo se desarrolla y evalúa la actividad profesional, académica y de investigación. Entender el prototipo como un concepto que une una representación estructural de un producto en desarrollo que puede ser utilizado para interpretar: una representación visual del proceso de creación o diseño de un nuevo producto; una materialización del posible resultado final que se obtiene a la producción. Lo utilizo con un nexo de unión entre la experiencia evolutiva de profesionales, académicos e investigadores, para transferir conexiones, materializar ideas y evaluar posibles resultados en diseño.

Este artí­culo analiza la vinculación de la estampación textil en el contexto de la moda enfocada en la ilustración de motivos botánicos desde la doble perspectiva profesional y creativa del diseño, teniendo en cuenta tanto su desarrollo y evolución históricos como el conjunto de recursos, aspectos funcionales y modos operativos que aportan un valor añadido al diseño terminado, finalmente disponible para su venta. Observaremos las referencias artí­sticas a lo largo del tiempo y el reconocimiento del diseñador/a, así­ como los inicios de la estampación en esta industria, repasando brevemente las técnicas gráficas y pictóricas actualmente más utilizadas para estos procesos.

Artículo que describe las experimentaciones y descubrimientos llevados a cabo en 2022 en torno a técnicas y procesos artesanales como la marquetería y su adecuación a la práctica contemporánea mediante el uso de tecnologías para el mecanizado de piezas con sistemas de corte CNC.

En este artículo, realizamos un recorrido desde el siglo XVIII al momento presente, destacando a aquellas mujeres artistas que dedicaron su obra a la representación botánica. Mujeres que, a pesar de las dificultades, viajaron e investigaron plantas y especies dejando un gran legado. El objetivo es poner en valor su gran trabajo, realizado a pesar de las restricciones de cada época y analizar sus valiosas aportaciones en este campo.

¿Puede el diseño condicionar nuestra conducta? ¿Puede condicionar cómo nos sentimos? ¿Puede modificar nuestra mente? Al paso del tiempo la práctica del diseño ha sido sinónimo de estética, modernidad y estatus, ha sido modificada por los medios y las herramientas tecnológicas, lo cual ha llegado a permitir la creación de un hábitat construido fusionado entre la información digital y el mundo real que habitamos utilizando técnicas novedosas con las cuales interactuamos hoy. Este artículo describe un acercamiento a la base conceptual de un nuevo paradigma dentro del diseño en general llamado Neurohábitat un paradigma repleto de oportunidades para la investigación, que parte del hecho de que el objeto final de este hábitat diseñado y construido son los sujetos que lo habitan y experimentan. Esto simboliza una práctica transhumanista que antepone el desarrollo de la experiencia y vida humana, al beneficio económico, político o de otra naturaleza de los sujetos. La incorporación de la ciencia al diseño podría representar el surgimiento de un nuevo avance para los planteamientos metodológicos y teóricos de la disciplina dentro de un mundo cada vez más cambiante y digitalizado.

El Paisaje Sonoro es un término poco utilizado en el diseño de los espacios museísticos. Sin embargo, la importancia de pensar en un museo como una experiencia envolvente y multisensorial es clave para lograr, no solo la potencialización de la experiencia para el usuario promedio, sino la inclusión de personas con discapacidad, a la narrativa del espacio. El objetivo de este estudio es identificar las fuentes sonoras existentes en el paisaje sonoro del Museo Casa Toluca 1920 ubicado en la ciudad de Toluca, México, así como su percepción y su correlación con las emociones que estos sonidos desatan en un grupo de escuchas personas con discapacidad (PcD) visual. El método desarrollado parte de un enfoque cualitativo que se apoya en un estudio teórico - empírico que inicia con una revisión del estado del arte de la psicoacústica, la percepción y las emociones, y se complementa con una encuesta sonora donde participaron 6 PcD visual, que realizaron un ejercicio de escucha de grabaciones de las fuentes sonoras identificadas en el museo para luego vincularlas con las emociones. Como resultado se obtiene que los sonidos afectan de forma positiva o negativa la experiencia del escucha con pérdida de visión en los museos. Se concluye que es posible fundamentar propuestas de diseño del paisaje sonoro en espacios museísticos considerando la importancia que tienen desde la psicoacústica los sonidos y su relación con las emociones para la construcción de una experiencia holística.

Este artículo analiza y evalúa una serie de dinámicas pedagógicas utilizadas en el Taller de Proyectos (Design Studio), en las enseñanzas de Grado de Diseño de Interior. Cada dinámica se diseña artísticamente, casi como si fuera una acción, para crear un ‘evento pedagógico’ que enseña a diseñar a través de la experiencia, tratando de trasmitir el contenido del Taller de Proyectos de un modo vivencial. Las dinámicas son inspiradoras hasta tal punto que pueden ser trasladables a cualquier disciplina. No obstante, el artículo incluye un soporte teórico específico: una discusión y un contraste comparativo con diferentes modelos del método pedagógico del Taller de Proyectos (Design Studio). Este artículo constituye la segunda parte de un artículo anterior: Dynamics-aktion[1]. Por ello, continúa describiendo dinámicas no incluidas en el anterior y avanza hacia una conclusión valorativa del contenido de los dos artículos. A su vez, ambos artículos complementan un artículo previo, el cual describía el planteamiento completo de un curso de Proyectos de Diseño de Interior: #eindakoa# (lo que hemos hecho) Un MÉTODO pedagógico del MÉTODO de Proyectos de Diseño de Interior.[2] [1] DOI: https://doi.org/10.7203/eari.12.17633 [2] DOI: https://doi.org/10.7203/eari.10.13763

Este trabajo intenta establecer un diálogo entre aspectos del concepto STEAM Education y el diseño de los modelos virtuales de aprendizaje MOE, TAS y COM. Estos modelos fueran desarrollados para la enseñanza de Anatomía Humana del curso de Grado en Danza de la Universidad Federal de Minas Gerais/Brasil. En este estudio, se realizó una revisión bibliográfica sobre el STEAM Education para identificación de sus aspectos más característicos - como la interdisciplinaridad, la resolución de problemas y toma de decisiones, el trabajo colaborativo y el aspecto innovador - a fin de relacionar con el proceso de diseño que corresponden a los modelos. En este sentido, es importante destacar las relaciones entre la enseñanza pretendida, la elección de los elementos audiovisuales y las posibilidades y necesidades colaborativas entre las diferentes areas.

Partiendo de la relevancia de la imagen en política, se analizan las fotografías de perfil y las cabeceras de las cuentas de Facebook, Twitter e Instagram de los presidentes autonómicos de España. El análisis de contenido identifica las tendencias generales y compara los atributos fotográficos, su composición, contenido, estilo y semiótica, entre otros. Los resultados revelan la apuesta por un uso de los componentes de diseño gráfico con carácter personal, afable, distendido e informal más que propagandístico, con reducida presencia de elementos simbólicos y cromáticos de índole política alusivos al partido o a la comunidad autónoma que representa el presidente.

La presente investigación forma parte de una tesis doctoral que se está desarrollando en la Universidad de Lisboa. La tesis tiene como objetivo incluir a las personas con síndrome de Down dentro del sector gráfico. Este estudio busca validar las piezas gráficas que han realizado personas con y sin síndrome de Down en unos workshops. Para hacerlo se ha utilizado el medidor de creatividad desarrollado por José Luis Ayala y un cuestionario que han realizado profesionales del sector gráfico. Los resultados muestran que ambos grupos han obtenido un coeficiente favorable y, por lo tanto, se los puede considerar creativos gráficamente.

En la investigación en diseño es habitual mostrar dudas “caos del creativo” ante ¿qué observar?, y ¿cómo iniciar la exploración? Para aportar soluciones a esta problemática, aquí aportamos un método descriptivo de perfil cualitativo para diseñar la actividad investigadora. La representación del marco contextual de una investigación en diseño, plantea al estudiante los objetivos de: explorar la información desde un planteamiento macro; delimitar una zona de estudio; definir una perspectiva micro de observación; describir la interacción de los sujetos de estudio; y proponer una posible estructura de trabajo para desarrollar la investigación.

Teniendo como punto de partida las falencias en el desarrollo de competencias básicas en los estudiantes en Colombia, se plantea una estrategia transmedia para el desarrollo de competencias en resolución colaborativa de problemas (RCP) soportada en los procesos de aprendizaje y gestión proyectual del pensamiento de diseño. A partir de la revisión de experiencias transmedia educativas en Europa y Colombia, la presente investigación propone como objetivo el diseño de un modelo transmedial que propicie el desarrollo de competencias en RCP, caracterizando experiencias transmediales, identificando las competencias que se desarrollan en la segunda infancia y en la adolescencia, como base del aprendizaje a lo largo de la vida y reconociendo el proceso seguido por un estudiante para solucionar un problema en equipo. A nivel metodológico se analizan transversalmente tres marcos de referencia relacionados con la transmedialidad, desde el diseño, los procesos de enseñanza-aprendizaje y las narrativas, generando un análisis categorial secuencial que se mantiene como hilo conductor del proyecto. Como resultado se construye el Modelo para la Creación de Entornos Interactivos Transmedia para la Educación Synappsis, con aplicación en la Plataforma Transmedia Educativa en Salud Innmersa como validación, destacando el pensamiento de diseño como agente de transformación de los procesos formativos de la segunda infancia y la adolescencia. Como conclusión se encuentra la pertinencia de la aplicación de procesos de aprendizaje del diseño como detonantes del desarrollo de competencias en RCP.

El presente artículo muestra una serie de paisajes sonoros realizados bajo la dirección de György Kepes en el Center for Advanced Visual Studies (CAVS) del Massachusetts Institute of Technology (MIT), a principios de los años setenta. Todos ellos se orientaban hacia la regeneración de espacios urbanos y paisajísticos, que estaban viéndose gravemente afectados por la degradación ambiental producida por un crecimiento urbano descontrolado, a partir de intervenciones sutiles que surgían desde la experimentación con el sonido y que promovían el trabajo colaborativo entre artistas de diversas disciplinas. Su estudio puede resultar de interés, en nuestros días, por la calidad de las obras presentadas y, también, para ayudarnos a repensar nuevas formas de mejorar el entorno urbano que nos rodea y a proyectar espacios más dinámicos y sensibles al medioambiente y a las necesidades de unos ciudadanos cada vez más comprometidos con el desarrollo sostenible de las ciudades. Así, podrían servir de referencia en proyectos orientados a la conservación del paisaje natural, que aún es posible encontrar en algunas áreas periurbanas de las ciudades, buscando preservar sus valores ambientales a partir de la creación de paisajes sonoros, o bien para regenerar áreas urbanas degradadas por el impacto ambiental, mejorando problemas de contaminación ambiental y acústica.

El artículo da cuenta de una investigación cuya finalidad fue visibilizar la Colección Chile Momia entre estudiosos e interesados en el área, y recoger aspectos a proyectar desde la perspectiva del Diseño. Se explora el modo de hacer, analizando la conformación textil de la pieza, estableciendo relaciones para reconocer su sentido e identidad, y así visibilizarla a través de la difusión de resultados. El proceso metodológico considera dos etapas: la primera orientada al análisis de los objetos que componen la colección, y la segunda establece relaciones para esbozar significados culturales en las piezas analizadas, con base en bibliografía especializada en textilería andina y entrevistas a expertos. Se presenta como caso de estudio un objeto textil funcional denominado porta arpones, cuya data corresponde aproximadamente a 1000-1470 d.C., durante el Periodo Intermedio Tardío. Su identificación cultural es prehispánica, específicamente la Cultura Arica. Desde una mirada analítica y con el fin de comprender su manufactura textil se procede al estudio y réplica de las técnicas de tejeduría que posee. En esa instancia, el objeto se transforma en evidencia de solución formal. El estudio permite concluir que en las manifestaciones de productos se reconocen tres hitos: existencia de una necesidad, proyectación para satisfacerla y elaboración, plasmando una respuesta; paralelo con el hacer del diseñador. A partir de la lectura realizada de las piezas arqueológicas, se concluye que su estudio aporta al diseño, sin embargo, debe excluir la apropiación, es decir, el traslado de un lenguaje iconográfico y/o morfológico. Ello es hacer caso omiso de su origen y significado, desconociendo su sentido semántico. Preservar y difundir tecnologías ancestrales aporta a nutrir al diseño, así como también a la artesanía aportando pertenencia, territorialidad y registro para las nuevas generaciones de profesionales que abordan el ámbito textil.

Los artefactos son en la medida en que están incorporados en la vida del día a día, en las dinámicas de lo cotidiano que nos domestican y en las prácticas que nos reconocen como humanos miembros de una colectividad o cultura. Ahora, ¿qué sucede con los artefactos si las prácticas humanas mutan y la cotidianidad, ya sea a causa de este cambio o del olvido, se desdeñan? Esto requiere preguntarse, también, por los significados que se construyen tras la interacción entre sujetos y artefactos, por los rasgos que caracterizan a estos últimos en función de las identidades de un territorio y por las lógicas donde es posible ver lo que es vigente u obsolescente en las maneras de hacer1 en el camino a territorializar lo vital. Este artículo es resultado de una investigación que se ocupa de las formas de incorporación, práctica y olvido de los artefactos de la vida cotidiana, en particular, la máquina de moler maíz en el contexto territorial de Riosucio, Colombia, a través de una apuesta teórico-hermenéutica que se vale de la hibridación entre los propósitos del diseño emergente y el diseño etnográfico, con el fin de poner en cuestión la dimensión diseñística de la tradición y obsolescencia de un artefacto, en clave territorial.

La Revista Kepes número 26, del período julio-diciembre de 2022, se comparte con la comunidad académica de las disciplinas del diseño, las artes, las comunicaciones. Este volumen corresponde a un llamado a publicar que se realizó entre los meses de agosto-septiembre de 2021, con una temática que ha caracterizado a la revista desde sus inicios: acoger reportes de investigaciones o sus avances, con un criterio transdisciplinar, bajo la premisa de que los problemas de las prácticas proyectuales y las creativas dialogan con otros campos del conocimiento.

Los problemas ambientales, en nuestro tiempo, son el efecto de un proceso lineal insustentable de producción, explotación de recursos y generación de residuos que están agotando la naturaleza. Por ello, tomar medidas urgentes es de suma importancia. La presente investigación pretende desarrollar un modelo de evaluación que nos lleve a identificar y cuantificar el consumo energético y emisión de CO2 de los materiales utilizados en propuestas de diseño interior en espa-cios comerciales, principalmente restaurantes y cafeterías de la ciudad de Cuenca, Ecuador. Esta investigación se aplicará en tres intervenciones de remodelación comercial para: determinar el grado de impacto ambiental y comparar con otras soluciones y, así, tomar decisiones acertadas al momento de desarrollar los proyectos. El modelo de evaluación que se propone, para cuantificar el consumo energético y emisión de CO2 de los materiales derivados de su fabricación, no incluye transporte ni puesta en obra. Este será una herramienta que permita desarrollar propuestas sustentables, con disminución de energía consumida y emisiones de CO2, al sustituir los materiales utilizados por otros con menor impacto.

Este artículo observa las relaciones que se han establecido entre ornamento, artesanía y diseño en diferentes momentos históricos. Se explora el origen del uso del ornamento, vinculado a la artesanía, y su relación con el arte, productores ambos de lo simbólico. De este modo se analiza la conexión entre las nociones de función y ornamento, así como entre los conceptos de diseño y arte. El análisis histórico demuestra la simbiosis progresiva entre las artes decorativas y el contexto socioeconómico y cultural que las produce. Se ofrece así una reflexión sobre las motivaciones actuales para dotar al objeto de una dimensión sensible a través de la práctica creativa del diseño.

En este artículo hablaremos sobre la forma en la que trabajamos nuestros proyectos de branding, y en la diferenciación que nos aporta nuestra visión holística a la hora de enmarcar y contextualizar los proyectos de diseño y dirección de arte.

Los estudios que aquí se refieren coinciden con un enfoque postestructuralista. Analizan los sentidos y formas que han caracterizado distintas tradiciones discursivas, además de que cuestionan la influencia de estas en la configuración identitaria de diversos grupos sociales. Ante ello, este dossier se encuentra protagonizado por análisis epistémicos, fundamentados en teoría crítica de perspectiva feminista, interseccional y decolonial, lo cual aporta nuevas y diversas formas de comprender la historia y la actualidad. Este volumen comprende cinco aportaciones temáticas referentes al contexto latinoamericano.

Este trabajo de investigación se focaliza en un colectivo de diseñadores de materiales denominado Remix El Barrio con el propósito de fomentar producciones circulares de bajo impacto ambiental, mediante la reutilización y transformación de materia orgánica sobrante de los comercios y productores locales en el barrio de Poblenou de Barcelona. El objetivo ha sido analizar las necesidades, las motivaciones, la finalidad de sus proyectos, el origen de los materiales que utilizan y la escalabilidad de la producción. La metodología consiste en una fase exploratoria, una fase colaborativa y una fase de escalabilidad de la propuesta. Con los resultados de este artículo se hace un replanteamiento de la metodología para futuras acciones similares. Este trabajo de investigación propone la plataforma Organic Matters en base a las respuestas y a la trayectoria marcada por el colectivo Remix El Barrio, desde enero de 2020. El proyecto se enmarca en el contexto del Máster en Diseño de Futuros Emergentes organizado por la IAAC, el FabLab Barcelona y Elisava durante el curso 2019-20.

Este estudio explora como un grupo relevante de estudiantes del grado en diseño de ELISAVA, manifiestan tener síntomas de “estrés” posiblemente causados por factores internos propios de la actividad académica, y externos sociopolíticos y tecnológicos que están vinculados a la disciplina del diseño. El estrés de las personas no es visible, si no tenemos indicadores que lo comuniquen, esta condición tiende a normalizarse. Por lo tanto, la finalidad de este trabajo ha sido la de aportar una herramienta de comunicación visual que indica la tasa de estrés, para analizarlo y visibilizarlo en un contexto académico.

La reseña del libro El camino del artista escrito por Julia Cameron relata cómo la creatividad puede aprenderse, desarrollarse e implementarse en las actividades y proyectos de nuestro día a día. A lo largo de 12 capítulos y más de 110 tareas, Cameron propone cómo redescubrir y potenciar nuestra creatividad y a crear con mayor libertad a través de la utilización consciente de una serie de herramientas.

La biomimética imita los procesos naturales para plantear posibles soluciones a problemas humanos y ha sido aplicado por varias profesiones, convirtiéndose en una práctica recurrente para adoptar nuevas morfologías o principios funcionales. Leonardo de Pisa empleó estos fenómenos y desarrolló una serie matemática llamada sucesión de Fibonacci, dando lugar posteriormente a la proporción áurea. Estos descubrimientos matemáticos se manifiestan en forma concurrente en patrones geométricos de los procesos y estructuras de la naturaleza como en la distribución de hojas en las plantas. El objetivo de este artículo es proponer recursos formales procedentes de la aplicación de la biomimética de manera superficial/reductiva, que adopta la morfología de la planta Sempervivum tectorum L. para futuras soluciones formales y funcionales del ámbito del diseño. Para ello, se aplica la fotogrametría como técnica para capturar información bidimensional mediante fotografías y convertirlas en información tridimensional, obteniendo un modelo idéntico al original. La digitalización del elemento natural cumple con la siguiente metodología: preparación del entorno, toma de datos, alineación de fotografías, creación de nube de puntos densa, creación de malla y la textura. Posteriormente se realiza la construcción de modelos 3D, siguiendo el recorrido helicoidal digitalizado. Esta trayectoria crea un patrón en forma de hélice que se repite en sentido radial, tomando como referencia el eje vertical, de esta manera se crea un vórtice en la corona del sólido. A partir de esta estructura se realiza variaciones morfológicas, respetando la dirección de la hélice matriz.

La letra entendida como un eje característico y propio del Diseño Gráfico -la disciplina de la comunicación visual- es una realidad esencial y transversal de la cultura y de las culturas, que se convierte en puerta de entrada a tiempos pretéritos y nos permite imaginar futuros posibles. Con el objetivo de despertar el interés por el patrimonio gráfico que nos rodea, nace el ciclo de conferencias Diálogos con la Letra. Un ciclo de carácter interdisciplinario que quiere acercarse a la letra desde todas las perspectivas. El diseño tipográfico, el valor de la letra, la palabra como medio de creación literaria, la evolución de la letra, las otras grafías existentes, letra y marca, letra y territorio, historia de letras y letras a lo largo de la historia, etc. Nace, desde este enfoque, un ciclo de diálogos de carácter anual, en el que la protagonista es la letra percibida por primera vez como un patrimonio y un bien común al alcance de la mirada paseada.