Search

The essay is inspired by the consideration of the essentially ancipient nature of the screen as an image support: on the one hand the screen is something that hides, protects and separates; on the other hand, especially in recent modernity, it becomes the device par excellence of the opening of vision, and therefore the essential frame of the image. Through some famous twentieth-century examples, taken from W. Woolrich (It Had to be Murder), A. Robbe-Grillet (Le voyeur, La Jalousie), Gombrowicz (Pornografia, Cosmo), A. Moravia (L’uomo che guarda), the essay shows the function and evolution of the literary representation of what V. Stoichita called, referring to figurative art and cinema, “Sherlock effect”.

The purpose of this paper is to analyze the presence of typically comic narrative elements, especially concerning the characters’ sexual and social life in Houellebecq’s novels. The primary effect of this elements is to make the reader laugh, but also to cause him to distance themselves from the disturbing representations. At a later time, the same elements will trigger identification mechanisms in the reader thorough their pathetic connotations. The method is a close reading of some pages of Houellebecq’s novels Whatever (1998) and Atomised (1998). The key assumption is that the literary text is always ambivalent, multiform and plural, and that these components can brought to light thorough textual analysis.

Since the 19th century, the literary representations of school have been founded on two different perspective: school has been portrayed either as a tyrannical, oppressive institution, or as a means of personal and social redemption and growth. The same alternative applies also to the representation of the teacher, and of her/his relationship with the students: either a merciless war, or a splendid opportunity of mutual enrichment. This dialectic is outlined through a series of exemplary literary works, from Edmondo De Amicis’s Romanzo di un maestro to Sandro Onofri’s Registro di classe.

Nota è la storia della biblica Giuditta, seduttrice e poi omicida per conto di Dio: il generale degli assiri, Oloferne, ha assediato Betulia e la bellissima vedova offre se stessa per salvare la città. Abbigliata con grande sfarzo, uscirà di notte dalle mura, raggiungerà l’accampamento nemico e, dopo aver conquistato l’ignaro comandante, lo ucciderà a tradimento durante il sonno. La pregnanza semantica di una figura come quella della betuliense è dunque particolarmente evidente: la «vedovetta» di petrarchesca memoria incarna, infatti, un prototipo eroico particolarmente complesso, poiché, se da un lato, esso evoca la vittoria del debole sul forte (secondo la vulgata tradizionale), dall’altro, diviene progressivamente emblema di forza e di trasgressione femminile contro la protervia maschile, ben rappresentata da quell’Oloferne che, vinto dall’ebbrezza e dalla concupiscenza, finirà sotto i micidiali colpi della sua spada. Giuditta, protagonista di una fabula di grande potenza narrativa, è dunque una perfetta figura del desiderio: elementi fondanti della storia sono Amore e Morte, seduzione e castrazione, inganno mulìebre, perpetrato grazie all’arte della parola, ed insipienza virile di fronte all’eccezionale bellezza della donna. Nel percorso qui proposto, si evidenziano le profonde somiglianze esistenti fra il personaggio tassiano di Armida, emblema di seduzione entro il campo nemico, e quello biblico di Giuditta. Due “feticci”, due “oggetti” del desiderio maschile destinati ad interpretare la medesima parte (ma con esiti diversi, evidentemente). Lo sguardo si allarga poi all’Europa, con particolare attenzione alla produzione francese, riformata e cattolica (dal poema Judit del Du Bartas fino all’Holoferne. Tragédie sacrée extraite de l’histoire de Iudith dell’ecclesiastico Adrien d’Amboise), infine si analizza il rapporto fra parola e immagine all’interno della tragedia Iudit redatta dall’astigiano Della Valle, ove la nascita del desiderio (in Oloferne) coincide con la descrizione di una vestizione mulìebre rimasta celeberrima. La purezza, la fede senza titubanze, l’incontaminata virtù della vedova biblica saranno riprese, all’inizio del Settecento, dalla Betulia liberata di Metastasio, capace di creare un nuovo modello di eroina, che tuttavia non avrà eredi. Nei secoli della modernità, infatti, l’immagine di Giuditta si ergerà ad icona potente di femminilità castratrice e sarà quindi destinata a confondersi con il mito di Salomé, anche grazie a celebri interpretazioni freudiane a noi più vicine.

This short text – a reply to Raffaele Pinto's paper - proposes to reflection on the universality of the concept of desire in relation to literature, starting with the Aristotelian theme of 'orexis' – understood as a link between body and soul – to arrive to the Freudian concepts of Eros and Thanatos. This doubleness, considered constituting human desire, only in literary works can find a possible reconciliation.

The essay analyze the theme of desire – both as sexual desire and as romantic love – in recent Italian novels, using a close reading of some sample texts.

Il saggio si propone di individuare e descrivere le sfumature erotiche e sentimentali del film Poulet aux prunes di Marjane Satrapi, felice adattamento dell’omonima graphic novel. Il racconto procede per scarti, ellissi, anticipazioni e flasback, dando luogo a una narrazione labirintica dalla singolare trama arabescante. Le sottili dinamiche seduttive messe in campo dal complesso stile di regia di Satrapi-Paronnaud vengono analizzate alla luce delle categorie feticistiche individuate da Massimo Fusillo, che offrono interessanti modelli di interazione fra desiderio e creatività. L’esito di tale indagine consente di ampliare il dibattito relativo al rapporto di scambio e interferenza fra oggetti, pulsioni e sguardi nel cinema contemporaneo.

Molti sono gli investimenti che entrano in gioco nella traduzione letteraria. Tenendo presente alcuni importanti studi traduttologici sull’argomento, lo studio trae le mosse da Giacomo Leopardi che si sofferma a livello teorico e pratico sulla traduzione secondo una prospettiva ‘desiderante’: nello Zibaldone, nei paratesti delle sue opere e soprattutto nei giovanili Scherzi epigrammatici. Da Leopardi traduttore si proverà poi a passare a Leopardi tradotto. Tra i tanti esempi possibili, quello di Yves Bonnefoy è particolarmente significativo in quanto il letterato francese inscrive la traduzione da Leopardi entro una precisa dinamica del Desiderio («per quanto insufficiente sia la traduzione, […] essa ha dato forma a un desiderio, rivelato un affetto») che diviene la chiave, nei testi critici, per la comprensione della stessa poesia del Recanatese come avviene nella sua singolare traduzione-interpretazione del Canto notturno in cui la luna, vicina al pastore, accetta di «boir de son désir, de son espérance», accompagnandolo «riante». Bonnefoy riflette, anche a proposito di altri autori tradotti come Shakespeare, sui «fantasmes» del testo che il poeta-traduttore, animato da un forte «désir conceptuel», deve sapere individuare affinché possa leggere l’opera da tradurre in rapporto al senso enigmatico della poesia e della lettura poetica, al senso cioè del suo Desiderio.

A desire that has been hidden for such a long time to the realms of the inexspressible will find alternative ways to begin to speak, even if this means to subject its content to a metamorphosis that could make it unrecognizable. As the dream activity translates thoughts in images, the unspeakable can be representable. This happens even in the Tavola Ritonda, one of the Italian rewritings (beginning of the 14th century) of the Prose Tristan, a 13th Arthurian French compilation. Tristan, became the unhappy husband of Iseult of the White Hands,tries to fill the absence of Iseult the Blond by realizing a statue of his lover. This episode’s model, absent from the Prose Tristan, can be found in the famous scene of the “Salle aux images” coming from Thomas, that the Tavola Ritonda rewrites in a “bourgeois” way by transforming the statue in a proper fetish symbol. This paper, that will turn to the notions of Unheimliche and Witz, will point out how the Tuscan writer canalizes the return of the repressed through ékphrasis, and how he tries to mitigate the uncanny of the inanimate double of Iseult by a comic conclusion.

This study is aimed at investigating the dynamics of desire, also linked to the theme of the gaze, as it can be found in the film Nostalghia (1983) by Andrej Tarkovskij. First of all, the study will analyze the desire of Gorčakov, the main character, to see his remote Russia and its slow focus, thanks to the encounter with the 'crazy' marginalized Domenico, on the will to bring a candlelight from one side to the other of an ancient thermal pool. Through an approach mainly related to thematic criticism (halfway between cinema and literature) we will try to demonstrate the interrelationships, from the point of view of seduction and analysis of fetish objects, between the desire of the protagonist and that of Domenico. Using also some means of social critique offered by Michel Foucault, we shall obtain results never previously analyzed by critical studies on Tarkovskij and Nostalghia.

Casanova, as he himself admits in his undisciplined memoirs, fully committed his life to a disorganized and non-systematic cultivation of pleasure. In such lack of stability, which affects the identity as well as the actions of the narrator, the energy of desire is revealed in its most vital and powerful forms: a desire for recognition, glory and literary immortality, which is a desire for the Other; a desire for transcendence, but also for new secular horizons, which is a desire for the Elsewhere; a desire for the lover’s words, which is the amorous desire that recomposes the bodies fragmented and made into pieces by sexual desire. Nevertheless a deliberate libertine project – the wide-ranging exploration of natural appetites – seems to traverse the whole Histoire de ma vie, and underlie this narrative codification of sexual desire. As Leonardo Sciascia pointed out, Casanova’s quest for absolute liberty culminates in the celebration of the most extreme action of vitalism – incest. While the incestuous intrigue of the memoirs are famous, less known is the representation of incest Casanova gives in the Jcosameron. In this utopian novel, through the story of a young brother and his sister, initiated to the elevated dimension of consanguineous love by the inhabitants of the centre of the earth, the writer thus finds a possibility to speak publicly about something prohibited, unutterable.

L’articolo vuole indagare la dialettica apparente tra istanza commentativa e istanza diegetica nelle opere di Walter Siti e Michel Houellebecq. La tesi di fondo di questa analisi considera la prima istanza subordinata alla seconda. Si andranno allora a indagare i modi con cui i due autori sottopongono visioni e modelli del mondo abbastanza simili a differenti procedure di narrazione. L’indagine si svolge a partire da considerazioni di carattere generale intorno ad alcuni dispositivi del discorso attivati nella scrittura romanzesca. Il secondo passaggio consiste in una visione sintetica di pratiche ricorrenti nell’opera dei due autori, per chiudersi su alcuni riscontri testuali che prendono in esame due opere in cui i fenomeni trattati sembrano presentarsi con particolare evidenza: Extension du doumain de la luit e Autospia dell’ossessione. Al termine della disamina, appare possibile ipotizzare che Siti e Houellebecq realizzino una sostanziale conciliazione nel romanzesco dell’intermittenza tra fasi concettualizzanti e fasi narrative.

Harmonic evolution seems to be related to the various forms of desire we can find in the operatic theatre. Aim of this essay is to show how tonal and harmonic solutions give expression to different desires in some crucial operas like Strauss's Elektra (1905), Schoenberg's Erwartung (1909), Schreker's Die Gezeichneten (1916) and Hindemith's Cardillac (1926).

This work offers a Freudian lecture of Yehoshua’s novel, based on the contrast between ethical project and dynamics of desire. The protagonist is a human resources manager from Jerusalem going to Russia with the corpse of an employee dead in an attack; he has a metamorphosis that seems on one hand functional to the construction of a moral apologue: as in Lévinas’ late thinking, so in Yehoshua the responsibility for the Other is entrenched in our subjective being. The Manager arbitrary inverts his route and brings back to Jerusalem the victim’s coffin, mother and child because this allegoric City belongs to everyone and its sharing is the only achievable reparation. What stays in the background in the ‘ethical’ interpretation of the text is the role of desire. The beginning of the inquiry on Julia’s corpse causes in the text the emerging of symmetrization (as Matte Blanco would say). Julia’s body, desirable althought (or because) closed in a coffin, causes the breaking in a dimension that, potentially, don’t know the distinction between things but, conversely, assimilate and confuse them in a unique reality.

Il fantastico non è un mero ‘genere’ con motivi tipici ricorrenti, ma piuttosto un modo letterario di esprimere, obliquamente e allusivamente, in maniera quasi seduttiva e onirica, il confronto gnoseologico con l’ineffabile inesplicabilità dell’immaginario. Chi ne varca la soglia si trova ineludibilmente risucchiato in un vortice che lo avvolge progressivamente nelle sue spire attraendolo verso l’ignoto del confronto tra l’Io e l’Altro, lasciandolo, infine, spiazzato di fronte allo scacco conoscitivo dell’esperienza liminale del fantastico-unheimlich, che costituisce un irrisolvibile scarto rispetto al razionale paradigma di realtà. Hoffmann e Beckford, solo apparentemente personaggi così diversi, si confrontano specularmente con gli spazi dell’inconscio e la “retorica dell’indicibile”. Addentrandosi nel mondo dimidiato del fantastico-unheimlich, modalità espressiva e performativa dell’immaginario, trasgressiva e corrosiva per eccellenza, essi intraprendono, infatti, il loro viaggio di discesa nell’Io che, in ultima analisi, si rivela un’abile messa in scena del desiderio. L’analisi comparata degli Elixiere des Teufels e del Vathek mostra come desideri e pulsioni vengano inscenati mediante i paradigmi dell’abisso e del doppio insistentemente presenti a vari livelli non solo nelle due opere, ma anche costantemente reduplicati e intensificati a spirale nell’intero macrotesto a rappresentare la perturbante "coazione a ripetere" freudiana.

Cosa ne è del desiderio all’interno del Kitsch, sistema in cui la vita è vissuta come uno spot pubblicitario e l’identità come una eterna performance? In una dimensione utopistica in cui l’uomo non cerca altro che una continua soddisfazione come possono trovare spazio le tensioni e le mancanze che muovono il desiderio? Dopo una premessa teorica su cosa è il Kitsch, l’intervento si propone di rispondere al quesito attraverso tre opere di Walter Siti: i romanzi Troppi paradisi e Autopsia dell’ossessione e il reportage narrativo Il canto del diavolo. In queste opere vengono individuati tre paradigmi dell’esperienza Kitsch: il turismo, la televisione e un certo tipo di prostituzione. Indagandone le modalità e analizzando le riflessioni dell’autore in merito si vedrà come si deforma il desiderio quando si trova a dover fare i conti con il perpetuo sforzo del Kitschmensch di camuffarsi, per dirla con Kundera, «dans le miroir du mensonge embellissant et de s’y reconnaître avec une satisfaction émue». La meravigliosa e sostenibilissima leggerezza dell’essere che assurge a cifra interpretativa dell’utopia Kitsch non prevede la presenza del desiderio se non nella sua veste di “realizzabilità”: il desiderio Kitsch, il surrogato del desiderio, è offerto in omaggio col prodotto che lo appaga.

Sublimation is an idea often used to give a psychoanalytic interpretation of artistic creativity. Focusing on the lyric speaker within the poem and considering the text as a mise-en-scène of poetic creation, the paper intends to investigate why sublimation could not be the right key to understanding the phenomenon. The subject’s dynamics, in modern poetry, show themselves as a continuous failure in the repeated attempt to possess the object. The speaker’s affective and cognitive desire is produced and constantly renewed by the impossibility of possessing the object (above all in its representation). But it is only in such a gap that the subject can exists. In order to feel desire, there should be an illusion of possession and representation. Subject and object create each other in lyric poem, and the former comes to coincide with the desire for the latter, it does not exist outside that desire. Since lyric poetry shows itself as the unfolding of a subject that voices itself and is always involved in an object relation, it can be a privileged field of investigation for this kind of phenomena. Two poets will be taken into consideration: Thibaut de Champagne, a late trouvère who summons up the Provençal tradition, and Charles Baudelaire, one of the modern poets that have most deeply investigated the reality lack of sense.

The aim of this study is to analyze the relation between man and animal as an objectual relation and a desire of the former for the latter, highlighting the exceptional and transgressive dynamics that come into play when the object of desire is an animal. The thesis is that, in contemporary literature, the theme of desire towards the animal other, often tightly connected to the topos of metamorphosis, plays a key role in the dissolution of the unitary subject and leads to the multiplicity of being or, to cite Delueze and Guattari's A Thousand Plateaus, the multiplicity of becoming. The analysis is focused on two norwegian novels from the twentieth century: Fuglane (The Birds) by Tarjei Vesaas (1957) and Gepardene (The Cheetahs) by Finn Carling. After a short introduction to the novels, we will move on to explain how desire is the basis of the objectual relation between man and animal, in order to then show how it also represents a dynamic principle and a narrative model in the analyzed literary texts.

Il Conformista di Moravia (1951), ambientato in epoca fascista, narra la vicenda di Marcello, membro dell’OVRA ossessionato dalla necessità di sentirsi uguale agli altri. Si tratta di un romanzo a tesi che lega l’omosessualità alla repressione e al fascismo. L’operazione di riscrittura di Bertolucci (1970) potenzia la chiave freudiana: sul grande schermo, la ferrea progressione temporale e causale del romanzo è scardinata attraverso un uso spregiudicato del flashback, mentre scompare ogni accenno al fato e Marcello diventa filtro dell'intera narrazione. La psicoanalisi rappresenta la chiave di volta che regge il film, sostituendo la meccanicità progressiva del fato con la bi-logica dell’inconscio. Per tacitare la propria omosessualità – non accettata a livello sociale ma, prima di tutto, dal protagonista stesso – Marcello tenta di conformarsi in tutto e per tutto alla società e al particolare momento storico-politico. Il matrimonio e l’adesione al fascismo sono i due strumenti di questa strategia di conformismo; le figure femminili, in particolare, attraverso un gioco di duplicazioni e rispecchiamenti, ricoprono un ruolo cardine, configurandosi ora come oggetto di un desiderio reale ora invece di un desiderio mediato dalla volontà di rimozione e negazione delle pulsioni non accettabili, dei ricordi indicibili e dei sensi di colpa. Giocando con l’immagine, il montaggio e le interferenze col sonoro, Bertolucci sembra suggerire infatti significati profondi, che contrastano con la superficie del testo, e proporre una particolare declinazione della “retorica freudiana” del testo: richiamandosi all’approccio critico psicanalitico offerto da Francesco Orlando, l’intervento indaga le manifestazioni semiotico-linguistiche della formazione di compromesso fra desiderio e negazione da parte del protagonista ed analizza alcuni momenti del film che riflettono simultaneamente le due forze psichiche in contrasto.

The essay aims to develop an argument about plots of love and desire in bourgeois modernity. taking the cue from two sample novels: Sentimental education by Flaubert and Lolita by Nabokov. The theoretical framework regards the relationship between literature and experience, between perception and its written expression, specifically refferrig to one of the most fundamental human experience: romantic passion.

The aim of this essay is to intersect the figures of the collector and the antiquarian with the dynamics of desire, and identify the possible connections between the three themes. Therefore, a thematic and comparative approach was chosen, while the sample text were drawn from the Italian literature of the late nineteenth and twentieth centuries. The textual analysis will reveal the various desires moving collectors and antiquarians in search of the items that make up their collections: greed, pathological need of wealth, fantasies of martyrdom, love, ambition to excel, dreams of omnipotence, libido, jealousy, Illusion of immortality, attraction to the perverse, flâneuristic curiosity. But at the top of this list there is undoubtedly the desire to listen to literature’s description of life.

This reading of the poem La signorina Felicita analyzes the relationship between shame and desire as a privileged access to Gozzano’s poetry, and to the poetic culture of the early Twentieth century. The analysis of its themes and its literary genealogy (Jammes and Nerval in particular) – conducted from a formal and psychoanalytical perspective – leads to the identification of the conditions of coexistence between shame and desire.

Das Urteil (1912) is one of Kafka’s most enigmatic texts: the friend who, unhappy with the existence at home, seeks refuge in Russia, appears as a character in absentia and at the same time the symbolic centre of the work.

The article considers the theme of the desire of death in Hilarotragoedia, with the support of a Jungian description of the deth drive.

Se il desiderio proviene dalle stelle - de sideribus - e se, d’accordo con questa etimologia, il desiderio del Soggetto è il desiderio dell’Altro, Il Gattopardo di Tomasi di Lampedusa illustra una tra le più affascinanti ed enigmatiche figure letterarie del desiderio stellare, come si legge, tra l’altro, nell’explicit della parte settima del romanzo: «Giunta faccia a faccia con lui sollevò il velo e così, pudica ma pronta ad esser posseduta, gli apparve più bella di come mai l’avesse intravista negli spazi stellari». Come mai questa figura femminile, che scende dagli spazi stellari per concedersi a Don Fabrizio giunto alla fine del suo viaggio, si configura come l’oggetto di un desiderio di possesso che, paradossalmente, coincide con la morte? Una morte che contrappunta l’intero romanzo fin dal suo memorabile incipit: «“Nunc et in hora mortis nostrae. Amen”». Di quale desiderio si tratta precisamente? Che cosa agita il nostro eroe insospettabilmente amletico? Gli indizi che il romanzo offre per l’interpretazione di questo desiderio sono esigui e tuttavia significativi. Ma si può ricorrere ai Ricordi d’infanzia, che ci schiudono il laboratorio dello scrittore al tempo del Gattopardo, e che ci hanno permesso di individuare, forse, la ‘causa’ del desiderio del Principe di Salina.

If an unbreakable law exists for the Subject, it is the limits that Reality sets for his expansion and for his creativity, unless he alienates himself from reality to enter the realm of folly. Literary creation realizes itself in the space between the direct experience of the world, the event in its pure happening, and the unity of sense as an object of desire. The subject with his understanding abilities, therefore, must react to the stimulus given by the event willingly or unwillingly experienced and he must venture out to the eventful journey of interpretation led by the intentionality of his desire. As Petrarch’s canzone 360 demonstrates, the trial-pattern can be used as a literary form and a cognitive model in order to show the inner reasoning and moral debate, to define the rules of the specific literary genre, to explicate a truth that finally depends on the literary genre. On this journey the desire of sense can suffer limits and frustrations imposed by the law of Reality: obstacles, obligations, censorship and self-censorship (as introjected censorship principles). This law both makes hard and leads the journey, obstructs it but also makes it shareable: facing a Reality similar for all the human beings (even if differently perceived), shareable reactions and interpretations are developed. My article intends to explore these issues in some revealing and foundational texts of modern lyric poetry (mostly from Petrarch’s Canzoniere), having in mind the idea that poetry, as a personal voice of a subject, utters this journey of research more than it reveals some acquired general truths. In European lyric tradition, woman and nature can be considered as functional objects that activate and set a limit to the subject; they embody the law to obey, to which to conform or to rebel. In order to exercise himself in the text-space, to construct himself as a subject, the lyric-I has to create the limits within which to act and the laws of this space.