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Les deux récits Le Sari vert (2009) et Manger l’autre (2018) se placent aux extrêmes du spectre d’écriture d’Ananda Devi. Historiquement et stylistiquement, ces œuvres témoignent d’un engagement littéraire à représenter la condition féminine dans ce qu’elle a de plus sombre. Ces deux récits présentent un constat social qui perdure : le corps de la femme ne lui appartient pas. La présente étude a pour objectif d’exposer l’influence du discours social sur les personnages féminins, qui aboutit à une représentation essentiellement basée sur la seule apparence physique au détriment de l’identité globale de la femme. Cette apparence évoque, dans le corpus, un lieu insulaire, que le narrateur associe à l’île Maurice. Dans un premier temps, la représentation du corps de la femme est observée selon les théories féministes, l’identité de la femme étant réduite à son apparence. Dans un second temps, les appels à l’imaginaire qui caractérisent l’écriture de Devi sont convoqués pour analyser la construction discursive de la violence du quotidien et démontrer que les narrateurs des romans font systématiquement du corps de la femme l’origine des malheurs des personnages féminins. Dans un dernier temps, une approche géocritique est employée pour réfléchir sur le corps de la femme comme évocation de la morphologie insulaire mauricienne. De cette représentation du corps féminin émane violence et enfermement. Le corps est une prison de laquelle la femme doit se libérer pour ne plus faire de son insularité une tare., The two novels Le Sari vert (2009) and Manger l’autre (2018) are opposite in the spectrum of Ananda Devi’s work. Historically and stylistically, these narratives illustrate a literary commitment to represent the female condition in its darkest aspects. These two novels describe a social fact : woman’s body doesn’t belong to her. This study aims at exposing the impact of social discourse on female characters which creates a representation almost essentially based on physical characteristics regardless of overall identity. Physical appearance recalls an insular environment, like the Mauritian island. Firstly, the representation of female body will be observed through feminist theories which will show women’s identities are reduced to physical appearance. Secondly, the fiction as an instrument to describe everyday violence will be analyzed, especially because the female body is always presented as the cause of violence. Finally, geocriticism will help us think about the female body as a metaphor of the Mauritian island. The representation of female body evokes violence and confinement. Thus, the body is a prison; woman must escape from it to embrace her insularity instead of being held hostage.

Considered a geographical concept par excellence, space has invested the literary field, to underline the importance of its role in the configuration of a text, both in terms of decor, characters and plot. Much more than a simple scenic element, space crystallizes a set of data, the meanings of which reveal the way it is perceived or designed. In Le corps de ma mère the narrator evokes her mother and, through her, the life of Bedouin women in Tunisia. She recounts how she managed to free herself from a long ancestral tradition that is particularly restrictive for women and describes the changes that occurred with the Jasmine Revolution. The book shows a gap between the countryside and a big city in Tunisia, between traditional culture, religion, superstition, demons, ancestral customs, tales and modernization. In fact, the novelist gives us the extraordinary family story of Yamna, her mother, who lived in a small village in Tunisia, secluded for fifty years in her house. Then, ill, she found herself uprooted in Tunis, where her children insisted that she should be cared for. At the modern hospital where she is going to die, she is accompanied by her daughters to make confessions that reveal a perception of space that is based on the ambivalence between confinement and deliverance. The opposition between urban space and rural space, in particular the indictment drawn up against the capital, as well as the female body as an ideological space will be the objects of this study. Étant considérée par les critiques comme un art essentiellement temporel, la littérature se caractérise aussi par une ‘spatialité’, comme le souligne d’ailleurs Genette dans sa Figure II. En effet, le temps, les personnages et l’espace sont des composantes à pied d’égalité. Ceci dit, que l’espace est « une composante essentielle de la machine narrative » (Mitterand, 1980, pp. 211-212), qui détermine les relations entre les personnages et influe, d’une façon ou d’une autre, sur leurs actions. De fait, l’espace n’est pas un simple élément scénique, il établit des liens complexes avec les autres éléments du récit (temps, personnages et péripéties). L’analyse de ces liens et des significations de ces éléments révèle la façon dont le cadre spatial est perçu ou conçu. Dans Le corps de ma mère de Faouzia Zouari, la narratrice évoque la vie des femmes bédouines de Tunisie, et celle de sa mère, en particulier. Elle relate l’influence de l’espace dans laquelle cette dernière évolue, comment celle-ci est parvenue à se libérer d’une longue tradition ancestrale particulièrement contraignante pour les femmes, et décrit les mutations survenues avec la révolution du Jasmin. Le livre se compose de trois parties, et chacune d’elle se caractérise par son cadre spatial spécifique. Celui qui domine la première et la troisième partie, ‘le corps de ma mère’ et ‘l’exil de ma mère’, est Tunis (la capitale) et ses ‘cités de béton’. La romancière nous livre, dans ces deux chapitres, le récit familial extraordinaire de Yamna, sa mère qui a vécu dans un petit village de Tunisie, recluse pendant cinquante ans dans sa maison. Puis, malade, la vieille femme s’est trouvée déracinée à Tunis, où ses enfants insistaient pour qu’elle se fasse soignée. A l’hôpital moderne où elle va mourir, elle est accompagnée par ses filles, pour faire des confessions qui laissent transparaitre une perception de l’espace qui repose sur l’ambivalence entre réclusion et délivrance. La deuxième partie décrit le fossé entre campagne et grande ville en Tunisie, entre cultures traditionnelles, religion, superstition, djinns, coutumes ancestrales, contes et modernisation. L’opposition entre l’espace urbain et l’espace rural, en particulier le réquisitoire dressé contre la capitale, puis le corps féminin comme espace idéologique feront les objets de notre présente étude.

The purpose of this article is to examine the positive and negative properties of menstrual blood in Ancient Rome and its related uses. Building on such premises, I go on to explore the cultural practices involving this ambivalent substance. I argue that menstrual blood and its powers were manipulated to reinforce male order and state control over women’s bodies, becoming an instrument justifying the enactment of new rules to control Roman women. On the other hand, far from pushing away women from public and sacred spaces, the powers of menstruation contributed to strengthen their integration into the life of the city. Le but de cet article est d’examiner les propriétés positives et négatives du sang menstruel dans la Rome antique, ainsi que ses usages connexes. En partant de ces prémisses, j’explore les pratiques cultuelles mettant en œuvre cette substance ambivalente. Je soutiens la thèse que le sang menstruel et ses pouvoirs étaient manipulés afin de renforcer l’ordre masculin et le contrôle de l’État sur le corps des femmes, devenant ainsi un instrument justifiant l’adoption de règles nouvelles pour contrôler les femmes romaines. En revanche, au lieu d’éloigner les femmes des espaces publics et sacrés, le pouvoir du sang menstruel a contribué à renforcer leur intégration dans la vie de la cité.

En prenant comme cas d’étude deux artistes avec lesquelles nous nous sommes entretenue, cet article vise à montrer les liens épisodiques et ambigus que les plasticiennes colombiennes entretenaient avec les idées féministes dans les années 1970. Cette période est charnière pour la Colombie à trois égards : le gouvernement opte pour la répression, les guérillas s’emparent des zones urbaines et les groupes féministes se répandent dans les principales villes du pays. Ces derniers n’ont pas d’impact significatif sur le milieu artistique local : en effet, la majorité des plasticiennes considèrent ces groupes comme trop radicaux. Au moment où ils émergent, le dessin est renouvelé, les artistes expérimentent des matériaux inédits et le corps prend de nouveaux sens. Dans un contexte de renaissance artistique et de libération sexuelle, la question du corps féminin envahit de plus en plus souvent la production artistique locale. Qu’elle soit posée par des militantes ou par des sceptiques, cette question et sa généralisation révèlent la portée des idées féministes. Taking into consideration the works of two women visual artists who we interviewed, this paper aims to explain the episodic and ambiguous interactions that these artists had with feminist ideas during the 1970s. This was a pivotal period for Colombia in three ways: the government opted for repression, guerrillas controlled the urban areas, and feminist groups spread to the country’s main cities. They did not have an important impact on the local art scene: in fact, most of the women visual artists considered these groups too radical. When they appeared, drawing was revitalized, artists tested news materials and the body took on new meanings. In a context of artistic renaissance and sexual liberation, the question of the female body progressively conquered the local artistic production. Whether examined by activists or by sceptics, this question and its generalization reveal the scope of the feminist ideas.

As a complex fragmented and “syncopated” hypertext, Patchwork Girl by Shelley Jackson interpellates its reader to place hze in the position of multiple, interconnected subject whose task is to piece together the creature in and of the text, through the physical action of clicking on the hyperlinks. Piecing the female body and the body of the text together in order to read “herstory” forces the reader to adopt a position that ceases to be one of mastery and domination traditionally associated with the reading of print fiction. Rather, Patchwork Girl prompts the reader into adopting a gaze that is “modular and fragmentary” and facilitates her active participation in the textual criticity inherent in the rhizomatic form of the hypertext. By appealing to the reader’s demiurgic powers of imagination, the hypertext replaces the identity paradigm with the performance paradigm. The patched body of the monstrous female serves as a powerful metaphor for the hypertext itself and its capacity as a “feminine form” (Jackson) to deconstruct the binaries and boundaries introduced by modern science at the service of male hybris, which Mary Shelley’s Frankenstein, one of the key intertexts of Patchwork Girl, forcefully denounced. Thanks to its paradoxical materiality, the hypertext equates the female creature’s body with the monstrous form generating it. Thus, the technological medium makes it possible for Jackson to graft the text as body onto the body as text to deconstruct the logic of male-dominated technocapitalism. Engaging with the hypertext implies for the reader the letting go of the binaries (text/body, text/sex, text/technology) structuring traditional reading. Thus Patchwork Girl sollicits a “cyborg” approach (Hayles) which welcomes and performs multiple, hybrid forms of interconnectedness allowing for the creation of new subjective modalities in and of the text. Hypertexte à la structure complexe, fragmentaire et « syncopée », Patchwork Girl interpelle les lecteurs pour les placer dans la position de sujets multiples et interconnectés dont la tâche est de rassembler les morceaux de la monstrueuse créature que représente le texte mais qu’ils sont aussi, grâce à l’action physique qui consiste à cliquer sur les hyperliens. Rassembler les morceaux du corps féminin et du corps du texte pour pouvoir lire l’histoire de la créature force les lecteurs à adopter une position qui n’est plus celle de la domination interprétative qu’ils exercent dans la fiction classique. Plutôt, Patchwork Girl les conduit à porter un regard modulaire et fragmentaire sur le texte qui facilite leur implication active dans la criticité inhérente à sa forme rhizomatique. En faisant appel à leur pouvoir d’imagination démiurgique, l’hypertexte induit un remplacement du paradigme identitaire par celui de la performance. Le corps morcelé de la créature dans le texte sert de métaphore évocatrice pour la capacité qu’a l’hypertexte, en tant que « forme féminine », de déconstruire les binarismes hérités de la science moderne au service de l’hybris masculin que Mary Shelley, l’une des références intertextuelles de Patchwork Girl, dénonce dans Frankenstein. Grâce à sa matérialité paradoxale, ce nouveau type de fiction qu’est l’hypertexte permet l’articulation métaphorique du corps de la créature féminine avec la forme monstrueuse qui la crée, à la manière d’un cyborg. Ainsi, le medium technologique permet à Shelley Jackson de greffer le texte qui fait corps sur le corps du texte, pour déconstruire la logique masculiniste du technocapitalisme. Pour lire l’hypertexte il faut abandonner les binarismes qui structurent la lecture traditionnelle. Cette approche est « cyborg » (Hayles), car elle accueille de multiples formes hybrides d’interrelations, qui créent de nouvelles modalités du sujet dans le texte.

Cette thèse de doctorat renouvelle les réflexions autour du « carcéral » afin de le repenser comme un instrument politique et social coercitif, qui saisit et emprisonne des sujets, des collectivités, des alternatives émancipatrices et des capacités imaginatives. S’appuyant sur des récits de femmes du « tiers monde » (We Lived to Tell : Azadeh Agah, Sousan Mehr, Shadi Parsi, 2007 ; Memoirs from the Women’s Prison : Nawal El Saadawi, 1984 ; Imaginary Maps : Mahasweta Devi, 1994 ; Zoo City : Lauren Beukes, 2010 ; Moxyland : Lauren Beukes, 2008), nous explorons de multiples tropes et sites d’emprisonnement, d’enfermement, de sujétion et d’immobilisation, qui renforcent les logiques carcérales et qui entravent l’agence collective. Nous présentons une critique genrée des mécanismes locaux et mondiaux, micropolitiques et macropolitiques de la violence contre les sujets captifs et les communautés précaires. Ce dispositif de déconstruction se base sur une analyse multidisciplinaire des arrangements carcéraux, qui incluent des institutions punitives, des États-nations hétéronormatifs, des discours patriarcaux, le trafic sexuel, la servitude pour dettes, le capitalisme, la surveillance numérique, la privation économique et la déshumanisation politique. Ce travail de recherche invite également à une relecture de récits carcéraux qui permettent la réinvention des vocabulaires, des pratiques et de l’éthique de résistance, ainsi que l’émergence de projets collectifs de libération qui transgressent les confins politiques, sociaux, discursifs et épistémologiques de l’agenda néolibéral. À travers ses différents cadres théoriques, notre lecture s’engage dans un dialogue critique entre les études littéraires, féministes, postcoloniales et matérialistes, afin d’élucider de nouvelles façons de penser la carcéralité, la liberté et la résistance., This dissertation seeks to produce new understandings of the “carceral” as a mode of subject formation and social production that captures and contains subjects, collectivities, emancipatory alternatives, and imaginative capacities. Drawing on “Third-World” women’s narratives (We Lived to Tell : Azadeh Agah, Sousan Mehr, Shadi Parsi, 2007 ; Memoirs from the Women’s Prison : Nawal El Saadawi, 1984 ; Imaginary Maps : Mahasweta Devi, 1994 ; Zoo City : Lauren Beukes, 2010 ; Moxyland : Lauren Beukes, 2008), this dissertation investigates multiple tropes and sites of imprisonment, enclosure, subjection, and immobilization that reinforce carceral logics and impede collective agency. Through a multidisciplinary examination of carceral arrangements that include punitive institutions, heteronormative nation states, patriarchal discourses, sexual trafficking, debt bondage, global capital, political dehumanization, digital surveillance, and corporate violence, this dissertation offers a gendered critique of the local and global, micropolitical and macropolitical mechanisms of violence against captive subjects and precarious communities. The dissertation also invites a rereading of carceral narratives that enable the reinvention of vocabularies, ethics, and practices of resistance and the emergence of collective liberatory projects that transgress the political, social, discursive, and epistemological confines of the neoliberal agenda. Through its different theoretical frameworks, this dissertation engages in a critical dialogue between literary, feminist, postcolonial, and materialist studies in order to elucidate new ways of thinking about carcerality, freedom, and resistance.

Cette contribution étudie la représentation du corps féminin dans le roman Djazya et les derviches d’Abdelhamid Benhedouga. Ce personnage est l’avatar de la fameuse figure mythique Djazya de la geste hilalienne. Par sa beauté éblouissante, il est source d’harmonie et de multiples désordres qui se sont succédé dans le village depuis sa danse transgressive avec l’étudiant révolutionnaire Lahmar., This paper studies the representation of the female body in the novel Djazya et les Derviches by Abdelhamid Benhedouga. This character is the avatar of the well-known mythical figure Djazya of the Hilali epic. Due to her astounding beauty, the character is a source of harmony and of successive states of disorder that ensue in the village following her transgressive dance with the revolutionary student Lahmar.

L’auteure se penche sur les manières de concevoir les effets sur le corps humain, plus spécialement féminin, du devenir-digital en utilisant comme objet d’analyse le film de science-fiction français de 2014, Lucy, écrit et réalisé par Luc Besson. En mobilisant des théories issues du nouveau matérialisme et du post-humanisme, l’auteure établit une analyse dans laquelle la technologie transforme et modifie la matérialité du corps humain féminin et qui réaffirme le potentiel dé-centralisant du devenir-digital. The author looks at ways of conceiving the effects of becoming digital on the human body, and particularly the female body, taking as its subject of analysis Lucy, a 2014 French science fiction film written and directed by Luc Besson. Drawing on new materialist and posthumanist theory, the author works out an analysis in which technology alters and transforms the materiality of the female human body and reasserts the de-centralizing potential of that becoming digital. La autora del artículo se centra en las maneras de concebir los efectos sobre el cuerpo humano, especialmente femenino, del devenir digital, utilizando como objeto de estudio la película francesa de ciencia ficción, Lucy de 2014, escrita y realizada por Luc Besson. Utilizando las teorías derivadas del nuevo materialismo y del posthumanismo, dicha autora realiza un análisis, en el que la tecnología transforma y modifica el aspecto material del cuerpo humano femenino y reafirma el potencial descentralizador del devenir digital.

Cet article présente l’œuvre de Sarah Kane, dramaturge britannique, comme une parodie du théâtre de Samuel Beckett. Kane faisait partie du mouvement théâtral "In-Yer-Face" qui se développa dans les années 1990 en Grande-Bretagne. Son style frontal rend hommage à celui qui fut son maître mais critique aussi la représentation des femmes chez l’écrivain de théâtre irlandais. Blasted (1995) de Kane peut en effet se lire comme une parodie de En Attendant Godot (1955), car elle y dénonce la domination masculine dans le monde de la presse tabloïde. Dans Blasted et 4.48 Psychose (1999), Kane remet en question la tendance de Beckett à contraindre le corps des femmes. L’article considère aussi la parodie en terme de mise en scène. Crave (1999) de Kane met en lumière la réticence à l’expérimentation scénique chez Beckett et, après sa mort, chez ceux qui gèrent son héritage. This article positions the work of British playwright Sarah Kane as a parody of the theatre of Samuel Beckett. Kane’s "In-Yer-Face" style of theatre is considered as both paying homage to her idol Beckett as well as a critique of the Irish playwright’s representations of women. The article argues that Kane’s Blasted (1995) parodies Beckett’s Waiting for Godot (1955) and in doing so elucidates male domination in the world of the British tabloid press that Kane depicts in Blasted. The article also posits that Beckett’s tendency to constrain female bodies in his plays is impugned via parody in Kane’s Blasted and 4.48 Psychosis (1999). Finally parody is also considered in terms of stage and production technique. Kane’s Crave (1999) spotlights Beckett’s and, posthumously, the Beckett estate’s closure to experimentation in the staging of Beckett’s plays.

Cet article examine le corps féminin dans Le Chef-d’œuvre inconnu en fonction du titre du tableau, La Belle-Noiseuse, que Balzac a ajouté en 1837 mais a supprimé dans la version finale de 1847. Affirmant qu’il n’y a pas une Belle-Noiseuse mais deux, l’article soutient que le titre exprime le rôle des femmes comme noiseuses dans le texte. Leurs corps indomptables contrarient le génie de Frenhofer et l’intrigue de Balzac, tout en fournissant une nouvelle théorie de la créativité fondée sur le conflit., This paper examines the female body in Le Chef-d’œuvre inconnu in relation to the title of Frenhofer’s painting, La Belle-Noiseuse, which Balzac added in 1837 but then removed from the final 1847 publication. Arguing that there is not one Belle-Noiseuse but two, the paper claims that this title reflects the role of women as troublemakers in the text. Their unruly, troublemaking bodies thwart Frenhofer’s genius, frustrate the narrative, and provide a new theory of creativity based on conflict.

Le motif de l’ingénue fait partie intégrante des réflexions de Diderot sur le corps comme objet esthétique. Cet article analyse le compte rendu que fait Diderot du tableau de Jean-Baptiste Greuze Une jeune fille qui pleure son oiseau mort dans son Salon de 1765. Dans ce texte, Diderot imagine qu’il entre dans le tableau afin de déchiffrer les signes de détresse physiques de la jeune fille. Ce faisant, il explore le pouvoir de séduction des corps féminins expressifs ainsi que le pouvoir de sa propre imagination, pour finalement mettre en avant ce qui, selon lui, constitue un critique d’art supérieur. The ingenuous girl was an integral motif in Diderot’s musings on the body as an aesthetic object. This essay proposes a reading of his review of “Weeping Girl”, a painting by Jean-Baptiste Greuze that featured in Diderot’s Salon de 1765. In this text, Diderot narrates a fantasy of entering Greuze’s painting to decipher the girl’s physical signs of distress. In doing so, he explores the allure of expressive female bodies and the power of his own imagination, and ultimately demonstrates his notion of what makes a superior art critic.

En tant que psychanalyste franco-coréenne et chercheuse intéressée par la question du féminin et de la féminité dans une perspective interdisciplinaire et transculturelle, l’auteur propose une approche psychanalytique des voix intérieures des femmes ayant vécu une expérience d’avortement. Peut-on envisager une conflictualité propre à l’expérience d’avortement ? L’auteur prend la question du corps féminin comme un fil d’Ariane pour explorer quelques pistes de réflexion afin de dégager les voies de dialogue et de confrontation que l’épreuve de l’avortement est susceptible de tracer entre différentes disciplines, ainsi qu’entre différentes aires géographiques. As a French psychoanalyst of South Korean origin adopting a cross-cultural perspective on women and womanliness, the author proposes a psychoanalytical reading of the inner voices of French and Korean women who have experienced abortion, so as to enlighten the nature and the meanings of internal conflicts specific to the experience of abortion. Following the thread of the body, the author tries to highlight some key paths of dialogue and nodes of confrontation that the event of abortion may fuel in various disciplines and cultural areas.

La représentation du corps dénudé des femmes aborigènes taiwanaises est un thème incontournable de la photographie coloniale japonaise. Cet article examine comment les anthropologues japonais de la fin du xixe siècle, premiers photographes des aborigènes depuis le début de l’occupation japonaise de l’île, ont construit des clichés mettant en scène le corps féminin. Il montre que leurs thèmes sont inspirés des chroniques chinoises de Taiwan du xviiie siècle et s’intéresse à leur influence sur les photographes des générations suivantes, dont les œuvres sont éditées en cartes postales en grande quantité et diffusées à l’intérieur et à l’extérieur de l’empire. Ces images composent la représentation d’un Taiwan sauvage et intemporel aux marges de l’empire japonais. 台湾の原住民の裸の女性を表現することは、日本による植民地期の写真において欠くことのできない重要な題材だった。本稿では、植民地となった台湾で原住民を撮影した19世紀末の日本の人類学者が、女性の身体をめぐる構想と配置を通じてどのようにしてステレオタイプな表現を構築していったかを検討する。このために本稿では、日本の人類学者による裸の女性の写真が18世紀の清代に書かれた台湾の年代記に着想を得ていたことを示す。そして、彼らの写真が、次世代の写真家たち―植民地期に印刷出版されることで大日本帝国とその外に広く流通した絵葉書の制作者――に与えた影響を分析する。これらの写真作品の台湾原住民の裸の女性のイメージが、ともに、大日本帝国の周縁部における野蛮なままとしての台湾の表現を構築していったことを明らかにする。 The representation of bare-bodied Taiwanese aboriginal women was an essential theme in Japanese colonial photography. This article examines how Japanese anthropologists at the end of the nineteenth century–the main photographers of the aborigines–created photographic norms through their framing and placement of female bodies. It shows how these photographic themes were inspired by eighteenth-century Chinese chronicles of Taiwan and examines their influence on later generations of photographers, whose works were published in great numbers on postcards during the colonial period and circulated both within the Japanese empire and beyond. Together, these images constructed an image of a savage and timeless Taiwan on the margins of the Japanese empire.

This Ph.D. thesis analyzes the literary works of American poets Anne Sexton and Sylvia Plath in light of Women’s and Gender Studies and considers the notions of myth and disenchantment. Plath and Sexton were labeled “confessional” poets; this study’s first section seeks to understand the underlying mechanisms of this appellation and how it participated in the construction of myths around the two poets and also aims to deconstruct these myths. Plath and Sexton met at the end of the ‘50s and influenced each other. Their poetics of disenchantment are a common trait in their literary works, from their “confessional” poems to their rewriting of fairy tales and myths which may be called “anti-tales.” Although their poetic styles differ, the themes they pursue are similar, from the incestuous trauma to the female body, from the American housewife to the representation of women through the Madonna/slut dichotomy. In this thesis’s second section, these topics are scrutinized and considered in relation to the notions of veil and modesty. Appeals for modesty stem in part from the Bostonian poetic stage of the 50s-70s, the puritan influence of New England poet Robert Lowell and the misogynistic critics of the time. This study’s third section links literature and society and emphasizes the influence of patriarchal and “poetriarchal” context on and in Plath’s and Sexton’s poetry and prose.; Cette thèse de doctorat a pour but d’analyser l’œuvre des poètes américaines Anne Sexton et Sylvia Plath à l’aune des études féminines et de genre en s’attachant à la question du mythe et du désenchantement. Plath et Sexton ont été étiquetées « poètes confessionnelles » ; il s’agit dans un premier temps de comprendre les mécanismes sur lesquels repose cette appellation qui participe de la construction de mythes autour des deux poètes et de les déconstruire. Plath et Sexton se sont connues à la fin des années 50, s’influençant l’une l’autre. Elles ont en commun une poétique du désenchantement, de leurs poèmes « confessionnels » à leurs réécritures de contes de fées et de mythes que l’on peut qualifier d’ « anti-contes ». Si leur style poétique diffère, les thèmes qu’elles abordent se répondent en écho, du trauma incestueux au corps féminin, de la femme au foyer à la représentation dichotomique de « la femme » en Madone et putain. Nous abordons ces sujets dans un deuxième temps en les reliant aux notions de voile et de pudeur. L’injonction à la pudeur provient en partie de la scène poétique bostonienne des années 50 à 70, de l’influence puritaine du poète Robert Lowell et des critiques misogynes. Cette étude s’applique dans un troisième temps à relier littérature et société en mettant en lumière l’influence du contexte patriarcal et poétriarcal sur et dans l’œuvre de Plath et de Sexton.

In the works of the artists Majida Khattari, Shadi Ghadirian and Shirin ALIABADI, the female body focuses its broad range of current and traditional conceptions of Muslim societies. Their artistic practices have a medium where appears strong political and religious powers, various social constraints and traditions, advertising, consumerism, aspirations to a « better world »... Through the artistic layout and through some historical and sociological data, this thesis aims to study the forms and modalities of the different layers of this symbolic overload released by the female body, which is combined through certain dress codes, ornaments and make-up., Dans les œuvres des artistes Majida KHATTARI, Shadi GHADIRIAN et Shirin ALIABADI, le corps féminin concentre à lui une large panoplie de conceptions actuelles et traditionnelles des sociétés de culture musulmane. Leurs pratiques artistiques présentent un support où se manifestent des pouvoirs politiques et religieux, de diverses contraintes sociales et de traditions, de publicités, de consumérisme, d’aspirations à un « monde meilleur »... À travers le dispositif plastique et à travers quelques données d’ordre historique et sociologique, cette thèse vise à étudier les formes et les modalités des différentes strates de cette surcharge symbolique dégagée par le corps des femmes, et qui se conjugue à travers certains codes vestimentaires, de parures et de maquillage.

Born in Bombay in 1962, the writer Ginu Kamani emigrated to the United States with her family at the age of fourteen. As for the Indo-American narrator of her short-story “Ciphers” (1995), she returns to India after ten years spent building her identity as a woman in North America. Having only known her homeland in her childhood, she has not yet experienced the society from which her elders preferred to emancipate from an adult’s point of view. Between bewitchment and bitterness, the expatriate who lends her voice to this story evaluates the progress made, without her, by the women of her former country and her own evolution without India. Her return offers her the unsettling opportunity to compare her alleged dissent and her power to those of an Indian mother met during a railway journey. By the processes of writing and imagination, the values attributed to gender but also to the here and elsewhere seem reversed. This paper intends to analyze the ambivalent text which introduces the story collection Junglee Girl, written in English, by underlining women’s dissidentities. How do Ginu Kamani’s characters dissent from the stereotyped representations of identities?, Née à Bombay en 1962, l’écrivaine Ginu Kamani a émigré aux États-Unis avecsa famille à l’âge de quatorze ans. La narratrice indo-américaine de sa nouvelle“Ciphers” (1995) revient, quant à elle, en Inde après dix années passées à construire son identité en tant que femme en Amérique du Nord. N’ayant connu sa terre natale que dans son enfance, elle n’a pas encore expérimenté un regard adulte sur la société dont ses aînées ont préféré s’émanciper. Entre envoûtement et amertume, l’expatriée qui prête sa voix à ce récit évalue le progrès effectué, sans elle, par les femmes de son ancien pays et sa propre évolution sans l’Inde. Son retour lui offre la troublante occasion de comparer sa dissidence et son pouvoir présumés à ceux d’une mère de famille indienne rencontrée lors d’un trajet ferroviaire. Par les processus de l’écriture et de l’imagination, les valeurs imputées au genre mais également à l’ici et l’ailleurs paraissent renversées. Cet article entend analyser le texte ambivalent qui introduit le recueil de nouvelles Junglee Girl, écrit en anglais, en soulignant des dissidentités au féminin. Comment les personnages de Ginu Kamani entrent-ils en dissidence face aux représentations stéréotypées des identités ?

Le récit Moi, l’interdite, se présente comme une exception parmi les œuvres d’Ananda Devi en ce qu’il n’aborde pas de front ni implicitement le thème de la dissidence féminine, comme nous pouvons l’observer dans la plus grande majorité des œuvres de l’auteure mauricienne. Au contraire, le récit s’évertue à mettre en place un processus singulier : celui d’une disparition, perpétré contre la narratrice et protagoniste principale, condamnée à être l’éternel Autre à cause de son physique monstrueux. La présente étude se donne pour objectif d’exposer les rouages à la fois narratifs, thématiques, corporels et relationnels de cet anéantissement de l’Autre à travers une approche essentiellement narratologique. Dans un premier temps, l’entreprise de disparition est observée à travers plusieurs procédés narratifs : complexité chronologique, enchâssement de plusieurs niveaux de récit, abondance de narrataires. Dans un second temps, le thème de la disparition est questionné dans les relations aliénantes nouées par la narratrice, dont le corps difforme est le principal enjeu. De cette volonté de destruction (re)nait et (re)meurt une narratrice, malade de folie, dont les séquelles incurables l’empêcheront de réaliser son désir d’appartenance à un Même fantasmé., The novel Moi, l’interdite, stands as an exception in Ananda Devi’s works due to the fact that it does not, directly or inherently, address the topic of feminine dissidence usually displayed in the majority of the works from the Mauritian author. The story, on the contrary, tries to set up a singular process: a disappearance affecting the narrator and main protagonist, forever condemned to be the Other because of her monstrous physical appearance. This study aims at exposing the inner machinery of the narrative, thematic, corporal and relational aspects of the destruction of this Other mainly through a narratological approach. Firstly the initiative of the disappearance can be observed through several narrative methods: chronological complexity, interlocking of several levels of discourses, abundance of narratees. Secondly the theme of disappearance is questioned in the alienating relationships developed by the main narrator, for whom her deformed body is mainly what is at stake. This will of destruction leads to the crazily sick narrator’s (re)birth and death, as the incurable after-effects will prevent her from fulfilling her dream to belong to a fantasised Same.

L’observation ethnographique de différents lieux publics d’échanges sexuels et l’analyse comparative des dispositions micro-spatiales des rencontres dans ces lieux comme celle des présentations de soi des protagonistes (en termes de mise en scène de la disponibilité/accessibilité des corps) montrent que l’accès au corps d’autrui – et en particulier à son sexe – suit un ensemble de normes tacites ou explicites et de pratiques assignant un rôle à chacun, structurant les espaces et les corps. La présence de corps représentés et travaillés comme devant se donner (à voir, à prendre), principalement ceux de femmes dans les lieux de rencontres hétérosexuelles, est l’un des principaux enjeux afin d’accélérer l’échange sexuel. Mais ces représentations substantialistes des corps lors des rencontres ne sont pas spécifiques à la sphère de la sexualité. Cet article vise aussi à questionner les aspects pratiques de cet imaginaire des rencontres impliquant l’approche d’autrui et une proximité physique dans la mesure où il reste d’usage d’employer des métaphores locatives (accéder à) pour dire des rencontres, réelles, fantasmées ou abstraites, entre autres celles du chercheur sur son terrain. Et sous une apparente neutralité technique, ces manières de dire déterminent des représentations de l’Autre, en qualifiant et classant les approches, méthodes, objets et chercheurs. Ethnographic observation of various public spaces dedicated to sexual exchanges and the comparative analysis of the micro-spatial configurations of the encounters in these places, such as that of the protagonists’ presentation of the self (as concerns the revelation of bodily availability/accessibility) show that access to someone else’s body and specifically to his/her sex, follows a set of implicit or explicit patterns, and of practices that allot each actor a precise role, and that lead to a structured perception of spaces and bodies. The representation of bodies as having to be given away (to be watched and/or taken), mainly those of women when in heterosexual meeting places, figure among the major challenges meant to accelerate sexual exchange. But these representations substantialist during the encounters are not specific to the field of sexuality. This article also aims to question the material circumstances of the imaginary world of the encounters, which implies physical approach and proximity. It remains, indeed, common practice to use locative metaphors (such as, « to access ») in order to narrate the encounters, whether real, fantasized or abstract, and those of the researcher himself in his own field, among others. And behind a seemingly technical neutrality these ways of speech determine the representation of the Other, by qualifying and ranking the approaches, methods, objects and researchers.

Moral caricature definitely appears in Madrid in Gil Blas. It first focuses on the question of woman, scrutinising bodily differences. Caricaturists denounce the deceptive appearances of the bourgeois female body and uncover the male discourse about the spending on garments. Thus they indirectly offer a discourse on the male condition, through criticising marriage. The body of lower-class women is affected by work, precariousness, vulnerability and loneliness –circumstances meaning that the danger of prostitution is ever present. Prostitution is also indicated by the ritualisation visible in the body of the cocotte. Moral caricature becomes both erotic and humorous while showing more and more streetwalkers, who embody the status of the commercial image of woman. The social dimension of the female body disappears. Seduction scenes in which the caricaturist unveils the hypocrite game of the commerce of flesh are replaced by images which seduce. The predominance of the cocotte ushers in new habits of consumption. Among the many diverse images of woman that circulate in the second half of the 19th century, massively diffused caricatures play a decisive role., La caricature de mœurs fait définitivement son apparition à Madrid dans Gil Blas. Elle s'empare d'abord de la question féminine en se penchant sur la différence des corps. Les caricaturistes dénoncent les apparences fallacieuses du corps de la bourgeoise dans un déshabillage qui met en perspective un discours masculin sur les dépenses associées aux toilettes et livre un discours en creux sur la condition masculine à travers la critique du mariage. Le corps des femmes des classes populaires est marqué par le travail, la précarité, la vulnérabilité, la solitude. Autant de circonstances qui font planer le danger de l'entrée dans la prostitution, signifiée aussi par la ritualisation du corps empruntée à la silhouette de la cocotte. La caricature de mœurs s'oriente vers le terrain de l'érotico-festif en multipliant les figures de cocottes boulevardières. Celles-ci manifestent le nouveau statut de l'image commerciale de la femme. L'épaisseur sociale du corps féminin disparaît. Aux scènes de séduction où le caricaturiste déjoue le jeu hypocrite du marché de la chair, succède une représentation de la séduction de l'image. La prééminence de la cocotte manifeste l'avènement des nouveaux usages de la consommation. Dans la pluralité des images de la femme qui circulent dans la deuxième moitié du siècle, les caricatures diffusées massivement occupent une place décisive.

From the end of the nineteenth century a visual culture, crucial to the western gaze, established itself through photography and cinema. It developed along with and sometimes preceded the European "civilizing mission". The visual conquest of the land relied on the exoticism, through the uncontaminated landscape and the native females eroticism. This article explores how feminizing the subdued territory, the erotic and libidinous representation of the remote land kept a close relationship with the geographical and cartographie discourse. The connection between cartography, female body, photography, cinéma and colonialism is examined through the collective imagination on exotic related to Italian colonial expérience in Africa, Riassunto : A parure dalla fine del XIX secolo, attraverso la fotografia e il cinema, si afferma una cultura visuale che fu centrale nella costruzione dello sguardo occidentale e accompagna, se non in alcuni casi anticipa, la missione di conquista europea. L'appropriazione visiva dei territori ebbe corne tema centrale l'esotismo dei paesi conquistati, rappresentati attraverso la naturale bellezza del paesaggio e nell' erotismo delle donne locali. Questo articolo vuole indagare corne la femminilizzazione delle terre sottomesse, la rappresentazione erotizzata e libidinosa dei luoghi remoti, ebbe una stretta relazione con il discorso scientifico geo-cartografico. La connessione tra cartografia, corpo femminile, fotografia, cinema e colonialismo, è letta attraverso la rappresentazione dell' immaginario esotico riferito all' esperienza coloniale italiana in Africa, Résumé : A partir de la fin du 19e siècle, s'affirme par le biais de la photographie et du cinéma une culture visuelle qui accompagne, et parfois même précède, la « mission civilisatrice » de la conquête européenne et joue rapidement un rôle central dans la construction du regard occidental. L'appropriation visuelle des pays conquis repose principalement sur la mise en avant de l'exotisme de ces régions, présenté à travers la beauté naturelle des paysages et l'érotisme des femmes. Cet article se propose d'analyser comment la féminisation des territoires soumis, la représentation érotisée et libidineuse de terres éloignées, est en étroite correspondance avec le discours scientifique géo-cartographique de l'époque. La relation entre cartographie, corps féminin, photographie, cinéma et colonialisme est ici lue à travers la représentation de l'imaginaire exotique développé dans le cadre de l'expérience coloniale italienne en Afrique, Romani Cesare. Il corpo delFesotismo: cartografia, fotografia, cinema - Le corps de l'exotisme : Cartographie, photographie, cinéma . In: Le Globe. Revue genevoise de géographie, tome 148, 2008. L'exotisme. pp. 107-128.

En Polynésie, le rituel du kava est associé à la chefferie, aux titres, aux hommes. À Tonga, les mythes d’origine concernant le kava d’une part, le chef suprême d’autre part, fondent sur la dette le modèle des relations entre les hommes, les chefs et les divinités. La boisson cérémonielle, substance séminale régénératrice de force et de vie, apparaît comme l’agent d’une double métamorphose, dupliquant la transformation initiale de la plante profane en boisson sacrée : la transfiguration des chefs en ancêtres divins mais aussi celle des sujets masculins en hommes « forts ». Lieu de transmission d’une forme idéalisée de virilité, le rituel du kava remplirait alors un office identique à celui dévolu aux cérémonies d’initiation masculines en Mélanésie : la reproduction de l’identité masculine. La mobilisation de l’imaginaire social autour de la production de la masculinité, au sein de cultures – polynésiennes et mélanésiennes – où la dichotomie des sexes s’exprime pourtant selon des modalités différentes, amène à penser qu’une des dimensions de la dichotomie des sexes prendrait racine dans ce constat d’expérience paradoxal : l’origine féminine des sujets masculins. From One Sex to the Other: The Kava Ceremony and the Reproduction of Masculine Identity in Polynesia. – In Polynesia, the kava ceremony is associated with chieftaincies, titles, men. On the Tonga islands, myths of origin, which mention kava and the paramount chief, found the model of relations between chiefs, divinities and people on the idea of a debt. The ceremonial drink, a seminal substance that regenerates life-force, is the means of a double metamorphosis that duplicates the secular plant’s initial transformation into a sacred drink: the transfiguration of chiefs into divine ancestors, and of male subjects into “strong” men. As the place of transmission of an idealized virility, the kava ceremony could, like male initiation ceremonies in Melanesia, play the role of reproducing masculine identity. Given this activation of the social imagination around the production of masculinity in Polynesian and Melanesian cultures where the dichotomy between the sexes is expressed in rather different ways, might one dimension of this dichotomy not have its roots in a paradoxical experience, namely: the feminine origin of male subjects?

International audience; L'œuvre médicale attribuée à Hildegarde de Bingen, en particulier le Cause et cure, se signale par la place faite au corps féminin, à ses maladies, à son cycle, à l'accouchement ou à ses douleurs. Elle l'évoque aussi dans ses livres visionnaires, principalement le Scivias et le Livre des œuvres divines, et c'est donc l'ensemble de ses écrits, où physiologie et exégèse vont souvent de pair, que l'on peut interroger sur les motifs du corps maternel et de la reproduction. Le présent article tâche ainsi de montrer en quoi ses vues à propos de la maternité tout à la fois s'inscrivent dans une tradition et s'en démarquent, en étudiant principalement trois principaux thèmes, le rôle de la mère dans la conception, la sexualité féminine, et la fertilité.

Née en 1987 à Casablanca, au Maroc, Rim Battal est une poétesse et artiste qui vit maintenant à Paris. Elle a été formée au journalisme et à la photographie à l’Institut Supérieur de l’Information et de la Communication de Rabat et est diplômée de l’École Supérieure de Journalisme de Paris. Depuis 2016, elle fait des lectures performées de ses textes au Bordel de la Poésie de Paris. Elle a publié, entre autres, Vingt poèmes et des poussières (2015), Latex (2017) et Transport commun (2019) aux éditions LansKine, L’eau de bain (2019) aux éditions Supernova - les presses du réel et plus récemment Les quatrains de l'all inclusive (2021) chez Le Castor Astral. L’idée de cet entretien est née du désir de questionner sa pratique photographique en tant que femme et de mettre l’accent sur le rapport étroit qu’elle tisse entre écriture et photographie, deux pratiques qui sont indéniablement associées dans la plupart de ses travaux., Born in 1987 in Casablanca, Morocco, Rim Battal is a poet and artist who now lives in Paris. She was trained in journalism and photography at l’Institut Supérieure de l’Information et de la Communication of Rabat and graduated from l’École Supérieure de Journalisme of Paris. Since 2016, she presents performed readings of her texts at Bordel de la Poésie of Paris. She has published, among others, Vingt poèmes et des poussières (2015), Latex (2017) and Transport commun (2019) at LansKine editions, L’eau de bain (2019) at Supernova editions - les presses du réel et more recently Les quatrains de l'all inclusive (2021) at Le Castor Astral. The idea of this interview was born of the desire to question her photographic practice as a women and to emphazise the close relationship that she makes between writing and photography, tow practices that are undeniably associated in most of her work.