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Le personnage de Galaaz/Galaad, le fils de Lancelot, acquiert une importance tout à fait remarquable dans le cycle de romans arthuriens en prose rédigés en France dans la première moitié du XIIIe siècle. La reformulation du Livre de Lancelot présente quelques références anticipatoires, d’une nature prophétique, au fils du protagoniste. Lors de la première de ces références, les rédacteurs ont recours à une figuration allégorique, dans laquelle coalescent différentes créatures. Le Livre de Daniel est probablement à l’origine de cette figuration, où sont abordées les questions relevant de l'annonce de la venue du messie et de l'empire qui surpasserait tous les pouvoirs du passé. Ce lien est confirmé à d'autres moments du cycle, notamment dans l'Estoire del Saint Graal, où ce même livre prophétique de la Bible est explicitement mentionné dans les épisodes qui conduiront à l'institution de la lignée choisie, dont le dernier représentant est censé être Galaaz/Galahad. No ciclo de romances arturianos em prosa concebido em França na primeira metade do século XIII adquire particular destaque o cavaleiro Galaaz/Galaad, filho de Lancelot. Na primeira referência profética que lhe é feita na reformulação do Livre de Lancelot os redactores recorrem a uma figuração alegórica, envolvendo várias criaturas, que provavelmente remonta ao Livro de Daniel, onde está em causa o anúncio do messias e do império que devia superar os poderes do passado. Essa relação é confirmada noutros pontos do ciclo, nomeadamente na Estoire del Saint Graal, sendo aquele livro profético da Bíblia explicitamente mencionado nos episódios que irão levar à instituição da linhagem escolhida, que terá em Galaaz/Galaad, alegadamente, o último representante. The character of the knight that goes by the name of Galaaz/Galaad, who is the son of Lancelot du Lac, is significantly enhanced in the Arthurian cycle redacted in France during the first half of the 13th century. The reformulation of Livre de Lancetot makes a number of anticipatory mentions, of a prophetic nature, to the protagonist’s son. The first of these displays an allegoric figuration featuring several creatures that seems to originate in the biblical Book of Daniel, where questions related to the coming of the messiah and of the empire that would overcome all previous powers are addressed. This affiliation is corroborated in other moments of the cycle, namely in the Estoire del Saint Graal, that explicitly refers the aforementioned prophetic book in the episodes leading to the establishing of the chosen lineage of which Galaaz/Galaad is considered to be the last representative.

[EN] The Polaroid images created by photographer and architect Gabriel Campuzano convey a sense of engagement with someone else s memories, of shared experience. The changes Campuzano brings to these familiar views of Le Corbusier s architecture constitute a kind of clinging, deforming overlay. This defamiliarisation supplants the security and certainty of the known and shatters the relationship between signifier and signified, creating an open-ended array of possible links between the two. This article reflects on Campuzano s use of Polaroid film, colour, and framing, both in his work as a whole and, more specifically, in his approach to some of Le Corbusier s most iconic architectural creations, gauging the difference between solid fact the photographed structure and what is known about it and the experience of its contemplation. The result corroborates the hypothesis that Gabriel Campuzano s Polaroid snaps of Le Corbusier s work facilitate a communion of untransferable memories: a coming together of allegorical reminiscences that augments the ineffable magnitude of the architecture portrayed., [ES] Las imágenes polaroids realizadas por el fotógrafo y arquitecto Gabriel Campuzano producen la sensación de estar ante el recuerdo de otro; de una vivencia compartida. Las modificaciones que Campuzano realiza sobre estas estampas familiares de la obra arquitectónica de Le Corbusier actúan como una suerte de capa superpuesta que se adhiere sobre ellas, deformándolas. Este extrañamiento usurpa la seguridad de lo conocido y quiebra la relación entre significante y significado, creando un campo incompleto de relaciones entre ambos. Las técnicas utilizadas por Campuzano a partir de la película Polaroid, el uso del color y a los encuadres de las imágenes, tanto en la generalidad de su obra como, específicamente, en su acercamiento a ciertas arquitecturas icónicas de Le Corbusier, son reflexionadas en este texto, midiendo las distancias entre lo comprobable la obra fotografiada y su conocimiento- y la experiencia de su contemplación. Se corrobora así la hipótesis de que las polaroids de Gabriel Campuzano dedicadas a la obra de Le Corbusier auspician una comunión de memorias intransferibles: un encuentro convocado por estas alegorías del recuerdo, que amplía la dimensión indecible de estas arquitecturas., [FR] Les images de Polaroid effectuées par le photographe et architecte Gabriel Campuzano transmettent la sensation de se trouver face au souvenir d un autre ; d une expérience partagée. Les modifications réalisées par Campuzano sur ces images familières de l uvre architectonique de Le Corbusier agissent comme une sorte de couche superposée s adhérant sur elles, en les déformant. Cette étrangeté trouble la sécurité de ce qui est connu et brise le rapport entre signifiant et signifié, en créant un champ incomplet de rapports entre les deux. Les techniques utilisées par Campuzano à partir du film Polaroid, l usage de la couleur et l encadrement des images, aussi bien dans la généralité de son uvre que, concrètement, dans son approche de certaines architectures iconiques de Le Corbusier, sont soumises à réflexion dans ce texte, en mesurant les distances entre ce qui est vérifiable -l uvre photographiée et sa connaissance- et l expérience de sa contemplation. C est ainsi que se confirme l hypothèse selon laquelle les Polaroids de Gabriel Campuzano consacrées à l uvre de Le Corbusier présagent une communion de mémoires intransférables : une rencontre convoquée par ces allégories du souvenir, qui amplifie la dimension indicible de ces architectures.

Translation is an essential part of Yves Bonnefoy's work. But his originality in this field lies in the critical studies that have regularly accompanied his translations and in his reflection on the act of translation, developed in various essays and interviews. Departing from his conception of translation as a poetic activity, based on the distinction between the ‘translation of meanings’ and the ‘translation of the essence’, we approach the analysis of two poetic short stories, ‘Première ébauche d’une mise en scène d’Hamlet’, and ‘Hamlet en montagne’ included in L’heure présente (2011), which we approach both as ‘translations in a broad sense’, according to the definition proposed by the poet, as a prolongation and deepening of the understanding of the text through poetic writing, and as allegorical fictions of the process of translation. La traducción constituye una parte esencial de la obra de Yves Bonnefoy. Pero su originalidad en este campo reside en los estudios críticos que han acompañado de manera regular sus traducciones y en la amplitud de su reflexión sobre el hecho de la traducción, desarrollada en diversos ensayos y entrevistas. A partir de su concepción de la traducción como actividad poética, fundada en la distinción entre la “traducción de los significados” y la “traducción del sentido”, abordamos el análisis de dos relatos poéticos, “Première ébauche d’une mise en scène d’Hamlet” y “Hamlet en montagne” incluidos en L’heure présente (2011), que proponemos leer a la vez como “traducciones en sentido amplio”, según la definición que propone el poeta, en tanto que prolongación y profundización en la comprensión del texto por medio de la escritura poética, y como ficciones alegóricas del proceso de la traducción. La traduction constitue un pan essentiel de l’œuvre d’Yves Bonnefoy. Mais son originalité dans ce domaine réside dans les études critiques qui ont accompagné régulièrement ses traductions et dans l’ampleur de sa réflexion sur le fait de la traduction, développée dans des essais et des entretiens. Partant de sa conception de la traduction comme activité poétique, fondée sur la distinction entre la «traduction des significations» et la «traduction du sens», nous abordons deux récits en rêve – «Première ébauche d’une mise en scène d’Hamlet» et «Hamlet en montagne» inclus dans L’heure présente (2011), que nous proposons de lire à la fois comme des «traductions au sens large» suivant la définition qu’en propose le poète, en tant qu’approfondissement et amplification de la compréhension du texte au moyen de l’écriture poétique, et comme des fictions allégoriques de la traduction de l’œuvre de Shakespeare.

International audience; Uno de los motivos alegóricos que sirven para definir la justicia regia es la brida ecuestre, tal como Diego de Saavedra Fajardo la emplea en la pictura del emblema 21 de sus Empresas políticas. Esta pictura alegórica tiene una larga tradición en la emblemática. Este artículo analiza las implicaciones ideológicas de esta alegoría jurídico-ecuestre del freno de la justicia del rey, fuente de la ley, en el emblema de Saavedra Fajardo. En segundo lugar, se trata de estudiar, en relación con esta alegoría del freno de la justicia en la emblemática, las relaciones entre el personaje jinete y la función justiciera del rey en La humildad y la soberbia, Fuente Ovejuna y Peribáñez de Lope de Vega, así como en La serrana de la Vera de Vélez de Guevara.; Un des motifs allégoriques qui servent à définir la justice royale est la bride équestre, telle que Diego de Saavedra Fajardo l’emploie dans l’emblème 21 de ses Empresas políticas. Cette pictura allégorique possède une longue tradition dans l’emblématique. Cet article analyse les implications idéologiques de cette allégorie juridico-équestre du frein de la justice du roi, source de la loi, dans l’emblème de Saavedra Fajardo. Dans un second temps, il s’agit d’étudier, en rapport avec cette allégorie du frein de la justice dans l’emblématique, les relations entre le personnage cavalier et la fonction justicière du roi dans La humildad y la soberbia, Fuente Ovejuna et Peribánez de Lope de Vega ainsi que dans La serrana de la Vera de Vélez.

Conçus et représentés au milieu d’une longue carrière, les trois actes sacramentels que Gil Vicente a consacrés au Salut des âmes sont bien souvent considérés comme un résumé incomplet de sa vaste production littéraire. Tout en reconnaissant cette centralité dans l’œuvre de Vicente, cette étude propose avant tout un bilan critique de la réception des Barcas, tant sur le plan théatral que littéraire. Conceived and performed in the middle of a long career, the three Autos that Gil Vicente devoted to the Christian Salvation of the human soul are many times understood as an imperfect synthesis of his extensive work. In addiction of recognising the centrality of these three plays, the present study is mainly focused on a critical balance about the reception of the Barcas in a literary and theatrical level. Concebidos y representados en la mitad de una larga carrera, los tres autos que Gil Vicente dedicó a la Salvación de las almas son muchas veces entendidos como resumen imperfecto de su vasta obra. Además de reconocer la centralidad de estas piezas en el conjunto de la producción vicentina, el presente estudio constituye sobre todo un balance crítico de la recepción de las Barcas en los planos literario y teatral.

This article intends to discuss the elaboration and spreading of political symbolism through chapbooks, plays and the satirical illustrated press. Political symbolism made use of the classical repertoire of allegory, the traditional one of religion and the liberal one of the French Revolution. Such visual language contributed to socializing political cultures and ideologies through the antagonisms it put forward (liberty/tyranny; monarchy/republic; republicanism/carlism). The democratic rupture was to represent the acme of republican symbolism, but the scathing failure of the Spanish Republic was also to show the limits of making an ideal and a myth of this form of political structure., Partiendo de la literatura de cordel, del teatro y la prensa satírica ilustrada, se propone en este artículo abordar, en la época del Sexenio Democrático, la elaboración y difusión de la simbología política que entrelazaba el repertorio clásico de la alegoría, tradicional de la religión y liberal de la Revolución francesa. Ese lenguaje visual, por los antagonismos que escenificaba (libertad/ tiranía; monarquía/ república; republicanismo/ carlismo) contribuyó a socializar culturas políticas e ideologías. La ruptura democrática había de significar el apogeo de la simbología, pero el rotundo fracaso de la I República española también había de marcar los límites de la idealización y mitificación de la que había sido objeto esta forma política., À partir de la littérature de colportage, du théâtre et de la presse satirique illustrée, cet article se propose d’aborder, à l’époque du Sexenio Democrático, l’élaboration et la diffusion de la symbolique politique qui a emprunté au répertoire classique de l’allégorie, traditionnel de la religion et libéral de la Révolution française. Ce langage visuel, par les antagonismes qu’il a mis en scène (liberté/ tyrannie ; monarchie/ république ; républicanisme/ carlisme), a contribué à socialiser cultures politiques et idéologies. La rupture démocratique devait signifier l’apogée de la symbolique républicaine, mais l’échec cinglant de la I République espagnole devait aussi marquer les limites de l’idéalisation et de la mythification dont cette forme politique avait fait l’objet.

Este trabajo propone una lectura de Informe sobre ectoplasma animal (2014) de Roque Larraquy y Diego Ontivero. Para ello, discute con las lecturas biopolíticas que consideran los espectros animales como imagen o metáfora de la moderna sociedad humana. En contraste, señala la necesidad de una lectura que interrogue los problemas de la animalidad y la espectralidad como cuestiones éticas y, por lo tanto, inmediatamente políticas. Esto implica distinguir las nociones de alma y de espíritu, que implican la construcción del hombre como un proceso de espiritualización. Ce travail propose une lecture de Informe sobre ectoplasma animal (2014) de Roque Larraquy et Diego Ontivero. Pour cela, il met en discussion les lectures biopolitiques qui considèrent les spectres animaux comme une image ou une métaphore de la société humaine moderne. En revanche, il souligne la nécessité d'une lecture qui interroge les problèmes de l'animalité et de la spectralité en tant que questions éthiques et donc immédiatement politiques. Cela implique de distinguer les notions d'âme et d'esprit que supposent la construction de l'homme en tant que processus de spiritualisation. This work proposes a reading of Informe sobre ectoplasma animal (2014) by Roque Larraquy and Diego Ontivero. For this, it discusses with the biopolitical readings that consider the animal specters as an image or metaphor of modern human society. By contrast, he affirms the need for a reading that interrogates the problems of animality and spectrality as ethical questions and, therefore, immediately political. This involves distinguishing the notions of soul and spirit, which imply the construction of man as a process of spiritualization.

O artigo aponta a crítica à representação cinematográfica presente nas diferentes estratégias narrativas nos filmes Tony Manero (2008), Post mortem (2010) e No (2012), do diretor chileno Pablo Larraín. L’article porte sur la critique de la représentation cinématographique présente dans les différentes stratégies narratives des films Tony Manero (2008), Post Mortem (2010) et No (2012) du réalisateur chilien Pablo Larraín.

Mon article porte sur la réflexion théorique, culturelle, littéraire et artistique d’Octavio Paz sur le baroque et ses relations avec la modernité, dans ses écrits sur la poétesse mexicaine du XVIIe siècle Sor Juana (Sor Juana Inés de la Cruz ou les pièges de la foi). Cette recherche s’intéresse au goût de Paz pour l’analogie et l’allégorie, ainsi qu’à sa vision de la modernité comme tradition qui naît des ruines d’un monde disparu (les anciennes civilisations préhispaniques) et comme fragment d’une littérature étrangère transplantée : le baroque mexicain. Pour Paz, le style baroque espagnol et hispano-américain synthétise une relation dialogique, dans laquelle le catholicisme conserve les influences du paganisme et agrège une pluralité de discours culturels et sociaux. Le « baroque excrémentiel » de Paz (Conjonctions et disjonctions) est un style où le mot a conservé un sentiment de vitalité du langage par rapport aux matériaux « escatológicos » (scatologiques et eschatologiques). Paz observe, par exemple, dans les œuvres et les monuments baroques, la présence d’Éros, entre splendeur et échec, qu’il associe à une expérience du corps et à la construction d’une relation avec le langage. Sa réflexion trouve un prolongement dans Le Singe grammairien, un vaste poème en prose qui reprend les grands thèmes de son œuvre poétique. Mi artículo trata de la reflexión teórica, cultural, literaria y artística de Octavio Paz sobre el barroco y de sus relaciones con la modernidad, a partir especialmente de sus escritos sobre Sor Juana (Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe). Mi investigación toma en cuenta el interés de Paz por la analogía y la alegoría, así como su visión de la modernidad como tradición que nace de las ruinas de un mundo desaparecido (las antiguas civilizaciones prehispánicas) y como fragmento de una literatura extranjera transplantada : el barroco mexicano. En la visión de Paz, el estilo barroco español e hispanoamericano constituye una relación dialógica a través de la cual el catolicismo conserva los afluentes del paganismo permitiendo una pluralidad discursiva cultural y social. El llamado “barroco excremental” de Paz (Conjunciones y disyunciones) sería un estilo donde las palabras han conservado un sentimiento de vitalidad del lenguaje en relación con “lo escatológico”. Paz observa, por ejemplo, en las obras del “barroco monumental”, la presencia del Eros, entre el esplendor y el fracaso, que él relaciona con una experiencia del cuerpo y del lenguaje. Su reflexión encuentra un punto culminante en El Mono Gramático, vasto poema en prosa que retoma los grandes temas de su obra poética. This article addresses the theoretical, cultural, literary and artistic examination by Octavio Paz of the baroque and its relationship to modernity in his book devoted to the seventeenth-century Mexican poet, Sor Juana (Sor Juana: Or, the Traps of Faith). This study concerns itself with the preference Paz displays for analogy and allegory, along with his vision of modernity as a tradition born out of the ruins of a lost world (ancient prehispanic civilizations) and as the outgrowth of a displaced foreign literature: Mexican baroque. For Paz, the Spanish baroque and Hispanic-American context form a dialogical relationship, in which Catholicism retains the influence of paganism and compounds a plurality of cultural and social discourses. Paz’s “excremental baroque” (Conjunctions and Disjunctions) forms a style that retains a sense of language’s vitality with respect to “escatológicos” materials (scatological and eschatological). For example, Paz identifies in baroque art the presence of Eros, embodying both splendor and decline, which he associates with the experience of the body and the relation that arises with language. His thinking extends into his long prose poem, The Monkey Grammarian, which takes up the principal themes of his poetry.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O estudo sobre os processos de alegorização e afirmação do eu a partir de uma poética do abjeto e de uma estética/ética do marginal na escrita do romancista, poeta e dramaturgo francês Jean Genet (1910 – 1986) é o foco principal deste trabalho. Esse estudo pretende analisar as estratégias narrativas e o projeto literário da obra Journal du voleur [Diário de um ladrão], publicada em 1949, que ambicionava estabelecer a figura marginal de Genet, criar uma espécie de mito de si mesmo. Com o objetivo de contribuir para a compreensão da idiossincrática ordem moral e da criação da persona do escritor, propomos uma reflexão sobre o narrador genetiano e os aspectos de sua narrativa. Confrontamos o pensamento de alguns teóricos sobre a inscrição incerta de seus textos na categoria das escritas de si, para compreendermos melhor seu projeto literário e de que modo sua obra pode ser lida. Para analisarmos os processos de alegorização e a produção de sentidos na narrativa genetiana, mobilizamos, principalmente, as reflexões de Walter Benjamin. A partir dos conceitos de abjeção, de Julia Kristeva, e de profanação, de Giorgio Agamben, tentamos mostrar como os valores do abjeto se constroem e se perpetuam pela escrita de Genet, contribuindo para a construção tanto de uma estética/ética marginal, quanto da própria imagem do autor. Por último, analisamos como Genet articula o seu texto e o seu êxtase enquanto mártir e ator de sua trajetória marginal, fazendo uso de uma linguagem com pendor barroquista. L'étude des processus d'allégorisation et d'affirmation de soi dans une poétique de l'abjection et d'une esthétique / éthique marginale dans l'écriture du romancier, poète et dramaturge Jean Genet (1910-1986) est le but principal de ce travail. Cette étude vise à analyser les stratégies narratives et le projet littéraire de l’oeuvre Journal du voleur, publiée en 1949, destinée à établir la figure marginale de Genet, et à créer une sorte de mythe de soi. Afin de contribuer à la compréhension de l'ordre moral idiosyncrasique et de la création de la persona l'écrivain, nous proposons une réflexion sur le narrateur et les aspects de son récit. Nous faisons appel à la pensée de certains théoriciens sur l'inscription incertaine de ses textes dans la catégorie des écritures de soi, pour mieux comprendre le projet littéraire de l´auteur et les possibilités de lecture qu´offrent ses textes. Pour analyser les processus d'allégorisation et de production des sens dans le récit genétien, nous nous concentrons principalement sur les réflexions de Walter Benjamin. A partir du concept d´abjection (Julia Kristeva) et de celui de profanation (Giorgio Agamben) nous essayons de montrer comment les valeurs de l'abject sont construites et perpétuées dans l'écriture de Genet, afin d'aider à la construction à la fois d'une éthique/esthétique marginale, et de l’image de l'auteur. Enfin, nous analysons la façon dont Genet articule son texte / extase en tant que martyr et acteur de sa trajectoire d'auto-flagello-fiction, à travers certaines figures du baroque.

Quand il s’agit de l’art, ce ne sont peut-être pas les questions d’essence, d’origine ou de contenu qui conviennent. Si l’art a quelque rapport avec la vie, le saisir « sur le vif » c’est se rendre sensible à son « allure », sa « forme », son mouvement. Cela conduit à préférer voir l’œuvre d’art comme un commencement et non une fin, une ouverture sans cesse reprise, et non une totalité close ou un achèvement. La multiplicité éclatée des œuvres d’art, leur diversité divergente dans le temps et l’espace, récuse tout modèle transcendant de Beau et affirme tout à la fois l’exemplarité précaire et résistante, mortelle et survivante, de l’art. Du symbole à l’allégorie, c’est ce pas déviant, cet écart décisif qu’une réflexion sur l’art doit marquer et reprendre en demandant à W.Benjaminl’élan d’une histoire intempestive, le défi d’une foi artiste qui ferait sortir des métaphysiques régnantes du Beau, de Platon à Hegel et retrouver l’énergie d’une vitalité débordante dans laquelle l’art à l’œuvre nous emporte. Ce n’est rien moins que l’étrange figure voilée d’Isis, son pas double, mortel et vivant, qui nous guide, d’Apulée à Kant et Baudelaire, sur le chemin d’un sublime, critique mais vital, délivré de la fascination pathétique pour la nostalgie de l’Au-delà. Comment ce sublime révolutionnaire et transgressif n’entraînerait-il pas avec lui la noirceur et la pétrifi cation mélancolique pour réinventer l’arc-en-ciel magique de la vie vive? Réanimer l’exemplaire gravure de Dürer c’est peut-être dé- busquer le secret de la renaissance éternellement déviante, fuyante, mais affi rmative, de l’art: Hugo, comme Sartre, entre autres, ne manquent pas de l’entrevoir. Reprendre l’élan de ce défi qui ouvre le monde moderne, ce serait l’occasion d’un discret hommage au courage sublime des poètes de l’ « inconfidence ». Quando se trata da arte, não são talvez as questões de essência, de origem ou de conteúdo que convêm. Se a arte tem alguma relação com a vida, apreendê-la “sobre o vivo” é tornar-se sensível a seu “andar”, sua “forma”, seu movimento. Isto induz a ver a obra de arte como um começo e não um fi m, uma abertura retomada sem cessar e não uma totalidade fechada ou um acabamento. A multiplicidade irradiada das obras de arte, sua diversidade divergente no tempo e no espaço, recusa todo modelo transcendente de Belo e afi rma a exemplaridade ao mesmo tempo precária e resistente, mortal e sobrevivente, da arte. Do símbolo à alegoria, é este passo desviante, este intervalo decisivo, que uma re- fl exão sobre a arte deve marcar e retomar, encontrando em W. Benjamin o élan de uma história intempestiva, o desafi o de uma fé artista que faria sair das metafísicas reinantes do Belo, de Platão a Hegel, e reencontrar a energia de uma vitalidade transbordante na qual a arte em obras nos transporta. Não é nada menos que a estranha fi gura velada de Ísis, seu passo duplo, mortal e vivente, que nos guia, de Apuleio a Kant e Baudelaire, no caminho de um sublime crítico mas vital, livre da fascinação patética pela nostalgia do Para além. Como este sublime revolucionário e transgressivo não arrastaria com ele a negrura e a petrifi cação melancólica, para reinventar o arco-íris mágico da vida viva? Reanimar a exemplar gravura de Dürer é talvez desentocar o segredo da renascença eternamente desviante, fugidia mas afi rmativa, da arte: Hugo, como Sartre, entre outros, não deixa de entrevê-lo. Retomar o élan deste desafi o que abre o mundo moderno seria a ocasião para uma discreta homenagem à coragem sublime dos poetas da “inconfidência”.

A partir de un breve recuerdo del papel y del potencial melodramático del personaje infantil en el cine latinoamericano, el presente artículo analiza cómo este potencial ha sido desarrollado en una decena de películas argentinas de la postdictadura que evocan un contexto histórico y cuya trama se estructura en torno a la ausencia (muerte, desaparición) del padre. A partir d’un bref rappel du rôle et du potentiel mélodramatique du personnage enfantin dans le cinéma latino-américain, le présent article analyse comment ce potentiel a été développé dans une dizaine de films argentins de la post-dictature qui évoquent un contexte historique et dont la trame se structure autour de l’absence (mort, disparition) du père. Based upon a brief reminder of the role and melodramatic potential of childrens’ characters in Latin American cinema, this article analyzes how this same potential has been developped in some ten Argentinian films after the end of the dictatorship, which evoke a historical context and whose plot revolves around the father’s absence (death, disappearance).

Le présent article s’intéresse au spectateur envisagé par les films qui ont recours à des subterfuges rhétoriques pour aborder des aspects politiques et sociaux en contournant les entraves à la liberté d’expression imposées par la dictature franquiste. De ce point de vue, nous étudions les points de rencontre entre les spectateurs et les auteurs, ainsi que les hypothèses formulées par les premiers sur les intentions des seconds, hypothèses qui sont nécessaires au fonctionnement du « possibilisme discursif ». Enfin, nous examinons plus précisément certains procédés, comme la synecdoque ou l’allégorie, ainsi que les différences entre spectateur implicite et spectateur réel. El presente artículo analiza al espectador previsto por las películas que recurren a subterfugios retóricos para abordar aspectos políticos y sociales excediendo los límites a la libertad de expresión implantados por la dictadura franquista. Desde esta perspectiva, se abordan los puntos de encuentro entre espectadores y autores y las especulaciones de los primeros sobre las intenciones de los segundos necesarias para el éxito del denominado “posibilismo discursivo”. Finalmente, se trata con cierto detalle de algunos recursos, como la sinécdoque o la alegoría, así como fr las diferencias entre espectador implícito y espectador real. This article analyses the type of viewer envisaged by those films that addressed political and social issues by the means of rhetorical subterfuges in order to avoid the freedom of speech limits imposed by Franco’s dictatorship. From this perspective, the intersection points between viewers and authors are presented, specially the speculations of the former about the intentions of the latter, which are a condition for the success of the so-called "discursive possibilism". In the last section the usages of synecdoche and allegory are presented in some detail as well as the differences between actual and implicit viewers.

La Comuna de París, primer movimiento revolucionario en el que la actuación y la militancia de las mujeres habían de asumir un papel trascendental, despertó un enorme interés en España, suscitando terror y adhesión. La recurrente figura de la communarde fue el signo, a la vez, de una evolución social e histórica — es decir, la emancipación femenina — y el símbolo y alegoría de un movimiento comprendido como ideal de igualdad y fraternidad, pero también como un desbordamiento violento que rozaba con el apocalipsis. Así, en el caso de la figura femenina, la historia linda con el mito y la realidad con la reconstrucción cultural, llegando a convertirse la communarde en furia y demoníaca petrolera. Estas dos dimensiones, las mujeres inscritas en la historia y la mujer-alegoría, en sus traducciones discursivas e iconográficas, son las que se analizan en este artículo, viendo cómo estas representaciones diseñan el imaginario social y político de la revolución., La commune de Paris, premier mouvement révolutionnaire où l’action et le militantisme des femmes devaient acquérir un rôle de premier plan, suscita un énorme intérêt en Espagne, entre terreur et adhésion. La récurrence de la figure de la communarde a autant été le signe d’une évolution sociale et historique — c’est-à-dire l’émancipation des femmes — que le symbole et l’allégorie d’un mouvement compris aussi bien comme un idéal d’égalité et de fraternité, que comme un débordement violent frisant l’apocalypse. C’est ainsi que, s’agissant de la figure féminine, le mythe le dispute à l’histoire et la reconstruction culturelle à la réalité, la communarde se muant en furie et en démoniaque pétroleuse. Ce sont ces deux dimensions, les femmes inscrites dans l’histoire et la femme-allégorie, dans leurs traductions discursives et iconographiques, qui sont analysées dans cet article où l’on voit comment ces différentes représentations façonnent l’imaginaire social et politique de la révolution.

Resumo O artigo discute como na obra Tudo se Ilumina a experiência de viagem do personagem, que parte em busca das memórias judaicas de seu avô, se configura em matéria-prima para o romance que o mesmo vem escrevendo com o intuito construir para si um lugar na árvore genealógica de sua família. Assim, analisa-se como que o encontro do viajante-escritor com a personagem Lista se torna o clímax da viagem e a inspiração que desencadeia a escrita do romance. Percebe-se uma circularidade no anarquivamento das memórias do Holocausto empreendido por este judeu norte-americano: o entendimento de seu lugar na história começa na viagem à terra de seu avó expulso pelos nazistas, mas na impossibilidade de um reencontro com o passado, posto que o vilarejo buscado já não existe, este processo continua na escrita ficcional que recupera tais acontecimentos a partir dos traços e resíduos deixados pelas experiências do vivido. Abstract The article discusses how in the book Everything is Illuminated the travel experience of the character, who sets off in search of Jewish memories of his grandfather, consists of raw-material for the novel he is writing in order to secure a place in his family tree. Thus, we analyze how the meeting of Jonathan and Lista becomes the climax of the travel and the inspiration to write his novel. It can be argued that there is a circularity to the unarchiving of the memories of the Holocaust undertaken by the main character: The understanding that his place in the story begins with the trip to his grandfather’s homeland, but in the impossibility of a reconnection with the past, since the village sought does not exist anymore, this process continues in the fictional writing that recovers such happenings from the traces and residues left by what was experienced. Résumé L’article explique comment dans l’œuvre Tout est illuminé l’expérience de voyage du personnage, qui va à la recherche des mémoires de son grand-père juif, devient la matière première pour le roman qu’il est en train d’écrire ayant pour but la construction d’une place pour lui dans la généalogie de sa famille. Ainsi, on analyse comment la rencontre du voyageur-écrivain avec la personnage Lista devient le point culminant du voyage et l’inspiration qui déclenche l’écriture du roman. On remarque une circularité dans anarchivement des mémoires de l’Holocauste entrepris par ce juif-américain: la compréhension de sa place dans l’histoire commence par le voyage vers la terre de son grand-père chassé par les nazis, mais dans l’impossibilité d’une rencontre avec le passé, puisque le village recherchée n’existe plus, ce processus se poursuit dans l’écriture fictionnelle qui rattrape ces événements à partir des traces et des résidus laissés par les expériences vécues.

UFU - Universidade Federal de Uberlândia A Idade Média constitui amplo campo de pesquisa ainda a espera de exames mais minuciosos. Em meio a certa resistência frente a esses estudos, autores dessa época, que, hoje, poderiam ter sido apresentados ao público letrado, encontram-se ainda, lamentavelmente, na penumbra, a despeito dos esforços daqueles que se dispuseram à árdua trajetória dos estudos do Medievo. Nesse contexto, está inserida Christine de Pizan, autora francesa do século XV que pauta sua escrita na questão da condição feminina, tanto social quanto intelectual, na sociedade da Idade Média Europeia. Sabendo-se que a mulher, nesse período, era silenciada dentro de uma organização basicamente instituída pelo patriarcado, a autora, privilegiada pelos conhecimentos das Ciências e Letras, propõe-se a discutir questões que, contrariando a imagem da mulher como somente um ser restrito aos afazeres do lar ou a trabalhos relacionados à criação de filhos, atribui valores à parte virtuosa do público feminino, digno de um intelecto tão abastado quanto dos considerados grandes homens da época. Em sua obra A Cidade das Damas¸ Christine de Pizan, com o auxílio de três Damas celestiais, propõe a criação de uma cidade cujo alicerce é o critério de alegoria, já que é nesse sentido que se configura o imaginário sobre a urbe ficcional que a autora nos apresenta. Embasando a criação desse espaço constituído somente por damas, surge a necessidade de analisarmos a constituição da multiplicidade de vozes dentro do texto, uma vez que Christine de Pizan elabora seu enredo de modo a permitir que, a partir de uma única voz (a da própria personagem Christine), outras mulheres, incluindo as Damas Celestiais, escapem ao silêncio que lhes é imposto pelas circunstâncias de seu entorno. Dentro dessa perspectiva, propomos analisar a obra supracitada observando-se as características da época, bem como as singularidades da autoria feminina em um contexto no qual perseverava o caráter misógino na construção de valores estéticos. Assim, a partir dos estudos históricos de medievalistas como Georges Duby, Jacques Le Goff, Paul Zumthor e Ernest Curtius, a escrita de Christine de Pizan será estudada de modo a revelar o processo de construção de uma personagem cuja voz se expande em pluralidade, dando corpo ao coletivo feminino de sua época. Le Moyen Âge constitue un vaste domaine de recherche toujours en attente d'études plus approfondis. Face à une certaine résistance contre ces études, des auteurs de cette époque-là qui auraient pu être présentés au public lettré sont encore, malheureusement, dans l'ombre, malgré les efforts de ceux qui ont accepté le chemin ardu du Médiévisme. Dans ce contexte, c'est inséré Christine de Pizan, auteure française du XVe siècle qui fonde son écriture sur la question de la situation des femmes, autant sociale qu' intellectuelle, dans la société européenne du Moyen Âge. Sachant que la femme dans cette période était réduite au silence au sein d'une organisation essentiellement mis en place par le patriarcat, l'auteure, privilégiée par la connaissance des Sciences et des Lettres, se propose de discuter des questions qui, en opposition à l'image de la femme comme un être simplement réduit aux travaux domestiques ou liés à l'éducation des enfants, assigne des valeurs au vertueux public féminin, digne d'une intelligence aussi riche que celle de grands hommes de l'époque. Dans son oeuvre La Cité des Dames, Christine de Pizan, aidée par trois Dames célestes, propose la création d'une ville dont la fondation est le critère de l’allégorie, comme définit l'imaginaire de la cité fictionnelle présentée par l'auteure. En légitimant la création de cet espace qui n'est constitué que des dames, vient la nécessité d'analyser la constitution de la multiplicité des voix dans le texte, une fois que Christine de Pizan prépare son argument pour permettre que, à partir d'une seule voix (celle de Christine même), d'autres femmes, y compris les Dames célestes, échappent du silence qui leur est imposé par les circonstances de l'environnement. Dans cette perspective, nous proposons d'examiner l'oeuvre mentionnée ci-dessus en observant les caractéristiques de l'époque, tel que les singularités de l'auteure féminine dans un contexte où persiste le caractère misogyne dans la construction de valeurs esthétiques. Ainsi, à partir des études historiques de médiévistes comme Georges Duby, Jacques Le Goff, Paul Zumthor et Ernest Curtius, l'écriture de Christine de Pizan sera étudiée pour révéler le processus de construction d'un personnage dont la voix se développe dans la pluralité, donnant corps au collectif des femmes de son temps. Dissertação (Mestrado)

This communication comes within a project about the matters of the “Earth” that has unfolded in the investigation of the matters in the pictorial space and installation, entitled “The Earth as an Event”. The intentional refusal of the representation and of the narration and the use of the matters tend to shake the boundaries of the genres. For example, the accumulation of the inks leads to a thickness that makes it a near sculpture. Due to the essential muteness of the plastic arts, its transposition to the cinema of the three series in which this project is splited creates another space, which has its origin in the painting and allegorizes itself creating a kind of “new-Earth” (Deleuze), which extends the pictorial geo-aesthetically. It is a double movement, from the painting to the cinema and vice-versa, which illuminates the painting revealing the nature of the event of the Earth. The possibility of a new inhabit that always begins in a return to the most archaic, that is, “The Earth as an Event”. The produced archaic earth reveals the strategies of the power that has tried to dominate it during thousands of years.&nbsp, Esta comunicación forma parte de un proyecto en curso sobre la "Tierra" que se ha venido desarrollando en la investigación de materiales, espacio pictórico e instalación, titulado "La Tierra como acontecimiento". El rechazo intencionado de la representación y la narratividad, el uso de materiales tiende a sacudir los límites de los géneros. Por ejemplo, la acumulación de pintura da lugar a un espesor que la convierte casi en una escultura. Dado el mutismo esencial de las artes plásticas, la transposición al cine de las 3 series en las que se desarrolla este proyecto crea otro espacio que, partiendo de la pintura, la alegoriza, creando una especie de "nueva tierra" (Deleuze), que prolonga geoestéticamente lo pictórico. Se trata de un doble movimiento, de la pintura al cine y viceversa, que ilumina la pintura, revelando la naturaleza del acontecer de la tierra. La posibilidad de un habitar otro que comienza siempre en un retorno a lo más arcaico, es decir, "La Tierra como Acontecimiento". La arcaica tierra producida es bastante reveladora de las estrategias de poder que han tratado de dominarla durante miles de años., Cette communication s'inscrit dans le cadre d'un projet en cours sur la "Terre" qui s'est déployé dans l'investigation des matériaux, de l'espace pictural et de l'installation, intitulé "La Terre comme événement". Le refus intentionnel de la représentation et de la narrativité, l'utilisation de matériaux tend à bousculer les frontières des genres. Par exemple, l'accumulation de peinture conduit à une épaisseur qui en fait presque une sculpture. Compte tenu du mutisme essentiel des arts plastiques, la transposition au cinéma des 3 séries dans lesquelles se déploie ce projet crée un autre espace qui, issu de la peinture, l'allégorise, créant une sorte de " terre nouvelle " (Deleuze), qui prolonge géoesthétiquement le pictural. Il s'agit d'un double mouvement, de la peinture au cinéma et vice-versa, qui illumine la peinture, révélant la nature du happening de la terre. La possibilité d'habiter un autre qui commence toujours par un retour au plus archaïque, c'est-à-dire "La Terre comme événement". La terre archaïque produite est assez révélatrice des stratégies de pouvoir qui ont cherché à la dominer pendant des milliers d'années., Esta comunicação inscreve-se num projeto em curso sobre as matérias da “Terra” que se tem desdobrado na investigação dos materiais, no espaço pictural e na instalação, intitulado “A Terra como Acontecimento”. A recusa intencional da representação e narratividade, o uso das matérias tendem a abalar as fronteiras dos géneros. Por exemplo, a acumulação das tintas leva a uma espessura que a torna numa quase escultura. Dada a essencial mudez das artes plásticas a transposição para o cinema das 3 séries em que se desdobra este projecto cria um espaço outro que originando-se na pintura a alegoriza criando uma espécie de “nova-terra” (Deleuze), que prolonga o pictural geoesteticamente. Trata-se de um duplo movimento, da pintura para o cinema evice-versa, que ilumina a pintura revelando a natureza do acontecimento da terra. A possibilidade de um habitar outro que começa sempre num retorno ao mais arcaico, ou seja, “A Terra como Acontecimento”. A terra arcaica produzida é bem reveladora das estratégias de poder que milenarmente a procuram dominar.

Durante la última dictadura militar argentina (1976-1983) y en la primera fase de la postdictadura (1983-1989), las ficciones hermético-metafóricas constituyeron una tendencia cinematográfica alternativa que supo plasmar los conflictos principales de la época de forma reflexiva y crítica. La construcción de relatos opacos que evadían la representación realista-mimética y la preeminencia de las operaciones alegóricas y metafóricas como principios constructivos fueron dos características textuales que le dieron singularidad a la tendencia. Con la intención de conocer la permeabilidad de esta línea cinematográfica respecto de las prácticas políticas y las situaciones de terror impuestas en los años de gobierno de facto, el presente trabajo analiza la representación de la dominación ejercida por el Estado sobre los ciudadanos y el conjunto social, con énfasis en los emplazamientos y/o los desplazamientos de los sujetos dramáticos y la alusión a las situaciones del exilio interior y exterior. En segundo lugar, el artículo se propone identificar, en estas circunstancias históricas asociadas al control social extremo, subjetividades que se caracterizan por la fractura y la inestabilidad. El desarrollo de ambos aspectos estará centrado en dos films destacados de la corriente: Los miedos (Alejandro Doria, 1980) y Hay unos tipos abajo (Rafael Filipelli y Emilio Alfaro, 1985). During last Argentine militar dictatorship (1976-1983), and first period of the post-dictatorship (1983-1989), the hermetic-metaphoric fictions constituted an alternative cinematographic tendency that showed the main conflicts of that time in a reflexive and critical way. The construction of opaque tales that evading the realistic-mimetic representation and the primacy of the allegorical and metaphorical operations as constructive principles were two textual features that gave uniqueness to the trend. With the intention of knowing the permeability of this cinematographic line in respect of the political practices and the situations of terror imposed in the years of non-constitutional governments, the present work proposes to analyze the representation of the domination against individuals and the society, with emphasis in the emplacements and/or the displacements of dramatical subjects and the reference to situations of internal and external exile. The second objective of the paper includes the identification, in these historical situations associated to discipline and social extreme control, of subjectivities characterized by fracture and instability. The development of both aspects will be focused on two outstanding films of the trend: Los miedos [“Fears”] (Alejandro Doria, 1980) and Hay unos tipos abajo [“Some guys downstairs”] (Rafael Filippelli and Emilio Alfaro, 1985). Pendant la dernière dictature militaire argentine (1976-1983), et ensuite, dans la première phase de la post-dictature (1983-1989), la fiction hermético-métaphorique s’est avérée une tendance cinématographique alternative qui a montré les principaux conflits de l’époque de manière réflexive et critique. Cette tendance se caractérise par le développement de récits chiffrés et éloignés de la représentation réaliste et mimétique, et qui donnent une importance toute particulière à des éléments allégoriques et métaphoriques. Ce travail se propose d’étudier la perméabilité de cette tendance cinématographique par rapport aux pratiques politiques et aux situations répressives et traumatiques imposées par le gouvernement de facto. Pour ce faire, premièrement, nous analyserons la représentation de la domination exercée par l’État sur les individus et la société, en soulignant les positions et/ou les déplacements des sujets dramatiques et les références à l’exil intérieur et extérieur. Deuxièmement, l’article cherche à identifier de subjectivités fracturées et instables – dans le contexte historique caractérisé par un extrême contrôle social. Ces aspects seront analysés à partir de deux films importants de cette tendance: Los miedos (Alejandro Doria, 1980) et Hay unos tipos abajo (Rafael Filipelli et Emilio Alfaro, 1985). Fil: Lusnich, Ana Laura. Universidad de Buenos Aires. Facultad de Filosofía y Letras; Argentina. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina

Le roman du Guzmán de Alfarache a été conçu comme une fable-Silène que le «lecteur avisé» doit ouvrir pour en pénétrer la signification. Ainsi, de la même manière qu’un gentilhomme a dû «retourner le panneau de bois» du tableau dans le dernier chapitre (II, 3, 9), le lecteur peut inverser le sens apparent proposé au «vulgaire». Dans cette perspective, bien que l’itinéraire du Sévillan soit littéralement un processus de dégradation, il s’agit allégoriquement d’une initiation à la «prudence»: celle qu’exigent les «pièges» tendus tout au long de «l’humaine existence», celle que décrivent aussi bien l’entreprise de la gravure initiale que les deux parties de la pseudo-autobiographie. Défendant de manière explicite l’urbanité métaphorique de l’atalaya (c’est-à-dire du guetteur prudent), Alemán célèbre implicitement l’ingéniosité, la méfiance, la vigilance, la dissimulation et la simulation, qu’il réunit en une complexe pharmacopée du mal, au bénéfice du bien. The novel, Guzmán de Alfarache was conceived as a Silenus fable that the subtle reader has to open in order to unravel its significance. Thus in the same way that a knight had to turn the wooden panel of a painting around in the final chapter (II, 3, 9), the said reader can give an altogether different meaning to the reading intended for one less subtle. From such an angle, even if we accept that the Sevillian’s itinerary is literally a process of degradation, from an allegorical perspective it takes the form of an initiation to the art of “prudence”: that demanded by the “traps” that pave the path of “human life”, and that which is depicted as much in the first of the engravings as in the two parts that make up the pseudoautobiography. While explicitly defending the metaphorical urbanity of the watch-tower, Alemán dignifies implicitly wit, suspicion, awareness, dissimulation and simulation, uniting them in a complex pharmacopeia of Evil, but one that ultimately benefits Good. La novela de Guzmán de Alfarache se concibió como fábula-Sileno que el discreto lector debe abrir para desentrañar su significación. Así, del mismo modo que un caballero tuvo que volver la tabla de la pintura en el último capítulo (II, 3, 9), aquél puede invertir el sentido aparente que se propone al vulgo. Desde tal perspectiva, si bien el itinerario del sevillano es literalmente un proceso de degradación, alegóricamente se trata de una iniciación a la prudencia: la que exigen las insidias de la vida humana, la que pintan tanto la empresa del grabado inicial como las dos partes de la pseudoautobiografía. Defendiendo explícitamente la metafórica urbanidad del atalaya, Alemán dignifica implícitamente el ingenio, la sospecha, el acecho, la disimulación y la simulación, reuniéndolos en una compleja farmacopea del mal, en pro del bien.

À la veille du second centenaire de l’Indépendance des pays ibéro-américains, le récit bolivarien a eu et continue d’avoir une importance incontestable. Le récit tissé autour du personnage de Simón Bolívar, outre qu’il façonne les récits nationaux propres à certains de ces pays, transcende le temps et l’espace et devient le symbole d’une identité et d’une intégration continentale. Cet article montre comment ce récit trouve ses racines dans le texte Mi Delirio sobre el Chimborazo, écrit par Bolívar en 1822, texte fondateur qui établit la création d’un Nouveau Monde et s’articule autour de la transformation de l’homme en titan en évoquant la figure mythique de Prométhée. En vísperas del segundo centenario de la Independencia de los países Iberoamericanos es indiscutible la relevancia que el relato bolivariano cobra y viene cobrando a lo largo de estos siglos. El relato que se ha tejido alrededor de la figura de Simón Bolívar, más allá de configurar los relatos nacionales propios a algunos de estos países, trasciende tiempos y espacios y se convierte en símbolo de una identidad e integración continental. Este artículo muestra que dicho relato ancla sus raíces en el texto Mi Delirio sobre el Chimborazo, escrito por Bolívar en 1822, texto fundacional en el que se postula la creación de un Nuevo Mundo y cuyo eje articulador gira en torno a la transformación del hombre en titán con la evocación de la figura mítica de Prometeo. On the eve of the second centenary of the Independence of Ibero-American countries, the Bolivarian narrative has retained its indisputable importance. The narrative woven around the character of Simón Bolívar does not only shape some individual national narratives. Indeed, it also transcends time and space and emerges as the symbol of continental identity and integration. This article traces this narrative back to Mi Delirio sobre el Chimborazo, written by Bolivar in 1822. This foundational text establishes the creation of a New World and hinges on the transformation of Man into a promethean titan.

El presente estudio trata de iluminar las principales coordenadas biográficas e intelectuales del comentarista Manuel Serrano de Paz (1605-1673). A lo largo del trabajo se establece la cronología de las principales obras de este ingenio barroco y se valoran sus aportaciones para la comprensión de la obra gongorina. Cette étude tâche de mettre en lumière les principaux traits biographiques et intellectuels du commentateur Manuel Serrano de Paz (1605-1673). Ainsi, au fil de son développement, l’article établit la chronologie des principales œuvres de cet esprit baroque et évalue son apport à la compréhension de l’œuvre de Góngora.

The analysis of a map dating from the mid 19th Century shows us how geographic language can be associated with an allegorical and symbolical unity to become the rhetorical medium of a moral and religious message. Geography is thus considered to be a «philosophy» ., L’analyse d’une carte du milieu du XIXe siècle nous montre comment le langage géographique peut être associé à un ensemble allégorique et symbolique pour devenir le support rhétorique d’un message moral et religieux. La géographie se veut alors «philosophie» ., El análisis de un mapa de la mitad del siglo XIX nos muestra cómo se puede asociar el lenguage geográfico a un conjunto alegórico y simbólico para cambiarse en el soporte retórico de un mensaje moral y religioso. En tel caso la geografía se combierte en «filosofía» ., Grison Laurent. Une carte du bon chemin: géographie, rhétorique et religion au XIXe siècle. In: Mappemonde, 1997/3. pp. 7-10.

A partir de la idea de Historia de Walter Benjamin, y de las diversas determinaciones que la caracterizan, este artículo intenta esbozar la idea de que la realidad, el mundo, incluidos nosotros en él, lejos de tener alguna contextura que le sea propia, es el producto de un conjunto de acontecimientos culturales, gracias a los que adquiere tanto su carácter ontológico como su diseño y delimitación concreta. Para ello, analizamos la conexión entre pensamiento -conocimiento- e historia propuesta por Benjamin, así como algunos de los mecanismos gracias a los que es capaz de hacer justicia a lo oprimido y excluido. Igualmente proponemos que en esa concepción discontinua de la historia, elaborada como pensamiento práctico, el hombre deja de ser un “ser histórico” y se constituye en el operador de alguna minúscula redención del sujeto de la historia. Based on Walter Benjamin’s idea of History and on the diverse determinations which characterize it, this article tries to sketch the idea that reality, the world, with us included in it, far from having its own contexture, is the product of a group of cultural happenings, due to which it acquires both its ontological character and its design and concrete delimitation. We analyze then the connection between thought - knowledge - and history proposed by Benjamin, as well as some of the mechanisms due to which it is capable of doing justice to the oppressed and excluded. We also propose that in that discontinuous conception of history, elaborated as practical thought, man is no longer an “historic being” and constitutes himself as the operator of some minuscule redemption of the subject of the history.

International audience; Les collections de contes exemplaires ont souvent adopté un ordre alphabétique, facilitant ainsi l'élaboration des sermons et homélies. Parmi les motifs les plus familiers, celui du don mal payé en retour appara\^ıt dans les rubriques traitant de l'ingratitude, mais aussi dans les textes consacrés à l'usure et à l'aumône. L'homme qui donne généreusement au pauvre, sans être rétribué par celui-ci, prête à Dieu qui remboursera au centuple. Les relations d'argent, les notions de prêt, d'intérêt, de fisc et d'usure acquièrent ainsi dans ces contes une portée spirituelle et eschatologique., Muchas colecciones medievales de cuentos ejemplares ordenan alfabéticamente los temas morales o religiosos, proporcionando así una materia para las homilías. Entre los motivos más repetidos, aparece el don mal pagado. Dicho motivo se encuentra en las rúbricas que tratan de la ingratitud, pero también en las que ilustran los temas de la usura y de la limosna. El que da generosamente al pobre, sin esperar retribución alguna, presta a Dios, que le devolverá un céntuplo. Así es como las nociones de dinero, de préstamo, de interés, de fisco y de usura adquieren en los exempla un alcance espiritual y escatológico.

RESUMEN: Criticón, obra de Baltasar Gracián, editada en tres partes (1651, 1653 y 1657) y considerada por la crítica como pieza maestra de su autor y una de las cumbres de la literatura española, ha recibido diversas clasificaciones genéricas, entre las que predominan: novela bizantina y sátira menipea. Este trabajo intenta señalar la importancia de la mezcla de géneros en que su autor la realizó, siguiendo lo que expone en su Agudeza y arte de ingenio (1648) al presentar la «agudeza compuesta fingida» y advierte que, tal como indicaban los censores contemporáneos de la obra, El Criticón ha de concebirse, principalmente, como un manual de Filosofía moral (neoestoica) disimulado mediante el uso de la alegoría para hacerlo agradable y útil. De manera semejante a la fábula, en que mediante un relato ficticio se disimula la función didáctica, la trama argumental de El Criticón encubre bajo los dos protagonistas al sapiens y al stultus de la Filosofía neoestoica y sus aventuras intentan representar el itinerario del hombre que aspira a sabio (desde el difícil inicio como bestia hasta el proficiente aplicado presto a alcanzar la perfección que lo acerca a la felicidad). RÉSUMÉ: El Criticón, oeuvre de Baltasar Gracián, éditée en trois parts (1651, 1653 et 1657) et envisagée par la critique comme pièce maîtresse de son auteur et une des cimes de la littérature espagnole, a reçu des divers classifications génériques, parmi lesquels prédominent : romance byzantin et satire ménippée. Ce travail essaie signaler l'importance du mélange de genres en que son auteur l'a réalisé, en suivant ce qu'il expose dans son Agudeza y arte de ingenio (1648) après avoir présenté la «agudeza compuesta fingida» et prévient que, comme les censeurs contemporains de l'oeuvre indiquaient, El Criticón y a de se concevoir, principalement, comme un manuel de Philosophie morale (néo-stoïcien) dissimulé moyennant l'usage de l'allégorie pour le faire plaisant et utile.D'une manière semblable à la fable, dans laquelle au moyen d'un récit fictif la fonction didactique est dissimulée, la trame argumental du Criticón, cache sous les deux protagonistes le sapiens et le stultus de la Philosophie néo-stoïcien et ses aventures essaient représenter l'itinéraire de l'homme qu'aspire à savant (depuis le difficile début comme bête jusqu'au proficiente appliqué prête à obtenir la perfection qui le rapproche à la félicité).

Cette étude propose une analyse iconographique de la statue en bronze de Louis XIV réalisée par Antoine Coysevox. Lors des célébrations parisiennes de 1687 qui commémoraient la guérison dite miraculeuse du roi gravement malade, Louis XIV autorisa la ville de Paris à bénéficier de cette nouvelle statue à son effigie. L’œuvre de Coysevox, dévoilée à la capitale en 1689, devint non seulement le symbole de la réconciliation officielle entre Paris et Versailles, mais était également une occasion de promouvoir l’image du Roi très chrétien. Les bas-reliefs qui ornent le socle de la statue mettent en scène en langage allégorique les vertus de ce roi catholique à nouveau miraculé. Le premier représente La Piété donnant à manger aux pauvres, commémorant le pain distribué aux parisiens durant la famine de 1662. Cette action charitable de « nourrir les affamés », œuvre de miséricorde chrétienne, fait pendant au second bas-relief qui montre La Religion terrassant l’Hérésie, en référence à la Révocation de l’Édit de Nantes, décidée en 1685. Ces compositions allégoriques apparaissent ainsi comme un plaidoyer prosélytiste qui atteste que le roi nourrit non seulement le corps de ses sujets, mais également leur âme, scellant l’autorité politique et religieuse du Roi sur la capitale. This paper offers an iconographical analysis of Antoine Coysvox’s bronze statue of Louis XIV. The King authorized this new effigy during the 1687 Parisian festivities that commemorated his miraculous recovery from illness. Coysevox’s statue, revealed to the public in 1689, not only became the symbol of an official reconciliation between Paris and Versailles, but also became an occasion to promote the image of the Very Christian King. The bas-reliefs that adorn the statue’s pedestal state in allegorical language Louis XIV’s Catholic virtues. The first one shows Piety feeding the poor, commemorating the bread that was given out to the Parisians during the famine of 1662. This royal charitable action of « feeding the hungry », a work of mercy, is associated with the iconography of the second bas-relief which represents Religion striking down Heresy, celebrating the Revocation of the Edict of Nantes, decided in 1685. These allegorical compositions thus appear as a proselytizing advocacy, attesting that the King not only fed his subjects’bodies, but he also nourished their souls, sealing Louis XIV’s political and religious authority on Paris. Este estudio propone un análisis iconográfico de la estatua de bronce de Louis XIV realizada por Antoine Coysevox. Durante las celebraciones parisienses de 1687 que conmemoraron la curación milagrosa de una enfermedad grave padecida por el rey, Louis XIV dio su acuerdo para que la ciudad de París erigiese esta nueva estatua a su efigie. La obra de Coysevox, que los vecinos de la capital pudieron contemplar en 1689, no sólo fue el símbolo de la reconciliación oficial entre París y Versalles, sino también una oportunidad para promover la imagen del Rey Cristianísimo. Los bajorrelieves que adornan el zócalo de la estatua escenifican en lenguaje alegórico las virtudes de aquel rey católico milagrosamente curado. El primero representa a La Piedad dando de comer a los pobres, para conmemorar la distribución de pan a los Parisienses durante el hambre de 1662. Dicha acción caritativa de « nutrir a los hambrientos », obra de misericordia cristiana, hace pareja con el segundo bajorrelieve que muestra a La Religión venciendo a la Herejía, alusión a la Revocación del Edicto de Nantes, decidida en 1685. Así, estas composiciones alegóricas aparecen como un alegato proselitista que atestigua que el rey no sólo nutre el cuerpo de sus súbditos, sino también su alma, y sellan la autoridad política y religiosa del rey sobre la capital.

El artículo siguiente intenta esbozar los contornos del imaginario apocalíptico tal y como se plasma en la literatura hispanoamericana de los siglos XX y XXI, basándose en los resultados de un trabajo de investigación reciente (coeditado por Ilse Logie, Pablo Decock y Geneviève Fabry, Los imaginarios apocalípticos en la literatura hispanoamericana contemporánea, Peter Lang, 2010). La exploración en múltiples textos y tradiciones confirma la gran heterogeneidad de las plasmaciones de ‘lo’ apocalíptico. Si bien se ha identificado el género apocalíptico bíblico (destacando más específicamente los mitemas del Apocalipsis de Juan) -y su lectura alegórica- como fuente principal del imaginario occidental del mismo nombre, ¿qué es lo que queda de él en las versiones literarias hispanoamericanas contemporáneas ? A esta pregunta se enfrenta el artículo : distingue entre cuatro tipos de re-figuración del mito apocalíptico, comentando algunos ejemplos para cada categoría.A partir d’un projet de recherche récent (coédité par Ilse Logie, Pablo Decock et Geneviève Fabry, Los imaginarios apocalípticos en la literatura hispanoamericana contemporánea, Peter Lang, 2010), l’article essaie d’ébaucher les contours de l’imaginaire apocalyptique, tel qu’on peut l’observer dans la littérature hispano-américaine des XXe et XXIe siècles. Un parcours rapide d’une série de textes et de traditions multiples confirme la grande hétérogénéité des représentations de l’apocalyptique "en lui-même". Bien qu’il soit possible d’identifier le genre apocalyptique biblique (en soulignant tout particulièrement les mythèmes de l’Apocalypse de Jean) –et sa lecture allégorique- en tant que source principale de l’imaginaire occidental sur la question, qu’en reste-t-il dans les versions littéraires hispano-américaines contemporaines ? L’article tente de répondre à cette question, en distinguant quatre types de re-figuration du mythe apocalyptique et en commentant quelques exemples pour chaque catégorie.The following article attempts to outline the contours of the apocalyptic imagination as reflected in the American literature of the XX and XXI centuries, based on the results of a recent research project (co-edited by Ilse Logie, Paul Decock and Geneviève Fabry Los imaginarios apocalípticos en la literatura hispanoamericana contemporánea, Peter Lang, 2010). The exploration in multiple texts and traditions confirms the heterogeneity ofthe image of ‘the’ apocalyptic. The Biblical apocalyptic genre (more specifically highlighting mythemes of Saint John’s Revelation) and its allegorical reading have been identified as the main source of Western imagery of the same name, but what is left of it in contemporary Spanish American literary versions? The article tackles this question: it distinguishes between four types of re-figuration of apocalyptic myth, discussing some examples for each category.

En este artículo proponemos un acercamiento a la novela Casa de campo de José Donoso a partir de la relación entre naturaleza y paisaje, considerada decisiva para la identificación del papel que cumple el arte dentro de la novela en su condición de artificio. Asimismo, la figura del narrador será analizada tanto en su transformación en personaje como en la ruptura de planos ficcionales al presentarse como el escritor de la novela. La compleja intervención del narrador personaje en la fábula de los Ventura desencadena una lectura alegórica, visible en la articulación naturaleza–arte/artificio–paisaje, que despliega a la naturaleza como naturalización de los códigos estéticos y, por consiguiente, de los contenidos ideológicos, planteando el conflictivo asunto del potencial de denuncia de la ficción. Cet article a pour objet l’analyse d’un roman, Casa de Campo de José Donoso, à partir du rapport nature-paysage, décisif pour l’identification du rôle qu’accomplit l´art dans le roman en tant qu´artifice. Il se propose également, nous proposons d’analyser le devenir de la figure du narrateur comme personnage, ainsi que la rupture des niveaux fictifs à travers son autoportrait en tant qu’écrivain du roman. L’intervention complexe du narrateur-personnage dans l´histoire des Ventura entraîne une lecture allégorique, visible dans l´articulation nature-art/artifice-paysage. Avec celle-ci, la nature agit comme une "naturalisation" des codes esthétiques et, par conséquent, des contenus idéologiques, en introduisant une polémique sur le pouvoir dénonciateur de la fiction.

Los recursos analógicos, oriundos de una Retórica Clásica, siguen formando parte del discurso científico de las distintas áreas del conocimiento, unas veces, como declaradas herramientas para la presentación de ideas, otras, como discretos y amalgamados miembros de denominaciones específicas. Las metáforas, las comparaciones y las demás figuras de pensamiento, utilizadas por la Lingüística y por toda una reflexión anterior à su origen, nos conceden, a través la fuerza de sus imágenes, una peculiar visión de esta área del saber que brota en la Península Ibérica, como en toda la Europa, con el aparecimiento de las lenguas vernáculas. En la senda de estas imágenes, interesantes retratos de un mundo en mutación, desvelamos las preocupaciones de los especialistas ibéricos en los períodos anteriores a la Lingüística. Les recours analogiques, issus d´une Rhétorique Classique, continuent à être présents dans le discourse scientifique des divers domaines du savoir, soit comme outils fondamentaux à l’illustration d’idées, soit comme membres discrets de dénominations spécifiques. Les métaphores, les comparaisons et d’autres figures de pensée employées par la Linguistique, et par toute une réflexion antérieure à sa genèse, nous offrent, par la force de leurs images, une vision diachronique particulière de ce domaine du savoir qui commence à se manifester dans la Péninsule Ibérique, comme partout en Europe, avec la naissance des nationalités et le besoin subséquent de fixation et de règlementation des langues vernaculaires. C’est sur la voie de ces images, portraits intéressants d’un monde en mutation, que l’on découvre les soucis des spécialistes portugais et espagnols dans les périodes antérieures à la Linguistique. Os recursos analógicos, oriundos de uma Retórica Clássica, continuam a estar presentes no discurso científico das diversas áreas do conhecimento, umas vezes, como declarados utensílios à ilustração de ideias, outras, como discretos e amalgamados membros de denominações específicas. As metáforas, as comparações e as demais figuras de pensamento, usadas pela Linguística e por toda uma reflexão metalinguística anterior à sua génese, oferecem-nos, pela força das suas imagens, uma peculiar visão diacrónica desta área do saber que desabrocha na Península Ibérica, como por toda a Europa, com o nascimento das nacionalidades e a subsequente necessidade de fixação e de regulamentação das lenguas vernáculas. É na senda destas imagens, interessantes retratos de um mundo em mutação, que desvelamos as preocupações dos especialistas ibéricos nos períodos anteriores à Linguística.

Este estudio analiza las disensiones puestas en escena por los personajes alegóricos del Teatro de la Feria desde una perspectiva fundamentalmente temática. En ella están imbricadas una tendencia de origen tradicional y otra de origen contemporáneo. Por un lado, se halla la adaptación de las controversias morales y sociales que bebe de las fuentes de la literatura clásica y medieval. De este modo, la ópera cómica escenifica la oposición entre el vicio y la virtud, ya sea mediante algunas alegorías de la poesía latina, ya sea mediante el uso de técnicas propias de las moralidades y de los debates de la Edad Media. Por otro lado, cabe subrayar las personificaciones de sesgo contemporáneo como la confrontación de usos y costumbres del siglo XVIII y las polémicas entre el género de la Feria y las demás escenas parisinas (la Comedia Francesa, la Comedia Italiana y la Opera). - This study approaches the dissensions put on stage by the allegorical characters in the 'Théâtre de la Foire' mainly from a theme-based perspective. In turn, within this perspective, a traditional-origin trend is interwoven with a contemporary-origin one. On the one hand, we can find the adaptation of the moral and social controversies which feeds on the sources of classical and medieval literature. Thus, the 'opéra comique' stages the opposition between vice and virtue, either by means of some allegories from Latin poetry, or by using distinctive techniques of the 'moralités' and the 'débats' from the Middle Ages. On the other hand, we can point out the personifications of a contemporary kind, such as the conflicts of 18thcentury customs or fashions, and those which confront the 'Foire' genre with the rest of Parisian scenes (the French Comedy, the Italian Comedy and the Opera). Cette analyse examine les dissensions mises en scène par les personnages allégoriques au théâtre de la Foire d'un point de vue essentiellement thématique. Cela permet d'étudier les deux versants qui en sont à la base, l'un d'origine traditionnelle, l'autre d'origine contemporaine. D'un côté, il y a l'adaptation des controverses morales et sociales qui puise dans la littérature classique et médiévale. Ainsi, l'opéra-comique met en scène le conflit entre le vice et la vertu en reprenant, soit des personnifications au sein de la poésie latine, soit la technique des moralités et des débats médiévaux. D'un autre côté, nous avons repéré les allégories des confrontations contemporaines des us et coutumes du XVIIIe siècle, ainsi que les personnifications des combats de la Foire avec les autres scènes parisiennes (la Comédie-Française, la Comédie-Italienne et l'Opéra).

This article reflects on the possibility of photography to work as an allegorical medium in the context of the contemporary visual arts. Initially, it is discussed the importance of the concept of the romantic fragment in the formulation of Walter Benjamin´s theory of allegory. Afterwards, recent debates on allegory are considered, which are based on Benjamin´s approach, investigating the production of some contemporary artists who use photography. The relation between site and non-site by Robert Smithson is examined, and within the perspective given by these concepts, one may conclude that it is possible to conceive the photography of documentation of ephemeral actions and interventions as an allegorical medium. The artworks approached are those by Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton and asikainen&macedo. Este trabajo se propone a reflexionar sobre la posibilidad de la fotografía funcionar como una media alegórica en el contexto contemporáneo de las artes visuales. Inicialmente, se discutirá la importancia del concepto de fragmento romántico en la formulación de la teoría de la alegoría de Walter Benjamín. En seguida, se considerará las recientes discusiones sobre alegoría, que tienen como base la teoría de alegoría de Walter Benjamín, examinado la producción de algunos artistas visuales que usan la fotografía. Se verificará la relación de los conceptos site y non site formulada pro Robert Smithson, y vinculada a estos conceptos. Vemos en la conclusión que es posible concebir la fotografía de registro de acciones e intervenciones artísticas efímeras como una media alegórica. Se abordarán los trabajos de Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton y Asikainen&Macedo. Cet article veut réfléchir sur la possibilité de la photographie fonctionner comme un média allégorique dans le contexte contemporain des arts visuels. Tout d’abord, on discute l’importance du concept du fragment romantique dans la formulation de la théorie de l’allégorie de Walter Benjamin. Ensuite, on considère les débats récents sur l’allégorie, qui a comme base la théorie de l’allégorie de Walter Benjamin, tout en analysant la production de quelques artistes visules qui emploient la photographie. On analyse le rapport du concept de site et non-site formulé par Robert Smithson, et lié à ces concepts. On arrive à conclure que c’est possible de concevoir la photographie d’enregistrement d’actions et d’interventions artistiques éphémères comme un média allégorique. On aborde des travaux de Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton et asikainen&macedo. Este artigo pretende refletir sobre a possibilidade da fotografia funcionar como uma mídia alegórica no contexto contemporâneo das artes visuais. Inicialmente, discute-se a importância do conceito do fragmento romântico na formulação da teoria de alegoria de Walter Benjamin. Em seguida, consideram-se os debates recentes sobre alegoria, que têm como base a teoria de alegoria de Walter Benjamin, examinando-se a produção de alguns artistas visuais que utilizam a fotografia. Examina-se a relação do conceito de site e non-site formulada por Robert Smithson, e vinculada a estes conceitos. Conclui-se que é possível conceber a fotografia de registro de ações e intervenções artísticas efêmeras como uma mídia alegórica. São abordados trabalhos de Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton e asikainen&macedo.

A visão de modernidade de Baudelaire é encontrada por Walter Benjamin na ótica do procedimento crítico alegórico: a mortificação da obra literária. É pela reciprocidade alegórica entre o poeta e o crítico que se evidenciam as mais ricas implicações dessa visão, que, para Benjamin, não está nos ensaios estéticos mas em Les Fleurs du Mal. Michel Foucault, reconhecendo o caráter alegórico da literatura contemporânea depois de Mallarmé, ignora a obra de Baudelaire. Não assumindo a contrapartida alegórica na sua própria leitura, Foucault perde, nos limites da arqueologia dos anos 1960, a mais rica expressão da modernidade em Baudelaire. Quando, posteriormente, reconhece a importância da concepção de modernidade do poeta, restringe-se a considerar os ensaios estéticos, aqueles que, na opinião de Benjamin, constituem o "ponto mais fraco" desta visão. Walter Benjamin had an allegorical approach to analyse the vision of modernity inscribed in Baudelaire’s poetry. The allegorical mode proceeds by way of "the mortification of the literary work". There are allegorical similarities between Benjamin’s writings as a literary critic and Baudelaire’s poetical work. For Benjamin, the most productive implications of Baudelaire’s conception of modernity are to be found in the poems of The Flowers of Evil, not in Baudelaire’s critical essays. In contrast with Benjamin, Michel Foucault, who recognized the allegorical character of contemporary literature after Mallarmé, was not interested in the poetical work of Baudelaire. This lack of interest can be explained by Foucault’s refusal to have allegorical approach himself. So he loses, in the limits of "archaeology" of the sixties, the richest expression of modernity. Later, Foucault recognizes the importance of Baudelaire’s view of modernity, but still considers only his aesthetic reflections, not his poetry. For Benjamin, "in Baudelaire’s view of modernity, the theorie of modern art is the weakest point". C’est à partir d’une critique allégorique, entendue comme mortification de l’oeuvre littéraire, que Walter Benjamin trouve chez Baudelaire une théorie de la modernité. La réciprocité allégorique entre le poète et le critique met en évidence les plus fécondes conséquences de cette théorie qui, selon Benjamin, ne se trouve pas dans les essais esthétiques mais dans Les Fleurs du Mal. Michel Foucault, tout en reconnaissant le caractère allégorique de la littérature contemporaine depuis Mallarmé, ignore l’oeuvre de Baudelaire. Dans la mesure où il n’adopte pas la contrepartie allégorique de sa lecture, Foucault perd, dans les limites de l’archéologie des années 1960, la plus riche expression de la modernité de Baudelaire. Quand il reconnaît l’importance de la vision de modernité du poète, il ne considère que ses essais esthétiques, lesquels constituent, selon Benjamin, l’aspect le plus faible de cette vision.

Le Laberinto de Fortuna de Juan de Mena renvoie au labyrinthe du Grand Œuvre. La preuve de cette thèse est fournie dans le présent article, où l’on essaie de déchiffrer le symbolisme alchimique du Cercle de la Lune (strophes 63-84).El sentido alegórico de El Laberinto de Fortuna de Juan de Mena remite al mundo de la alquimia. La prueba de ello se facilita en este artículo en el que se intenta descifrar el simbolismo alquímico del Círculo de la Luna (estrofas 63-84).

International audience; Nous étudions dans cet article deux séries de poèmes publiés en 1991 et 1996, qui se caractérisent par un très fort effacement énonciatif. Les poèmes se donnent comme des poèmes sans locuteur et sans destinataire. Leur valeur illocutoire est difficile à discerner car ils contiennent très peu de lexèmes subjectifs. Ce sont des descriptions dépourvues apparemment de parti pris. Nous les envisageons – dans une perspective historique où une partie de la poésie a été longtemps dévolue à la célébration du monde – comme la forme contemporaine, modeste, retenue, d’une célébration qui ne pourrait se dire que dans l’effacement de la subjectivité, et qui consisterait à laisser entrevoir des rapports entre différents éléments du monde. Il nous semble cependant possible de lire certains d’entre eux comme des allégories du processus d’écriture, sans que pour autant le premier niveau de lecture perde sa pertinence.

Los problemas y soluciones de las cuestiones homéricas generaron disquisiciones filológicas y gramaticales en los primeros siglos del imperio romano, pero fundamentalmente se buscó siempre el sentido profundo y la razón filosófica de cada figura de los poemas épicos. Heráclito, el alegorísta, pretende alcanzar esa verdad que subyace en los relatos mitológicos siguiendo los pasos de un discurso epidíctico en el estilo de la oratoria clásica. Sus Alegorías de Romero son, en esta oportunidad, la fuente principal para acercarnos a la construcción textual de Apolo, Atenea, Hera y Zeus en el primer siglo de nuestra era, así como la Theologia de Cornutus y Sobre la vida y poesía de Homero atribuida a Plutarco., The problems -and their solutions- concerning Homeric questions generated philological and grammatical inquiries during the early centuries of the Roman Empire, although rhetors mainly sought the deeper meaning and the pihlosophical motivation for each character of the epic poems. Heraclítus, the allegorist, applied his hermeneutical strategies in order to tap into the source of authoritative wisdom which lay in the mythological stories, drawing conclusions on the basis of an apodictic discourse in classical rhetorical style. His Homeric Allegres are the principal source when studying the textual construction of Apollo, Athena, Hera and Zeus in the first century of the Christian era, and also Cornutuss Theologia and Essay on the life and Poetry f Homer by Ps. Plutach., Centro de Estudios de Lenguas Clásicas. Area Filología Griega

Los problemas y soluciones de las cuestiones homéricas generaron disquisiciones filológicas y gramaticales en los primeros siglos del imperio romano, pero fundamentalmente se buscó siempre el sentido profundo y la razón filosófica de cada figura de los poemas épicos. Heráclito, el alegorista, pretende alcanzar esa verdad que subyace en los relatos mitológicos siguiendo los pasos de un discurso epidíctico en el estilo de la oratoria clásica. Sus Alegorías de Homero son, en esta oportunidad, la fuente principal para acercarnos a la construcción textual de Apolo, Atenea, Hera y Zeus en el primer siglo de nuestra era, así como la Theologia de Cornutus y Sobre la vida y poesía de Homero atribuida a Plutarco The problems -and their solutions- concerning Homeric questions generated philological and grammatical inquiries during the early centuries ofthe Roman Empire, although rhetors mainly sought the deeper meaning and the philosophical motivation for each character of the epic poems. HeracJitus, the alJegorist, applied his hermeneutical strategies in order to tap into the source of authoritative wisdom which lay in the mythological stories, drawing conclusions on the basis of an apodictic discourse in classical rhetorical style. His Homeric A llega ries are the principal source when studying the textual construction of Apollo, Athena, Hera and Zeus in the first century of the Christian era, and also Cornutus's Thealagia and Essay on the life and Poetry of Homerby Ps. Plutarch

LET'S BEWARE OF GERMANIA'S GUILE! GERMANY IN FRENCH CARICATURES (1919-1939) The first two Franco-German conflicts of the contemporary period favored the emergence of Germanic stereotypes and singularly fixed the traits of Germania, the allegorical figure of Germany. A complex character, Germania, the anti-Marianne, incarnates the German soul in caricature. For fifty years, Germanophobie stereotypes existed in terms of the rhythm of the tortuous relations between France and Germany., MÉFIONS-NOUS DU SOURIRE DE GERMANIA! L'ALLEMAGNE DANS LA CARICATURE FRANÇAISE (1919-1939) Les deux premiers conflits franco-allemands de l'époque contemporaine ont favorisé l'émergence de stéréotypes germanophobes et singulièrement fixé les traits de Germania, figure allégorique de l'Allemagne. Personnage complexe, Germania, l'anti-Marianne, incarne l'âme allemande dans la caricature. Depuis cinquante ans, les stéréotypes germanophobes vivent au rythme des relations tortueuses entre la France et l'Allemagne., ¡CUIDADO CON LA SONRISA DE GERMANIA! ALEMANIA EN LA CARICATURA FRANCESA (1919-1939) Los dos primeros conflictos franco-alemanes de la época contemporánea han favorecido la emergencia de estereotipos germanofobos y han fijado de manera singular los rasgos de Germania, figura alegórica de la Alemania. Personaje complejo, Germania, la anti Mariana, encarna el alma alemana en la caricatura. Desde cincuenta aňos, los estereotipos germanofobos viven al ritmo de las relaciones tortuosas entre Francia y Alemania., Delporte Christian. Méfions-nous du sourire de Germania ! L'Allemagne dans la caricature française (1919-1939). In: Mots, n°48, septembre 1996. Caricatures politiques, sous la direction de Christian Delporte, Vincent Milliot et Erik Neveu. pp. 33-54.

This relief from the ancient Rapidum can be interpreted as a political-religious allegory of the African provinces : Africa and Mauritania. Both personifications are flanked by symbols of prosperity and commerce. Everything is under the double protection of an aquatic divinity and the Genius of the Tetrarchy assimilated, in this case, into the protector genius of African earth : the ancestral Genius Terrae Africae. The relief is a panegyric of the prosperity that tetrarchie government brought to the Diócesis after the defence of Maximiane Hercúleo against the revolts of the Mauri (the quinquegentani). And furthermore, the plastic expression and the iconogra- phical simbolism of each figure of the relief constitute an interesting illustration of the acculturation phenomena between preroman and Roman cultural patterns in North Africa., Ce relief provenant du site antique de Rapidum peut être interprété comme une allégorie politico-religieuse des provinces africaines, représentée à travers les personnifications des provinces d'Afrique et de Maurétanie, flanquées de chaque côté des symboles de la prospérité et du commerce — les épis de blé et Mercure africain. L'ensemble est placé sous la protection d'une divinité des eaux, ainsi que du Génie de la Tetrarchie, qui se présente comme le génie protecteur de la terre africaine — l'ancien Genius Terrae Africae ou Genius tutelaris Africae. Le relief est donc un panégyrique de la prospérité que le gouvernement tétrarchique — avec Maximien Hercule — avait apportée à tout le Diocèse, depuis la répression des révoltes des tribus maures (les quinquegentani) En outre, tant par le style que par le symbolisme iconographique des diverses figures, le relief offre une illustration intéressante du phénomène d'acculturation qui se manifeste en Afrique du Nord au sein des modeles culturels préromains et romains., Este relieve procedente de la antigua Rapidum puede interpretarse como una alegoría político-religiosa de las provincias africanas, a través de las personificaciones de la provincia de Africa y de Mauritania, flanqueadas, a su vez, por los símbolos de la prosperidad y del comercio. Todo ello bajo la protección de una divinidad acuática, así como del Genio de la Tetrarquía, asimilado, en este caso, al genio protector de h tierra africana, el ancestral Genius Terrae Africae. El relieve es, por tanto, un panegírico de la prosperidad que el gobierno tetrarquico trajo a toda la Diócesis tras la defensa de la misma que llevó a cabo Maximiano Hercúleo contra las revueltas de las tribus Mauri (quinquegentani). Además, tanto por su expresión plástica como por el simbolismo iconográfico de cada figura, el relieve constituye una interesante ilustración del fenómeno de aculturación que tuvo lugar en el norte de Africa entre patrones culturales prerromanos y romanos., Salcedo Garces Fabiola. El relieve tetrarquico de Rapidum (Sour-Djouab, Argelia). [Politica y religion en el Africa romana]. In: Antiquités africaines, 32,1996. pp. 67-85.

Este artigo pretende refletir sobre a possibilidade da fotografia funcionar como uma mídia alegórica no contexto contemporâneo das artes visuais. Inicialmente, discute-se a importância do conceito do fragmento romântico na formulação da teoria de alegoria de Walter Benjamin. Em seguida, consideram-se os debates recentes sobre alegoria, que têm como base a teoria de alegoria de Walter Benjamin, examinando-se a produção de alguns artistas visuais que utilizam a fotografia. Examina-se a relação do conceito de site e non-site formulada por Robert Smithson, e vinculada a estes conceitos. Conclui-se que é possível conceber a fotografia de registro de ações e intervenções artísticas efêmeras como uma mídia alegórica. São abordados trabalhos de Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton e asikainen&macedo., This article reflects on the possibility of photography to work as an allegorical medium in the context of the contemporary visual arts. Initially, it is discussed the importance of the concept of the romantic fragment in the formulation of Walter Benjamin´s theory of allegory. Afterwards, recent debates on allegory are considered, which are based on Benjamin´s approach, investigating the production of some contemporary artists who use photography. The relation between site and non-site by Robert Smithson is examined, and within the perspective given by these concepts, one may conclude that it is possible to conceive the photography of documentation of ephemeral actions and interventions as an allegorical medium. The artworks approached are those by Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton and asikainen&macedo., Este trabajo se propone a reflexionar sobre la posibilidad de la fotografía funcionar como una media alegórica en el contexto contemporáneo de las artes visuales. Inicialmente, se discutirá la importancia del concepto de fragmento romántico en la formulación de la teoría de la alegoría de Walter Benjamín. En seguida, se considerará las recientes discusiones sobre alegoría, que tienen como base la teoría de alegoría de Walter Benjamín, examinado la producción de algunos artistas visuales que usan la fotografía. Se verificará la relación de los conceptos site y non site formulada pro Robert Smithson, y vinculada a estos conceptos. Vemos en la conclusión que es posible concebir la fotografía de registro de acciones e intervenciones artísticas efímeras como una media alegórica. Se abordarán los trabajos de Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton y Asikainen&Macedo., Cet article veut réfléchir sur la possibilité de la photographie fonctionner comme un média allégorique dans le contexte contemporain des arts visuels. Tout d’abord, on discute l’importance du concept du fragment romantique dans la formulation de la théorie de l’allégorie de Walter Benjamin. Ensuite, on considère les débats récents sur l’allégorie, qui a comme base la théorie de l’allégorie de Walter Benjamin, tout en analysant la production de quelques artistes visules qui emploient la photographie. On analyse le rapport du concept de site et non-site formulé par Robert Smithson, et lié à ces concepts. On arrive à conclure que c’est possible de concevoir la photographie d’enregistrement d’actions et d’interventions artistiques éphémères comme un média allégorique. On aborde des travaux de Robert Smithson, Richard Long, Hamish Fulton et asikainen&macedo.

Balzac éclaire le tissu des fictions et des fantaisies qui soutient la vie sociale moderne et fournit un canevas à partir duquel Marx tentera d’analyser la production systématique des illusions sur lesquelles reposent les relations sociales. Entre les textes de Balzac et de Marx, entre les intrigues dramatiques de l’un et les analyses historiques de l’autre, il y a cependant plus qu’une simple image en miroir ou qu’une relation analogique : ce sont deux faces d’un réalisme qui tente, selon des jugements normatifs divergents, de cerner les virtualités enfouies dans le développement du capitalisme., Balzac's insight into the web of fictions and fantasies that upheld modern social conditions provided Marx with an implicit framework within which he attempted to analyse the systematic production of illusions on which such relations depend. Between the texts of Balzac and Marx, between the dramatic scripts of the former and the historical analyses of the latter, there is more than just a mirror image or analogical relation: they are two faces of a realism that seeks, according to diverging normative judgments, to grasp the potential alternatives embedded in the actual capitalist développement., Balzac ilustra el tejido de ficciones y fantasías que sustentan la vida social moderna y provee el entramado desde el cual Marx intentará analizar la producción sistemática de las ilusiones sobre las que se basan las relaciones sociales. Hay, sin embargo, entre los textos de Balzac y de Marx, entre las intrigas dramáticas de uno y los análisis históricos del otro, más que una simple imagen reflejada o una analogía: se trata más bien de las dos caras de un realismo que intenta captar, según juicios normativos divergentes, las virtualidades ocultas en el desarrollo del capitalismo.