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Technische Bildzensur ist omnipräsent und gleichzeitig unsichtbar. Content Moderation in sozialen Medien und automatische Löschungen durch Algorithmen schaffen einen neuartigen Zusammenschluss menschlicher und nicht-menschlicher Akteure, die bildethische und juridische Verschiebungen im Feld der Sichtbarkeit anstoßen. Hatten tradierte Institutionen der Zensur durch gesetzliche und religiöse Normen den Wirkungskreis gefährlicher Bilder reguliert, sind es heute automatisierte, von internationalen Konzernen kontrollierte Mechanismen, die sozio-technische Skripte der Bildlöschung steuern. In der Öffentlichkeit technischer Bildwelten werden Sichtbarkeitsmarker der Löschung – wie Zensurbalken oder Verpixelung – von Upload-Filtern, Content Moderatoren oder Deepfakes abgelöst. In dieser Experimentalphase der Digitalmoderne wird in technischer, sozialer, juridischer und bildtheoretischer Hinsicht noch einmal neu verhandelt, welche Bilder im Datenstrom zirkulieren, aus dem Blickfeld verschwinden oder nie ins Licht der Öffentlichkeit gelangen.

Einst bestaunt, heute verpönt, überdauern die Grindelhochhäuser in Hamburg-Eimsbüttel die Zeit. Der Gebäudekomplex zeugt von einer bewegten Geschichte der deutschen Nachkriegszeit – einer Geschichte von Zerstörung und Neuanfang, Avantgarde und Endlichkeit.

In einer Artikelserie konnten Leser*innen auf the ARTicle das freie Kunstprojekt vi·son begleiten und inhaltliche Einblicke erhalten. Mit einer digitalen Ausstellung werden nun die Ergebnisse präsentiert. Was Interessierte erwartet und was die nächsten Schritte sind.

Wie können Kunstwerke online dargestellt und ihre Geschichten erzählt werden? Der Online-Workshop der Städel-Kooperationsprofessur vermittelt das technische Know-How, um Kunstwerke durch eine Digitale Story einem breitem Publikum verfügbar machen. Und das beste – der Workshop ist kostenfrei.

Over the six months in which Vajiko Chachkhiani's "Living Dog Among Dead Lions" was exhibited at the Georgian Pavilion at the 57th Venice Biennale in 2017, heavy rain was pouring inside the installation. This artificially generated process provokes thoughts on the nature of the here and now as well as of the afterlife and of the future appearance of the hut's water-sensitive insides. Eventually, the spaces and furniture exposed to rain and water stagnation will begin to rot and disintegrate, and mould and moss might grow over them. Its viewers feel caught between what they see and what they hope to see; between their perceptions and expectations, in an exceptional time zone where 'natural' weathering is being performed as a subject of meditative observation.

The conversation focuses on the role of extreme weather conditions and the vulnerability to weathering in Vajiko Chachkhiani’s work, especially in the piece Living Dog Among Dead Lions, which was presented at the 57th Venice Biennale in 2017. Vajiko Chachkhiani and Claudia Peppel, ‘Life Never Stops Being Violent: A Conversation’, in Weathering: Ecologies of Exposure, ed. by Christoph F. E. Holzhey and Arnd Wedemeyer, Cultural Inquiry, 17 (Berlin: ICI Berlin Press, 2020), pp. 289-94

This chapter explores the intrinsic relationship between weather/weathering and the imaginary of the sea, which features in the work of artist Arthur Bispo do Rosário. Bispo was a black man who spent most of his life in psychiatric institutions. There is an important interplay between his psychotic deliriums and the production of hundreds of objects, many of them ships or forms that relate to the sea. These objects open up a discussion on decoloniality as they are embedded with marks left by the transatlantic slave trade.

1959 entstand das Sahara-Projekt von Heinz Mack (*1931). Der Künstler entwarf darin einen „Jardin Artificiel“ mit 13 Stationen, in denen seine skulpturalen Objekte mit dem Raum und Licht der Wüste interagieren. Im Hinblick auf die von Heinz Mack und Otto Piene 1957 in Düsseldorf gegründete ZERO-Bewegung und die während der 1960er Jahre sich formierende Land Art, wird das Sahara-Projekt erstmals im Kontext des Werkes von Mack und seiner Zeitgenossen untersucht, besonders hinsichtlich Aspekten der (Im-)Materialität. Erläutert werden die Entstehungsgeschichte und Rezeption des Films „Tele-Mack“, der 1968 in Tunesien gefilmt wurde, sowie der „Expedition in künstliche Gärten“, die Mack 1976 nach Algerien und Grönland führte. In diesem Kontext werden die Beziehungen von Land Art, Medientechnologie und Kunstmarkt analysiert. Ein Exkurs über die künstlerische Gestaltung der Olympischen Spiele in München 1972 untersucht weitere Berührungspunkte zwischen ZERO und Land Art.

Neue Medien und kulturelle Bildung werden als PR-Instrument für das Audience Development immer beliebter – vor allem in Zeiten der Corona-Pandemie. Doch in welchem Verhältnis stehen Publikum, Partizipation und Digitalisierung? Und welches Potential steckt in digitaler Kunstvermittlung?

Wie lässt sich eine Online-Ausstellung konzipieren, die multisensorisches Wahrnehmen und das Verhältnis von Kunst, Musik und Digitalisierung thematisiert? Eine Vorschau auf die Gestaltung und das erste Exponat von “vi·son”.

Das Klassifizierungssystem Iconclass, das Kunstwissenschaftler*innen helfen soll, Bildinhalte zu erschließen und die Digitalisierung zu erleichtern, fußt auf einer rassistischen Sprachwelt. Warum das Tool dringend einer Überarbeitung bedarf. Ein Kommentar.

Rezension zu L'art pour l'art. Der Beginn der modernen Kunstdebatte in französischen Quellen der Jahre 1818 bis 1847. Herausgegeben, übersetzt und kommentiert von Roman Luckscheiter. Bielefeld: Aisthesis 2003 (Studienbuch 4).

Digitale Technik schafft neue Verhältnisse zwischen Musik und Kunst: Daten werden komprimiert und berechenbar, Qualitäten und Merkmale von Musik und Gemälden lassen sich nicht mehr nur interpretieren, sondern auch präzise analysieren. Warum nun ein Kunstprojekt, das sich diesem Verhältnis annimmt? Drei Inspirationen.

Während die äußerlichen Verzierungen von mittelalterlichen Minnekästchen die Betrachter*innen in romantische Bilderwelten entführen, werfen die leeren Innenräume Fragen über den Gebrauch der Kästchen auf – so auch das im Hessischen Landesmuseum in Darmstadt.

How do curatorial practice and artworks influence how we perceive what we see? Can they work together to form new ways of exhibiting? The group exhibition “side by side”, which took place in the fffriedrich gallery in Frankfurt explores this notion of collaboration.

Inhaltsangaben des Themenheft Iconoscape/s

Dieser Beitrag bezweckt, den Iconoscape-Begriff vorzustellen; und das mit diesem verbundene Hauptanliegen eines transdisziplinären, allerdings grundsätzlich landschafts- und bildwissenschaftlich ausgerichteten Programms zur Erforschung eines konzeptuellen, perzeptiven und gestaltungswirksamen Wandels von Landschaft als einem Phänomen, das medial wie räumlich erfahrbar ist und sich gegenwärtig, so ein wichtiger Ansatzpunkt, unter den digital noch forcierten Bedingungen ubiquitärer Bildlichkeit entfaltet., kunsttexte.de - Journal für Kunst- und Bildgeschichte, Nr. 2 (2020): Kunsttexte

Der Essay geht von der Untersuchung zweier Showrooms aus: einem prominenten, in zahlreichen Bildproduktionen vorgestellten Kunstprojekt im Süden der USA und einem allenfalls lokal bekannten kommerziellen Ausstellungsraum im Rheinland. Auf je eigene Weise bieten beide Showrooms klare Perspektiven auf Prozesse der Raum- und Landschaftsentwicklung und ihrer (visuellen) Kommunikation – einmal in spielerischer, ironischer und kritischer Haltung mit Blick auf US-amerikanische und globale Zusammenhänge, einmal in genau der pragmatischen Weise, die Auskunft gibt über die Sichtbarkeit des Handels in der Öffentlichkeit urbaner Landschaften in Deutschland heute.

Die Beiträge dieses Bandes sind angeregt durch Überlegungen zum Konzept der Iconoscapes, das Lutz Hengst seit 2016 kontinuierlich entwickelt hat. Im November desselben Jahres fand dazu an der Uni-versität der Künste Berlin eine erste, konzentrierte Tagung statt, auf der die Frage des Zusammenhangs von Bild und Landschaft aus verschiedenen disziplinären Perspektiven historisch-kritisch befragt wurde.

The library of the Joseph Schedel (1856-1943) a pharmacist, born in Bamberg, who lived for 13 years in Yokohama gives a good insight in the way how Europeans learned more about an exotic country, which was opened for foreigners just some decades before. In contrast to other regions of the world, colonialised by europeans in the 19th century, Europeans were confronted with a long and rich tradition of pictorial representation of landscapes and places. Together with new techniques like photography a coevolution of a pictorial tradition can be traced. The old trails to Edo like the Tokaido or the Nakasendo and lists oft he most beautiful landscapes of Japan are examples for this phenomenon. An important second part of a visualisation of the country for foreigners are represented by maps and atlases. One very famous but relatively unknown example is the Atlas von Japan, drawn by the Cartographer Bruno Hassenstein and published by the famous map publisher Justus Perthes in Gotha in 1887. Both tools, photographies and maps are infuential parts in forming of an iconoscape which means a visual representation of Japan not only for foreigners. In analysing the tradition and representation of landscapes, places and whole regions it is quite clear that only a short list of small sections are quoted as typical for Japan.

Landscape is not merely the physical space that surrounds us. It is far more complex, as it is constituted by our presence in that space, by the way we experience it and by the way in which we project our own experience, our memory and expectations onto it. This kind of experience exceeds the plain physiological and cognitive perception of the physical space. It is a wide-ranging, individual, in every way private experiencing and perceiving that first turns nature into landscape. This quality of landscape as experienced space is palpable in the history of landscape images and their practices from the 18th century onwards. In as dissimilar media as sketches and photographs, the success of such images persists until now. For them, I propose in this paper the idea of 'Erlebnisraumbilder' – 'images of experienced space'.

Noch immer wird das Phänomen ›Porträt‹ im kunsthistorischen Diskurs zumeist unter Begrifflichkeiten wie Identität, Individualität, Repräsentation oder Ähnlichkeit diskutiert. Zeitgenössische amimetische, konzeptuelle und performative Porträtformen werden mit solchen Konzepten jedoch nicht mehr vollständig eingeholt. Der Band befragt deshalb einerseits kritisch diese traditionellen, mimetischen Begriffe anhand von Fallstudien. Andererseits werden ihnen dynamische und offene Konzepte (teils aus Nachbardisziplinen) wie Spur, Berührung, Fraktalität, Defazialisierung oder Dividualität an die Seite gestellt, um den kunsthistorischen Porträt-Begriff in einem fachübergreifenden Diskurs aufzufächern, der auch die Digitalisierung umfasst. ›Porträt‹ wird somit explizit als Konstruktion, self-fashioning und konzeptuelle Praxis des Performativen betrachtet.

Stanley Cavell is one of very few philosophers who systematically reflect on the impact and influence of autobiographical detail, experience, and preferences on their philosophical work. The aim of this essay is to show how Cavell’s use of autobiographical exploration is rooted in his early aesthetic theory, in particular his view of the similarities between philosophy and aesthetic criticism. Cavell argues that criticism starts by exploiting and incorporating a subjective vantage point, eventually bringing the reader to test the significance of a work on herself. In his ‘Aesthetic Problems of Modern Philosophy’, Cavell states exactly this form of appeal to the ‘We’ of author and reader as the basic move of his own version of ‘ordinary language philosophy’. It is because of the connections Cavell sees between criticism and philosophy that his aesthetic diagnosis harks back on his overall critical style of thinking.

Damien Ajavon is a contemporary and conceptual textile artist currently living and working in Montreal who describes himself as a creative mind, TV-nerd and Dollarstore-Queen. For a long time, he did not consider himself an artist because he could not draw – a skill, he believed, a good artist should have. Now, he knows better: Creativity and the ability to share visions and expressions are his paper and pen.

Wie beeinflussen Sehgewohnheiten unsere Wahrnehmung und damit unsere Vorstellungen von Körperlichkeit? Unter dem Ausstellungtitel Figures in der Galerie Sakhile&Me befragten Tega Akpokona, Adelaide Damoah, Mbali Dhlamini, Tagne William Njepe und Tim Okamura die menschliche Form und ihre Relation zu etablierten Geschlechterkonstruktionen sowie post- und neokolonialer Strukturen.

Die Form des sogenannten Großen Turmreliquiars im Hessischen Landesmuseum ist dem Grab Christi nachempfunden: Doch die einst bunte Mikro-Architektur ist heute farblos. Wie kam es zu dem tragischen Verlust der einstigen Polychromie? Eine Spurensuche.

„Today I feel like…“ von Jeppe Hein in der Frankfurter Schirn Kunsthalle. In der Frankfurter Schirn sind die Gäste aufgefordert, kreativ zu werden: Für das Projekt “Today I feel like…” hat der Künstler Jeppe Hein die sonst weißen Mauern des Ausstellungshauses mit blauen Ovalen versehen, in denen die Besucherinnen und Besucher ihrer eignen Gefühlswelt Ausdruck verleihen können.

Der Handelsgott Merkur und der Flussgott Moenus säumen das Titelblatt der Holzhausen-Porträtsammlung: Die Allegorien zeigen deutlich, welch wichtige Stellung dem Frankfurt der Frühen Neuzeit zukam – und die Ikonographie offenbart noch weitere Geheimnisse der Stadtgeschichte.

Kunst aus Daten, Codes und Zufällen: In der Generative Art erschaffen sich die Kunstwerke selbst – der Künstler liefert lediglich den Regelsatz dafür. Das Digitalkunst-Projekt "vi·son" programmiert digitale Klangskulpturen, denen ein Algorithmus zugrunde liegt. Hier beschreiben sie, wie das geht.

Birgit Sander leitet seit dem 1. Mai das Museum Giersch der Goethe-Universität. Im Gespräch mit dem UniReport spricht die promovierte Kunsthistorikerin über ihre ersten 100 Tage im Amt.

25 Hochschulen boten im Dritten Reich das Studienfach Kunstgeschichte an – eine davon war die Goethe-Universität in Frankfurt am Main. Im Gegensatz zu anderen kunsthistorischen Instituten ist der Einfluss der NS-Kulturpolitik hier kaum untersucht. Dokumente aus dem Uni-Archiv geben Einblicke.

Die globale Pandemie Covid-19 stellte und stellt weltweit Museen vor eine enorme Herausforderung. Zugleich deutet sich insbesondere im Bereich der Online-Angebote ein Digitalisierungsschub von Museen an. Im Beitrag werden die Ergebnisse einer Kurzumfrage des Verfassers vorgestellt, die im Juni 2020 unter deutschen Museen durchgeführt wurde. Gefragt wurde nach einer etwaigen Erweiterung von Online-Angeboten und damit verbundenen Hürden; nach Fremdsprachen, in denen die Angebote gegebenenfalls verfügbar waren; nach der Bedeutung, die der Präsenz im Internet grundsätzlich beigemessen wird und nach Planungen für eine weitere Ausweitung von Online-Angeboten. Daneben wurden die Verantwortlichen um eine Einschätzung des Verhältnisses von Museumsbesuch und Online-Präsenz beziehungsweise nach möglichen Spezifika beider Bereiche gefragt. Die Ergebnisse werden mit zwei internationalen Erhebungen (von NEMO und ICOM), die im Frühjahr 2020 stattfanden, kontextualisiert. Darüber hinaus erfolgt eine Verknüpfung mit grundlegenden Überlegungen zu den Bereichen Museum und digital heritage sowie Museumsbesuch und Online-Angebote.

Eine mobile Welt, Lebensläufe, die uns mal hierhin, mal dorthin führen und dann noch die globale Pandemie: Auch kleine Kunstprojekte müssen sich damit auseinandersetzen, wie sie ihren kreativen Prozess in räumlicher Entfernung organisieren. Welche digitalen Werkzeuge können helfen? Was das Projekt vi·son in den letzten Monaten über kreative Online-Zusammenarbeit gelernt hat.

Since the late 1980s visibility has become a currency of social recognition, and a political issue. It also brought forth a new discipline, visual culture studies, and a hotly contested debate unfolded between art history and visual culture studies over the interpretation of visual culture, whose impact can still be felt today. In this first comparative study Susanne von Falkenhausen reveals the concepts of seeing as scholarly act that underwrite these competing approaches to visuality and society, along with the agendas of identity politics that motivate them. In close readings of key texts spanning from the early 20th century to the present the author crosses expertly between American, German, and British versions of art history, cultural studies, aesthetics, and film studies.

This book provides abstracts of papers of the 2nd International Conference Polylogue and Synthesis of Arts: History and Modernity, Theory and Practice; Epochs – Styles – Genres, which took place on March 4–5, 2019, at the Rimsky-Korsakov Saint Petersburg State Conservatory. The conference was dedicated to Music and its relationship to Philosophy, Literature, and the Visual Arts. While papers were presented predominantly by Russian academicians, a range of authors participated from Western European, United States and Far East academies, including from China and Mongolia. In this way, the conference’s agenda was expanded to worldwide cultures. The original conference proceeding was published in Russian in 2019; it was subsequently translated into English and revised for this present edition. The limited availability of Russian academic publications in the West, combined with a language barrier, create considerable constraints in the way of wider recognition. We aim to address this gap by offering readers this English edition as a source for a broader appreciation in the West of contemporary Russian research.

Nehmen wir Musik nur mit unseren Ohren wahr oder können wir sie auch sehen und fühlen? Das Digitalkunst-Projekt "vi·son" macht mit Hilfe von Creative Coding Musik sichtbar und stellt sich dabei die Frage, was geschieht, wenn Wahrnehmungsweisen vermischt werden.

Mehr als nur ein Taschenspiegel: Die Spiegelkapsel aus dem Hessischen Landesmuseum Darmstadt verrät einiges über die höfische Kultur des 14. Jahrhunderts – etwa was das kleine, aber feine Werk mittelalterlicher Elfenbeinschnitzerei mit edlen Damen, wackeren Rittern und der Liebe zu tun hat.