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In the Upper Amazon south of the Solimões River, between valleys, rivers and small towns, a contemporary practice can be observed in the use of ethnic clothing by some indigenous groups, in their life of urban and multi-local extravillage relationships, as an expressive and communicative attitude of multiple senses. This attitude currently forms a context of displacements in a forest-cityforest network, which carry dynamics of cultural resistance and promote the expansion of native territorialities in the city space. In this hostile space, the forest then materializes itself through bodies adorned by colors and designs composed in a syntax unintelligible to Portuguese, making visible what the processes of domination try to extinguish. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Aportación de testimonios documentales sobre la presencia en Roma, y particularmente en la cofradía de Nostra Dona de Montserrat, de sastres y plateros nativos de la Corona de Aragón, así como sobre algunos cofrades que podrían haber ejercido de intermediarios en los intercambios artísticos del Mediterráneo y sobre los artistas a quienes se encargó obras a principios del siglo XVI.

Neste estudo aborda-se o processo de formalização do uniforme escolar no Liceu Maranhense, utilizando-se como fonte principal, as notícias publicadas na imprensa local entre 1894-1898, no intuito de compreender os posicionamentos iniciais sobre sua obrigatoriedade nas dinâmicas sociais estabelecidas na instituição. Indaga-se: em que medida as representações sobre a obrigatoriedade da indumentária oficial do Liceu Maranhense registradas pelo jornal Pacotilha, na perspectiva da cultura material escolar, podem ter influenciado nos processos de produção, indicação, aprovação, distribuição e uso desta vestimenta? Caracteriza-se a pesquisa como bibliográfica e documental, na qual, cruzam-se concepções e posturas encontradas na literatura especializada, com os documentos oficiais: a Legislação Republicana Maranhense, os Regulamentos da Instrução Pública (nacionais e locais) e as Mensagens do Estado que embora não neutros, registram fatos, feitos e ditos interrogados e analisados à luz dos pressupostos teórico-metodológicos da História Cultural. Conclui-se que, embora o uniforme escolar tenha o mesmo objetivo em termos de acesso à instrução para todos os alunos, mesmo assim, a sua obrigatoriedade representa efeitos diferenciados para cada grupo de estudantes do Liceu; tramas locais do ensino secundário maranhense que podem contribuir para a História da Educação, ao somar à discussão nacional, peculiaridades do seu desenvolvimento a partir da perspectiva regional.

O artigo aborda uma coleção de fotografias datadas entre 1860 e 1880, doada à Fototeca Memória da Universidade Federal de Pelotas em 2023. O acervo situa-se na cidade de Pelotas, Rio Grande do Sul, e é composto por cartes de visite de dez fotógrafos. Neste estudo, serão analisados os registros de dois deles: Baptista Lhullier e Eduardo Wilhelmy. As fotografias, predominantemente no formato cartes de visite, revelam processos fotográficos da época e se caracterizam como objetos de troca social. Composta principalmente por retratos da elite, a coleção reflete a cultura da Era Vitoriana. Neste estudo, foi realizada uma análise focada na indumentária feminina, que revelou padrões de moda da época. Essas imagens, agora preservadas, representam tanto a identidade individual quanto os valores sociais da segunda metade do século XIX.

En el artículo expongo el modelo teórico Diseño Masivo y Diseño Disidente que construyo a partir de las teorías críticas del diseño, y lo sitúo en relación con la cuarta ola feminista en Argentina. Este marco me permite indagar sobre las particularidades del Diseño Disidente de indumentaria en el país. Para ello, presento aquí una investigación colaborativa con dos emprendimientos autogestivos y sus fundadores. Basada en una serie de visitas, entrevistas y observaciones presento la filosofía y las prácticas disidentes de los emprendimientos, planteando sus contradicciones y tensiones. Por último, exploro el nexo —a veces incómodo, a veces productivo— entre la indumentaria y el activismo contemporáneo.

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Desde los pensamientos descoloniales y las teorías transfeministas contemporáneas, el artículo analiza las prácticas del diseño disidente y activista dentro del circuito de la moda en Argentina. Especialmente, indaga sobre cómo habitan los medios digitales en un contexto en donde la expansión masiva de la tecnología se presenta como escenario oportuno para difundir emprendimientos autogestivos. Para ello, tomo el caso Cooperativa de Trabajo Protesta Limitada que me permite, a partir de visitas a su espacio laboral, entrevistas y observaciones tanto online como offline, investigar empíricamente las tensiones y contradicciones que se generan entre activismo y moda. El articulo hace foco en el contenido visual crítico que produce la cooperativa y profundiza en dos temáticas centrales: los cuerpos otros como protagonistas y la visualización de lo popular en redes sociales. Por último, reflexiono sobre los límites, contradicciones y aciertos de este colectivo que mantiene prácticas disruptivas y activistas, pero en simultáneo, se reconoce dentro del circuito de la moda.

En el siglo XVII aparecen las primeras pinturas al óleo sobre lienzo donde se representan tocados corniformes, siendo el pintor alavés Francisco de Mendieta su más significativo exponente. En las pinturas vemos la evolución de tales tocados, las tipologías más populares y la influencia de los llamados álbumes de trajes, aparecidos casi un siglo antes.

The focus of this article is a document from 1562 preserved in the archives of the Board of the Alhambra and Generalife in Granada. Based on the conceptual framework of the history of the emotions, we conduct an analysis of certain garments traditionally attributed to the Moriscos (or converted Moors), such as the marlota. We use these items of clothing to delve into the historical context of 16th-century Granada and explore the value and symbolism that might pertain to such attire, as well as the emotions invested in these garments. The article concludes by highlighting the importance of material culture as collective memory. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este artículo analiza las funciones de la hija de Sancho Panza en el segundo Quijote y concluye que Sanchica es fundamental para el desarrollo de ciertas facetas de Sancho y Teresa; notablemente, de las ansías desmesuradas de ascenso social. Por su hipotético matrimonio con un conde, Sanchica es pieza esencial en el proyecto arribista de Sancho; la indumentaria y las actividades de la muchacha facilitan tanto la extensión de la burla ducal hasta la aldea como la reversión de la farsa orquestada por la duquesa. Sanchica también arroja luz sobre la situación de las campesinas de la temprana modernidad española.

Este artigo trata da temática dos objetos-como-memória, em especial as roupas, enquanto agenciadores de relações sociais, e objetiva apresentar um procedimento metodológico de análise de indumentárias. As abordagens aqui contempladas partem do exemplo de um casaco confeccionado na década de 1950, a fim de discutir questões acerca de memória, roupa e cultura material. São descritas ferramentas de análise do artefato, bem como de anúncios publicados em revistas voltadas ao público feminino da época em que esse foi confeccionado, considerando o protagonismo que os aspectos materiais das roupas podem ter em pesquisas nos campos da moda, design e cultura. O foco do texto consiste, portanto, na compreensão das indumentárias como documento, apresentando ao leitor os processos metodológicos de análise para esse fim

A coleção de Indumentária Sophia Jobim – CSJ, do Museu Histórico Nacional – MHN, pertenceu à Maria Sophia Jobim Magno de Carvalho (1904-1968), que foi professora, figurinista, jornalista, pesquisadora e colecionadora de trajes, acessórios e histórias. Após o falecimento de Sophia toda a coleção dela foi doada Museu Histórico Nacional – MHN. A Coleção Sophia Jobim – CSJ está dividida em três partes: arquivo histórico; biblioteca e reserva técnica. A pesquisa estuda toda a coleção, mas encontra-se em andamento, por isso apresentamos os resultados parciais que, inevitavelmente, se confundem com a biografia da colecionadora. Nossa abordagem se aproxima de investigações similares daquelas que tratam os acervos de indumentária / moda com o foco voltado para a biografia cultural de objetos, conforme: Amy de la Haye, Lou Taylor e Eleanor Thompson (2005); Igor Kopytoff (2008); Rita Andrade (2008). Esse tipo de perspectiva nos ajuda no entendimento da coleção que Sophia Jobim juntou, ao longo de sua trajetória profissional, culminando com a inauguração do Museu de Indumentária Histórica e Antiguidades – MIH. Por isso, é necessário perguntar: De onde essas peças vieram? Como foram adquiridas? Quem eram seus antigos donos? É possível verificar e responder estes questionamentos? Ao adquirir objetos de arte e peças / acessórios de indumentária para sua crescente coleção, Sophia parecia estruturar o “seu museu”, como vemos neste texto. Assim, os objetos culturais que ela comprou passaram pelo processo de mercantilização e valoração que, por conseguinte, iriam refletir esses valores na trajetória de sua colecionadora, e vice-versa.

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Muchas son las acepciones que el elemento textil ha adoptado a lo largo de su historia: traje, atuendo, vestido, atavío y ropaje son solo algunas de ellas. Sin embargo, existen tres que recogen el objetivo del presente estudio; éstas son: moda, indumentaria y vestuario. Se nos presenta imprescindible matizar esta diferenciación inicialmente ya que estos tres términos vertebran el presente análisis, cuyo principal objetivo es reflexionar sobre el poder discursivo y disruptivo que las modas propagadas, las indumentarias consensuadas y los vestuarios diseñados han tenido en España, dentro de un contexto popular, artístico y de vanguardia. Según esto, consideraremos que la moda recrea el juego de difusión de usos, tanto normativos como disidentes, de ciertas prendas y complementos; la indumentaria ejecuta la asimilación bajo el consenso social, asociando significado a significantes textiles; y finalmente, el vestuario idealiza el elemento textil con fines artísticos. Con estas premisas, hemos estructurado un estudio examinando las capacidades discursivas del acto de vestir a través de dos bloques interconectados. En el primero bloque, analizamos las acciones populares disruptivas en las que se utilizó la indumentaria, desde el Motín de Esquilache hasta el estallido de la guerra civil española. En el segundo bloque, trasladamos el interés a la escena artística y de vanguardia española, subrayando aquellas acciones de la proto-performace en la que el vestuario sirvió para enfatizar el acto plástico, en un período que va desde la primera década del siglo XX hasta el estallido de la contienda civil. Este recorrido entorno a la vida civil, política y artística de la sociedad española a través del traje nos demuestra que, tanto la regulación vestimentaria como las acciones en contra de su cumplimiento, son un punto de partida fascinante para reconocer la valía que el “acto de vestir” tiene en el análisis filosófico, conceptual y sociológico del mundo que nos rodea.

Distintas mujeres de la primera mitad del siglo XIX, en su mayoría pertenecientes a la elite porteña, vistieron sobre sus cuerpos diversas prendas, como vestidos, capas, batas, mantillas, que décadas más tarde fueron donadas a uno de los principales museos históricos de Argentina, el Museo Histórico Nacional. En este artículo pretendemos estudiar esas prendas como objetos que reflejan no solo las vidas cotidianas de la época, en las que fueron usadas, sino también cómo esos objetos se convirtieron en piezas dignas de ser testimonio de la historia nacional. Otro de nuestros objetivos con este artículo es generar nuevos conocimientos sobre las mujeres del pasado, que logren enriquecer los guiones museológicos actuales. Además, buscamos sumar un tipo de fuente material al estudio de la indumentaria que permita hacer un aporte distinto sobre la circulación de estas prendas, como así también indagar sobre dimensiones simbólicas y políticas que se desprenden de su uso.

El artículo se centró en una revisión analítica-comparativa, además de propositiva, en sus argumentaciones metodológicas. Parte de la historiográfica creada en torno a diversas fuentes notariales y epistolares que dan cuenta de la cultura material popular en España e Iberoamérica, y se apoyó en otros estudios en curso producto de varios proyectos de investigación consolidados. Fundamentalmente, se analizó y comparó la vestimenta castellana y brasileña durante el siglo XVIII para destacar las principales líneas de trabajo para reconstruir cómo las apariencias públicas, lucidas por la vestimenta, definieron los nexos civilizatorios que actuaron a ambos lados del Atlántico durante la quiebra del Antiguo Régimen. Para entonces, la cultura material doméstica estaba cambiando, al tiempo que la evolución de las apariencias familiares e individuales formaban parte consustancial de su organización social, donde el impacto de la civilización occidental se abría paso con energía; y, aun así, las dependencias-imposiciones y contrastes de estas miradas cruzadas, todavía dentro de un marco sacralizado, no deben plantearse como meros retrasos y falta de progresos o avances culturales. A manera de ejemplo, desde la vida cotidiana y el simbolismo indumentario se pone de manifiesto, con mayor rapidez y nitidez, tales diferencias y pertenencias contrastadas; al igual que muestran la diversa velocidad del tránsito colectivo hacia una contemporaneidad donde las herencias se imbricaban con la mudanza modernizadora.

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El artículo expone los avances realizados en la tesis doctoral “Diseño Disidente. La indumentaria como territorio político dentro de la cuarta ola feminista en Argentina (2015-2022)”. Dentro del campo de la indumentaria la tesis aborda el universo del Diseño Disidente: un modo proyectual que se aleja de las lógicas del diseño hegemónico. La investigación propone que el Diseño Disidente proyecta y desarrolla objetos vestimentarios desde una epistemología de cuerpo otra y que estas materializaciones rompen con el canon del cuerpo moderno-burgués impuesto desde el norte global. Para explorar esta conjetura se platean cuatro problemáticas; las mismas tienen como eje al cuerpo y contribuyen con la clasificación de los casos estudiados: la problemática cuerpo/mente, la problemática cuerpo/territorio, la problemática cuerpo/comunidad y la problemática cuerpo/objeto. Tomando como marco teórico los feminismos latinoamericanos descoloniales y situando al Diseño en su contexto periférico, el artículo expone parte del corpus de imágenes construido -desde 2015 hasta la actualidad- que da cuenta del cuerpo otro que emerge en la performance contemporánea.

La Diablada Pillareña en la actualidad resulta una de las festividades de más significación en el cantón Píllaro de la provincia de Tungurahua, Ecuador. Es parte del imaginario de las personas que habitan el sector, por lo que se hace importante referirse a esta dinámica cultural desde una perspectiva antropológica. El objetivo de la presente investigación es aportar a la valorización de la Diablada Pillareña, desde el análisis del performance. Para el proceso metodológico se utilizó un enfoque cualitativo, con un diseño de la investigación de tipo transversal, etnográfico y descriptivo. En el estudio se concluyó que la Diablada Pillareña, como simbolismo y performance, aborda diversas interpretaciones disciplinares y dinámicas socioculturales, se constituye como un evento performático con características mestizas y que combina diferentes tipos de símbolos y elementos, que hacen de este un evento de orden mestizo.

En las áreas más dinámicas de la Europa Occidental la llamada revolución del consumo hizo su aparición a finales del xvii. También en la España Mediterránea se produjeron cambios significativos en las pautas adquisitivas de las familias, derivados del excepcional desarrollo económico experimentado a lo largo del siglo xviii. Cambios que dudamos en calificar de revolucionarios –ya que responden a un proceso progresivo en el que intervienen múltiples variables–, y que en nuestra opinión consideramos que el término que mejor caracteriza este período es el de evolución del consumo. La base documental utilizada en este estudio comparativo la constituye un conjunto de escrituras de dote repartidas entre el medio rural y el urbano. Y la atención se ha centrado en el vestido, que, además de ser el artículo con mayor representación en este tipo de documentos, es el mejor ejemplo como indicador del consumo familiar (Veblen dixit).

This paper aims at discussing the socio-cultural-historical relations that brokered and determined the visual narrative in the blues culture, in order to develop a collection of tailored clothing. It is assumed that fashion, as a carrier of symbolic meaning, is intrinsically linked to the individual thinking and its manifestations through the visual narrative. This analysis is guided by the associations between the communication signals of personality – under the perspective of cultural phenomena.

Este texto resulta de um exercício etnográfico realizado junto a seguidores brasileiros da moda urbana Lolita, estilo japonês criado na década de 1970 e inspirado no vestuário de bonecas vitorianas combinado com elementos da cultura pop nipônica. A estética se difundiu a partir dos anos 1990. Exploro a experiência de vestir Lolita e, através desta, a percepção de si e a produção de individualidades associadas à performance de gênero. Procuro demonstrar como esta indumentária específica reitera o excesso como signo do feminino, mesmo quando usada sobre corpos de homens.

El artículo realiza un análisis de la indumentaria femenina a través de un estudio de las piezas representadas por Bartolomé Bermejo en la Piedad Desplà, haciendo hincapié en los detalles a través de los cuales puede percibirse la moda de finales de siglo XV. De forma paralela se procede a realizar un análisis tanto de los símbolos a los que responde la elección de las prendas representadas como de sus materiales, así como las influencias culturales que influyeron en su ornato. Estos aspectos muestran una nueva razón para avalar la excepcionalidad de esta pintura, ofreciendo un ejemplo de la contribución que el estudio iconográfico de la indumentaria puede aportar en la reconstrucción de la Historia de la moda.

La entrada triunfal de Alfonso el Magnánimo en Nápoles el 26 de febrero de 1443 es uno de esos momentos de la Historia que quedaron marcados para la posteridad, no solo por la importancia del hecho en sí, sino por todo el despliegue de mensajes en clave simbólica que en ese acto se llegaron a emitir. Analizado por diversos autores desde diferentes puntos de vista, se ha abordado bastante menos hasta la fecha una interpretación de los códigos implícitos en la indumentaria de quienes participaron en la ceremonia, que aquí se ha tratado de realizar en base a las variadas fuentes que la describieron y de los nuevos conocimientos que la historia del vestido pone hoy a nuestra disposición.

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Resumen: El vestuario teatral, en la génesis de un proyecto escénico de danza, se considera un elemento más cuya importancia radica en su significación. El objetivo general de este trabajo ha sido constatar la importancia del traje escénico como herramienta transmisora de conceptos y como elemento simbólico que aporta un sentido a la interpretación de la Danza Española. Se ha estudiado el uso de este vestuario desde una perspectiva profesional (Ballet Nacional de España (BNE), intérpretes y coreógrafos de reconocido prestigio) y desde una perspectiva educativa (Conservatorios Profesionales de Danza de Andalucía-España (CPDA)). Se ha realizado una triangulación metodológica combinando investigación cuantitativa y cualitativa utilizando como instrumentos básicos el cuestionario y entrevistas previamente validadas. Como conclusión, resalta la importancia otorgada al uso del vestuario teatral en la Danza Española como herramienta comunicativa intencional, así como su aportación a la interpretación en la representación escénica, confirmándose así las hipótesis planteadas. Abstract: The theatrical costumes, in the genesis of a scenic dance project, are considered one more element whose importance lies in its significance. The aim of this paper has been to verify the importance of it as a communicating tool of concepts and as a symbolic element that contributes a sense to the interpretation of Spanish Dance.The use of this costume has been studied from a professional perspective (National Ballet of Spain (BNE), renowned performers and choreographers) and from an educational perspective (Professional Dance Conservatories of Andalusia (Spain) (CPDA)),making a methodological triangulation that combines quantitative and qualitative research, using the questionnaire and previously validated interviews as basic instruments. As a conclusion, the importance given to the use of theatrical costumes in Spanish Dance as an intentional communicative tool stands out, as well as their contribution to the interpretation in the scenic representation, confirming the hypotheses raised.

El género pictórico del retrato en general y el retrato novohispano en particular constituyen una fuente inagotable de información para la historia de las representaciones. Todos sus niveles de lectura ofrecen datos diversos sobre los personajes retratados: sus vidas y el contexto político, social y económico en el que estas se desarrollaron. Los retratos pintados en Nueva España durante el siglo XVIII, abundantes y de incalculable valor estético, operan a partir de una particular sincronía entre esta dimensión y otra, la de construcción de la persona como miembro de una sociedad compleja; y lo hacen por medio de estrategias narrativas como, por ejemplo, el uso de elementos propios de otros géneros pictóricos que, con su presencia, abonan a sus objetivos. En estas páginas se analiza quizás el más notorio de estos géneros dentro del género: el paisaje, empleado en el retrato como naturaleza domesticada.

Este artigo propõe uma interpretação do romance Orlando: uma biografia, publicado por Virginia Woolf em 1928, o qual narra a vida da/o protagonista homônima ao título desde os seus 16 anos, no século XVI, até os 36 anos de idade, no século XX. Diante de três séculos de história, Orlando tem seu sexo mudado de homem para mulher por encantamento. Este fato ocorre no campo textual e se torna aparente devido à troca de substantivos e pronomes, embora esta mudança altere também, significativamente, sua existência sócio-histórica. Para tal análise, apoiamo-nos em teorias desenvolvidas por Kate Millett (1970), Germaine Greer (1971) e Susan Bordo (1997), entre outras, buscando demonstrar de que modo a indumentária de Orlando sinaliza a mutação em seu corpo e modifica também as formas de representação e tratamento da personagem no âmbito social, pois estabelece as figurações dos papéis sexuais. A imposição da socialização feminina a partir da materialidade da personagem fica evidente. O romance enfatiza a necessidade de abolir a sistematização tradicional de gênero.

El presente trabajo analiza la distribución de la renta en la cadena de valor de indumentaria en Argentina durante el año 2016. El objeto de estudio se delimita al canal formal de producción y comercialización de ropa. La estrate-gia de abordaje metodológico será la triangulación de métodos -combinación de aproximación cuali y cuantitati-va- basada en entrevistas en profundidad a informantes clave (e.g dueños y gerentes de marcas de indumentaria y de fábricas de confección) y en dos encuestas sobre la estructura de costos. La hipótesis del trabajo es que la ma-yor porción del precio de la ropa del canal formal es apropiada por actores ajenos al proceso productivo, como los Shoppings, los Bancos, las entidades financieras emisoras de tarjetas, el Estado y organismos de la seguridad social, mientras que el costo de fabricación nacional de la prenda representa menos de la tercera parte del valor abonado por los consumidores.

En este artículo se estudia el daguerrotipo del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), que con el número de referencia SB-9999, representa a la bailarina francesa Marie Guy-Stephan, retratada con la indumentaria del baile del Jaleo de Jerez.

O trabalho apresenta a área de Memória Empresarial da empresa de moda Osklen, contextualiza como as áreas de memórias institucionais se desenvolveram no Brasil e no mundo, quais documentos as constituem e problematiza as fronteiras entre o documento arquivístico e o documento museológico a partir das peças de roupa presentes em seu arquivo.

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En este artículo presentamos la metodología analítica y los resultados obtenidos en el laboratorio de materiales del Instituto de Patrimonio Cultural de España (IPCE) para la identificación de materiales presentes en diversas obras de Mariano Fortuny pertenecientes al Museo del Traje de Madrid (CIPE). Han sido seleccionadas un total de 15 piezas, divididas en dos grupos pertenecientes a indumentarias y textiles. Entre ellas se encuentran tres colgaduras, ocho piezas de distintas indumentarias, tres colgaduras y cuatro tejidos planos. Los análisis realizados pretenden alcanzar los siguientes objetivos: en primer lugar determinar la técnica de elaboración, en segundo lugar explicar la aplicación del color en los estampados de determinadas piezas textiles.

La moda es arte. Si esta afirmación es cierta: ¿toda la moda es arte?, ¿es factible que un diseñador haga arte o que un artista diseñe moda?, ¿existen distintas formas de esta relación? Hay distintas respuestas a estos cuestionamientos. Es un debate que aún no encuentra una respuesta concreta. Tanto diseñadores, artistas, sociólogos y escritores argumentan sus posturas utilizando tér-minos que a veces se confunden o incluso se entremezclan. El presente trabajo analiza diferentes visiones sobre el asunto para luego realizar una categorización de aquellos sectores de la moda/indumentaria que podrían considerarse arte.