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Mechatronic Ski Bindings are the most promising technical solution to reduce knee injuries in alpine skiing. The key to a successful system is the algorithm controlling the bindings adaption of the retention values. A fuzzy controller has advantages compared to classical controllers due to missing information about injury mechanisms and the complex dynamics of the skier. We present a controller structure and test it using the injury case reported in the literature. Mechatronische Skibindungen sind die vielversprechendste technische Lösung zur Reduzierung von Knieverletzungen im alpinen Skisport. Der Schlüssel zu einem erfolgreichen System ist der Algorithmus, der die Anpassung der Bindungen an die Haltewerte steuert. Ein Fuzzy-Regler hat Vorteile gegenüber klassischen Reglern, da Informationen über Verletzungsmechanismen und die komplexe Dynamik des Skifahrers fehlen. Wir stellen eine Reglerstruktur vor und testen sie anhand eines in der Literatur beschriebenen Verletzungsfalls.

Journal of cultural heritage 47, 199-207 (2021). doi:10.1016/j.culher.2020.08.002, Published by Elsevier Science, Amsterdam [u.a.]

The history of the printed book in Africa is a relatively new line of inquiry. One of the most challenging issues confronting its practitioners will be to produce authoritative and comprehensive records of the national output of African countries, an essential prerequisite before venturing into more complex analysis. In this panorama, Eritrea and Ethiopia seem to represent two happy exceptions: the pioneering work of Ḫǝruy Wäldä Śǝllase, Stephen Wright’s Ethiopian Incunabula and then the supplements by Stefan Strelcyn, Osvaldo Raineri, and Kibrom Tseggai have allowed for the reconstruction of large sections of the print production of the two countries. This article maps out the cultural and political context in which the attention for Ethiopian incunabula emerged and traces the stages of the collective effort that has allowed the preservation of the traces of the early printed documentation in Eritrea and Ethiopia. The article argues that there are still significant margins of improvement in the retrospective coverage of the history of the printed book in Africa, especially since the arrival of digital technologies and the Internet that have offered a very effective set of tools for solving some of the problems that have plagued African retrospective national bibliographies since their inception.

Locating authenticity in artworks that are remade (all or in part) or re-performed over time presents a unique challenge for art conservators, whose activities have traditionally been oriented toward caring for the material aspects of art objects. The paper offers a brief overview of perspectives on authenticity and discusses various theoretical models that have been developed to conceptualize how media, installation, and performance artworks are displayed and cared for over time. These include the score/performance model, the concepts of autographicity and allographicity, the concept of iteration, and authenticity as a practice. The author proposes a theoretical model based on the ritual aspects of presenting artworks, arguing that authenticity, repetition, and community participation can be reconciled within a ritual context. Amy Brost, ‘Reconciling Authenticity and Reenactment: An Art Conservation Perspective’, in Over and Over and Over Again: Reenactment Strategies in Contemporary Arts and Theory, ed. by Cristina Baldacci, Clio Nicastro, and Arianna Sforzini, Cultural Inquiry, 21 (Berlin: ICI Berlin Press, 2022), pp. 183-92

This thesis is based on a grazing and land dispute which took place in the semi-arid Kaoko, north-western Namibia, between 2014 to 2016. I draw on a situational analysis approach and engage with the dispute both as a diagnostic and emergent event. The dispute involved the in-migration of several Himba households and their livestock from northern into southern Kaoko where many in turn enact their belonging to a larger pan-Herero society. These in-migrations were coupled with an increase in drought-related mobilities since 2012. In focusing on the dispute this thesis asks how culturally-informed and historically-constituted colonial and post-colonial institutions of land governance were being locally refashioned and struggled over. Secondly, this thesis explores how persons navigated this legally pluralistic context and how this was shaping and being shaped by social practices of pastoral mobility. And lastly, this thesis critically explores the politics of belonging generated by the dispute. In doing so, I show how the post-independent legal power vested in ‘customary’ authorities and law in the governing of ‘communal’ lands was based on an assumed ethnographic fact of exclusive territories. Given the existence of plural authorities and overlapping territories in Kaoko, this generated a renewed competition for territorial reach, further fueled by the embeddedness of these struggles in long-standing factional and national party politics. These struggles opened up new avenues for mobility as competing authorities tried to amass followers and strengthen their claims. However, many of these pastoral mobilities were politically and socially contested. This thesis then details how residents, land-use communities and particular networked political groups navigated between ‘customary’ and ‘state’ law and authority in co-producing and contesting ‘communal’ tenure from the ground-up, and in a context where overlapping colonial and post-colonial rule and tenure had generated an institutional vacuum. Moreover, I illustrate the often-strong disjuncture which exists between official discourses of belonging and the everyday micro-politics of belonging and critically examine how group boundaries were becoming more rigidly defined, including between ‘Herero’ residents and ‘Himba’ newcomers.

The microblogging service Twitter has gained importance as an exchange platform for news photos that, in collaboration with renowned media, might trigger immediate reactions from photo editors. Twitter conversations among photo editors and photo creators – produsers, citizen photojournalists, para-photojournalists – show that photo editors turn to (amateur) photographers to request permission to use their eyewitness material in journalistic publications. Reviewing the contested space of digital visual journalism between produsers, photo editors, and the commodification of networked images, I present three scenarios which exhibit how terms of use are negotiated online – hence publicly visible – between creators of Twitpics and editors of newspapers or photo agencies. The paper concludes with five results of the relation between photo editors and para-photojournalists on Twitter: fairness, efficiency, the value of digital images, effects of image sharing practices on visual journalism, and produsers’ daily media practices.

This article provides an overview of the origin and development of emancipatory children’s theatre in the 1960s and 1970s in Western Germany. The modification of structures in children’s theatre is analysed based on a taxonomy of changes in themes, forms and functions. The analysis shows an increasing politicisation of scripts and plays in theatres for the young and the foundation of new theatres and groups with mainly political goals like GRIPS and Rote Grütze. New formats like Mitspiel [playing along-], Mitmach [participating-] and Vorführ [demonstrating-] theatre emerged alongside the ideas of the German student movement of 1968. Children’s theatres became places for developing a critical perspective on society with major innovations being presented first in independent theatre groups and later adopted in modified forms in municipal theatres. This shift of emphasis still affects contemporary children's and youth theatre. These days, theatres and theatre groups producing professional children's and youth theatre are located in most German cities. Theatre work for young audiences takes a variety of forms and genres, deals with a diversity of themes and includes the participation of the audience and their experiences. Current political affairs and issues of interest and relevance to today’s youth are still at the centre of the theatre productions; however, the focus nowadays is less instructional. Setzt man bei der Darstellung revolutionärer Prozesse im Kindertheater in den 1960/70er Jahren an, so liegt der Fokus auf einer Zeit gesellschaftlicher Umbrüche und politisch-sozialer Bewegungen, die für die Geschichte des Kinder- und Jugendtheaters von besonderer Bedeutung ist (vgl. Schneider 1984). Wie andere Intellektuelle und KünstlerInnen auch wurden Theaterschaffende von den Protesten und dem Klima der Veränderung und des Aufbruchs vielfältig angeregt. Auch im Theater wurden Autoritäten hinterfragt, traditionelle Repertoirestücke einer kritischen Revision unterzogen und neue Spielformen erprobt. Das Revolutionäre erscheint hier zunächst als eine Hinwendung zum Politischen, die auch bestehende und neu gegründete Kindertheater erfasste. Erkennbar wird eine gesellschaftlich engagierte Theaterarbeit, die Formen der Unterdrückung (z. B. von Kindern) dokumentierte und mit großem Engagement bekämpfte. Mit den Mitteln des Theaters sollten kulturelle und gesellschaftliche Veränderungen durchgesetzt werden und die Theaterbühne sollte ein Ort der Revolution gegen gesellschaftliche Missstände sein. Theaterarbeit war politische Arbeit und Kindertheater ein »Mittel, auf gesellschaftliche Zustände einzuwirken« (Ludwig 1994, S. 24). ...

Simultaneously speculative and inspired by everyday experiences, this volume develops an aesthetics of metabolism that offers a new perspective on the human-environment relation, one that is processual, relational, and not dependent on conscious thought. In art installations, design prototypes, and research-creation projects that utilize air, light, or temperature to impact subjective experience the author finds aesthetic milieus that shift our awareness to the role of different sense modalities in aesthetic experience. Metabolic and atmospheric processes allow for an aesthetics besides and beyond the usually dominant visual sense.

This is an essay about rust. Iron usually plays the part of strength, stubbornness, and impenetrability, but rust registers the dimension of time in the material, reminding us that it always carries the potential for its own decomposition. While great expense is incurred to stave off iron’s oxidization, we read the uselessness that rust precipitates as an interruption of the instrumental logics that sustain racial capitalism. Looking to the rusted ring that became Elsa von Freytag-Loringhoven’s Enduring Ornament (1913), we consider how the discarded and defunctionalized lend themselves to ornamental redeployment. The essay then turns to works by the contemporary American artists David Hammons and Andrea Fraser, both of which transform Richard Serra’s rusty steel sculptures into a backdrop for fleeting gestures of impromptu reclamation. Attending to questions of susceptibility and monumental weathering, these reflections look to rusty leakages that play out the impossibility of refusing the environment. Rust, we suggest, is a material archive of exposure that does not keep itself, but flakes apart and seeps away. Amelia Groom and M. Ty, ‘Enduring Ornament’, in Weathering: Ecologies of Exposure, ed. by Christoph F. E. Holzhey and Arnd Wedemeyer, Cultural Inquiry, 17 (Berlin: ICI Berlin Press, 2020), pp. 121-41

Ars & Humanitas 13(2), 285-299 (2019). doi:10.4312/ars.13.2.285-299, Published by Filozofska fakulteta, Ljubljana

Der vorliegende Beitrag sondiert das historische, kulturelle, politische und gesellschaftliche Potenzial von Grenzen und Grenzräumen, wie es sich in Kunstaktionen und kuratorischen Strategien widerspiegelt. In diesem Kontext bildet die Doppelbedeutung des Begriffs „Teilen“ (im Sinne von Trennen wie von gemeinsam Besitzen/Erfahren) den Ausgangspunkt für eine Diskussion über die deutsch-polnische Grenzregion, wo seit 1989 zahlreiche interessante Kunstaktionen stattgefunden haben. Der Beitrag analysiert zwei ephemere, ortsspezifische Projekte, die auf dem Gelände der einstigen Festung Küstrin (Kostrzyn) realisiert wurden: Dialog Loci – Kunst an einem verlorenen Ort aus dem Jahr 2004, das von dem Künstlerduo Urban Art (Anne Peschken und Marek Pisarsky) konzipiert und von Aneta Szyłak kuratiert wurde, sowie Memento Kostrzyn unter der kuratorischen Leitung von Christoph Tannert aus dem Jahr 2012. Beide Projekte thematisierten die historischen Veränderungen der deutsch-polnischen Grenze, die geteilten Sprachen und Mythen und fragten nach Geschichte und Gedächtnis, nach nationaler Identität und nach der Symbolik von Grenzen und Unterteilungen. In einem permanenten Wandel begriffen, scheinen gerade Grenzregionen für Künstler überaus inspirierend zu sein. Im Fall der einstigen Festung Küstrin hat die lange Zeit verborgene historisch-politische Komplexität dieses Ortes die Künstlerinnen und Künstler in besonderer Weise zur Problematisierung und De(kon)struktion von Geschichte angeregt. Daher werden die Kunstaktionen und kuratorischen Strategien aus der Perspektive sowohl der border studies als auch des Hauntologie-Konzepts von Jacques Derrida sowie Aleida Assmanns Theorie der Medialisierung von Erinnerung analysiert., kunsttexte.de - Journal für Kunst- und Bildgeschichte, Nr. 4 (2018): Kunsttexte

Thema des Aufsatzes sind ehemals deutsche Wohnsiedlungen aus der Zeit der deutschen Besatzung auf dem Gebiet des heutigen Polens, die unter dem Gesichtspunkt des Begriffes „schwieriges Erbe“ betrachtet werden. Eine zentrale Stellung nehmen in diesem Kontext Beispiele von Städten des einstigen Warthelandes ein, das Großpolen, einen Teil Kujawiens und Masowiens sowie Lodz (Łódź) mit Umgebung umfasste. Auf diesem Gebiet ist das Familiengedächtnis an die Ereignisse der Kriegszeit immer noch lebendig. Der Bau von Wohnsiedlungen bildete einen Teil des umfassenden Programms der Germanisierung dieser Gebiete. Die Realisierung der Bauvorhaben war mit der Vertreibung von Polen verbunden, deren Platz Deutsche aus den baltischen Ländern und Wolhynien einnahmen. An die Forschungsrichtung der heritage studies zum „schwierigen Erbe“ (eng. difficult/dissonant heritage) anknüpfend wird das Augenmerk vor allem darauf gerichtet, wie die ehemaligen deutschen Wohnsiedlungen in der Nachkriegszeit genutzt wurden, inwiefern sie mit der Besatzungszeit identifiziert wurden und welchen Veränderungen sie unterlagen und unterliegen. Die zeitgenössische Wahrnehmung ehemals deutscher Häuser als ein „fremder“ Bestandteil polnischer Städte ist vor allem mit ihrem charakteristischen Erscheinungsbild verbunden. Zahlreiche Renovierungen haben zwar das Erscheinungsbild vieler Häuser verändert, dennoch bleibt die alte Ästhetik weiterhin klar erkennbar. Auch die städtebaulichen Werte der einst deutschen, nun in die nachkriegszeitliche Bebauung eingebetteten Siedlungen sind noch sichtbar. Eine Betrachtung der Geschichte deutscher Wohnsiedlungen aus der Perspektive der heritage studies ermöglicht es, das Ringen mit der Erinnerung an schwierige Ereignisse aufzuzeigen, und ähnelt den Überlegungen von Architekten, die an Orte erinnern, welche von der Geschichte des Nationalsozialismus geprägt sind. Die im vorliegenden Aufsatz angeführten Beispiele zeigen auf, dass es in der heutigen Reflexion über das „schwierige Erbe“ von höchster Bedeutung ist, Diskussionen und Gespräche mit Bezug auf den konkreten Ort und die zeitgenössischen Nutzer durchzuführen., kunsttexte.de - Journal für Kunst- und Bildgeschichte, Nr. 4 (2018): Kunsttexte

Der Essay ist ein an polnische und deutsche Fachkreise von Kunsthistorikern, Museumsmitarbeitern, Bibliothekaren und Archivaren gerichtetes Plädoyer für die Aufnahme gemeinsamer Recherchen im Bereich der breit verstandenen Provenienzforschung zu Kunstwerken und Kulturgütern, die infolge von NS-Verfolgungen vor und während des Zweiten Weltkrieges widerrechtlich beschlagnahmt wurden. Nach dem Zusammenbruch des Kommunismus und der Wiedervereinigung Deutschlands standen verschiedene Faktoren einer solchen Zusammenarbeit im Wege. In Deutschland hat die Provenienzforschung in den letzten 20 Jahren zunehmend Anerkennung als Forschungsdisziplin sowie politische und institutionelle Unterstützung erfahren. In Polen fand ein vergleichbarer Prozess nicht statt; die Gruppe von Fachleuten, die die Bedeutung von Provenienzstudien wertschätzen, ist hier weiterhin sehr klein. Der beträchtliche Erkenntniszuwachs der Provenienzforschung in Deutschland und anderen Ländern zum NS-Kunstraub und seinen weitreichenden Folgen betrifft jedoch nicht den Osten Europas mit Polen, dessen Territorium zum Spielfeld von NS-Massenplünderungen von öffentlichen Sammlungen und Privateigentum wurde. Dieses Forschungsdefizit bedarf dringend der Zusammenarbeit und der Zusammenführung von Forschungspfaden., kunsttexte.de - Journal für Kunst- und Bildgeschichte, Nr. 4 (2018): Kunsttexte

Pickup Artists beschäftigen sich mit der ,Kunst der Verführung‘ und imitieren dabei die Strategien von sexuell erfolgreichen Männern. Mit dem Gruppendiskussionsverfahren wurde der Frage nachgegangen, inwiefern die Community der Pickup Artists Männlichkeiten konstruiert. Es zeigt sich, dass Mann-Sein für die Pickup Artists nur in seltenen Fällen ,von Natur aus‘ vorhanden ist und in der Regel erworben und aktiv gesichert werden muss. Der Analyse zufolge besteht grundsätzlich die Gefahr, das Mann-Sein und die von den Pickup Artists als positiv bewerteten stereotyp-männlichen Merkmale zu verlieren. Es bedarf „harter Arbeit“ an sich selbst, um zu lernen sich zu „verhalten, wie ein Mann sich verhalten sollte“ – dieses Projekt der vergeschlechtlichten Selbstoptimierung wird als der „Weg des wahren Mannes“ bezeichnet. Es konnten drei Männlichkeitstypen, die ‚wahre‘, die ‚fehlende‘ und die ‚potentielle‘ Männlichkeit, rekonstruiert werden, welche für das Funktionieren der Community der Pickup Artists ausschlaggebend sind., Pickup Artists devote themselves to the ‘art of seduction’ and they imitate the strategies of sexually successful men. To reach the goal of this research project – to answer the question how masculinities are constructed by the Pickup-Community – the group discussion method was applied. It turns out that being ‘a real man by nature’ does rarely exist for the Pickup Artists and that masculinity must be acquired, earned and actively secured. According to the analysis there’s a general risk of no longer being a ‘real man’ and of losing the male-stereotype features, which are positively rated by the Pickup Artists. It requires “hard work” to learn to “behave as a real man should behave” – this project of gendered self-optimization is called the “path of real man”. Three types of masculinity could be reconstructed, the ‘true’, the ‘missing’, and the ‘potential’ masculinity, which are crucial for the functioning of the Community of Pickup Artists.

A Passover Haggadah from Southern France : the pictorial program of British Library, MS Add. 14761. The British Library holds a fourteenth century Sephardi-rite Passover Haggadah (MS Add. 14761), commonly called the “Barcelona Haggadah.” Even though, as this title demonstrates, numerous scholars have localised it to Barcelona, its origin is in fact uncertain. As noted already in the nineteenth century, there are liturgical features that point to an origin in southern France, rather than to Barcelona. This paper takes a closer look at the illustrative programme of BL Add. 14761 and shows that its thematic focus diverges from the common Sephardi scheme. Whereas the common Sephardi illustrative programme of the Haggadah underscores the biblical background of the Exodus and the feast, BL Add. 14761, as with many Ashkenazi Haggadot, puts an emphasis on the ritual aspects of the festival. This observation can be linked to the fact that the Jewish communities in southern France were more open to Ashkenazi influence than their fellows beyond the Pyrenees. More specifically the Haggadah can be localised to the region of Roussillon., La British Library conserve une Haggada de Pâques de rite sépharade du XIVe siècle (MS Add. 14761), communément appelée la « Haggada de Barcelone ». Même si, comme le montre son appellation, de nombreux chercheurs ont localisé sa réalisation à Barcelone, son origine est en réalité incertaine. Déjà au XIXe siècle, des indices liturgiques militaient en faveur d’une origine du sud de la France plutôt que de Barcelone. Cet article propose de regarder de manière plus attentive le programme décoratif du BL Add 14761 et de montrer que les thématiques qu’il développe diffèrent du schema sépharade habituel. Tandis que le modèle illustratif sépharade souligne habituellement le fondement biblique de l’Exode et de la fête, BL Add. 14761, comme beaucoup de Haggadot ashkénazes, insiste sur les aspects festifs du rituel. Cette observation peut être reliée au fait que les communautés juives du sud de la France étaient plus ouvertes à l’influence ashkénaze que leurs coreligionaires d’au-delà des Pyrénées. Plus précisément, l’origine de la Haggada peut être localisée dans la région du Roussillon., Kogman-Appel Katrin. Une Haggada de Pâques provenant du Midi de la France. Le programme des images dans le manuscrit de Londres Add. 14761. In: Culture religieuse méridionale - Les manuscrits et leur contexte artistique. Toulouse : Éditions Privat, 2016. pp. 327-346. (Cahiers de Fanjeaux, 51)

Die vorliegende Arbeit stellt für die Bildwissenschaften eine methodische Grundlage dar, Kleidung im Bild als Konstruktion zu begreifen und zu interpretieren. Anhand der eindrucksvollen Patronageprojekte der Familie Tornabuoni – einer gerade emporgestiegenen Kaufmannsfamilie im Umkreis der Medici – werden die Möglichkeiten und Grenzen von symbolischer Kommunikation in der Florentiner Frühneuzeit untersucht. Unter anderem über Symbole wurde die Position im Gesellschaftsgefüge des unsicheren frühneuzeitlichen Regierungsklimas immer wieder neu hergestellt und von Neuem ausgehandelt. Die gewählte Bildgarderobe ist dafür ein hervorstechendes Beispiel., The thesis presents an art historical methodology that assesses clothing and its pictorial representations in order to interpret how material culture relates to social construction. Using as an example an impressive patronage project of the Tornabuoni family – a newly rich family of merchants in the circle of the Medici – reveals the possibilities as well as the limitations of symbolic communication through dress in early modern Florence. In addition to outward style, these subtle symbols helped to establish and renegotiate their bearer’s position in the shifting hierarchy of an uncertain political climate. By closely examining Tornabuoni commissions, the thesis demonstrates how clothing is a critical means of understanding social motivations and aspirations.

In internationalen Organisationen wie UNESCO und ICOMOS arbeiteten polnische und west- wie ostdeutsche Denkmalpfleger eng zusammen. Der Beitrag analysiert, wie sich die spannungsreichen bilateralen Konstellationen im Kontext dieser internationalen Gremien ausprägten: Wo kam es zu Abgrenzung oder Annäherung, Konflikten oder Allianzen und welche Auswirkungen hatte dies auf denkmalpflegerische Konzepte? Deutlich wird dabei auch, dass nationale Kategorien eine wichtige Bezugsgröße in diesen Aushandlungsprozessen bildeten, wenn sie auch immer wieder überlagert wurden durch transnationale Konzepte wie Ost und West oder Europa. Aus verflechtungsgeschichtlicher Perspektive gilt es jene Bezugnahmen kritisch zu hinterfragen, ohne jedoch ihre Funktion im untersuchten historischen Kontext aus dem Blick zu verlieren., kunsttexte.de - Journal für Kunst- und Bildgeschichte, Nr. 4 (2018): Kunsttexte

Verflechtung und Abgrenzung. Polnisch-deutsche Perspektiven in der Kunstgeschichte seit 1945. Einführung Die vorliegende Themenausgabe beruht auf ausgewählten Beiträgen einer gleichnamigen Tagung, die im November 2017 im Deutschen Historischen Institut Warschau stattfand. Ausgehend vom Konzept der histoire croisée (Verflechtungsgeschichte) setzten sich die Teilnehmerinnen und Teilnehmer zum Ziel, verbindende und trennende Aspekte der Kunstgeschichte in Polen und Deutschland zu analysieren, wobei der Fokus auf dem 20. und 21. Jahrhundert lag. Dabei konnten methodische Problemstellungen der histoire croisée anhand eines breiten Themenspektrums erörtert werden. In der Einführung skizzieren die Autorinnen zunächst den methodischen Ansatz der histoire croisée. Im Anschluss daran werden verschiedene Aspekte kritisch diskutiert und auf das Themenfeld der deutsch-polnischen Kunstgeschichte bezogen. Zwei Fragekomplexe werden dabei herausgearbeitet: Zunächst geht es um die Kritik der histoire croisée am nationalen Paradigma der Geschichtswissenschaften. Andererseits wird erörtert, ob der Ansatz nicht negative Pendants der Verflechtung vernachlässigt – Phänomene der Abwehr, Abgrenzung und Ent-flechtung. An diese Überlegungen schließt sich ein Resümee der Diskussionen an, die auf der Tagung ausgehend von den präsentierten Fallstudien geführt wurden. Hierbei steht die Frage im Vordergrund, was die histoire croisée der Kunstgeschichte als Fach Neues hinzufügen kann. Abschließend werden die Beiträge des Heftes vorgestellt, wobei jeweils zwei Beiträge unter einer inhaltlichen Klammer in Bezug zueinander gesetzt werden. Unter dem Titel „Kunstausstellungen und ihre Kontexte“ finden sich der Beitrag von Gabriela Świtek zu Ausstellungen von John Heartfield in Polen sowie Marta Smolińskas Analyse aktueller Kunstprojekte, die sich mit polnisch-deutschen Grenz- und Erinnerungsorten auseinandersetzen. Die Aspekte „bilateral und international“ finden sich in den Beiträgen von Julia Röttjer zur UNESCO-Kommission und von Angelika Weißbach zur DDR-Beteiligung an der Internationale Biennale der Grafik in Krakau. „Schwieriges Erbe“ nehmen Nawojka Cieślińska-Lobkowicz und Aleksandra Paradowska in diachroner Perspektive in den Blick; erstere beschäftigt sich mit der Provenienzforschung, letztere mit dem Umgang mit dem architektonischen Erbe des Nationalsozialismus in Westpolen.

Avant qu’il ne qualifi e un tour de phrase banal, une idée éculée ou préfabriquée,le poncif tire son origine des arts visuels. Il s’agit, techniquement, d’unmoyen de transfert. Cet article se propose de revenir aux origines proprementvisuelles du poncif et de voir comment, au xixe siècle, la critique d’art en a faitusage. À partir de la défi nition du Salon de 1846 de Charles Baudelaire, on observeracomment cette exaspération à l’égard du trop connu a été mise en oeuvre parle critique d’art, contemporain et ami de Baudelaire, Théophile Silvestre, et lesfrères Goncourt, dans Manette Salomon.

The aim of this paper is to consider from a utopian point of view the activities and theoretical positions of Rotor, a collective of architects and designers founded in 2005 in Brussels, which, for the moment, has never explicitly written about utopia. First, we underline how this group is deeply engaged with a question that in the last decades has become more and more crucial for utopian theories and projects: the question of sustainability. We will analyse one of its most recent exhibitions devoted to this topic, “Behind the Green Door”, as well a series of examples that show how their work can change our relationship primarily with construction materials, but not only with them. Then, we consider the relationship between this approach and the work of Charles Fourier. We suggest that despite their apparent distance, their proximity becomes manifest when, instead of the stereotypical notion of phalanstère, we look closer into Fourier's texts and into the crucial role he gives to details. In this perspective, we show how Rotor is valuable to rethink the relationship between architecture and utopia, in coherence with the most recent critical reflections on both of them.

Über die Wirtschaft der Antike sind wir gut informiert, und Wirtschaftsgebäude wie die Basilika wurden von Archäologen und Bauhistorikern vielfach untersucht. Jedoch fehlte bislang der interdisziplinäre Gedankenaustausch. Dieser Tagungsband schließt diese Lücke, er enthält Beiträge über Geldgeschäfte, Handelsformen und Handelsbeziehungen, er stellt Speichergebäude und Märkte vor. Einen besonderen Platz nimmt die römische Basilika ein, deren Entwicklung um 200 v. Chr. quasi schlagartig am Forum Romanum begann und die neue Vormachtstellung Roms, das nunmehr auch zum Zentrum der mittelmeerweiten Wirtschaft wurde, städtebaulich zum Ausdruck brachte. Zwei Beiträge befassen sich mit der weiteren Entwicklung des Begriffes Basilika und seinen Nachwirkungen im Kirchenbau und in der Architekturtheorie bis heute.

Der Aufsatz untersucht eine Reihe von Fallbeispielen zum Thema Kulturaustausch in der jüdischen Kunst und beleuchtet diese vor dem Hintergrund verschiedener theoretischer Ansätze. This paper deals with cultural exchange, an issue crucial for the study of medieval Jewish art. It aims to propose a more precise definition of Jewish pictorial art than that of a minority operating within different majority cultures by discussing different theoretical concepts. The paper presents historical-anthropological models of interpretation, on the one hand, and theoretical formulations derived from literary studies, on the other. These concepts are examined in several art-historical test cases from the field of Jewish art in which the issue of cultural exchange is particularly crucial. Conclusions drawn from these test cases may shed light on the applicability of such models in the context of visual culture.

Der Aufsatz setzt sich mit der Frage der Figuralkunst in der jüdischen Bildkultur auseinander. Während zuvor diese Frage immer nur vor dem Hintergrund des biblischen Bilderverbotes thematisiert wurde, schlägt dieser Aufsatz vor, die Existenz (oder nicht-Existenz) einer jüdischen Figuralkunst vor dem Hintergrund des jüdischen Kulturaustausches mit Nachbarkulturen zu beleuchten.

Proceedings of the 12th Int. Conference on Sound and Music Computing (SMC-15) Maynooth, Ireland, July 30, 31 & August 1, 2015, ISBN:9-7809-92746629, ISBN:0-9927466-2-0

Alexander von Humboldt a joué un rôle déterminant non seulement dans la formation des musées de Berlin, en particulier du „Neues Muséum“ inauguré vers 1850, mais aussi dans celle des musées parisiens, multipliant les interventions pour recommander l’achat de telle ou telle collection. Son intérêt portait tout particulièrement sur les objets en provenance d’Egypte et d’Amérique du Sud. A Paris et Berlin, les archives des musées conservent de nombreuses traces de ces interventions. Le présent article offre quelques pistes de reconstitution des activi tés d’Humboldt dans ce champ transnational.

No abstract available.

Au milieu du dix-neuvi'eme siècle, Alexander von Humboldt s’était (déjà) investi pendant presque cinquante ans dans les beaux-arts, en France comme en Prusse. Engagé dans les trans ferts artistiques depuis le règne de Napoléon Ier, il fut impliqué dans la circulation d’oeuvres d’art et d’artistes, de même que dans les échanges entre les académies des beaux-arts pari siennes et berlinoises. Jouant sur ses rapports personnels étroits avec les artistes et les adminis trateurs dans les deux capitales, ses actions manifestent également une connaissance détaillée des structures de la vie artistique, qu’il mit au profit des échanges artistiques franco-prussien.

L'Album de Villard de Honnecourt est le seul document personnel que nous ait laissé un architecte du XIIIe siècle. Connu et exploité par les historiens de l'art et de l'architecture dès le XIXe siècle il a été considéré comme l'œuvre d'un amateur depuis les années 1970. Jean Wirth reprend le problème à partir de l'étude philologique des écritures contenues dans le manuscrit et montre qu'il faut attribuer à Villard les pages dont les dessins techniques relatifs à la construction passaient pour l'œuvre d'un continuateur. Dans une série de chapitres alertes il analyse ensuite l'art du dessin et son adaptation à la multiplicité des tâches du dessin d'après nature au relevé architectural. Les dessins relatifs à l'ingénierie à la géométrie et à la stéréotomie sont traités un à un afin de clarifier autant que possible les procédés techniques qu'ils transmettent. L’examen des déplacements de l’architecte des monuments qu'il a vus et de son évolution stylistique mène ensuite à une rectification de la chronologie de son œuvre qu'on croyait retardataire. Cette étude s’affirme avec intelligence et précision comme une réhabilitation de Villard de Honnecourt ; elle fera date.

Der Aufsatz behandelt die Haggada, ein jüdisches liturgisches Buch, dass seit 1300 oft als illustriertes Buch in Umlauf kam. Das 15. Jh. erweist sich als die formative Periode eines vielschichtigen ikonographischen Repertoires. Der Aufsatz setzt sich mit verschiedenen Fragen der Rezeption der damals entstandenen Bilderzyklen auseinander.

Bildnerische Inszenierungen haben Hochkonjunktur: Handyfotos und Handyvideos dokumentieren auf Facebook oder anderen Onlineportalen das tagliche Bild vom Selbst – und tragen damit in hohem Mase zur Gestaltung der Identitatskonstruktion Jugendlicher bei. Dieses Phanomen wird im Kunstunterricht thematisiert, dessen Inhalt u.a. sowohl die inszenierten Alltagsbilder wie auch die kunstlerischen Inszenierungen sind. Welche Merkmale eine Inszenierung bestimmen, welche gestalterischen Potenziale damit verknupft und inwiefern den kunstlerischen Inszenierungen Bildungspotenziale inharent sind, sind Ausgangsuberlegungen, um das Verhaltnis von Inszenierung und Identitatsbildung auszuloten. Im Kunstunterricht kann die intensive Reflexion uber gestalterisches Inszenieren, performatives Handeln und Erleben asthetisierter Inkoharenz usw. dazu beitragen, Handlungsoptionen zu eroffnen und die Verortung des Selbst zu unterstutzen.

Les enlumineurs juifs des communautes ashkenazes et sepharades medievales etaient confrontes au contenu de textes dont le but etait de renforcer leur foi contre la pression chretienne a la conversion, et ils se servaient de ces textes pour transformer des sources iconographiques chretiennes en langage illustre juif. L'A. examine des themes bibliques de l'iconographie juive, les compare avec des paralleles chretiens et indique les elements qui se referent a des contextes specifiquement christologiques. Elle consulte ensuite les textes polemiques comme sources de connaissance de l'arriere-plan christologique.

Dissertation Abstract ATTENTION: Due to copy-right no online publication is provided., Aethiopica, Vol 4 (2001)

In der Malerei war die Farbe für den Eindruck flüchtiger Emotionen zuständig; ihr oblag es, Gesichter bleich vor Schrecken, rot vor Wut oder gelb vor Neid darzustellen. Die Skulptur dagegen hatte solche vorübergehenden Affekte zu ignorieren. Dennoch spielte die Farbe als Eigenschaft des Materials für die Skulptur des 18. und 19. Jahrhunderts eine zentrale Rolle. Eingangs mag der Blick auf eine zeitgenössische Arbeit die Bedeutung der Materialfarben verdeutlichen.

David Smith, der in den USA für seine abstrakten Skulpturen bekannt ist, beginnt 1936 mit seiner Serie Medals for Dishonor (1936-40), innerhalb derer mit surrealistischen Motiven die Schrecken des Krieges darstellt. Im Vergleich mit Werken führender Surrealisten jener Zeit fällt auf, dass auch diese Gewaltdarstellungen in ihre Werke integrieren, um sich sozialkritisch zu äußern. Kann Smiths Serie folglich exemplarisch für eine Neuakzentuierung des Surrealismus in den 1930er-Jahren stehen?

Der Band widmet sich dem Phänomen Raum als realer Voraussetzung, Denkmodell und Struktur poetischer Imagination. Er erweist die Historizität des Denkens im Raum und in Räumen an instruktiven Beispielen. Die präsentierten Aufsätze, hervorgegangen aus Beiträgen, die auf einer Hartmut Kugler gewidmeten Tagung im März 2009 an der Universität Erlangen gehalten wurden, betreffen vor allem die deutsche und französische Literatur des Mittelalters, schlaglichtartig aber auch historiographische, musik- und kunstwissenschaftliche, kartographische und wissensgeschichtliche Fragen. Im Ganzen entsteht ein facettenreiches Bild vom Zusammenspiel realgeographischer und imaginärer (symbolischer) Räume im Mittelalter, auf der Basis dreier Bereiche: ‚Räumlichkeit erdachter Welten‘ (I), ‚Umgang mit wirklichen Räumen‘ (II), ‚In Räumen denken‘ (III). Spatial thinking plays an important role in medieval literature and culture. This is not only demonstrated by the large world maps and theological models of the cosmos in medieval times, but also by the spatial structure and motifs of the narrative literature. The articles in this volume explore how spaces are described in narratives from the 9th to the 16th century ‑ e.g. the world model in the Evangelienbuch of Otfrid of Weissenburg and the spatial semantics in the courtly romances and the landscape descriptions in Provençal poetry. The book sketches a fascinating panorama of imaginary spaces in the Middle Ages.

Trotz einer kaum noch zu überschauenden Menge ikonographischer Studien zu einzelnen Heiligen und Ansätzen zu einer medienspezifischen Anschauung wie Cynthia Hahns Analyse der illustrierten Heiligenlegenden, fehlt eine nach verschiedenen Bildträgern, ihren Orten, Funktionen und Rezipienten differenzierende Bildgeschichte des Heiligen Leibes, die nach dem Verhältnis von Repräsentationsstrategien, Präsenzinszenierungen und narrativen und argumentativen Bildstrukturen und Rahmungen zu fragen hätte. Stattdessen gerät die Frage nach der Inszenierung von Gewalt bevorzugt und verengend in den Blick. Es sind vor allem Martyrien jungfräulicher Heiliger, die 'pars pro toto' für die Alterität mittelalterlicher visueller Kulturen zu stehen scheinen, in denen die Künste auf die Allgegenwart von Gewalt, Angst, Schmerz und Tod und auf eine schaulustige Betrachtermentalität reagiert hätten, "that did not shrink from blood and gore." Doch ein solches Spiegelverhältnis zwischen tatsächlichen Gewalterfahrungen und Bildproduktionen erscheint zu einfach gedacht, denn dargestellte Gewalt ist immer konstruierte, ästhetisch vermittelte Gewalt. Während die hagiographische Forschung zu einem differenzierteren Verständnis der Ästhetik und rhetorischen Funktion von Gewaltdarstellungen in Märtyrerinnenlegenden gelangt ist, sind die diesbezüglichen Leistungen der mittelalterlichen Bildmedien in der Kunstgeschichte noch nicht in vollem Umfang gewürdigt worden. Um diese formenden und sinnstiftenden Grenzziehungen gegenüber der an sich rohen Gewalt des Martyriums geht es mir auch im wahrsten Sinne des Wortes, denn ich suche sie an einer medialen Schnittstelle auf, dem Übergang eines Kopf- und Büstenreliquiars zu einer dem Körper ganz unähnlichen Sockelzone, in und an der Bilder u. a. darüber berichten können, wie die im Reliquiar geborgene Reliquie 'produziert' wurde.

This paper presents a demonstration of a pedagogical highly interactive drama, which provides the user with many choices on the course of the narrative, by controlling a character in an immersive 3D story.

In der Erforschung der Städtebaukunst stehen die bildenden Künste im Vordergrund. Die Frage nach den technischen Künsten wird kaum gestellt, obwohl der Entwurf des Architekten nicht nur von individueller Intuition, sondern im gleichen Maße auch vom technisch Machbaren geprägt ist. Um aber das der Planung frühneuzeitlicher Städte zugrunde liegende Konstruktionsschema und die Planungsintention erkennen zu können, ist es notwendig die Städtebau- mit der Technikgeschichte zu verbinden. Die in den Tratakten zur geometria practica und zur architectura militaris beschriebenen Konstruktions- und Vermessungsmethoden werden städtebaulichen Planungen der Frühen Neuzeit gegenübergestellt. An einzelnen Fallstudien, die vom Ende der mittelalterlichen Stadtplanung bis hin zu barocken Stadterweiterungen reichen, wird untersucht, wie das Planungswerkzeug die Entwurfssprache des Architekten beeinflusste und die Formensprache der Stadt- und Landschaftsplanung nachhaltig veränderte. Der Paradigmenwechsel im Städtebau vollzog sich in Mitteleuropa um die Wende vom 15. zum 16. Jh. mit dem Bau der Erzgebirgsstädte Annaberg und Marienberg. Die in Annaberg noch praktizierte rhythmische und räumliche Grundrissgestaltung wurde in Marienberg zugunsten eines egalisierten Stadtgrundrisses aufgegeben. Überlegungen zur Stadtstruktur und Hygiene führten zu diesem Wandel, die Aufteilung des Grundrisses selber aber wurde durch das verwendete Instrumentarium bestimmt. Im Barock stand den Planern Geometrie als allgemeine Kulturtechnik zur Verfügung, das Denken in geometrischen Formen und Proportionen bestimmte den Entwurfsprozess. Geometrie war nicht mehr nur Planungsmittel, sondern wurde - wie bei der Anlage der Berliner Torplätze zu Beginn des 18. Jh. zu sehen ist - Planungsziel. Die Rekonstruktion der Planungsmaße beweist, dass nicht nur die Namensgebung - Rondell, Oktogon und Quarré – auf die Quadratur des Kreises hinweist, sondern die Proportion der Plätze aus ihr heraus entwickelt wurde., In the research of the art of urban development, the fine arts are mainly taken into account. The question of the technical arts is seldom raised, even though the architect’s design is a work of personal intuition as well as of the technically possible. In order to recognize the construction scheme and the planning intention in the urban planning of Early Modern Times it is necessary to merge the history of urban development with the history of technology. The construction and surveying methods described in the essays of the geometria practica and the architectura militaris are compared to the urban planning of the Early Modern Times. In case studies reaching from urban planning at the close of the Middle Ages to Baroque city expansion it is shown how the planning tools influenced the design language of the architect and the form language of urban development. The paradigm shift in Middle European urban planning took place at the end of the 15th century with the construction of Annaberg and Marienberg in the Ore Mountains. The rhythmic and spatial floor plan design still used in Annaberg was abandoned for a leveled out town plan in Marienberg. Deliberations of city structure and hygiene lead to this change. The design of the layout itself, however, was dictated by the implemented tool. In the Baroque period, geometry was available to the planers as general cultural knowledge and technology: the use of geometrical forms and proportions determined the design process. Geometry was not only planning method, but became planning intention – as can be seen by the Berlin Gate Plazas built in the beginning of the 18th Century. Not only do the names given - Rondell, Oktogon and Quarré – refer to the squaring of the circle, but the reconstruction of the design measurements proves the connection. Only the development of practical geometry enabled the variable form language of Baroque city construction.

Als im Sommer 1912 die zweite Optical Convention in London ihre Türen öffnete, füllten die ausgestellten Instrumente gleich mehrere Räume im Imperial College und im Science Museum in South Kensington. Alle einschlägigen Firmen waren nach London gekommen, um ihre Mikroskope, Kameras, Teleskope, Theodoliten, Spektroskope oder Ophthalmoskope einer interessierten Öffentlichkeit vorzustellen. Da bedurfte es schon einer raffinierten Inszenierung und einer gezielten Medienkampagne, um die Aufmerksamkeit des Publikums auch noch für das 'Optophon' zu mobilisieren, einen vergleichsweise unscheinbaren Holzkasten. Bereits am Vortag seiner öffentlichen Vorführung war deshalb mit entsprechend viel Fanfare in der Londoner 'Pall Mall Gazette' zu lesen: "To-morrow the Optical Convention is to let loose a new invention on the world. An ingenious Birmingham scientist has turned the element of selenium to account by making light audible, and we are to be dazzled and deafened both at once. Sunlight makes a roaring sound, and lightening, presumably, anticipates its concomitant thunder. All we require now is to increase the anticipative process, and then day light will awaken us every morning a couple of minutes before it arrives. What a point for the day light savers!"

Die 16 Bücher, die Ed Ruscha zwischen 1963 und 1978 publizierte, teilen eine Reihe charakteristischer Eigenschaften. In ihrer unprätentiösen Erscheinung bestechen sie auf unverkennbare Art und Weise durch ein klares Layout und eine nüchterne Typografie, die scheinbar im Widerspruch zu den oft etwas absurd anmutenden Titeln wie 'Twentysix Gasoline Stations', 'Nine Swimming Pools', 'Some Los Angeles Apartments' oder 'Every Building on the Sunset Strip' stehen. Im Innern der Bücher ist jeweils eine Serie meist schwarz-weißer Fotografien zu sehen, welche abbildet, was im Titel angekündigt wird: Tankstellen, Swimmingpools, Parkplätze etc. Obschon einem beim Durchblättern auf den ersten Blick hauptsächlich die Fotografien ins Auge springen, wird rasch deutlich, dass diese immer in engem Zusammenhang mit ihrem Trägermedium, dem Buch, stehen. Zwei Aspekte von Ruschas Fotobüchern sind interessant im Hinblick auf das Prinzip der Reihung: einerseits das prototypische Vorgehen des Künstlers in der Produktion seiner Publikationen und andererseits der Zusammenhang zwischen der Präsentation einer fotografischen Serie in Buchform und der daraus resultierenden doppelten Zeitlichkeit.

Der musikalische Serialismus wird bis heute als ein mechanistisches Kompositionsverfahren abgetan, wie es typisch für die verunsicherte Nachkriegszeit der 1950er Jahre zu sein scheint. Dieser Ansatz übersieht die grundsätzlichen Impulse, die von diesen Ansätzen bis heute ausgehen. Festmachen kann man dies z. B. daran, wie stark seit den 90er Jahren ein formales strukturorientiertes Denken in der elektronischen Musik zum Durchbruch gelangte, wie es noch mit Sound- und Midiorientierten Verfahren in den 80er Jahren nicht absehbar war. Für einen qualitativ neuen Typus form- und strukturgenerierender Tools im Virtuellen digitaler Symbolverarbeitung stehen heute kollaborative Echtzeitprogramme bereit, die 'Komposition' als ein neues strukturelles Dispositiv erfahren lassen und in direkter Linie zum Serialismus gesehen werden können.