Search

This article aims to expose the elements that create the scenic atmosphere and legitimize the takarazuka theater as a performing language, based on the experience of two shows: Rose of Versailles and Once Upon a Time in America. The analysis was divided into three elements: acting methodology – based on Stanislavski and Tadashi Suzuki –, scenic atmosphere – based on Max Reinhardt’s total theater – and genre performance – based on the bishounen figure used by the otokoyaku actresses. The importance of this research is to understand how this performativity subverts, from its origins, the role of women as artists from the insertion of the "secondary gender" while negotiating with current gender standards through small reinventions and attributes. legacy technicians., Este artículo tiene como objetivo exponer los elementos que crean la atmósfera escénica y legitiman el teatro takarazuka como lenguaje escénico, a partir de la experiencia de dos espectáculos: Rosa de Versalles y Érase una vez en América. El análisis se dividió en tres elementos: metodología actoral –basada en Stanislavski y Tadashi Suzuki–, ambientación escénica –basada en el teatro total de Max Reinhardt– y actuación de género –basada en la figura bishounen utilizada por las actrices otokoyaku–. La importancia de esta investigación es comprender cómo esta performatividad subvierte, desde sus orígenes, el rol de la mujer como artista a partir de la inserción del “género secundario” mientras negocia con los estándares de género vigentes a través de pequeñas reinvenciones y atributos técnicos heredados., Cet article vise à exposer les éléments qui créent l'atmosphère scénique et légitiment le théâtre takarazuka comme langage scénique, à partir de l'expérience de deux spectacles : La Rose de Versailles et Il était une fois en Amérique. L’analyse a été divisée en trois éléments : méthodologie d’acteur – basée sur Stanislavski et Tadashi Suzuki –, ambiance scénique – basée sur le théâtre total de Max Reinhardt – et performance de genre – basée sur la figure bishounen utilisée par les actrices otokoyaku. L'importance de cette recherche est de comprendre comment cette performativité subvertit, dès ses origines, le rôle des femmes en tant qu'artistes de l'insertion du "genre secondaire" tout en négociant avec les normes de genre actuelles par le biais de petites réinventions et d'attributs techniques hérités., O presente artigo expõe os elementos que legitimam o teatro musical takarazuka, fundado no início do século XX, como linguagem performática. Parte-se de dois espetáculos, Rosa de Versalhes e Era uma vez na América, destacando três elementos de análise: metodologia de atuação, atmosfera cênica e performance de gênero. Infere-se a subversão do papel da mulher como artista e a negociação entre os padrões de gênero atuais por meio de pequenas reinvenções e atributos técnicos herdados. A performatividade takarazuka recorre a escolhas artísticas e comerciais que promovem a fricção e a fantasia dos gêneros, além de alinhar preceitos políticos da era feudal ao modernismo.

Resumo: O presente artigo originou-se no desejo de explorar os recursos linguísticos e dinâmicos especificamente usando o filme Mamma mia(2008) como objeto de estudo focando-se na língua inglesa em termos de auxílio na pronúncia, escuta, fala e reconhecimento de tradução prévio. Busca- se abordar ao longo dos tópicos escolhidos sobre o encorajamento a trabalhar com mídia em sala de aula de acordo com pontos da BNCC, uma introdução aos os conceitos de abordagem, método e técnica, a origem do gênero musical no cinema, análise e recortes de músicas e diálogos de Mamma mia que podem ser trabalhados em sala de aula. Os autores escolhidos para discorrer sobre os pontos citados foram Lima(2018), Anthony (1963), Shlindwein e Sorte (2016), Nicholls (2001), dentre outros.

No presente artigo, trabalharam-se questões pertinentes à linguagem a partir de uma reflexão sobre Música. Em sua obra póstuma Investigações filosóficas (1953), Ludwig Wittgenstein levanta certas discussões acerca de problemas da linguagem em que propõe a Música — mais precisamente, determinadas noções de Música — como possível esclarecedora daqueles problemas. Seguindo tal hipótese, apresentaram-se as principais questões em que a Música supostamente forneceria respostas àqueles problemas. A proposta foi desenvolvida em quatro parágrafos, nos quais se trataram dos seguintes tópicos: 1) relação entre as linguagens, conceito de ‘compreensão’ e ‘significado’, e o problema da significação; 2) vias da significação na linguagem e analogia entre Língua e Música; 3) o fenômeno da comunicação. A intencionalidade e sua relação com elementos sonoro-musicais; e 4) linguagem fisionômica, fisiognomonia, ‘compreensão ampliada’ e ‘compreensão parcial’. Ao decorrer das discussões, em que se confrontou filosofia da linguagem com análise e reflexão musical, chegaram-se aos resultados. A Música realmente possibilita a reflexão e a argumentação sobre diversos problemas da linguagem; e, inclusive, através do desenvolvimento das noções musicais aduzidas hipoteticamente por Wittgenstein, foi de certa forma possível complementar o entendimento de algumas de suas teses e, até mesmo, de refutar outras.

The Covid-19 pandemic scenario stimulated the exposure of musicians in musical lives. Artists who were already present on streaming platforms and on digital social media sought space in order to overcome the requirement of social distance. The article observes the intrinsic relationship between the field of music and the processes of mediatization and proposes to examine how the insertion of regional music from Rio Grande do Sul occurs in some of the broadcasts with the highest audience in the period in streaming. It specifically analyzes the phenomenon of a song recognized as belonging to a specific identity, based on the relationship between lyrics, sounds and rhythm, and its dissemination through memes for deterritorialized audiences. It appears that, from the language of mockery in themes already dealt with by the mythical narrative, the gallant musical aspect assumed in the song expresses contempt for cultured and critical forms of musical expression, and conquers via media both regional audiences and national regionalist niches. Its success expresses the cathartic search for overcoming social asphyxia determined by the context of the pandemic. Mediatization; Gaucha Pop Music; Pop Music; Grotesque.

O presente artigo apresenta a experiência de um projeto de extensão universitária que desenvolve ações na interface entre música, saúde mental e economia solidária (ES). A discussão está direcionada para um grupo de camerata de violões desenvolvido pela Associação de Usuários, Familiares e Amigos dos Serviços de Saúde Mental de Indaial (AUFASAM), em parceria com a Incubadora Tecnológica de Cooperativas Populares da Fundação Universidade Regional de Blumenau (ITCP/FURB) e com o Centro de Atenção Psicossocial de Indaial. Metodologicamente, as ações foram propostas a partir das contribuições da Luta Antimanicomial e da ES. Como resultados, foram realizados 32 ensaios que alcançaram um repertório composto por 11 músicas e a realização de três apresentações musicais. Os benefícios advindos desta experiência fortaleceram o processo de reabilitação psicossocial dos seus integrantes e, ao mesmo tempo, afetaram o contexto universitário e a comunidade geral, possibilitando maior visibilidade para a AUFASAM, proporcionando acesso gratuito a bens culturais, incentivando o fortalecimento da extensão universitária e a transformação do imaginário social referente à loucura. É importante reconhecer a pluralidade cultural proporcionada pela camerata, ao apresentar elementos culturais eruditos e populares, ao se propor a circular por contextos de saúde, educação e economia solidária.

O presente artigo trata das discussões acerca de tecnologias de gravação, reprodução e difusão sonoras entre educadoras e educadores de movimentos pedagógicos de renovação escolar. Para tanto, as fontes analisadas consistem principalmente nas revistas pedagógicas Progressive Education (EUA) e La Nouvelle Éducation (França), publicadas por associações homônimas nas décadas de 1920, 1930 e 1940. Dirigir a atenção a estas publicações se justifica pela sua profusão e protagonismo no cenário internacional à época. Defende-se que, assim como outras áreas dos estudos musicais, a educação sofreu impactos significativos e particulares com a popularização dessas novas tecnologias, constituindo um quadro de discussão crítica sobre elas. O estudo sobre os materiais selecionados dá a ver que, em alguns momentos, avanços tecnológicos e modernização pedagógica convergiram de maneira positiva, como nas possibilidades trazidas pelo uso de gravadores. Entretanto, frequentemente as discussões foram pautadas por reservas e resistência, especialmente quando tematizaram novos hábitos de escuta e novas relações de consumo.

O artigo apresenta a análise da série Acalantos do Folclore Brasileiro, que reúne 17 cantigas de ninar harmonizadas por Aloysio de Alencar Pinto (1911-2007). A análise é metodologicamente orientada pelas propostas do Grupo Resgate da Canção Brasileira (UFMG) e do Grupo Africanias (UFRJ), com a finalidade de contribuir para uma construção da performance musical a partir de decisões interpretativas fundamentadas. O estudo foi aprofundado no diálogo com autores que se dedicaram à investigação da canção de ninar no Brasil e em Portugal, possibilitando compreender essas cantigas como representativas dos (des)encontros culturais que constituíram a diversidade brasileira. As harmonizações de Aloysio, que integram a busca modernista por uma identidade nacional, apresentam características típicas dos acalantos, como a previsibilidade, a pequena duração e a repetição – muito visível no acompanhamento rico em ostinatos; e a presença de sons nasais e palavras com o fonema /u/, fechado, interiorizado e nasal, compondo como que um mantra que pretende induzir ao sono. Tudo isso enriquecido com figuras de terror de origens portuguesa e afro-brasileira, com a mística indígena e revelando traços da escravidão que marcou a história do Brasil. A análise das africanias presentes nas canções possibilita que intérpretes (brasileiros e estrangeiros) compreendam mais profundamente as palavras e suas variações que são portadoras de significados culturais mais amplos. O estudo contribui para a superação da ideia dos acalantos como canções ingênuas, ampliando suas possibilidades interpretativas.

Este artigo pretende investigar a relação entre composição e improvisação musical no contexto estético da música contemporânea, tendo por base a noção de improvisação não idiomática (improvisação livre). Aborda-se tal relação inicialmente a partir de um panorama histórico da ontologia por trás do conceito de obra musical segundo os escritos de Treitler (1993), delineando-se a predominância de um senso hierárquico entre partitura (escrita por um compositor) e interpretação (desenvolvida por um performer). Ao se apresentar uma conceituação sobre improvisação musical e sua relação histórica de oposição à composição, são expostas ideias de Bailey (1993), Falleiros (2006) e Canonne (2016). Trabalha-se com o conceito de comprovisação, conforme delimitado por autores como Bhagwati (2014) e Aliel (2017). A obra musical de Richard Barrett (2014) surge como exemplo de superação da hierarquia entre composição e improvisação por utilizar-se do conceito de improvisação semeada (seeded improvisation), um recurso criativo que engloba a improvisação livre por parte dos intérpretes no contexto de obras compostas com o uso de elementos notacionais. A partir desta ferramenta composicional, se desenvolveu a comprovisação Hiatos (BACELLAR, 2019). Concluiu-se que nesta obra foi amenizada a distância hierárquica entre compositor e performer através do emprego da improvisação e da escrita notacional, emergindo interações entre diferentes idiomas musicais. Destacam-se os aspectos interculturais como próprios da prática comprovisativa, os quais necessitam do desenvolvimento de ferramentas analíticas apropriadas.

The present research investigates the effectiveness of an instructional protocol of practice strategies for the initial learning stage of a musical piece by three organ students. Seventeen practicing strategies were developed for learning the Prelude in F major (BWV 556) by J. S. Bach. Provided over ten practice sessions, the strategies involved activities before and after contact with the score. Participants were interviewed about the perceived effectiveness of the protocol. The analyses of the verbatim transcribed interviews indicated emerging themes regarding perceived effectiveness of the strategies: acceleration of time for understanding the work, artistic image, technical and self-efficacy aspects for musical practice, and relationship with the final performance. The results suggest that strategies applied at the early stages of organ learning may foster robust strategies in beginning students.

UIDB/00693/2020 UIDP/00693/2020 Considerado entre os mais importantes e versáteis compositores portugueses da virada dos séculos XVIII e XIX, António da Silva Leite ocupou posições de grande prestígio na cidade do Porto. Foi Mestre de Capela da Sé Catedral, organista da Santa Casa de Misericórdia, diretor artístico e compositor do Teatro de São João e, em especial, foi mestre de música e compositor dos mais importantes conventos femininos da cidade. O presente artigo aborda o papel desse ilustre músico junto às freiras clarissas do Porto, virtuosas cantoras e instrumentistas que comissionaram diversas obras para serem executadas nas mais importantes celebrações do calendário litúrgico. Dentre as dezenas composições de António da Silva Leite dedicadas às freiras de Santa Clara, destacam-se as obras compostas para vozes acompanhadas por três órgãos, um exemplo singular na história da música portuguesa onde o património organológico previamente existente acabou por servir como agência para a produção de um repertório musical único. Considered amongst the most important and versatile Portuguese composers from the transition of the 18th and 19th centuries, António da Silva Leite occupied the most prestigious positions of the city of Oporto. He was Chapel Master of the Cathedral, organist in the distinguished Santa Casa de Misericórdia, artistic director and composer of the Teatro de São João, and music teacher and composer of the main female convents of the city. The present paper approaches the role of this eminent composer and his relationship with the Clarisse nuns of Oporto, virtuosi singers and instrumentalists who commissioned several works to be performed in the most important celebrations of the liturgical calendar. Amongst the many compositions by Silva Leite dedicated to the nuns of Santa Clara, stands out the works composed for voices accompanied by three organs, an extraordinary case in the history of Portuguese music where the existing organological heritage worked as an agency to produce a unique musical repertoire. publishersversion published

Resumo. A imigração de senegaleses para o Brasil é parte de um fluxo migratório mais amplo de nacionais de países africanos que se viram atraídos pelas oportunidades de acolhimento que o país oferecia entre 2010 e 2015. Este artigo, oriundo de uma pesquisa etnomusicológica mais ampla entre músicos africanos radicados no sul do Brasil, realizada entre 2018 e 2019, discute a produção de uma diáspora musical senegalesa através das narrativas, trânsitos e colaborações musicais de um rapper senegalês em sua experiência de residência pelo estado. Na esteira de um interesse consolidado na etnomusicologia pelo estudo das múltiplas relações entre música e migração, busca-se explorar a contribuição crítica desses estudos à noção territorializada e fixa da cultura expressiva sonoro-musical. Por este prisma, a etnografia participativa contribuiu para se pensar as práticas musicais migrantes africanas para além das concepções que as associam com uma comunidade étnica coesa. Abstract. Senegalese migration to Brazil is part of a wider migratory flow of nationals from African countries who found themselves attracted by the receptive opportunities that the country offered between 2010 and 2015. This article stems from a broader ethnomusicological research among African musicians settled in southern Brazil, carried out between 2018 and 2019, and it discusses the production of a Senegalese musical diaspora through the narratives, transits and musical collaborations of a Senegalese rapper in his residency experience in the state. In the wake of a consolidated interest in ethnomusicology for the study of the multiple relationships between music and migration, we seek to explore the critical contributions of these studies in relation to notions of expressive sound-music cultures as territorialized and fixed entities. From this perspective, participatory ethnography has contributed to think African migrant musical practices beyond the conceptions that associate them with a cohesive ethnic community.

Este artigo apresenta o caminho histórico do abrasileiramento da opereta e da revista de ano até a composição de gêneros de palco novos, a burleta e a revista carnavalesca, a fim de pontuar sua extrema importância para a constituição do teatro brasileiro. Trata-se da exposição deste percurso, de maneira a demonstrar a ampla motivação musicada do teatro brasileiro de todos os tempos e como, na verdade, o teatro musicado popular nunca foi um tipo periférico de arte cênica, quando comparado com o teatro “literário”, ou “moderno”, mas, sim, consiste no centro, no motivador, sendo talvez o gênero mais proeminente, da conformação do teatro nacional.

O artigo estuda duas canções criadas por Eduardo Dussek e Luiz Carlos Góes para o Teatro Musical Brasileiro. São analisadas as canções Alô, Alô, Brasil, composta por Dussek para o show Feiticeira, protagonizado por Marília Pêra, em 1975, e A Loura do Carteado, engendrada por ele em parceria com Góes. Esta foi escrita para a travesti Rogéria cantar em Rio Gay, encenação que estreou no Teatro Alaska, no Rio de Janeiro. A montagem possuía um elenco composto por travestis e sua concepção estética revivia os áureos tempos do Teatro de Revista no Brasil. No artigo também há a descrição do começo da carreira teatral de Dussek, revisitando sua atuação, quando ainda era adolescente, no espetáculo As Desgraças de uma Criança, de Martins Pena, sob direção de Antônio Pedro.

Este artigo tem por finalidade trazer à tona algumas problematizações acerca da presença do teatro cômico e musicado durante a Primeira República, suas perspectivas históricas e memórias, mas, sobretudo, todo um conjunto de embates e depreciações promovidos por elites do período exatamente por esse teatro ser uma representação artística popular de sucesso, contrária aos interesses intelectuais da época e manifestadamente representante da cultura afro-brasileira em solo carioca.

The Cultural Missions of the Secretariat of National Propaganda (SPN) were an important initiative held in the early 1940s that aimed to organize several music concerts, with other moments that included a thematic lecture and poetry reading, in various cities and towns of Portugal. This article seeks to address the Cultural Missions in their political dimension, mainly the purpose of the SPN to reach the middle classes of small urban centres. We also aim to unveil the role played by the pianist and composer Eurico Tomas de Lima as chief of those missions in 1940 and 1941. The research for this article was based on several documentary sources and made possible to expose: the organization and structure of Cultural Missions, contributing to a deeper knowledge of these initiatives in terms of their propaganda objectives within the scope of the Estado Novo; the central role played by Eurico Tomas de Lima, who had several responsibilities implementing these initiatives; and the artistic and musical scope of the chosen programs.

Today we live in sonic environments where we are exposed to a great diversity of musical styles from a range of different eras. Ethnomusicology, however, has focused on the study of musical genres and practices that are considered “traditional” or “proper” to the context or ethnic group of the study. Many musical activities that are part of the daily lives of many people – their “local musicking” – are ignored. By being integrated into everyday life, musicking creates spaces that promote feelings of belonging and commitment toward the contexts in which they were experienced and toward those with whom they were shared. This article explores perspectives on the relationship between these activities and the localities in which they occur, exploring how musicking affects these localities and how it is affected by them. Local musicking plays a major role in the “production of localities” (Appadurai), evincing its eminently political character. Vivemos hoje em ambientes sonoros onde estamos expostos a uma grande variedade de estilos musicais de diversas épocas. A etnomusicologia, contudo, tem se concentrado no estudo de gêneros e práticas musicais tidas como “tradicionais” ou “próprias” ao contexto do estudo ou grupo étnico da pesquisa. Uma parcela das atividades musicais que fazem parte do dia a dia de muitas pessoas – seus “musicares locais” – podem ser ignoradas. Ao se integrarem à vida cotidiana, os musicares se tornam espaços que promovem sentimentos de pertencimento e de compromisso para com os contextos em que foram vividos e para com aqueles com quem foram compartilhados. Este artigo explora perspectivas voltadas para a relação entre estas atividades e as localidades em que ocorrem, investigando como os musicares afetam essas localidades e como são afetadas por elas. O musicar local cumpre um papel primordial na “produção de localidades” (Appadurai), evidenciando seu caráter eminentemente político.

The object of this article is the phonographic genre known as "musica caipira" (Brazilian country music) that emerged in 1929 with the first recordings of the musical group “Turma Caipira Cornelio Pires” produced by Columbia Records. Far from being an exclusive product of the phonographic industry, whose market was expanding thanks to the technical advances introduced by the electric recording, this genre also resulted from intense identity disputes that came to light in the musical theater of Sao Paulo. To support this idea, excerpts of theatrical texts, scores and phonograms from the 1910s to 1930s will be analyzed within the crossroads of Social History, Musicology, and Theater Studies.

This article proposes to investigate the process of music production in the recording studio in analogy to complex systems. Given its collaborative nature, the inherent stages of such music production (planning, recording, editing, mixing and mastering) may be understood as a series of subsystems whose interactions produce novelties that are considered here as emergent properties. Therefore, given the different stages of the music production process from a systemic perspective, this article explores the figure of the artist, the roles of the agents involved, and the creativity and interplay between both technical and aesthetic actions within the recording studio. As a result, the analogy of the music production process in terms of complex systems highlighted the difficulty in establishing distinctions between technical and artistic actions within the studio. At the same time, this analogy allowed an approach to creativity, not as something individualized, but as an emergent element of an intricate network of interrelationships inherent to collaborative processes. We conclude that any action within the studio creates a type of chain reaction whose impact cannot premeditate the final outcome of a work. Thus, the unpredictable arises during the process in the form of novelties or emergent properties whose interrelationships and interactions with other elements contribute to the configuration of the musical piece.

Made available in DSpace on 2020-12-10T17:01:59Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2019-09-01 The structural development of what we understand as cadence has a long and complex history associated with an awareness and appreciation of musical elements assimilated by a decodification process that is related to adapted morphology. Thus, the connection between music and text goes beyond its joint praxis: it lends structural elements from its main vehicle (text), engendering a true corpus grammaticae musicae. In general terms, this principle resulted in parameters from both synchronic and diachronic dimensions, i.e., a specific set of intervals with a particular melodic progression. The argument presented in this study aims to exam the musical treatises through the end of the fifteenth century in testimonies that contain evidence that corroborate a probable dichotomy between understanding of cadence as a metaphor of instability and conclusive unity. Univ Estadual Paulista, Sao Paulo, SP, Brazil Univ Estadual Paulista, Sao Paulo, SP, Brazil

Este trabalho trata da trajetória musical do baterista catarinense Lourival Galliani, conhecido como Toicinho. Músico pertencente ao que se poderia chamar de “velha guarda” da música catarinense que tem não só grande importância e influência na cena musical de Santa Catarina, mas também acompanhou artistas e grupos de relevância nacional, como Fafá de Belém, Eduardo Araújo e Som Nosso de Cada Dia. Tem como objetivo principal investigar a trajetória de Toicinho nos seus anos de formação e parte de sua trajetória profissional em Florianópolis e São Paulo. A partir deste recorte temporal, e com o suporte de autores como Paul Berliner e Ingrid Monson, buscou-se observar os processos de aprendizado vividos por ele, e, uma vez que Toicinho teve uma educação pouco formal, investigou-se os possíveis papéis exercidos pelos meios social e musical na formação de seus conhecimentos, habilidades, técnica e concepções sobre bateria e música. Por meio do documentário Sistema de animação, dos cineastas Alan Langdon e Guilherme Ledoux, que retrata um pouco de sua trajetória, e as entrevistas semiestruturadas com o músico, foi possível estabelecer um registro de sua trajetória e dos ambientes musicais em que atuou. Por meio de gravações e vídeos, foi possível transcrever e observar alguns elementos característicos de sua performance. Os dados trazidos neste trabalho ajudam a preservar a memória e o trabalho de um músico catarinense de grande relevância, de uma geração considerada como uma “escola de bateria brasileira” e que aos poucos vai se perdendo.

Neste artigo buscamos compartilhar os resultados obtidos em uma pesquisa realizada junto à comunidade de um projeto de extensão desenvolvido na Associação de Pais e Amigos dos Excepcionais de Ituiutaba (APAE), cujo objetivo foi tentar compreender de que forma crianças e jovens com deficiência se envolvem em práticas artísticas e musicais e quais são os processos educativos decorrentes dessas práticas. O processo de construção da pesquisa constou de dois momentos: metodologia de intervenção e metodologia de pesquisa, tendo como referência os princípios pedagógicos de Paulo Freire. O referencial teórico se sustentou principalmente nos conceitos de práticas sociais e interculturalidade. De natureza qualitativa e inspiração fenomenológica, o principal instrumento de coleta de dados foram os diários de campo, além de fotos, filmagens, desenhos, textos escritos e entrevistas, com posterior análise (ideográfica e nomotética). Foram identificadas três categorias: A) Querer fazer; B) Saber fazer; C) Pensar o outro. A construção de performance em práticas artísticas e musicais com crianças e jovens com deficiência mostrou a força potente de tais práticas, tendo em vista os processos educativos delas decorrentes. Como protagonistas, foi possível contar e recontar história, memorizar falas, aprender canções, percutir objetos sonoros, interagir com as pessoas e instituições envolvidas (APAE, creche, escola de música e universidade), aprender novos conteúdos, metodologias e modos de expressão. Práticas como essas podem contribuir com o processo de formação de pessoas com deficiência; garantir o exercício de direitos; suscitar reflexões e se constituir como parte integrante do processo de formação (pessoal e profissional) em Educação Especial.

Resumo Ao longo de décadas, o rap tem sido central na construção de um discurso antirracista em Portugal. Com músicas a denunciar a violência policial, a exclusão social, o legado colonial e o racismo, os rappers negros das periferias de Lisboa desempenham um papel de vanguarda na luta contra a opressão racial, particularmente aqueles que cantam em crioulo cabo-verdiano. Apoiados por dispositivos e redes digitais, estes jovens constroem circuitos de sociabilidade e de produção musical impulsionadores de uma estética insurgente capaz de desafiar o estatuto de subalternidade que lhes é imposto. O presente trabalho debruça-se sobre a importância do rap na exposição do problema do racismo na sociedade portuguesa. Recorrendo a diferentes pesquisas de natureza qualitativa, analisamos os estilos de vida, as letras de música, o acesso às redes digitais e os engajamentos dos rappers no movimento antirracista. Abstract Throughout decades, rap music has been central to the construction of an anti-racist discourse in Portugal. With songs denouncing police violence, social exclusion, colonial legacy and racism, black rappers from the peripheries of Lisbon play a vanguard role in the fight against racial oppression, particularly those who sing in Cape Verdean Creole. Supported by digital devices and networks, these young people build circuits of sociability and musical production that promote an insurgent aesthetic capable of challenging their imposed subordinated status. This paper focuses on the relevance of rap in making the problem of racism visible in the Portuguese society. Using different qualitative researches, we analyzed lifestyles, lyrics, access to digital networks and the engagements of rappers in the anti-racist movement.

Este artigo debruça-se sobre nove mulheres musicistas-escritoras, i. e., professoras, intérpretes ou compositoras, que, entre 1901 e 1930 publicaram em Portugal obras sobre música e sua educação. Foi uma época de extraordinário impulso e procura de ensino artístico – mas o que as levaria a publicar? O surgimento como autoras peritas ou divulgadoras invalida a interpretação de se dedicarem à escrita ao incorporarem o tradicional papel de mulher-educadora, geralmente prolongando a sua atividade docente. Propõe-se compreender o papel das escritoras-musicistas na constituição de uma expertise musical e a especificidade dos seus círculos de sociabilidade., Análise Social, Vol. 53 N.º 228 (2018)

Ao tematizar as práticas criativas na for-mação de professores, o artigo destaca um aspecto emergente na investigação Educação musical na formação de pro-fessores dos cursos de Graduação em Pedagogia gaúchos: escuta e criação na experiência de barulhar (LINO, 2020a). As análises quantitativa e qualitativa da pes-quisa de campo constatam o reduzido es-paço do ensino de música como disciplina curricular nas instituições de ensino su-perior gaúchas e a diminuta presença de práticas criativas nos modos do fazer mu-sical docente. O fortalecimento do cená-rio educativo compreende que o processo de formação de professores em educação musical não se limita apenas ao caráter mandatário de diretrizes curriculares, mas também exige conceber que a música é potência ordinária da vida cotidiana, ofe-recida e ampliada no exercício coletivo de compor conversações (CAGE, 2015). Ao viver os processos de escuta e criação mu-sical, desde a ludicidade, a experiência de barulhar (LINO, 2008) habita a pedagogia como gesto poético de linguagem para sublinhar a composição da docência. As práticas criativas irrompem na formação de professores para inaugurar sentidos, dar-se a ver o lúdico, o sensível, o singular e a intransponível dimensionalidade hu-mana da música como partição e partilha. In approaching creative practices in te-achers formation, the paper seeks to hi-ghlight a emergent aspect in the project Musical Education in teachers formation from Pedagogy Undergraduation cou-rses in Rio Grande do Sul, Brazil: hea-ring and creation processes in noising experience (LINO, 2020a). The resear-ch’s quantitative and qualitative analysis highlight the reduced space for music teaching as a curricular discipline in Rio Grande do Sul’s universities and timid presence of creative practices in tea-cher’s musical repertoire. The strengthe-ning of educational scenery comprise the teacher’s formation process beyond the mandatory character of curriculum guidelines. It demands to conceive mu-sic as everyday life potency offered and enlarged in the collective exercise of composing conversations (CAGE, 2015). Living the process of hearing and musi-cal creation, from its ludicity, the expe-rience of noising (LINO, 2008) inhabits pedagogy as a linguistic poetic gestu-re to highlight the composition of tea-ching. Creative practices burst teachers’ formation to inaugurate sense, to show the ludic, the sensitive, the singular and the insurmountable human dimension of music and score and sharing.

The expansion of the three-dimensional perception of musical works that emerges from the contact of musicians with the Schenkerian proposal is valued in this article. To this end, the authors share with the reader their experience with the teaching of this interpretative practice, in dialogue with harmonic, contrapuntal and textural processes.

A licitação, tema não mais restrito ao circulo forense, sobretudo na atualidade em que esta protagoniza escândalos de corrupção no Brasil, se manifesta como um procedimento indispensável para Administração Pública. A presente pesquisa oferece um modesto recorte ao propor estudar as inferências da consagração popular: termo este formado da junção dos critérios legais "consagrado pela critica especializada ou opinião pública", previsto anteriormente no art. 25, IlI, na Lei 8.666/1993 e agora no art. 74, lI, da Lei 14.133/2021, no afã de averiguar qual ou quais seriam as interpretações mais acertadas para contratação de artistas no procedimento de inexigibilidade. Para fins metodológicos, utilizou-se a revisão bibliográfica do assunto, estudos científicos, pareceres, jurisprudência, além de guias, manuais e outros materiais editados pelos órgãos oficiais do país. O escopo da pesquisa se limita a apresentar ao círculo forense ou a qualquer interessado os conflitos depreendidos do procedimento licitatório narrado em tela, no que se refere à contratação de artistas musicais pela Administração Pública no atual contexto jurídico brasileiro, buscando a construção de uma reflexão geral, sem o condão de apresentar conclusões definitivas.

Esta revisão sistemática teve como objetivo analisar a literatura recente acerca da influência que o estudo da música pode exercer no desempenho académico em geral e na matemática; nas funções cognitivas; e na plasticidade cerebral. A revisão inclui estudos publicados entre 2007 e 2017, nas bases de dados PubMed e Complementary Index, Academic Search Complete, Education Source, Psychology and Behavioral Sciences Collection e Science Direct, utilizando o descritor musical training, combinado com descritores ligados ao desempenho académico em geral e na matemática, academic achievement, mathematics e academic development, e desenvolvimento cognitivo, brain development e cognitive development. Os estudos foram selecionados de acordo com os seguintes critérios: estudos (i) publicados em jornais científicos revistos por pares, (ii) com crianças e adolescentes até aos 18 anos; (iii) que incluíram o treino musical nas suas componentes teórica e/ou instrumental. A relação entre a formação musical e o desempenho académico em geral e a matemática mostrou-se inconsistente, não existindo consenso na literatura acerca dos benefícios da primeira sobre a segunda. Foram encontrados benefícios cognitivos e evidências para a plasticidade cerebral estrutural, induzida pelo treino musical na primeira infância, tendo em consideração as diferenças encontradas no volume de massa cinzenta.

In this article I intend to approach, from the work José Limón and La Malinche: The dancer and the Seed Dance of Patricia, the show of La Malinche, authored by José Limón, Mexican choreographer. This book, which contains articles by various academics focused on scenery, costumes, music, choreographic notes and historical content about a musical piece, will allow us to learn about the construction of its indigenous protagonist: Malinche, who was with Hernán Cortés during the capture of the Mexico and, since then, stands out in historiographic, academic and literary works, not only in Mexico, but in different parts of the world. Esse artigo pretende analisar um livro biográfico sobre José Limón, um coreógrafo de uma dança com o tema mexicano altamente complexo: a personagem histórica Malinche. José Limón and La Malinche:The dancer and the Dance de Patrícia Seed contém artigos de vários acadêmicos voltados para cenário, figurinos, música, notas coreográficas e conteúdo histórico sobre a peça musical que tem como protagonista a indígena que esteve ao lado de Hernán Cortés durante a captura do México e que, desde então, se destaca em trabalhos historiográficos, acadêmicos e literários, não só no México, mas em diversas partes do mundo.

A relação entre o Estado e a Igreja Católica ao longo do período do Estado Novo atravessou diferentes momentos, especialmente no 3º quartel do século XX, quando se verificaram diferentes tensões no plano das relações institucionais. Para além destas, o texto analisa outros níveis de observação que importa conhecer, nomeadamente, a importância das práticas culturais expressivas associadas à música. Nesse sentido, e partindo do cruzamento do poder do Estado com a presença de temáticas religiosas na música ligeira desenvolvida propositadamente para os festivais de música, este texto procura discutir o papel desta categoria musical como elemento de propaganda religiosa na sua interligação com o poder político., The relation between the State and the Catholic Church throughout the Estado Novo period went through different moments. This was especially so in the 3rd quarter of the 20th century period, during which several tensions occurred in institutional relations. In addition to these elements, this text analyzes other observation levels that may contribute to knowledge-gathering, specifically expressive cultural practices associated with music. Thus, starting from the intersection of state power on the one hand, and the presence of religious themes in so-called popular music, specifically developed for music festivals, on the other, this text aims to discuss the role of this musical category as a tool of religious propaganda in its interconnection with political power.

The present article aims to discuss, based on reflections on History, Memory and Cinema, the framing of Oscar Wilde's image made by two contemporary but different movies: the biopic 'Wilde' (1997) and the musical drama 'Velvet Goldmine' (1998). After discussing the popularity of biographical pictures and the role that can be assumed by an historian when analyzing this type of audiovisual production, considering the elements intrinsic to the cinematographic language, we wish to answer the following question: when compared to the musical drama released in 1998, was the biopic ‘Wilde' successful in the attempt to revisit Wilde's memory and reflect on the importance of this writer in contemporaneity?, O presente artigo objetiva discutir, a partir de reflexões sobre História, Memória e Cinema, a construção da imagem de Oscar Wilde realizada por dois filmes contemporâneos entre si, porém de gêneros distintos: a cinebiografia ‘Wilde’ (1997) e o drama musical ‘Velvet Goldmine’ (1998). Após debatermos sobre a popularidade dos filmes biográficos e o papel que pode ser assumido pelo historiador ao analisar este tipo de produção audiovisual, considerando os elementos intrínsecos à linguagem cinematográfica, desejamos responder a seguinte pergunta: quando comparada ao musical lançado em 1998, a cinebiografia ‘Wilde’ foi bem-sucedida na tentativa de revisitar a memória de Oscar Wilde e refletir sobre a importância deste escritor para a contemporaneidade?

A atividade musical sempre foi, para Mao Zedong e o Partido Comunista Chinês, um importante instrumento de propaganda, servindo como agente modelador das ações e formas de pensar, agir e sentir da população chinesa ao longo das várias fases que compõem a história chinesa de meados do séc. XX. As canções revolucionárias, acessíveis à generalidade da população através do sistema de ensino e dos diversos meios de comunicação social disponíveis à época, permitiram uma veiculação mais eficaz das ideias e medidas impostas pelo partido, contribuindo, desta forma, para a consolidação do seu poder.

The purpose of this text is to discuss the use that Jean-Jacques Lemêtre makes of sound itself as material, with which he weaves a network integrating actor, text, image, space, and sound, which is one of the mainstays of the poetics and dramaturgy of Théâtre du Soleil. From this idea, topics about Soleil’s poetic narrative, some characteristics of the musical repertoire used, a reading of the composer’s sound proposal, his sound dramaturgy, and aspects related to the reception of the spectator/listener are examined., O propósito deste texto é discutir o uso que Jean-Jacques Lemêtre faz do som em si mesmo enquanto material, com que tece uma rede integrando ator, texto, imagem, espaço e sonoridade, a qual é um dos sustentáculos da poética e da dramaturgia do Théâtre du Soleil. A partir dessa ideia, são examinados tópicos sobre a poética narrativa do Soleil, algumas características do repertório musical utilizado, uma leitura da proposta sonora do compositor, sua dramaturgia sonora e aspectos relacionados à recepção do espectador/ouvinte.

Com o surgimento da internet, houve um deslocamento no processo de veiculação musical, antes restrita ao universo radiofônico e televisivo. Propomos uma reflexão acerca dessa descentralização possibilitada pelas Redes Sociais de Informação (RSI). Objetivamos identificar o papel delas no lançamento de novos artistas e na veiculação e recepção musical. Trabalhamos com pesquisa bibliográfica a fim de responder à questão: qual a relação das RSI com a veiculação e recepção musical no cenário brasileiro atual? Chegamos à conclusão de que as RSI revolucionaram o mercado musical, desde o momento da concepção da canção, até o processo de retroalimentação do compositor, proporcionado pela reação dos usuários.

Através deste artigo, e partindo da complexa e prolífica discussão teórica sobre a definição de jazz, pretendemos averiguar de que forma o ensino deste género musical poderá fornecer ferramentas necessárias ao crescimento artístico dos músicos. Com base em análise bibliográfica e experiência letiva, e tendo em conta o carácter dialógico dos binómios ensino formal-ensino informal e tradição-inovação recorrentes na discussão em torno deste assunto, iremos igualmente indagar sobre alguns dos contributos que o ensino do jazz poderá dar em termos do desenvolvimento de competências extramusicais.

Em meados dos anos 1980, o Porto começou a abrir-se à mudança cultural, musical e estética anunciada pelo (pós)-modernismo. A resistência - e a procura do novo - também começou a fazer-se sentir através de programas de rádio, de fanzines, de concertos e de boletins. Importante era o lema "pelo direito à diferença"2. Nestas movimentações, para além de alguns músicos, destacavam-se certos autores/editores. António da Silva Oliveira (A. DASILVA O., 1958) era uma figura central. Publicava, coadjuvava a publicar e propulsionava projetos dos mais diversos domínios da intervenção cultural. Através da trajetória "maldita", underground de A. Dasilva O., traçaremos um retrato da sociedade portuense na sua transição para a contemporaneidade onde as artes, as músicas e suas subversões desempenha[ra]m um papel central. In the mid-1980s, Porto began to open to the cultural, musical, and aesthetic change announced by (post)-modernism. Resistance - and the search for the new - also began to make itself felt through radio programmes, fanzines, concerts, and bulletins. Important was the motto "for the right to difference"18. In these movements, besides some musicians, certain authors/publishers stood out. António da Silva Oliveira (A. Dasilva O., 1958) was a central figure. He published, assisted in publishing, and promoted projects in the most diverse areas of cultural intervention. Through A. Dasilva O.'s underground 'cursed' trajectory, we will trace a portrait of the Portuguese society in its transition to contemporaneity where the arts, music and their subversions played a central role.

espanolO texto se propoe a relacionar a trajetoria da industria fonografica e da musica popular no Brasil ao longo do seculo XX, a partir de suas interacoes com as industrias radiofonica e televisiva. Para tanto, ele foi dividido em quatro fases principais: “das maquinas falantes nos tropicos a Casa Edison, 1900-1930”, “a era do cinema e do radio, 1930-1950”, “a nova bossa da televisao, 1960-1970” e “em busca do popular, 1980-1990”. Nesse percurso, o texto busca refletir sobre questoes como a concentracao economica da industria fonografica, a criacao de um repertorio musical propriamente “brasileiro”, em que certos generos musicais foram mais ou menos privilegiados de acordo com o desenvolvimento da propria industria fonografica. EnglishThe paper relates the trajectory of the recording industry and popular music in Brazil throughout the 20th century, taking into account the interactions of the music industry with both the radio and television industries. Therefore, it was divided into four main periods: “From the talking machines in the tropics to the Casa Edison label, 1900-1930”, “the age of cinema and radio, 1930-1950”, “the bossa-nova and television, 1960-1970” and “in search of the popular, 1980-1990". The text highlights issues such as the economic concentration of the recording industry, and the development of a properly “Brazilian” musical repertoire, in which certain musical genres were more or less privileged according to the development of the recording industry itself.

RESUMO: A canção “Para Lennon e McCartney” imagina um diálogo entre músicos latino americanos e anglo-saxões. Os dois cantores citados no título tornam-se uma metonímia de toda a indústria musical do eixo Europa/EUA. Nessa composição, a condição simultânea rural e urbana que compõe o espaço da periferia permite que o sujeito da experiência persista na modernidade. A voz do narrador experiente confronta todo o projeto de identidade supostamente coerente da metrópole, baseado no acúmulo de informação. PALAVRAS-CHAVE: Identidade, Globalização, Experiência, Música Popular. ___________________________________ ABSTRACT: The song "Para Lennon e McCartney" imagines a dialogue between Latin American and Anglo-Saxon musicians. The two singers mentioned in the title symbolize the entire music industry from Europe and United States. In this composition, the simultaneous rural and urban condition of poor countries allows the permanence of the experienced person in modernity. The voice of the experienced narrator confronts the coherent identity project from people in North metropolis, based in accumulation of information. KEYWORDS: Identity, Globalization, Experience, Popular Music.

Este trabalho é parte integrante de um projeto de investigação e tem como objetivo demonstrar a competência do Design para ler e interpretar os materiais e os processos de um contexto produtivo, para criar produtos sustentáveis, criativos e inovadores. Nomeadamente, trata-se da escolha de desenvolver produtos de alta prestação no âmbito dos instrumentos musicais. Em termos metodológicos, utiliza-se o método de co-design para fundamentar o desenvolvimento de uma componente de uma trompete. O ciclo produtivo complexo de uma componente de um instrumento musical pode trazer benefícios, quer para o processo, quer para os atores envolvidos – artesãos, designers, músicos e pequenas indústrias. Com esta investigação espera-se demonstrar que o designer responsável é capaz de deslocar e orientar experiências, rentabilizando processos já existentes a favor de novos produtos. A criação de uma campana para uma trompete orientada, quer para as problemáticas relacionadas com as performances acústicas e musicais, quer para a temática inovadora de criar um instrumento de sopro no âmbito dos metais, torna esta investigação importante para demonstrar novos âmbitos de desenvolvimento sustentável que abrangem as áreas da música e do design.