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A principios de los años 60, el cineasta y antropólogo francés Jean Rouch inventó, con la colaboración de Maria Mallet, mujer del célebre mimo Marcel Marceau, una serie de “técnicas corporales para la filmación cámara en mano” que bautizó como gimnasia fílmica (Guéronnet 1988). Este conjunto de técnicas, inspiradas en disciplinas diversas como el yoga, las artes marciales o la mímica, fueron concebidas con el principal propósito de dotar de mayor resistencia física, así como fluidez, a los movimientos del cineasta camera-man durante la experiencia de rodaje. La gimnasia fílmica empezó a enseñarse de forma regular por parte del propio Rouch, a partir de 1962, dentro de los estudios de Antropología Visual en el marco de la Universidad Paris X Nanterre. Si bien desde el territorio de la Antropología Visual, básicamente desde el entorno de origen de esta particular disciplina gimnástica, se han dedicado algunas breves publicaciones a su aparición y enseñanza (Ehrhard 1975; Sherman 2018; Buob 2020), desde los estudios cinematográficos apenas se encuentra mención o apreciación alguna a propósito de ella. Cuestión que, como se abordará desde el posterior análisis, resultaría reflejo sintomático de cómo la teoría cinematográfica, aunque con frecuencia se haya interesado por el estudio del cuerpo filmado, apenas haya entrado en consideración a la potencial interrelación entre práctica corporal y creatividad filmante. A través del estudio de las interconexiones entre técnicas corporales y práctica artística que produjo el nacimiento de la gimnasia fílmica se propone acercar al terreno humanista de las Ciencias de la Actividad Física y del Deporte un nuevo campo de reflexión que ayude a entender la enriquecedora interdependencia entre las técnicas de entrenamiento corporal, lo tecnológico y lo artístico cuando el cuerpo mismo del cineasta se presenta como herramienta y vehículo para la experimentación cinematográfica y el diálogo con los otros filmados.

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Num amplexo disciplinar que envolveu várias áreas do saber, o projeto MAS incidiu na produção e realização de oito objetos fílmicos consubstanciados em excertos do livro As Pequenas Memórias de José Saramago, onde perpassam paisagens, gentes e afetos da aldeia ribatejana que o viu nascer. Estas curtas-metragens foram pensadas como dispositivo de mediação entre o passado memorial e um presente vivencial, entrecruzando memórias de infância do nobilizado com memórias das pessoas que o recordam e se recordam, reconstruindo na memória o lugar/Azinhaga como património cultural. A exibição das curtas-metragens teve lugar na Azinhaga para um público maioritariamente local, de diferentes gerações, cumprindo a sua função mediadora entre a obra artística e o contexto territorial e patrimonial, tornando-se um espaço de reflexão intercultural e intergeracional.

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Resumo: Fotoetnografia faz 25 anos. O meu próprio trabalho constitui-se em um apanhado de mais de duas décadas de atividades acadêmicas para o desenvolvimento e conceituação do termo Fotoetnografia, quando em minha pesquisa de mestrado (UFRGS 1996) e depois retomado no doutorado (Universidade de Paris 7 Denis – Diderot 2002). No presente artigo, em forma de memorial, apresento atividades ainda anteriores aos anos noventa, que sempre apontaram no sentido de atividades multidisciplinares que culminaram nesse conceito hoje amplamente utilizado sobretudo no campo das ciências sociais. Palavras-chave: Fotografia. Antropologia. Fotoetnografia. Antropologia visual. Abstract: Photo-Ethnography is 25 years old. My own work constitutes more than two decades of academic activities for the development and conceptualization of the notion of Photo- Ethnography, starting in my Master's research (UFRGS 1996) and later in the Doctorate (Université Paris 7 Denis Diderot 2002). In this article, that takes the form of a memorial, I present activities even before the nineties, which always pointed towards multidisciplinary activities that culminated in this concept that is now widely used, especially in the field of social sciences. Keywords: Photography. Anthropology. Photoethnography. Visual anthropology.

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El objetivo del artículo es indagar sobre las iniciativas audiovisuales de la indigenidad en varios contextos socioculturales, particularmente de América Latina y Colombia. Para cumplir con ello, se hace una revisión de la literatura sobre medios audiovisuales ⁠desde la antropología visual, los estudios culturales y otros enfoques analíticos, así como desde las voces de los realizadores indígenas con experiencias audiovisuales emergentes. Estas contribuciones revelan construcciones identitarias que están en constante transformación, demandando la creación de nuevas representaciones a contrapelo de los estereotipos que hasta entonces se han hecho de la indigenidad. Desde las experiencias latinoamericanas emergentes se destacan diversos relacionamientos sociales y redes colaborativas que se adhieren a un potencial creativo cada vez menos dependiente de las instituciones. En esa línea se perciben, por lo menos, dos tendencias que trazan esas rutas de los procesos audiovisuales amerindios: por un lado, aquellos que usan los medios audiovisuales como instrumento para maniobrar o gestionar las desigualdades sociales y situaciones políticas adversas; por el otro, los procesos artísticos que deconstruyen las imágenes de las representaciones históricas dominantes de la etnicidad a través de la tecnología audiovisual. Al final, el texto propone una reflexión sobre mirar la amerindianidad como un diálogo entre diferentes percepciones culturales, en el cual las visualidades le devuelven el valor a lo simbólico y a lo comunitario.

Resumo Este artigo pretende discutir as possibilidades de desenhar com a câmera fotográfica, como propõe minha interlocutora, Evelyn Torrecilla, a partir de sua experiência na terapia Arte Org. Foi praticando essa terapia, que Evelyn encontrou um modo de fazer fotos desenhando linhas com a iluminação ambiente, por meio de um acoplamento entre gesto e visão, tal como o ato de desenhar. Esta prática permite propor questões às definições de Tim Ingold e Michael Taussig sobre o desenho e a fotografia, bem como refletir sobre dobras e contágios entre diferentes formas expressivas ou grafias, como vêm fazendo Suely Kofes, Karina Kuschnir, Aina Azevedo, Amanda Ravetz, Anne Grimshaw e Phillippe Dubois, entre outros. Nessa discussão com diferentes referências, pretende-se mostrar como acepções etnográficas estão mais abertas a novas emergências do desenho e do fazer fotográfico do que definições canônicas e atemporais.

O convívio e a proximidade com as pessoas em situação de sem-abrigo residentes no Centro de Acolhimento Emergência Municipal (CAEM) de Santa Bárbara, na freguesia de Arroios, em Lisboa, nos possibilitou perceber que este grupo vulnerável (social, financeira e psicologicamente), marginalizados e excluídos socialmente, têm em comum relações de valor simbólico significativo com seus objetos pessoais. Com o objetivo de estudar a história social das coisas que eles carregam, os seus significados e a estrutura das trajetórias dessas relações sociais, bem como a construção de valores e significados, este estudo pretende entrevistar um grupo de residentes e registar através da imagem os seus objetos pessoais, a fim de desenvolver uma exposição que nos permita investigar o sentido dos objetos no interior da história de vida desses indivíduos. Por meio de entrevistas semi-estruturadas e registo fotográfico, queremos contar traços da biografia de pessoas em situação de sem-abrigo e dos seus objetos, para atuar como um estudo que aproxima a comunidade académica a este grupo social e promove reflexões sobre as ligações singulares e simbólicas com as coisas materiais.

No encontro de Jean Rouch com Manoel de Oliveira, este situou-o e situou o seu cinema como mais africano que europeu e Jocelyne Rouch identificou-o com o título do filme Moi, un Noir (Eu, um Negro; Rouch, 1958) — é ele. Rouch é também engenheiro de pontes e estradas. Não admira, pois, que a poética do ferro e do aço esteja presente no seu cinema, ao lado de Manoel de Oliveira. As pontes e os caminhos de Rouch são também entre pessoas, culturas, sociedades. É, pois, notável a relação do real como imaginado nos seus filmes — o fascínio pelos rituais autênticos dos dogon e os fenómenos de possessão e uma antropologia moderna virada para as pessoas deslocadas, migrantes que viviam em grandes cidades, e para a vida urbana. Procuramos abordar neste texto quatro dimensões do percurso de Jean Rouch: situá-lo no contexto do filme etnográfico, revisitar os arquivos de Chronique d’un Été (Crónica de um Verão; Rouch & Morin, 1960) 50 anos depois de sua realização, o encontro de Rouch com os dogon e a “poética do ferro e do aço” partilhada com Manoel de Oliveira, remetendo para sua dimensão de engenheiro, cineasta e antropólogo, consciente de que ficaram de fora dimensões igualmente importantes, mas que não cabem nesta reflexão.

The present visual essay puts into play the contemporary celebration of the "Robigália" - an ancient agricultural Roman festival, and the way it is celebrated in Vila Pagã's polytheistic shrine, located in the countryside of the José de Freitas (PI) municipality. The festivity, contained within the Piaga paganism's liturgical calendar, happens during April and emphasizes the agrarian quality of the rainy and hot season in Piauí's during which the cultivated crops become a medium at the same time sacralized by the god Robigus' blessings - which protects the fields and tillages, and threatened by the deity's malign aspect - which can jeopardize the crops, bringing forth plagues, rust and mold. The offering of garlands and corn-based dishes, which are consumed during the celebration, are the gifts that activate Robigus' benevolent aspect, and the burning of its scarecrow - the ritual's apex, is the very immolation of the honored deity's malign aspect. In that regard, the pictures presented here suggest an imagetic perspective of this deity's mobility through the local practices of a religion integrated into the transnational Contemporary Paganism network. Furthermore, those images follow the creation of new sacred places for ancient religions and their various effects of meaning, indicating ways of viewing the protagonism of the place in which the religion is materialized, since "it is Robigus who comes" form a Roman origin but is (re)located in the Piaganismo practices in Piauí. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Resumo No ano de 2021 comemora-se o aniversário de 25 anos da fotoetnografia. Para celebrarmos um quarto de século da emergência desse campo no âmbito da antropologia visual, realizamos uma entrevista com Luiz Eduardo Robinson Achutti. A entrevista está estruturada em torno de três tópicos. O primeiro dialoga sobre a trajetória profissional e acadêmica do entrevistado; o segundo aborda aspectos teóricos e metodológicos da fotoetnografia e o terceiro apresenta um balanço dos desafios e perspectivas desse conceito para os próximos 25 anos.

Este artigo tem por objetivo interpretar, sob a perspectiva da antropologia visual, dos filmes documentários “Brazil, a report on torture” e “No es hora de llorar”. Ambas produções foram realizadas no Chile em 1971, mas abordam e, sobretudo, encenam a tortura sofrida por militantes brasileiros durante a ditadura militar (1964-1985). Assim, por meio da descrição das sequências fílmicas em que há tais encenações, pretendemos evidenciar alguns efeitos de sentido, indícios de uma cultura, sociedade e de um tempo no qual a prática da tortura era institucionalizada.

Este texto pretende ofrecer una breve historia del documentales etnográfico, desde sus inicios hasta la actualidad. Además, vamos a incursionar en el cine etnográfico en Brasil, el aumento de las producciones más influyentes. Desde este punto de vista histórico, hay una reflexión sobre el lenguaje audiovisual, estudiar conceptos como el documentales y la ficción, ethnofiction, la improvisación, funciones de la cámara, profilm y finalmente sus relaciones con la antropología y el método etnográfico.

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I have photographed the materialities of devotion to Our Lady as an exercise to understand Catholic devotional practices and this visual essay brings together a selection of Virgin Mary images in the Netherlands. In this case, the ethnographic work led to a contrast with the materialities in my usual fieldwork because it is a secularized European country with a Protestant tradition that leaves little room for this kind of devotion. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

O artigo revisita a obra de Pierre Verger para analisar as condições de formação do seu olhar, acompanhando-o desde a França até o Brasil, o Benin e a Nigéria. Com apoio na literatura especializada, analiso os usos sociais da fotografia e abordo quatro modulações da alteridade expressas pela fotografia de Verger e de seus contemporâneos: indo da tipificação científica-moderna; passando pelo objeto de interesse etnográfico/antropológico; seguindo pelo englobamento da perspectiva religiosa e ritual; até o tratamento estereotipado do candomblé pelo mercado editorial. Considero, enfim, a contribuição de Verger para a transformação da cultura visual associada aos cultos afro no país.

Currently, different forms of ritual participation in romeria converge. Both the promotion of celebrations and the exhibition of experiences through digital media and social networks, transcends the locus of celebration, projecting itself in a virtual space. From this, new formulas of participation arise that also affect the meaning of the religious and community experience. The confluence between the different experiences (religious, tourist and virtual) can generate tensions at the different levels and spaces of participation. The romeria of Santa Marta de Ribarteme (Pontevedra) is one of these cases. This article will explore the tensions and conflicts between the different conceptions of the celebration for devotees, tourists and virtual spectators. The aim is to intuit possible modifications in the communitarian practices and experiences of the ritual. RESUMEN: En las romerías actuales confluyen diferentes formas de participación ritual. El uso de medios digitales y redes sociales para promocionar la celebración y para exponer las vivencias de los actores sociales trasciende el locus de celebración, proyectándose a un espacio virtual del que surgen nuevas fórmulas de participación, que afectan al significado de la experiencia religiosa y comunitaria. La confluencia entre las diferentes experiencias (religiosa, turística y virtual) puede generar tensiones en los distintos niveles y espacios de participación. Este es el caso de la Romería de Santa Marta de Ribarteme (Pontevedra). En este artículo se exploran las tensiones y conflictos surgidas de las diferentes concepciones del ritual para devotos, turistas y espectadores virtuales, para entrever posibles modificaciones en las prácticas y experiencias comunitarias del ritual.

Ruth Matilda Anderson (1893-1983) was an American photographer who travelled from 1923 to 1967 to Spain employee by The Hispanic Society of America to document in more than 14000 pictures the rural society. This paper analyzes her work through her personal, artistic and research profile clearly defined by the principles of this institution and the image of Spain inspired by its founder Archer Milton Hungtinton. Contemporary readings of her legacy will also be evaluated as part of new reviews of popular culture in digital media. RESUMEN: Ruth Matilda Anderson (1893-1983), fotógrafa estadounidense, documentó la vida rural española entre 1923 y 1967 en más de 14.000 imágenes por encargo de la Hispanic Society of América. Este artículo analiza su obra de a través de su perfil personal, artístico e investigador, claramente definido por los principios de esta institución y la imagen de España inspirada por su fundador Archer Milton Hungtinton. También se evaluarán las lecturas contemporáneas de su legado como parte de las nuevas revisiones de la cultura popular en los medios digitales.

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O presente trabalho se propõe a interrogar, a partir de uma produção fotográfica e uma posterior digressão reflexiva, as relações existentes entre as ruínas do Centro Histórico de São Luís e os registros que, através de grafites e pichações/pixações, os jovens da periferia têm efetuado nas paredes, portas e janelas das casas históricas da capital do Maranhão, no Brasil. A metodologia utilizada para a produção e inventário das imagens da pesquisa se calca entre uma antropologia visual e uma antropologia da imagem. Do ponto de vista do modo de operar o pensamento, utilizo algumas ideias do filósofo Walter Benjamin (2012, 2009, 2013) sobre fotografia, rememoração e alegoria. Por fim, teço alguns comentários sobre os significados e potências estéticas/políticas dos grafites e pichações/pixações no Centro Histórico de São Luís – MA e a correspondência estabelecida com as ruínas do casario ali presente. O texto não se pretende revisionista dos temas relacionados ao grafite e pichações/pixações ao patrimônio, mas um ensaio crítico no tocante a como as artes visuais operam no contexto da correspondência entre abandono e apropriação do espaço público.

Jean Rouch desenvolveu em sua obra fílmico-etnográfica um novo modo de se fazer cinema e antropologia, fornecendo possibilidades para ambos os campos. Este artigo busca, através de um estudo em antropologia visual, apresentar os modos como os filmes documentários de Robert Flaherty e Dziga Vertov influenciaram o trabalho de Jean Rouch, além de demonstrar as principais características e filmes de Jean Rouch e os conceitos desenvolvidos em sua obra. Portanto, este trabalho tem a intenção de ser uma introdução ao cinema etnográfico rouchiano, de modo a possibilitar um primeiro contato com a obra deste antropólogo-cineasta.

No universo de materialidades das folias de reis, entre chapéus enfeitados de fitas, coloridas vestimentas, instrumentos musicais e bandeira sagrada, as máscaras usadas pelos palhaços ocupam lugar de expressiva beleza e ambiguidade. O presente ensaio audiovisual tenta demonstrar que há um compromisso geracional envolvendo essa figura. Reunimos imagens de mascarados de várias idades: crianças, adolescentes, jovens, homens em idade adulta e idosos. A ideia é mostrar como essa figura singular tem exercido importante papel na peretuação do ritual, uma vez que há um compromisso assegurado de geração em geração.

Este artigo analisa o cinema de Adirley Queirós tomando seu primeiro longa metragem, A cidade é uma só? (2013), como fio condutor da interpretação. Seu cinema, situado entre Brasília e Ceilândia, sitia lugares e espaços naturalizados, dessubstancializa conceitos como os de localidade, periferia, identidade, memória, finitude, história, arquitetura, ficção, documentário. Seu cinema evoca diálogos fecundos através de figurações da alteridade, da distopia, da entropia em cenários urbanos posmetropolis, em que se percebe a insurgência das cidades satélites enquanto lócus de contestação e crítica a projetos, tão redentores quanto autoritários, como os propostos pela ideologia modernista que planeja e institui Brasília, nos anos 1950 e 1960, no Brasil central.

Starting from an analysis of a series of photographs taken in the Royal Navy expeditions to the Pacific in the nineteenth century, this essay examines the theatrical and performative aspects of photography, suggesting that it can be used as a heuristic device in historiographical exploration. The author points that the photographical frame has a “heightening effect” that forces images into visibility while creating points of fracture that forces a concentration of semiotic energy in the edge of the photograph, making the viewer conscious of what lies beyond the image, allowing thus a confrontation of the generalizing historical narratives. The framing also intensifies the tensions contained in the very act of making photography, and allows, through the performance of the bodies in-side the image, a confrontation of the historical narrative imposed on them (a colonial narrative, in this case). [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Una polémica en torno a fotografías publicadas en revistas de Colombia y España, brinda la posibilidad de pensar el racismo y el clasismo desde modelos de semántica cognitiva y presupuestos fenomenológicos que ahondan en las condiciones de constitución del sentido (sea o no racista o clasista), y sobre todo de la constitución de la alteridad y la otredad en contextos modernos de consumo.

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Nos anos 1997 e 1998 acompanhei as rodagens dos filmes Esta é a minha casa e Viagem à Expo de João Pedro Rodrigues e, em 2010, uma parte das rodagens dos filmes Alvorada Vermelha e A última vez que vi Macau, de João Pedro Rodrigues e de João Rui Guerra da Mata. Em ambos os casos, tomei a experiência de participação na equipa de rodagem como um trabalho etnográfico. Com este texto pretendo fazer uma apresentação do modo de fazer antropologia que esteve na base dos textos que, partindo da referida experiência, escrevi posteriormente. A meu ver, o cinema de João Pedro Rodrigues acede ao real no interior de um modo de descrição que opera por integração nas/das forças que o constituem. Nesse sentido ele assemelha-se às descrições de alguns antropólogos. Mas, tal como no caso destas, a descrição contém já uma interpretação, e essa é indissociável do seu autor. Usando as descrições do cineasta, eu acedi por isso a uma parte do real que de outro modo me estaria vedada. A minha descrição antropológica foi sujeita a uma dobra, visto que trabalhei a partir de uma descrição, feita por um cineasta, daquilo que eu própria havia observado. [...]

Este artigo analisa a produção social do espaço público da cidade de São Paulo a partir da leitura das intervenções gráficas, como graffiti e pixação. Através de uma abordagem antropológica urbana e visual buscamos os vínculos e relações entre as intervenções gráficas e a constituição e organização do espaço público urbano. Com o foco nas intervenções gráficas, em seus suportes por excelência, os aparelhos arquitetônicos urbanos, nos colocamos à disposição dos encontros e desencontros cotidianos pela cidade, para revelar alguns traços das relações entre autor, obra, público e a própria cidade. A argumentação segue no sentido de que as relações cotidianas em torno das intervenções gráficas, marcadas pela tensão entre transgressão e controle, revelam a sobreposição de versões distintas da cidade, da São Paulo vista e da São Paulo imaginada, em que o edificado da paisagem urbana é atravessado por construções simbólicas efêmeras conferindo outra textura e sentido social à cidade de São Paulo.

This article aims at discussing possible ways of using photography as an instrument in ethnographic research in black communities. In order to do so, it takes the experiences of the "Autorretrato Nordeste - Quilombo de Alagoas" project as a starting point to reflect on the representation of black people in Alagoas' territory. Thus, considering that those pictures, which were created in a collaborative manner, serve as a valid database for researchers' analyses and interpretations, and that photographs also serve as means of self-reflection of their authors and the portrayed ones, this paper presents the narratives, the steps and the work process carried out in four remnant quilombolas communities, showing the way meanings in the representation of narratives concerning quilombola's quotidian, culture, memory and identity are built. [ABSTRACT FROM AUTHOR]