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Nous essayons de définir l’horizon de la pensée de Jean Starobinski en rendant compte de manière commentée des deux langages de la modernité. Jean Starobinski entre littérature et science, par Aldo Trucchio publié par BHMS en 2021. C’est un essai qui tente d’identifier la pensée de Starobinski, qui se base sur l’histoire du chevauchement entre le langage médical et la question littéraire et philosophique à travers les âges et sur la tentative de revaloriser certaines formes d’expression telles que la littérature, façonne d’autres facettes de l’art. Son approche est « sage » et s’affranchit de toute méthode réductionniste.

L’article se propose de revenir sur l’itinéraire d’un genre ayant marqué l’histoire de la presse et de la littérature mexicaine : le roman feuilleton. En partant des textes fondateurs du genre, il montre comment ont été actualisées dans la littérature contemporaine certaines stratégies emblématiques du genre, dont la réception ambivalente a toujours oscillé, entre, d’une part, le rejet, voire le mépris, et, d’autre part, un accueil enthousiaste, de la part du public. L’article s’appuie sur le roman Ángeles del abismo (2004) d’Enrique Serna, emblématique des questionnements posés par cette réappropriation contemporaine de techniques caractéristiques d’un genre littéraire décrié, d’une part parce qu’il s’inscrit dans une filiation aisément identifiable, celle du folletín, mais surtout parce qu’il choisit de mêler littérature « populaire » et littérature « savante » : dès lors, il conviendra de voir quels sont les effets et les motivations de ce mélange des genres, qui, dans leurs collisions, ouvrent de nouvelles possibilités d’expériences esthétiques.

Introduction au dossier "Les écrivains-paysans (XXe-XXIe siècles)

Léon Cordes (1913-1985) est imprégné d’un héritage culturel où se mêlent, de Minerve à Argeliers, le souvenir des cathares, la Croisade menée contre eux au XIIIème siècle, et, tout proche, celui de la révolte vigneronne de 1907. Dès les années 1930, il prend part à l’éclosion d’un occitanisme entièrement renouvelé, aux côtés de Charles Camproux, puis de Robert Lafont et Max Rouquette. Auteur de théâtre et rédacteur de revues, poète sensible, il revendique le profil singulier d’un paysan viscéralement lié à sa terre, mais maîtrisant toutes les disciplines littéraires pour s’engager par la création dans la défense et le développement d’une langue et d’une civilisation occitanes passionnément vécues. Le présent article, né de l’admiration et de l’amitié, s’efforce de restituer les grandes étapes d’un parcours insuffisamment reconnu, celui d’un écrivain-paysan dont le profond enracinement s’est accompagné d’une ouverture délibérée à la modernité. Resumit Léon Còrdas (1913-1985) es impregnat d’un eiretatge cultural ont se mesclan, de Menerba a Argeliers, lo sovenir dels catars, de la Crosada menada contra elis al segle XIIIen, e, tot proche lo de la granda revolta vinhairona de 1907. Tre las annadas 1930, participa a l’espeliment d’un occitanisme completament renovat, amb Carles Camprós, puèi Robert Lafont e Max Roqueta. Autor de teatre e redactor de revistas, poeta sensible, se reclama del perfil singular d’un païsan viscèralament ligat a sa terra, mas mestrejant totas las disciplinas literairas per s’engatjar al mejan de la creacion dins la defensa e lo desvolopament d’una lenga e d’una civilisacion occitans viscudas amb passion. Aquel article, nascut d’admiracion e d’amistat, vòl far reviure las grandas estapas d’un trajecte pas pro reconegut, lo d’un escrivan-païsan que son enrasigament prigond es ligat amb una dobertura volguda a la modernitat.

Entretien avec Jean-Pierre Rochat

L’entretien avec Stanislao De Marsanich porte sur les Parcs littéraires en Italie. Les Parcs s’organisent autour de la biographie d’un écrivain et des lieux de ses textes en proposant des parcours littéraires dans des espaces formant un écosystème pluriel. Cet écosystème varie en fonction de l’identité spécifique de chaque parc lié à un auteur précis, mais il comporte le plus souvent des lieux domestiques (comme les maisons où ont vécu et travaillé les écrivains), des structures patrimoniales et muséographiques, des sentiers au cœur de la nature, des expositions, des manifestations culturelles et des infrastructures d’accueil pour les visiteurs.

Avec cette contribution nous tenterons d’apporter quelques éclaircissements sur la manière dont les lieux mémoriels exercent, indépendamment du passage du temps, une influence encore active sur les deux frères Bellocchio, Alberto et Marco, et par conséquent sur leur travail littéraire et cinématographique. Premièrement, nous retracerons les étapes fondamentales de leur biographie puisqu’ils s’en inspirent directement pour la création de leurs œuvres. Par la suite, nous nous concentrerons sur la réalité familiale des Bellocchio, sur les lieux qui les ont vus naître et grandir et sur la façon dont ils sont transposés dans leurs productions. Enfin, nous parlerons de la création par Marco Bellocchio de la Fondazione Fare Cinema et du Bobbio Film Festival, à savoir des éléments de promotion culturelle pour le village de Bobbio, centre de la mémoire familiale et de l’œuvre des frères Bellocchio.

Les romans Contrabando de Enrique Serpa (1938), To have or have not, de Ernest Hemingway (1937), et la nouvelle de Lino Novás Calvo Long Island (1942) partagent le même cadre spatiotemporel, le Détroit de Floride à l’époque du Machadato et de la Prohibition, et la même thématique des divers trafics qui relièrent les deux rives. Cet article se propose de mettre en évidence les multiples affinités, textuelles et extratextuelles, qui relient ces œuvres entre elles, mais aussi avec le genre du « polar » qui connut son âge d’or dans ces années trente. De montrer par là-même qu’elles ont pu poser les bases d’un « polar caribéen ».

Azul mortal répond à un défi formel : écrire, dans le sillage démystificateur du néopolicier latino-américain, un roman noir atypique. En raison du statut original du détective – un exilé blasé et inexpérimenté –, du caractère personnel de l’enquête et du traitement inattendu de la violence, cette dernière appartenant au passé. Ce qui n’empêche nullement que l’on assiste à une lutte obstinée contre l’impunité (mâtinée d’humour et emplie d’humanité).

Les textes Le Chasseur de lucioles de Janis Otsiemi (2013) et Perdre le corps de Théo Ananissoh (2020) s’inscrivent tous deux dans une démarche de réactualisation du discours littéraire africain sur la ville. Celle-ci passe du statut d’élément de narration subsidiaire à celui de figure prépondérante autour de laquelle se construit la narration. S’émancipant l’un et l’autre du carcan générationnel de la représentation de la ville au travers du prisme des lieux institutionnels (palais présidentiel, camp militaire, prisons, hôpitaux, asiles psychiatriques, etc.), nos auteurs nous invitent à une lecture de la ville revisitée. Ils construisent grâce au mode de la perception l’image d’une ville moins « générique », dont les contours sont très peu définis, a contrario de ce que produirait une carte géographique. Il émerge ainsi une ville plus à soi, émanant d’une vision plus intimiste des lieux décrits. À l’aide des principes de la géocritique de Bertrand Westphal et par la lecture du mouvement dérivationnel des protagonistes, il conviendra d’étudier les modalités nouvelles de cette représentation, ainsi que le positionnement des auteurs en rapport à l’espace décrit.

En réponse à l’identification « par autrui » subie par les peuples kichwa et shuar pendant le processus de colonisation, la poésie d’auteurs autochtones équatoriens revendique une identité pour soi par le biais d’un processus d’affirmation identitaire. Enraciné dans la « blessure coloniale », ce processus qui vise à dépasser l’« insécurité identitaire » passe dans l’écriture par différentes étapes. D’abord celle de l’auto-identification par la définition, puis celle d’une auto-affirmation différenciée et hétérogène. Ce processus inclut l’élaboration d’un triple discours : celui de la dignité et la décolonisation de l’être, celui de la différence, et celui de la libération.

Le présent travail se propose d’analyser la place du texte littéraire dans le Cadre Européen Commun de Référence pour les Langues, document qui représente le fondement théorique pour l’élaboration de programmes pour les langues étrangères étudiées en Europe. L’enseignement de la littérature à l’école est une façon de faire naître le plaisir de lire en français, d’éveiller et travailler l’imaginaire enfantin, de développer la sensibilité esthétique et affective des élèves et d’aider les enfants à s’exprimer et à se construire en tant que personnes. Nos réflexions portent sur ce que l’enseignement de la littérature, aux jeunes lecteurs, en classe de FLE, suppose aujourd’hui : la formation, l’implication et l’adaptation des enseignants, les programmes de français langue étrangère, les manuels de FLE, les pratiques pédagogiques et les ressources proposés par les officiels de l’éducation.

La présente contribution vise à fournir des considérations méthodologiques et des activités didactiques concernant l’exploitation pédagogique de la bande-annonce de la série « Lupin », diffusée sur Netflix depuis janvier 2021. L’utilisation didactique de la vidéo est accompagnée d’un court extrait du roman Arsène Lupin gentleman cambrioleur de Maurice Leblanc, afin de confronter les deux caractérisations du protagoniste. Les activités proposées, adaptées à un niveau de langue intermédiaire, visent à contribuer à l’amélioration des compétences communicatives et à l’exercice des compétences tant productives que réceptives.

L’élection de Raúl Alfonsín le 30 octobre 1983 et son accession à la présidence de la République Argentine le 10 décembre de la même année mettent un terme, sinon à la violence, du moins à la répression institutionnelle, instaurée bien avant que les militaires ne prennent le pouvoir le 24 mars 1976. Cette dictature est couramment associée aux termes « disparu » et « vol de bébés », questions dont la littérature et le cinéma se sont rapidement appropriés, d’autant plus que bon nombre des victimes directes de la dictature ont été des adolescents et des enfants dont les parents ont été assassinés et à qui on a volé l’identité. Spectateur, acteur impuissant des événements, souvent victime directe ou indirecte de ces mêmes événements, l’enfant est le témoin impuissant des bouleversements qui ont affecté son entourage et sa construction comme individu. Ce travail propose une analyse de l’évolution de la présence de l’enfant dans la production littéraire et cinématographique argentine depuis le milieu des années 1980.

La claustration, l’isolement dans l’espace clos de la lettre a représenté depuis toujours un défi pour les critiques littéraires qui ont essayé de mieux identifier les buts de cette écriture protéiforme, comme un caméléon, faisant référence à l'expérience de réciprocité impliquée dans les échanges épistolaires pragmatiques. L’objet de cette recherche est de démontrer que la lettre d'amour pourrait être un genre littéraire, en tant qu'avant-texte, laboratoire des œuvres littéraires futures, nous fournissant des clés d’interprétation pour les énigmes qui ne sont pas encore déchiffrables par la critique littéraire. Cette démarche nous a mis dans l’embarras du choix devant une littérature épistolaire extrêmement riche et c’est la raison pour laquelle nous avons choisi d’y exploiter la Correspondance de Madame de Sévigné, ces quelques mille-deux-cents lettres caractérisées par un style naturel et spontané, lettres adressées à sa fille, la Comtesse de Grignan. L’enjeu de cette démonstration est de traiter les différentes manières d’écriture épistolaire: au fil de la plume ou à la hâte, ayant de différents buts, comme par exemple abolir la distance physique ou choisir une forme de communication élaborée. Loin d’être une présentation exhaustive, ce travail n’est qu’un point de départ, une porte entrouverte vers un domaine à la fois complexe et fascinant.

Le présent travail ne se propose pas de parler des méthodes d’enseignement du FLE. Ce que nous nous proposons ici c’est de rendre compte de notre expérience d’enseignement en ligne en tant qu’enseignantes à l’Université de Pitesti (Roumanie), dispensant des cours et des séminaires de littérature française pendant la période de confinement. Il s’agit plus précisément des cours et des séminaires à des étudiants en lettres, mentions « Langue et littérature roumaines - Langue et littérature françaises » et « Langue et littérature anglaises – Langue et littérature françaises ». Nos réflexions portent sur ce que l’enseignement en ligne de la littérature a supposé en termes de défis, de moyens, de résultats et finalement de changements au niveau des pratiques pédagogiques.

Le riche dialogue intertextuel avec les classiques de tous les temps a été entendu par les auteurs de Disney Italia comme une pratique de cannibalisation des sources ; par ailleurs, la confrontation prolongée avec la dimension littéraire a laissé une empreinte indélébile sur les Grandi Parodie Disney : elles ont acquis une densité textuelle inédite dans l’ensemble des bandes dessinées Disney, en se connectant aux grandes matrices narratives où le monde plus vaste de la fiction plonge ses racines. Paperin furioso (« Donald furieux ») constitue en 1966 un cas paradigmatique de parodie encadrée : celle-ci grandit à l’ombre du chef-d’œuvre de l’Arioste et entretient un dialogue constant et souterrain avec son hypotexte, dont elle se nourrit constamment. Si, dans le rapport entre l’organisme de départ et le système mythique disneyien qui le réinterprète, les lignes de force se déploient en général pour le bonheur de la structure d’arrivée, le mécanisme qui gouverne le comique dans le Paperin furioso est toutefois un mouvement conscient qui, au moment où il élude les références les plus rassurantes de l’univers littéraire, produit aussi quelques éclatantes infractions aux règles qui gouvernent le monde des « ducks », dans ce que nous pouvons considérer comme une attitude autoparodique.

L’article examine un cas de processus parodique au sein d’une production de bande dessinée sérielle. Dans les célèbres Grandi Parodie Disney parodiant les classiques de la littérature, la parodie se présente comme une « hybridation » de mécanismes distincts : l’adaptation transmédiale et la reprise sérielle. Ce double processus simultané est particulièrement évident quant au système des personnages, auquel la recherche se limite ici. Après avoir précisé les coordonnées théoriques de cette forme particulière de création parodique, on examine le corpus spécifique des parodies Disney tirées de Dante. La perspective adoptée permet de faire émerger de nouveaux éléments dans l’interprétation de chaque œuvre, mais aussi de mettre au jour la variété des résultats des processus parodiques pris en considération, et de définir de façon détaillée certaines des solutions créatives les plus récurrentes dans le corpus général des Grandi Parodie.

Sorti en 2010, le jeu vidéo Dante’s Inferno développé par Visceral Games se présente comme une adaptation de l’Enfer de Dante. Le joueur contrôle un Dante Alighieri transformé en chevalier des croisades pécheur qui entre en Enfer pour libérer l’âme de Béatrice des griffes du diable. Son parcours est une succession de combats contre de petits ennemis et contre des monstres gigantesques dans lesquels on reconnaît de nombreux personnages du poème, et chaque cercle est un niveau au sens ludique qui présente autant d’énigmes et de pièges divers correspondant à la thématique dominante. Même si le jeu présente une forte proximité avec le texte de Dante, on ne peut que remarquer l’apport des éléments ayant trait à l’horreur ainsi que la déformation de la lettre par les mécanismes ludiques appartenant au genre du beat’em up. Le but de cet article est donc de se demander si l’adaptation vidéoludique du premier tome de la Commedia ne se comporte pas en réalité comme une parodie de l’œuvre de Dante.

L’intérêt des intellectuels et des écrivains pour le cyclisme remonte à l’époque des premiers voyages en bicyclette entre le xixe et le xxe siècle, à la suite desquels ils ont raconté leurs expériences et leurs réflexions dans des livres, dont ils sont les protagonistes principaux. Mais, au cours du xxe siècle, avec la naissance du cyclisme professionnel et de courses à étapes comme le Tour de France et le Giro d’Italia, la perspective par laquelle la littérature observe le cyclisme change. À partir de ce moment-là, mais surtout autour de la moitié du siècle, les écrivains sont appelés par plusieurs journaux à relater les courses des cyclistes non pas tant du point de vue sportif que du point de vue de la “couleur”. Dans leurs récits, en effet, en mettant notamment l’accent sur les lieux, les histoires, les souvenirs, les curiosités et les protagonistes liés à certains événements, ils contribuent à rendre plus vives et évocatrices la chronique des courses et l’atmosphère sociale et culturelle, qui les entoure et règne dans le Pays où elles se déroulent. Dans cette optique, dans notre article nous nous occupons de certains écrivains de la “couleur” qui, tels Pratolini, Gatto, Buzzati et Barthes, ont décrit le rapport entre cyclisme, littérature et vie nationale. En partant de leurs textes et en analysant en particulier les textes journalistiques et narratifs de Gianni Mura, nous nous proposons de réfléchir sur les représentations et les considérations qu’ils font des voyages cyclistes et existentiels entre chronique sportive, passion civique et engagement culturel.

En étudiant ce problème, nous avons découvert que le texte littéraire peut être une source de connaissance ou un moyen de motivation et qu'il remplit différentes fonctions. Nous avons recueilli des données après avoir utilisé des textes littéraires pendant les cours de français avec les apprenants de trois niveaux de maîtrise (A1-B2) de la langue française. Les professeurs qui ont participé à notre expérimentation ont proposé des solutions pratiques du problème. Nous avons essayé d'analyser l'importance et l'efficacité de l'utilisation des textes littéraires pendant les cours de français. Les recherches ont montré qu'une étude des textes littéraires pourrait contribuer à motiver la curiosité des étudiants et à leur faire découvrir le plaisir de la lecture.

À partir d’un corpus varié d’anthologies sportives, il s’agira d’analyser et de comprendre la nature du lien, sans cesse en évolution, entre littérature et sport au cours des soixante-dix dernières années. Dès le début du XXe siècle, nombreux sont les auteurs qui proposent des œuvres où le sport joue un rôle clé à différents niveaux : on perçoit ainsi que le sport n’est plus seulement l’objet d’une écriture journalistique, qu’il n’est plus confiné dans une presse spécialisée, mais que les portes de la littérature lui sont ouvertes et qu’il acquiert par là-même une forme de légitimité culturelle qui s’affirme au fil du temps.

Essai

À partir d’une étude de la presse de l’entre-deux-guerres, cet article interroge les limites des outils de l’analyse littéraire pour rendre compte du sensationnalisme journalistique. À partir de la notion de pacte de lecture, il s’agit de faire voir la nécessité d'un cadre théorique et analytique spécifique pour ce registre communicationnel qu’est l’information divertissante (ou « sensationnalisme »), en éloignant notamment de la notion de fiction, qui motive dans la plupart des cas, le recours à une grille de lecture poéticienne du texte de presse

Faut-il voir dans les années 1920 une période faste pour la littérature à thème rugbystique ? En effet, qu’ils soient auteurs reconnus ou simples journalistes sportifs, plusieurs écrivains se sont emparés des opportunités éditoriales de l’époque pour raconter des histoires de rugby. Au-delà de leur caractère anecdotique ou promotionnel, ces dernières constituent une véritable source d’informations pour étudier la démocratisation d’un sport qui, à Paris comme dans les grandes villes de province, encourageait la noblesse du jeu et l’élégance de ses champions par-delà les rivalités et autres soupçons d’amateurisme marron. Toutefois, la littérature étant aussi un moyen de dire et d’interroger l’expérience du premier conflit mondial, certains romanciers ont rapproché métaphoriquement le rugby et la guerre pour mieux réinterroger, a posteriori, le sens du « Grand Match ». L’analyse de ces pages littéraires souhaite apporter un éclairage original pour appréhender, autrement, l’histoire du rugby français au cours des Années folles.

Si l’on peut définir, de la manière la plus générale, une oeuvre d’art comme ‘expression d’un imaginaire, cette définition posa le problème du statut de la photographie lors de son apparition : document purement objectif ou potentielle forme artistique. Écrivains et critiques littéraires prirent part à ce débat, d’autant plus que des photos furent utilisées pour illustrer des livres, notamment des romans, à partir des années 1880. Cet article tente de confronter « l’imaginaire littéraire » à « l’imaginaire photographique » à travers des points de vues d’écrivains, critiques, philosophes et médiologues, afin de tenter de mieux comprendre leurs points de convergence et de divergence.

L’hétérotopie est un concept forgé pour la première fois par Michel Foucault et représente une localisation physique de l’utopie, liée à deux autres concepts : l’hétérologie et l’hétérochronie. L’hétérologie, c’est un discours sur l’« autre », tandis que l’hétérochronie est une sorte d’utopie temporelle. La littérature offre des exemples innombrables d’hétérotopies qui donnent la possibilité de réfléchir sur l’idée d’« altérité ». Cet article montre que le concept foucauldien d’hétérotopie peut être appliqué à La Nausée de Sartre, et se concentre sur une hétérotopie particulière qui est présente dans l’œuvre de Sartre : le jardin public.

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Cette contribution veut montrer comment les réflexions de Ferruccio Rossi-Landi (1921-1985), dont certaines inédites et présentées pour la première fois dans cette étude, enrichissent celles de Lucien Goldmann (1913-1970) sur les concepts d’idéologie, de réification et de vision du monde, permettant ainsi de comprendre l’usage possible de la sémiotique rossi-landienne à l’intérieur d’une sociologie matérialiste-dialectique de la littérature telle que Goldmann la concevait.

Un simple regard aux librairies généralistes, aux enseignes culturelles et aux rayons de supermarchés est suffisant pour déceler le phénomène : le marché de l’imaginaire fantasy, fantastique et science-fiction est aujourd’hui en pleine expansion. Depuis plus d’une décennie en France comme dans le monde, ces genres évoluent de manière importante : le lectorat de roman explose, les entrées cinéma en font de même, de multiples produits dérivés voient le jour, c’est l’explosion de la culture de l’imaginaire et avec en tête, le merveilleux comme figure de proue. C’est l’histoire et le développement de ces genres en France que cet article se propose de revenir.

Le transsexualisme nous entraîne vers des questions fondamentales : Qu’est-ce qu’un homme ? Qu’est-ce qu’une femme ? Ce sont ces mêmes questions que posent, dans l’espace fictionnel, les auteurs qui nous intéressent : Reinaldo Arenas (Cuba, 1943-1990), Copi (Argentine, 1939-1987), Pedro Lemebel (Chili, 1952-2015), Manuel Puig (Argentine, 1932-1990), Juan Pablo Sutherland (Chili, 1967) et Diego Vecchio (Argentine, 1969). Bien que, dans leurs œuvres, l’homosexualité masculine, le travestissement, le transformisme et, de façon plus générale, la représentation de personnages masculins efféminés, ambigus ou genderfluid, soient beaucoup plus présents que le transsexualisme proprement dit, il est clair que le thème du trans – pris dans un sens plus large et philosophique – traverse leurs univers dans une grande ligne de fuite et de déterritorialisation.

Reading Lolita in Teheran is an autobiographical novel. For two years (1979-1981) the author, Azar Nafisi, professor of Anglo-American literature in Teheran, every Thursday morning gathers, her pupils, seven young women, only women, in living room of her home, to read forbidden fiction authors: Nabokov, James, Austen, Fitzgerald. The meetings are clandestine because, under the Ayatollah Khomeini's regime, those books are considered the mirror of blasphemous western culture. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

L’article est une présentation du numéro 21 de la revue Italies, consacrée aux enfances italiennes du XIXe siècle au XXIe siècle, dans la littérature, la bande dessinée et le cinéma. La première partie du volume collectif porte sur la représentation de l’enfance dans la prose narrative et le théâtre, la deuxième est consacrée au rapport entre l’enfant et le poète, la troisième traite des enfances à l’image.

The British writer Rudyard Kipling left an extremely striking testimony of his visit to the Italian-Austrian front in May 1917. In the form of five articles of propaganda, published in English and American newspapers, the famous writer described the conditions of life and battle of Italian soldiers waging a ‘vertical’ war in the mountains. Indeed the writer-reporter, immersed in this strange mountainous landscape far away from his Indian homeland, combines the power of realistic writing, elements of natural history and zoological metaphors to describe the different protagonists in this war (the visual land scape), its smells (olfactory landscape) and its sounds (soundscape). Kipling also took the opportunity to build a history of representations of a fictitious Italianity.

Dans cet essai, mon propos consiste à examiner la manière dont le narrateur et essayiste martiniquais Édouard Glissant aborde l’étude de l’œuvre du romancier américain William Faulkner dans son livre intitulé Faulkner, Mississippi. L’accent est mis sur les liens qu’établit l’auteur avec d’autres écrivains caribéens et de l’Amérique latine ou même appartenant à d’autres régions soumises à la domination coloniale. Plus que les résultats concernant l’œuvre de Faulkner proprement dite, sont mis en relief la démarche de Glissant et l’ensemble des catégories analytiques qui permettent d´établir un certain nombre de liens entre ces analyses et ce que Glissant entendait par « Poétique de la Relation ».

Le texte analyse trois récits autobiographiques de l’écrivain martiniquais Patrick Chamoiseau. Ils racontent l’histoire d’un petit négrillon : son ambiance familiale, l’entrée à la maternelle puis à l’école jusqu’à la puberté. Les trois livres publiés : le premier Antan d’enfance (1990), le second Chemin-d’école (1994) et le dernier À bout d’enfance (2005) sont la source dans laquelle l’auteur puise les éléments de la culture créole. L’analyse tente de mettre la lumière sur la représentation de l’altérité, de l’espace et du temps et finalement sur le processus de transmutation de la précarité, à travers la littérature. L’auteur offre quelques clefs pour mieux comprendre le rôle de la mémoire et des souvenirs dans les littératures caribéennes du xxie siècle.

Cet essai a pour objet la réflexion sur le rapport entre la photographie et le haïkaï, en prenant comme exemple l’œuvre du photographe brésilien d’origine japonaise, Haruo Ohara. Ses photographies ne visent pas à saisir un instant comme si elles étaient faites soudainement dans le temps et dans l’espace. Tout au contraire, Haruo Ohara fait une sorte de déconstruction de cette conception en la retirant de la condition de simple mémoire (de remémoration) et en la plaçant dans la condition d’instant suspendu, où le spectateur ne revit pas l’instant photographique mais le vit. Du reste cette photographie qui semble se rapprocher de la forme du haïkaï devient, pour le dire d’une façon littéraire bien occidentale, une sorte d' « incident »: une image qui saisit le monde dans l’immédiateté, sans pourtant chercher aucun effet.

La présence récurrente, sur des sites d’amateurs d’œuvres fictionnelles notamment, de gloses extrêmement savantes semble ressusciter, en les déplaçant, des méthodes d’analyse dignes des beaux jours de l’érudition du XIXe siècle, telle qu’elle s’incarnait notamment sous la plume des bibliographes et des académiciens de Province. Analyser les « formes de l’érudition littéraire » au XIXe siècle revient notamment à étudier le rôle joué par l’érudition dans la définition à la fois des études littéraires, critiques ou académiques, et de la littérature elle-même. En même temps qu’elle pénètre dans un champ en cours de constitution (celui de la littérature en tant que discipline), l’érudition s’incarne dans un certain nombre de pratiques discursives et éditoriales dont les écrivains parfois s’emparent pour les inscrire à l’intérieur même de leurs œuvres.

Cette étude s’intéresse au mythe de la femme fatale dans la littérature brésilienne du XXe siècle à travers le roman Hilda Furacão de Roberto Drummond (1991). Nous étudierons, à partir d’un traitement herméneutique, le personnage féminin de l’œuvre et sa dimension mythique en tant qu’héroïne femme fatale. Dans le récit, la femme entraîne la chute de l’homme. Elle évoque les grandes valeurs symboliques de ce mythe et des archétypes qui l’engendrent, soit par rapport à l’homme, soit par rapport à leur milieu, époque, idéologie et société. Cette recherche permet davantage une réflexion sur le mythe de la fatalité féminine menant à une compréhension des constructions imaginaires et des réseaux symboliques qui affleurent le roman et, dans un contexte plus ample, l’imaginaire brésilien. La théorie littéraire côtoie l’herméneutique des images, des symboles et des archétypes afin d’assurer la qualité de la réflexion autour du mythe et de son rapport avec la littérature et l’imaginaire individuel et collectif dans le contexte brésilien

This work evolves around a main purpose: to analyze the role of literature in the pedagogy of Spanish as a Foreign Language from an intercultural perspective. From this standpoint, we reflect about the importance of the term Spanish Literature to defend the different literatures implied in the syntagm; hence, we study how comparative literature becomes the main tool to understand linguistic, cultural and literary diversity. We consider that these two ideas should be in the pedagogical profile of the Spanish as a Foreign Language professor.

Review

La relation entre mode et littérature, maintes fois remise en question, reste suggestive par la tension qu'elle engage entre le vocabulaire de la nouveauté, de l'apparence et du périssable, et le système littéraire, dont la principale raison est d'instituer des cadres de consécration et de conservation perpétués dans la longue durée.

Avec October Daye, Seanan McGuire propose une émigration du folklore des îles britanniques vers la fantasy urbaine américaine. La présence des fées et de leurs contes dans un contexte urbain moderne (souvent américain) est même devenu extrêmement courant, en revanche, une utilisation aussi rigoureuse de folklore spécifiquement gaëlique est beaucoup plus rare. Une œuvre de fantasy atypique, et pas seulement parce qu’elle compte des protagonistes asexuels et transgenres, saluée à raison par la critique pour son univers complexe et son style envoûtant. Un livre qui nous apprend que chaque cœur est un portail, que les squelettes dansent, que « réel » est un vilain mot et que nous seuls avons le pouvoir de décider comment l’histoire se finit.