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This research attempts to analyze Arabic heritage elements employed in Muhammad al‐Thubayti's poetry as his poetry highlights modern issues. Heritage becomes a cornerstone in al‐Thubayti's poetry for it produces new meanings and contexts. It is used in visionary and creative ways enabling him to shape his poetic experiences. Heritage is no longer sacred or static, but it is manipulated in a way that serves the poet's messages. Thus, this paper shows how al‐Thubayti explores the present frustrations and failures at individual and national levels by employing heritage and symbols balancing between his belonging to this heritage and his creative and experimental poetic experience. Through the intelligent adaptation of heritage, he makes connections between the past and modern life to reveal the dilemmas of the present and the glory of the past. The research's main contribution is to shed a new light into the race, milieu, and experience of al‐Thubayti's poetry through utilizing Arabic heritage. This research examines four poems taken from al‐Thubayti's diwan (poetry collection), Tahjit hulman, tahjit wahman [I Spell out a Dream, I Spell out an Illusion]. As a theoretical framework, the analysis of the poems is based on historical theory and formalism. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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María Zambrano and Octavio Paz began publishing each other’s writings since they met at the Second International Congress of Anti-Fascist Writers in 1937 in Valencia. With respect to their continued collaborations in Mexico, France, and Spain, the scarcity of comparative studies of the two authors is surprising. Essays like ‘Filosofía y poesía’ (1939), ‘La destrucción de las formas’ (1944) and ‘Poema y sistema’ (1944) by Zambrano show a clear repercussion in the essayistic and poetic work of Paz, also beyond his books El arco y la lira (1956) and Los hijos del limo (1972/1974). Some of the most obvious parallel aspects between the two oeuvres are the description of analogies, the metaphors of masks, the observations of a dialectic between opposites, and the quest for a lost unity. With the re-readings of the aforementioned essays, I propose to portray the underestimated influence of the philosopher in the work of the poet.

Las representaciones de la desaparición y la (in)visibilidad juegan un papel clave a lo largo de la obra de Antonio Méndez Rubio (Fuente del Arco, Badajoz, España, 1967). Este estudio combina un enfoque temático y formal en las huellas y el silencio en una selección de poemas que abarca poemarios como Un lugar que no existe (1998), Por más señas (2005), Razón de más (2008) y Va verdad (2013). Más allá de arrojar luz sobre lo ocult(ad)o o tratar de revelar historias y memorias colectivas traumáticas ocultadas, muchos de los poemas de Méndez Rubio que aluden a huellas las presentan como agentes activos que no revelan objetos ocultos. El compromiso en esta poesía se basa en una visión del texto poético como objeto y espacio visual y una visión expandida de la relación compleja entre lo visible y lo invisible que engloba también la presencia y ausencia de elementos acústicos.

Esta traducción al español de un artículo que se gestó en inglés para la revista International Feminist Journal of Politics cumple dos propósitos políticos transfeministas. El primero es reflejar el carácter multilingüe del proceso que produjo este texto. En particular, una de les autores no sabe inglés, entonces esta traducción permitió su acceso al artículo. A su vez, el acceso de la coautora al contenido del artículo, nos dio la posibilidad al resto de nosotres de escuchar su crítica y de modificar nuestras palabras y nuestras obras de arte de acuerdo a su crítica. Pensamos que la existencia de una versión en español habilitará otra clase de lectores y espectadores y, a su vez, nos permitirá escuchar otra clase de interpelaciones y de críticas en español. El segundo propósito es responder a una inconformidad que tenemos sobre lo que se escribe acerca de las políticas globales de la producción de conocimiento fuera del Norte Global. El resto de la introducción al español y la conclusión se dedicarán a mostrar dicha inconformidad por medio de una lectura crítica a un libro de la profesora francesa Audrey Alejandro de la London School of Economics and Political Science (LSE) (Escuela de Economía y Ciencia Política de Londres) a partir de la experiencia de J.C.D. Calderón con los rechazos a sus poemas y a hacer un aporte metodológico neo-materialista y transfeminista a los estudios reflexivos y de sociología del conocimiento en la disciplina por medio de la evidencia del archivo de los rechazos a la poesía. Este artículo fue publicado originalmente con el título Learning how to embrace trans/feminisms and queer/cuir-ness in International Relations through art and creative methods en la International Feminist Journal of Politics. Les autores de dicho artículo son les mismes que les autores de esta publicación: J. C. D. Calderón, Francisca Calderón Melo, Paolo Axolotl y Zafo. Esta traducción se hizo con el permiso de Taylor & Francis Ltd, https://www. tandfonline.com.

Este artículo analiza parte de la obra poética de Raúl Zurita, expresada tanto en algunos de sus poemarios como en sus “inscrituras” o inscripciones materiales, y también en sus automutilaciones corporales, para determinar las funciones de su arte frente a las prác-ticas biopolíticas neoliberales (Foucault, Agamben, Calveiro) y como apuesta por una communitas del dolor (Diéguez). Se explica el sentido y función que cumplen libros como Purgatorio (1982), Canto a su amor desaparecido (1985) y zurita/in memoriam (2007), e intervenciones como su verso “ni pena ni miedo” en el Desierto de Atacama, su presen-cia en memoriales o su intervención “El mar del dolor”, todo como formas diferenciadas de resistencia desde el arte, frente a estrategias del poder que pretendieron “dejar morir” a parte de la sociedad en el contexto de la dictadura militar en Chile (1973-1990) y tam-bién en otros contextos de violación a los derechos humanos. This article analyzes part of the poetic work of Raúl Zurita, expressed both in some of his poetry books and in his “inscriptions” or material inscriptions and in his corporal self-mutilations to determine the functions that his art fulfills in the face of neoliberal bio-political practices (Foucault, Agamben, Calveiro) and as a bet for a communitas of pain (Diéguez). It explains the meaning and function of books such as Purgatorio (1982), Canto a su amor desaparecido (1985) and zurita/in memoriam (2007), or interventions such as her verse “ni pena ni miedo” in the Atacama Desert, her presence in memorials or her intervention “El mar del dolor”; all as differentiated forms of resistance from art, against strategies of power that tried to “let die” part of the society in the context of the military dictatorship in Chile (1973-1990) and also in other contexts of human rights violations.

Nel 1953 Amelia Rosselli iniziò a dedicarsi con determinazione alla poesia e a scrivere quei componimenti che più tardi sarebbero confluiti in Variazioni belliche (1964). Il 1953 fu l'anno in cui morì Rocco Scotellaro – caro amico di Rosselli – e la guerra fredda cominciò a influenzare l''atmosfera' che caratterizzò l'esordio della 'letteratura dell'era nucleare'. Il personale e il politico si sono sempre intrecciati nella poesia di Rosselli, e questo contributo sostiene che l'ansia nucleare, in aggiunta all'uccisione nel 1937 da parte dei nazifascisti del padre e dello zio di Rosselli, diede una fondamentale impronta al contenuto, allo stile, e alle soluzioni retoriche delle Variazioni belliche. L'articolo, inoltre, argomenta che la malattia mentale di cui la poetessa soffrì negli anni '70 sia da mettere in relazione con il clima di paranoia dell'era nucleare. Questa circostanza è attestata dalla 'prosa poetica' di Storia di una malattia (pubblicata in Nuovi Argomenti nel 1977), la quale pertanto è qualche cosa di più interessante della mera testimonianza d'una 'insolita', e individuale, 'esperienza esistenziale'. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

La poesia di Giovanni Raboni è sempre stata connessa alla città di Milano fin dalla sua prima raccolta, Le Case della Vetra (1966), dove la città appare come una metropoli industriale e il luogo delle memorie dell'autore. Tradizionalmente la critica ha considerato Raboni un nichilista e ha interpretato il suo ritratto di Milano come quello di una città desolante e priva di speranza. Partendo da un testo dell'autore recentemente riscoperto, quest'articolo mette in dubbio una simile analisi e intende offrire una reinterpretazione spaziale della sua poesia. A tal proposito, le affinità tra Raboni e le teorie di Heidegger appaiono evidenti: secondo il filosofo tedesco, i poeti possiedono l'abilità di 'imparare ad abitare' un luogo attraverso la loro poesia. In tal senso, anche Raboni impara ad abitare Milano, vi forgia la propria identità e immagina un futuro dove gli individui possano vivere i moderni paesaggi urbani senza sacrificare la propria autenticità. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

En este artículo reflexiono sobre la vida y obra de la poeta alicantina Francisca (Paca) Aguirre y propongo que la escritura fue su venganza frente a la terrible orfandad y pobreza que le regaló la posguerra. Lo que sus escritos evocan dialoga en este texto con la historia de otra mujer de su generación, mi abuela. En primera persona, planteo enormes coincidencias entre dos vidas paralelas, heridas de guerra en dos continentes, que resistieron una con su voz, otra con su palabra, con el fin de trasmitir a las generaciones que seguimos dosis homeopáticas de posmemoria que atraviesan de Norte a Sur y de Este a Oeste a varias generaciones. El resultado es un diálogo intergeneracional donde la poética del duelo que plantea Francisca, la Paca, Aguirre sirve de pretexto para plantear un ejercicio autobiográfico de homenaje y memoria sobre el canto y los versos como fuentes historiográficas subalternas.

En la vida y obra da Gamaliel Churata la muerte de su esposa Brunilda (Rosa Calderón) y de sus hijos Teófano (Teófano Peralta) y Qimensa (Clemencia Peralta) tuvo un impacto singular. Este acontecimiento no solo afectó a Churata, sino que también alcanzó a otros miembros del Grupo Orkopata, quienes escribieron poemas dedicados a estas almas significativas. En este artículo estudiamos el ritual de la muerte representado en la poesía de Churata, en específico a las fases que corresponden a la partida y al retorno del alma (ajayu). Para ello, analizamos dos poemas dedicados a la muerte de Teófano, que siguen esta secuencia ritual. Nos serán de utilidad las categorías de ajayu, amaya y ajayu-watan, además de las nociones de la lírica andina. Con ello, evidenciaremos que el canto a la muerte propuesto por Churata sigue el ritual de la concepción andina de la muerte, en especial el ritual aymara.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2001.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 1997.

El presente anículo, en su versión inicial, fue resultado de un proyecto de investigación sobre Medardo Ángel Silva llevado a cabo conjuntamente con Raúl Vallejo. Este proyecto recibió la ayuda financiera del fondo de investigación institucional de la Universidad Andina Simón Bolívar, Sede Ecuador.

Este artigo pretende constituir um capítulo da história da literatura brasileira colonial. Nesta contribuição, procura-se traçar um olhar historiográfico sobre o repente como elemento constituinte da poética brasileira. O objetivo deste trabalho, assim, é evidenciar a tradição da poesia de repente na literatura brasileira desde os seus primeiros passos. Para isso, parte-se das observações de Joaquim Norberto Sousa e Silva (2002), principalmente a sua recensão dos poetas repentistas coloniais. Como sequência do trabalho, aponta-se para Gregório de Matos e Caldas Barbosa como repentistas, procurando aporte nas manifestações literárias em performance da cantoria nordestina brasileira do século XX e XXI.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 2004.

Indefinible acaso irreverente inevitable todo padece a su paso lo animado y las cosas sin vida las letras lo sacro y cada una de las intenciones los poderes, lo visible y lo invisible ni los dioses saben evitar su sino

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Este estudo procura pôr em diálogo as criações poéticas de Carlos Drummond de Andrade e de Emily Dickinson, sobretudo a partir dos processos de intensificação da realidade, no estranhamento e na singularização, que apresentam no processo de criação de imagens e na reflexão que apresentam em torno do fazer poético. Através do privilégio do método comparativo é prestada especial atenção a conceitos como mínimo, finito, matéria e residual, assim como a reiterada presença, em diferentes etapas da criação dos dois autores, da perspetiva de uma visão do chão, indissociável de uma forma particular de absorver o mundo e de pensar, por dentro, a Criação Poética, procurando romper com processos de idealização e mitificação da realidade e repensando elementos como o tempo e o espaço. Serão abordados igualmente o diálogo entre concisão e fluidez, vital também para as duas poéticas, procurando ver vasos comunicantes de diálogos, mas também divergências e singularidades que tecem a complexidade dos dois autores.

El artículo “La poesía como instrumento de motivación” tiene como objetivo motivar a los alumnos en el aprendizaje de alemán, debido a una drástica deserción de los estudiantes en las clases de nivel medio y superior (A1.2, A2.2) del Plan Global en el Centro de Enseñanza de Idiomas de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán (FES Acatlán) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Por ese motivo, se requiere un análisis profundo de los diferentes aspectos de la motivación y su aplicación en la clase de alemán. En este contexto, la poesía juega un papel importante, porque acerca a los alumnos a la cultura meta con el objetivo de fortalecer su personalidad, fomentar su conciencia social, ampliar su horizonte cultural y lograr el éxito en el aprendizaje de alemán. Se han escogido poesías expresionistas de Georg Trakl y poesías de Bertolt Brecht con una posición crítica hacia la sociedad. Estos poemas sirven a los estudiantes para madurar en su personalidad e interesarse por la cultura y lengua meta. Para este propósito, se ha agregado un apartado de recomendaciones didácticas, en el cual se refleja la teoría de la motivación y su aplicación en los talleres literarios. Así, el artículo se presenta en tres apartados: “Reflexión teórica acerca de la motivación”, “Motivación a través de poesía” y “Recomendación para la didáctica”.

Nos seus mais de sessenta anos de magistério e produção escrita, Benedito Nunes dividiu a sua atividade por vários campos e sub-campos de conhecimento, num permanente tráfego geográfico e intelectual cujos vértices foram, sobretudo, a filosofia e a literatura. Esta constante dualidade manifesta-se de modo protuberante no modo como Benedito entende, de modo lato, o conhecimento. E, igualmente, nas sínteses dialéticas que propõe, e que conectam aqueles dois campos de conhecimento sob a alçada da hermenêutica, uma hermenêutica singular vinculada a Hartmann (em primeira instância) e, mais ainda (em fase posterior), a Heidegger, projetando-se num modo igualmente singular de prática crítica e pedagógica.

En este artículo analizamos Nocturno de Chile (2000), del novelista chileno Roberto Bolaño (1953-2003), a partir de la forma visual de la narración. La extensa producción de este escritor posee un carácter imagético innegable que abordaremos a partir de su correlato con las formas de producción del teatro y el cine. La hipótesis es que el diálogo inter-artes nos ofrece una nueva forma de acercamiento a su obra y, especialmente, a la novela que abordaremos en este estudio. Las imágenes de Nocturno de Chile transitan entre el fin de la democracia y la dictadura por medio del delirio de un hombre agónico que revisa su vida afectivo-literaria como respuesta a una agresión intelectual.

O estudo tem como objetivo narrar a experiência de confluência entre poesia, formação e cuidado em dispositivos de atenção psicossocial do Rio de Janeiro, Brasil. A partir dos conceitos de Ailton Krenak, foram construídas reflexões sobre modos de formar e cuidar mais aliados à vida comunitária. Os resultados foram apresentados pelas seguintes narrativas: “Poesia, a cura da palavra”, que apresentou como a roda de poesia devolveu o direito do discurso às pessoas em sofrimento psíquico; “Terapia de palácio” revelou a importância do sujeito coletivo e a (re)ocupação do território; e “Poesia como invenção de paraquedas coloridos” funcionou como estratégia de cuidado. A poesia serviu como estratégia de constituição de coletivos, revelando a importância de se estar, cuidar e de formar, tendo como princípio o direito à palavra e ao território.

O artigo trata sobre poesia, cuja publicação se dá na plataforma de rede social Instagram. Essa instapoesia encontra grande reconhecimento em escala global e pertence aos fenômenos literários mais populares da atualidade, dentre os quais esse é discutido teoricamente à luz da conjuntura de formatos curtos. Discute-se, aqui, teoricamente, sobre os propiciamentos das plataformas de mídia social que deram origem a novas práticas de produção e apresentação de poesia, bem como sobre as estratégias de comunicação e autorrepresentação por parte das autoras. Além disso, são analisadas mais profundamente as contas das poetas Rupi Kaur e R.M. Drake.

En este texto el autor pretende reivindicar la poesía de un autor que es totalmente desconocido para las nuevas generaciones, Francisco Torres Dávila. Después de que sus textos aparecieran en varias revistas literarias ecuatorianas y publicara dos libros de poesía, Torres Dávila guardó un total silencio literario; dejó de publicar y desapareció, por voluntad propia, del panorama cultural del país. Hace poco se conoció la noticia de su muerte, de ahí la necesidad de recordar su obra literaria, pues sin duda es una de las voces poéticas más importantes de su generación.

Análise de quatro livros de Yolanda Morazzo que foram reunidos em Poesia Completa (1954-2004) na investigação de uma poética da diáspora que atualizou a história oficial a partir do exercício da memória, em trânsitos por Portugal e por Angola, nos quais manteve os elos identitários e culturais com Cabo Verde. A sua extensa obra poética evidencia a resistência da voz feminina que, nos exercícios da oralidade e de outras modalidades performáticas, estão alinhadas com a nação cabo-verdiana, a qual constantemente relembrou e reavivou em seus versos de diáspora, na remissão da crioulidade pela diferença que rearticulará projetos globais, em tensão entre o hegemônico e o contra-hegemônico. O artigo percorre a recepção do que foi considerado subalterno na perspectiva das histórias locais que, embora identifiquem esse lócus de origem, também procuraram a reversão de preconceitos que inspiraram na crença comum de que somente as pessoas que são de algum lugar considerado privilegiado podiam “falar”. Com base em Carmen Lucia Tindó Ribeiro Secco, Edward Said, Inocência Mata, Manuel Brito-Semedo, Simone Caputo Gomes, Toni Morrison, Walter Mignolo e outro/as percebo a poesia reivindicativa da inclusão de segmentos sociais injustiçados, na Literatura representativa do encontro com o outro.

A poesia negra feminina brasileira instiga reflexões sobre a revisão das práticas de dominação amparadas pela colonialidade, por meio da reconfiguração de imaginários e identidades. Desse modo, o presente artigo analisa como Conceição Evaristo (região Sudeste), Roberta Tavares (região Norte), a partir de suas vozes, do espaço, da memória e do corpo negro, conseguem, de maneira poética, criar caminhos de insurgência que ressignificam a identidade racial e promovem uma virada decolonial face aos discursos hegemônicos, nas obras Poemas da recordação e outros movimentos, de 2008, e Mulheres de fogo, de 2023. Destaca-se a importância de discutir a poesia negra brasileira como resposta epistêmica ao projeto eurocêntrico colonial. As vozes dessas autoras negras insurgem-se contra o racismo, o patriarcado e o apagamento de suas origens étnico-raciais. Os textos marcam vozes poéticas que revelam como a escrita literária representa uma outra poética, que não se submete à de uma literatura considerada canônica, porque têm o seu próprio cânone e suas próprias regras. Em geral, essa literatura implica em uma outra forma de escrever. Nesse sentido, é importante investigar que poética é essa, bem como os textos dessas escritoras, que são uma voz na literatura brasileira que obriga outros autores brasileiros a repensarem suas produções. As discussões teóricas significativas para a análise e compreensão do corpus vêm de Duarte (2011), Said, (2011) e Ricouer (2007), entre outras. Esta reflexão se propõe a pensar sobre as rasuras como formadoras de um discurso estético-político, marcado por questões étnico-raciais que revelam o lugar de pertencimento dessas escritoras. A produção poética das escritoras mencionadas nos brinda com a oportunidade de considerar o pensamento decolonial enquanto enfrentamento, convocando para uma transformação política e social.

Resumo Autor de personagens femininas aclamadas pelos leitores, Machado de Assis criou mulheres que suscitam o debate de gênero realizado pela crítica literária. Neste artigo, meu objetivo é analisar Potira e Sabina, duas personagens femininas machadianas da coletânea poética Americanas (1875), uma indígena e outra africana, pela ótica das discussões sobre escravidão, raça e gênero no Brasil Imperial. O tema das duas poesias dialoga com o debate acerca da Lei do Ventre Livre (1871), que apontou para o possível fim da escravidão no Brasil - mostrando que o poeta estava afinado com as principais questões oitocentistas em torno dos três temas citados.

O presente artigo oferece um estudo crítico da poesia de Lívia Natália, com foco nas características que distinguem a sua obra criativa no âmbito da literatura afro-brasileira contemporânea. Ao explorar a tematização de suas experiências, do arquivo cultural afro-brasileiro e da subjetividade negra, a leitura atenta dos poemas indica as implicações éticas de sua perspectiva poética para o contraditório contexto racial brasileiro. A articulação criativa de uma linguagem antirracista e a exploração dos sentidos de suas vivências evidenciam a complexidade da identidade poética de Natália.

Este ensaio visa compartilhar algumas reflexões sobre o binômio poesia e catástrofe, tecidas a partir da leitura de passagens das obras testemunhais de Primo Levi e Varlam Chalámov. Coloca-se em questão quais os (não) sentidos possíveis para a criação artística em contextos de violência extrema, como os Campos de Concentração nazistas e os Gulags soviéticos onde, respectivamente, estiveram presos os dois autores.

La presencia de símbolos de huella modernista es una constante en la obra F. G. Lorca. En este artículo se analizan dichas representaciones vinculadas al agua recogidas en su primer poemario publicado, Libro de poemas (1921). Se parte en esta investigación de que los símbolos asociados al agua translucen sentimientos del poeta que, a su vez, responden a sentidos universales de la existencia humana. Para abordar el estudio, se aplica la metodología interpretativa basada en la Poética del Imaginario (Durand, Bachelard) cuyo sistema de catalogación simbólica universal relaciona los significados con una perspectiva más amplia que responde a la búsqueda del sentido de la vida. El análisis efectuado revela, efectivamente, que los valores de los diversos símbolos (mar, río, lluvia…) ofrecen un sistema de relaciones que vinculan el sentir del poeta al más general de la realidad antropológica. Se concluye que el mundo simbólico que recrea -nutrido principalmente en fuentes folklóricas y en el simbolismo- coadyuva a la expresión de tristeza que recorre el poemario.

La edición del conocido y parcialmente estudiado manuscrito titulado Canzonette diverse in Lingua Spagnuola con acordes para guitarra, conservado en Roma en el fondo Corsini de la Accademia dei Lincei (Cors625), constituye una pieza importante en el ámbito de los estudios literarios, musicales e histórico-culturales y de las investigaciones sobre las relaciones entre Italia y España en el Siglo de Oro. Los trabajos del equipo coordinado por Patrizia Botta y compuesto por filólogos hispanistas, expertos en musicología, paleografía, codicología e historia social, contribuyen a arrojar luz sobre el contexto en que nació este singular cancionerillo y su función de instrumento de diversión para el mundillo cortesano romano que se reunía alrededor de la familia Peretti.

El artículo propone nuevas reflexiones sobre la presencia de Ferrante II de Nápoles en la poesía de Cariteo (Benet Garret, 1450-1514). Por una parte se estudia la imagen ideal del rey transmitida por el poeta con relación al pensamiento humanístico del Quattrocento. Por otra se analizan las implicaciones interpretativas y estilísticas que supone la figura del soberano en el marco del pretrarquismo del cancionero Endimione de Cariteo. En este sentido se determina y se estudia el motivo del príncipe amado creado por Garret como tema funcional en el cancionero y en el conjunto de su obra. Se relaciona dicho tema con la vertiente política de su producción y el desarrollo de la misma atendiendo al contexto histórico. Nuestro trabajo aporta novedades a la literatura crítica sobre el autor, que hasta hoy únicamente se había ocupado de Ferrante II en la obra de Cariteo de manera general junto a los demás reyes de la dinastía aragonesa de Nápoles y solo en relación a su poesía encomiástica.

Este artículo defiende la tesis de que nos encontramos en el medio de un cambio radical del paradigma lírico de la modernidad. A partir de una consideración crítica de la colección de poesía La flor del extérmino, del escritor chileno Andrés Ajens, y de una interpretación a contracorriente de la fórmula la edad de los poetas del filósofo francés Alain Badiou, este ensayo define los contornos de un agotamiento lírico que coincide con la declinación de los grandes relatos que estructuraban la modernidad. El propósito último es ofrecer pistas para dilucidar los nuevos rumbos que la poesía estaría tomando en el presente.

O texto apresenta um recorte teórico da pesquisa “Educação literária para as relações étnico-raciais na escola: diálogos com a poesia de autoria capixaba negra”, desenvolvida no âmbito do Mestrado Profissional em Letras – Profletras -, no Ifes Vitória, cujo objetivo é o de estabelecer diálogos com a literatura capixaba de autoria negra e refletir sobre as relações étnico-raciais nas práticas de leitura no Ensino Fundamental nos Anos Finais. Para isso, almeja-se um diálogo entre a poesia de Elisa Lucinda e outros autores representativos do tema proposto: Evaristo (2009); Gomes (2011, 2012); Araújo (2015), a fim de fomentar a formação do leitor responsivo. Nesse sentido, o corpus utilizado possibilitará, por meio de uma abordagem dialógica, uma reflexão, a partir da interlocução proposta, sobre situações vivenciadas pela comunidade negra, a fim de levar os estudantes a desenvolverem sua sensibilidade e criticidade perante tais situações. Optamos por uma pesquisa bibliográfica, cujo aporte teórico se fundamentará, essencialmente, em autores que dialogarão sobre os conceitos de dialogismo e responsividade, tais como Bakhtin (2011, 2014); Bezerra (2015) Brait (2005, 2006); Fiorin (2018); Carvalho (2018, 2021) e Geraldi (2002), para observar e analisar as relações estabelecidas, pelo estudante leitor, entre as leituras e as relações étnico-raciais presentes na sociedade.

El presente artículo se propone resaltar cómo el modelo de sabiduría que se presenta en los dos textos más prominentes del confucianismo clásico, las Analectas y el Mencio, deriva de una experiencia eminentemente literaria. El carácter abierto y dinámico del texto y la palabra, por oposición a la completitud y artificiosidad del concepto y el sistema, son las condiciones necesarias para la fundamentación de un ideal ético y estético que, tomando como base la experiencia individual, supone la conexión con un rico y complejo proceso de reconocimiento colectivo. Todo ello concuerda con la naturaleza inconclusa de la idea filosófica del Camino [道, dào].

In the realm of poetry, the act of naming places serves as an intricate practice that profoundly shapes our perceptions of the land we live in. In contrast to the prevalent tendency in modern literary traditions to use abstract and standardized symbols for locations, poetry establishes unique linguistic registers to both appreciate the magnificence and acknowledge the deterioration of sites traditionally named by human communities. This paper synthesizes the outcomes of an interdisciplinary investigation that integrates critical anthropology, aesthetic studies, environmental theory, and ecocriticism. By delving into contemporary poetry from Western Mexico, the analysis explores the pedagogical utility of poetry, addressing the question: 'What insights does contemporary Western Mexican poetry offer about nature amid the planetary and civilizational crises?' The article unravels diverse connotations of nature in poetry, suggesting novel pedagogical interpretations to reterritorialize the identity of Western Mexico. This initiative counters the prevailing cultural trend that tends to obscure the distinctive attributes of the region, thereby restoring the integral connection between humans and the nature they are an intrinsic part of. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Jonathan Locke Hart is not only a wellestablished scholar in the area of comparative literature, but also a poet who has been writing passionately since his teens. In 2021, an anthology of Jonathan Locke Hart in six volumes was published by Shanghai Jiao Tong UP, and the fourth book is a selection of 100 poems and their Chinese translations. Starting from Eugene Nida's correspondence theory about translation, this article chooses two poems and their Chinese translations from the selection to explore the cultural negotiation and compromise in the process of their translation. As Jacques Derrida writes, translation, like the tower of Babel, is a task that can never be finished. The translation of poetry is particularly difficult because of the singularity of poems, and it is hard to conclude what is right and which is better. The analysis in this article is a personal view and needs further verification. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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This article explores Lily Brett's The Auschwitz Poems (2004) and Elizabeth Rosner's Gravity (2014), two female-authored second-generation poetic renditions of the Holocaust. Examining these works through the lens of postmemory, my goal is to shed new light on the intergenerational transmission of trauma from a gendered perspective, focusing on its connections with poetry. I argue that both anthologies share at the core of their narrative a gender-focused layer of meaning, which penetrates into a postmemorial experience that is to a great extent defined by this social construct. This essay fosters scholarship on postmemory by conceiving it as a double-edged process encompassing both aesthetics and a form of social activism, and informed by feminism, which is mirrored in the reconception and rethinking of both the female body and gender hierarchy. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Interview with Peruvian poet Ethel Barja Cuyutupa and selection of her poetry. She shares her thoughts on poetic inspiration, creative processes, translation for connection, violence against women, and poetry as a means of creating and understanding realities. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Roland Barthes (2004) designa o estilo como esplendor e prisão do escritor: sua solidão. O presente artigo pretende refletir sobre esta visão barthesiana de estilo na obra do poeta, crítico de arte e tradutor italiano Emilio Villa, a partir de poemas plurilíngues ou traduzidos pelo próprio poeta italiano para o português brasileiro e de algumas de suas obras pictóricas. O conceito de tradução torna-se central para análise da obra de Emilio Villa, através da leitura de Walter Benjamin, Henri Meschonnic e outros teóricos e, também, pelas diversas traduções por ele realizadas: a Odisseia, partes do Gênesis, uma escolha das tabuletas mesopotâmicas. Villa escreveu não unicamente em italiano, mas seu plurilinguismo se confirmou em textos escritos em latim, grego, francês e outras línguas.

Se nos propusermos ler os contos «Missa do Galo», de Machado de Assis (1893), e «Civilização» (1892), de Eça de Queirós, à luz da pauta catego­rial do conto, verificamos que a inquestionável modernidade da narrativa breve de Machado não se mostra propriamente reconhecível no conto queirosiano. Na esteira já antiga (mas inquestionavelmente moderna) de Poe, o conto de Machado procura mostrar por que razão o exercício narra­tivo é, neste género literário, tão necessário como malquisto – porque há sempre nele uma história para contar, mas dela conta-se apenas o seu ros­to mais visível, cujo perfil secreto parece preferir recolher-se à virtualida­de significativa de um instante que abre depois para o que o transcende em possibilidade de significação. Por seu lado, o conto de Eça, publicado pela primeira vez em 1892 na portuguesa Gazeta de Notícias (e que viria posteriormente a figurar como matriz do romance A cidade e as serras, publicado em 1901), não acolhe a discursividade de fotograma que enfor­ma o conto de Machado de Assis, ainda hoje profundamente moderno na defesa compositiva de uma brevidade que não pode medir-se em função do fio de lógica ditado pelo número.

A sus 92 años sigue trabajando todos los días. Disfruta paseando y explorando lo que para él es su taller: el inmenso bosque que rodea su casa en la pequeña localidad alemana de Eschenau, en el Parque Natural de Steigerwald. Allí encuentra ramas, raíces, tierra, humus, hojas y otros materiales con los que crea su obra. El arte, según él, tiene la función de (re)conectarnos con la naturaleza para penetrar en la esencia espiritual de la vida. Alaba la infinita variedad de formas y expresiones de la vida, la singularidad de cada ser y defiende la igualdad y unidad de todos los seres vivos. Por rechazo a la jerarquía escribe siempre su nombre con minúsculas. En 2015 representó al pabellón holandés en la Bienal de Arte de Venecia y en 2017 el MUSAC le dedicó una gran retrospectiva. Se formó como horticultor, trabajó como biólogo y su obra se centra en los procesos de los fenómenos naturales. Utiliza el método científico de observación, recolección y clasificación, buscando la objetividad y evitando en lo posible la intervención. Gran viajero, fascinado por las culturas orientales e influenciado por el budismo, el taoísmo y el zen, busca con su arte despertar la conciencia de la humanidad y tender puentes entre el hombre moderno y la naturaleza. Para esta entrevista, nos recibió en su casa con su esposa Susanne, nos abrió su estudio lleno de experimentos creativos, su librería repleta de libros y su corazón profundamente auténtico.

Se presenta la poesía: La edad de la rosa (Sor Juana Inés de la Cruz).

Se presentan la poseía La niña rota.