Search

Text in Turkish ; Abstract: Turkish and English Includes bibliographical references (leaves 383-404) xv, 405 leaves Dünyanın 4,5 milyar, canlı hayatının 3,8 milyar yıllık tarihi içinde yaklaşık sadece 300 bin yıllık bir geçmişe sahip insan, günümüzdeki çevre ve iklim krizinin nedeni, Dünyayı yok oluşa götürecek ve yeni bir jeolojik döneme geçilmesini sağlayacak kadar önemli bir etken olarak görülmektedir. 2000’lerin başında, J. Paul Crutzen tarafından öne sürülen Antroposen/Anthropocene (İnsan Çağı) tezine göre, Sanayi Devrimi ile girilen yeni jeolojik dönemde yerküre üzerindeki değişim, kirlenme, çevre ve iklim sorunlarının yaratıcısı insandır. İnsanın doğa üzerindeki dönüştürücü, yıkıcı etkileri, küresel ısınma, iklim krizi, çevre sorunları gibi meseleler, sanatın/sanatçının bu sorunlar karşısında yapabilecekleri Türkiye kültür sanat ortamında yoğun olarak tartışılan bir olgudur. Çalışma günümüzde yaşadığımız çevre ve iklim krizini ortaya çıkaran tarihsel nedenleri, süreçleri, bu süreçlerde insanın doğa düşüncesinde ve algısında yaşanan değişimleri ve sanata yansımalarını araştırmayı amaçlamaktadır. Sadece belirli bir kuramsal teoriye, tarihsel döneme ya da bir sanat akımına bağlı kalmak yerine insanın doğa ile olan ilişkisindeki dönüşüm geriye dönük incelenmeye çalışılmış, jeolojik dönemler ana başlıkları altında toplanmıştır. İnsanın doğaya bakışı, doğa ile olan ilişkisindeki değişimler, onu yorumlama tarzındaki değişimlerin en önemli nedenlerinden biri olarak karşımıza çıkmakta, dönemin sanat formlarına, üretilen biçem ve içeriğe de yansımaktadır. Çalışmada değişen doğa algısının, düşüncesinin sanata nasıl yansıdığı, sanatı ve sanatçıları nasıl etkilediği, insanın/sanatçıların doğayı, çevreyi nasıl yorumladıkları ekoeleştirel bir yaklaşımla incelenmeye çalışılmıştır. Humankind, who has only 300 thousand years' part in the 4.5 billion years of the history of Earth and 3.8 billion years of life, are considered to be the cause of today's environmental and climate crisis and the main factor that would create mass extinction and allow the transition to a new geological era. According to the Anthropocene (Human Epoch) thesis put forward by J. Paul Crutzen in the early 2000s, in the new geological period starting with the Industrial Revolution, the creator of the change, pollution, environmental, and climate problems on the Earth is the human. Issues like the transformative and destructive effects of humans on nature, global warming, climate crisis, environmental problems, and what art/artist can do in the face of these problems have been heavily discussed by the culture and art communities in Turkey. The study aims to investigate the historical roots, causes, processes that reveal the environmental and climate crisis we are confronting today, the changes in human thinking and perception of nature in these processes, and their reflections on art. Instead of sticking to only a certain theoretical theory, historical period or an art movement, the transformation in the relationship of the human with nature has been tried to be examined retrospectively and gathered under the main headings of geological periods. The change in the humans' relationship with nature emerges as one of the most important reasons for the changes in the way of interpreting it and is reflected in the art forms of the period, the style, and the content produced. This study, it is aimed to examine how the changing perception of nature and the way of thinking are reflected in art, how they affect art and artists, how people/artists interpret nature and the environment with an eco-critical approach. GİRİŞ PLEİSTOSEN DÖNEM Paleolitik Dönem’de İnsan-Doğa İlişkisi Üst Paleolitik Dönem’de İnsan-Doğa İlişkisinin Sanata Yansımaları HOLOSEN DÖNEM Tarım Devrimi ile Değişen Doğa Algısı ve Sanata Yansımaları Kent Devrimi, İlk Devletlerin Kurulması, Yazının Bulunması ve Tarih Çağlarının Başlamasıyla İnsan-Doğa İlişkisinde Yaşanan Değişim ve Bu Değişimin Sanata Yansımaları Mitos’tan Logos’a Yaşanan Dönüşümle Değişen Doğa Algısı ve Sanata Yansımaları Tek Tanrılı Dinlerin Doğuşuyla Değişen İnsan-Doğa İlişkisi ve Sanata Yansımaları Bilimsel Devrimle Değişen Doğa Düşüncesi ve Sanata Yansımaları Organizma Olarak Doğa Anlayışından Mekanizma Olarak Doğa Düşüncesine Doğru Yaşanan Dönüşüm Ticaretin, Kapitalist Pazar Ekonomisi ve Burjuvazinin Önem Kazanması Nominalizm ve Mistisizm Hümanizm (İnsanın Yeniden Doğuşu, Bireyin Doğuşu) Coğrafi Keşifler Bilimin Keşfi ve Evrenin Merkezindeki Kayma Rönesans Doğa Düşüncesi, Neo-Platonizm ve Okültizm Etkileri İnsanın Deney ve Gözlemle Doğanın Bilgisine Erişerek Güç Elde Etme Çabası Doğanın Matematikleştirilmesi Mekanik Doğa Tasarımı Mekanik Doğa Görüşünün Sanata Yansımaları ANTROPOSEN DÖNEM Sanayileşme ile Birlikte Değişen Doğa Algısı Anthropocene Terimine Getirilen Eleştiriler ve Yeni Önermeler Aydınlanma Dönemi Doğa Düşüncesinden Modern Doğa Düşüncesine Evrim ve Ekoloji Evrim Teorisinden Marx’ın Ekolojisine, Metabolik Yarık ve Yabancılaşma Aydınlanma Eleştirileri, Romantik Hareket, Yüce, Pastoral, Pitoresk, Wilderness ve Romantik Koruma 19. Yüzyılın Sonlarından Modern Çevreci Hareketlere Doğa Düşüncesi Sanayileşme ile Birlikte Değişen Doğa Algısının Sanata Yansımaları Modern Çevreci Hareketler ve Ekoloji Yaklaşımı SONUÇ

ÖZETEser metni; eser, izleyici ve eserin sergilendiği mekân arasında etkileşim yaratarak iletişim sınırlarını genişletir. Bu açıdan bakıldığında eser metni; sanat üretimi ve izleyicinin / okuyucunun algısını rasyonel bir düzlemde buluşturmak için aracı olmaktadır. “Uçan Kanatlı Tohumlar"ın (Alsomitra Macrocarpa) Estetik Mekaniği; Bir Stüdyo Olarak Doğa" adlı eser metni çalışması, sanat üretim alanını, tarihsel ve mekânsal bakış açısıyla, bilimsel yöntem ve kavramlarla ele alındığı bir adım olarak kabul edilebilir. Birinci Bölüm: Yöntem, İkinci Bölüm: Mekân, Üçüncü Bölüm: Üretim Pratikleri üçgeninde çerçevelendirilen eser metni çalışmasının ilk bölümünde çoklu disiplinler bir çalışma bağlamında söz konusu olan eserin kapsamına ilişkin kavramlar açıklanacak, konuyla ilişkili bilim alanlarından bir bakış açısı sunulacaktır. Ayrıca örnekler üzerinden sanat ve bilim ilişkileri araştırılacak, yapıt ve makine ilişkisi üzerinden bir okuma yapılacaktır. Çalışmanın ikinci bölümde sanat üretim ve sergileme mekânına odaklanacaktır. Bugün sanat üretiminin bastığı zemini anlayabilmek için mekân ve sanat üretimi arasındaki ilişkiler, tarihi ve kuramsal bilgiler ışığında sorgulanacaktır. Mağaradan manastıra, Ortaçağ loncasından Rönesans çalışmasına, tek başına çalışan romantiklerden, soyut dışavurumcuların aksiyonlarına, 1960'larda "Fabrika"dan mutfak masasına ve dizüstü bilgisayara, olayların, gözlemlerin, üretimlerin ve deneyimlerin gerçekleştiği / yaşandığı bir yer olan stüdyo, ikinci bölümde genel hatlarıyla beden ve mekân ilişkisi çerçevesinde ele alınacaktır. Eser metninin üçüncü bölümünde ise, bu verilerden yola çıkarak söz konusu eserin oluşmasında rol oynayan yöntemlerin ne olduğuna ilişkin açıklamalara yer verilecektir. Sanat malzemesi tercihi / medyumu ile varılmak istenen sonucun ne olduğuna ilişkin değerlendirmeler yapılacaktır. Eser ve mekân etkileşiminin eser üretim sürecindeki yansımasına dair sanat pratikleriyle örneklendirilecektir. --------------------ABSTRACTThe text of the work expands the boundaries of communication by creating an interaction between the work, the audience and the place where the work is exhibited. From this point of view, the text of the work is a medium to bring together art production and the perception of the viewer / reader on a rational plane. "Aesthetic Mechanics of "Flying Winged Seeds" (Alsomitra Macrocarpa); Nature as a Studio" can be regarded as a step in which the field of art production is handled with scientific methods and concepts from a historical and spatial perspective. Part One: Method, Part Two: Space, Part Three: Production Practices... In the first part of the text of the artwork framed in this triangle, the concepts related to the scope of the work in question in the context of an interdisciplinary study will be explained, and a perspective from the related fields of science will be presented. In addition, the relations between art and science will be investigated through examples, and a reading will be made on the relation between artwork and machine.The second part of the study will focus on art production and exhibition space. Relationships between space and art production will be questioned in the light of historical and theoretical knowledge in order to understand the ground that art production stands today. From the cave to the monastery, from the Medieval guild to the Renaissance work, from the romantics working alone, to the actions of abstract expressionists, from the "Factory" to the kitchen table and laptop computer in the 1960s, the studio is a place where events, observations, productions and experiences take place. and spatial relationship.In the third part of the text of the artwork, explanations about the methods that play a role in the creation of the work based on these data will be given. Evaluations will be made on what the desired result is with the choice of art material / medium. The reflection of art and space interaction in the production process will be examplified by art practices.

RESUMEN: Parpadeo cósmico. Esta propuesta de investigación creación pretende configurar mi postura personal y mi proceso artístico en función de la gratitud y la cercanía hacia las plantas y los animales. La inminente crisis ecológica, un recorrido por referentes tanto teóricos como artísticos y por el panorama del arte en nuestro contexto, resaltan la pertinencia de concepciones, prácticas e interacciones restauradoras y respetuosas hacia la tierra y los vivientes no humanos. Para desarrollar mi propio proceso encuentro apoyo en la simbiogénesis, concepto biológico en el cual “La vida ‘independiente’ tiende a juntarse y a resurgir como un nuevo todo en un nivel superior y más amplio de organización.” (Margulis, 2002, pág. 22). Esta asociación de diferentes organismos que conviven en beneficio mutuo transformándose en un nuevo ser, es permeada por la fantasía para dar como resultado a los simbiontes, entidades con un carácter místico en el que convergen el respeto y la empatía hacia la vida. Para su materialización integro prácticas como el dibujo y la manipulación textil, junto con acciones cotidianas como la jardinería, la alimentación, y estrategias que involucran la sostenibilidad y el hacer artesanal como proceso reflexivo que celebra la vida y su diversidad. ABSTACT: Cosmic Flicker. This research proposal aims to express my personal stand and my artistic process based on gratitude and closeness to plants and animals. The imminent ecological crisis, a journey through both theoretical and artistic references and the art scene in our context, highlight the relevance of restorative and respectful conceptions, practices and interactions towards the earth and non-human beings. To develop my own process, I find support in symbiogenesis, a biological concept in which "‘independent’ life tends to come together and resurface as a new whole at a higher and broader level of organization." (Margulis, 2002, p. 22). This association of different organisms that coexist for mutual benefit, transforming into a new being, is permeated by fantasy to result in symbionts, entities with a mystical character in which respect and empathy for life converge. For its materialization, I integrate practices such as drawing and textile manipulation. Along with daily practices such as gardening, eating and other strategies that involve sustainability and artisan practices as a reflective process that celebrates life and its diversity.

Treballs Finals de Grau de Disseny. Facultat de Belles Arts. Universitat de Barcelona, Curs: 2018-2019, Tutor: Padilla, Òscar, [cat] És una mescla explora la idea de vincle, entre persones, llocs i moments, des de la convicció que l’única manera de generar-lo és movent les coses de lloc i mesclant-les. Un terreny acotat, la Zona Volcànica de la Garrotxa, com a punt de partida i espai d’anàlisi; i una matèria primera, la greda volcànica, com a element a desplaçar i modificar. Un lloc i un material que prenen protagonisme per parlar i pensar sobre geografia, distància, temps i cooperació., [spa] It is a mixture explores the idea of link, between people, places and moments, from the conviction that the only way to generate it is moving things from one place to another and mixing them. A delimited land, the Volcanic Zone of La Garrotxa, as a starting point and space for analysis; and a raw material, the volcanic stone, as an element open to movement and modification. This place and material stand out to reflect and wonder about geography, distance, time and cooperation.

This thesis centers on groups of landscape paintings on sliding doors and wall panels for temples in and around Kyoto by the painter Maruyama Ōkyo (1733-1795), dating to the latter half of the eighteenth century. I discuss Snow Landscape of the Chiba City Museum of Art, presumed to have been painted for the temple Enman’in in Ōtsu (Shiga Prefecture), and the former sliding door and wall paintings of Kiun’in, a subtemple of Nanzenji in Kyoto, now in the collection of the Tokyo National Museum. The analysis is embedded into considerations of underlying genre principles in Ōkyo’s art, the reflection on the relevance of “truthfulness to nature” (shasei) and considerations of how his works relate to established painting conventions in early modern Japan. I attempt to frame Ōkyo’s landscapes as an expression of the painter’s Chinese-inspired outlook on painting. Chapter One centers on Snow Landscape. I use stylistic comparison to argue that the paintings do not match other ink landscapes by Ōkyo of the so-called Enman’in period, but resemble closely another set of sliding doors paintings of similar subject matter at Shōkokuji, dated 1790. Snow Landscape can be understood as part of a small group of Ōkyo works that are thematically and formally related, and that all share obscure provenance and previously unaddressed questions of authorship. This includes sliding door paintings of the temple Daijōji (Hyōgo Prefecture), of Nishi Honganji and of the former Hara collection of Toyooka, all of them with their current whereabouts unknown. In Chapter Two, I provide a detailed reconstruction of the original temple spaces based on the features of the extant paintings, then proceed to disentangle the modalities of Ōkyo’s workshop production as the context from which the Kiun’in paintings likely originated. Comparison of large-scale landscape paintings reveals that much of Ōkyo’s approach relied on reuse of complete compositions, or at least, individual motifs. I argue that the Kiun’in paintings were possibly painted by disciples. Chapter Three provides glimpses on primary source material written during Ōkyo’s lifetime by his most important patrons: Banshi (1761-1773) by Prince Abbot Yūjō, the diary Onjiki nikki (1787) by Imperial Prince Shinnin and the records of the temple Myōhōin, Myōhōin hinamiki. I argue that little in Banshi allows to conceive of Ōkyo’s art as “modern;” rather, the documents character is shaped by Yūjō’s interest in technical matters of studio painting. Yūjō and Shinnin are connected through familial ties at the court; in addition, attendance data from the Myōhōin hinamiki foreshadows the later rift into a Maruyama school and a Shijō school after Ōkyo’s death. Chapter Four provides a concluding discussion of the significance and context of Ōkyo’s landscape paintings in Buddhist temples. I argue that Ōkyo’s multi-room ensembles for temple interiors are based on artistic convention and spatial hierarchies that are comparable to approaches of the Kano school, and suggest that response to nature, such as allusion to topographical surroundings of a building, usually played a subordinate role. Ōkyo’s art depended on the appreciation of ancient Chinese culture, and closely related to the intellectual outlook of the court of Emperor Kōkaku.

Submitted by Valter Luis Dantas Ornellas (ornellas.valter@gmail.com) on 2019-08-05T03:19:12Z No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter L. D. Ornellas.pdf: 13264448 bytes, checksum: b945375b8256cb9045b9ad1f10a99cef (MD5) Rejected by Ana Miria Moreira (anamiriamoreira@hotmail.com), reason: Prezado Valter, gentileza retificar a ficha catalográfica,a mesma se encontra desconfigurada. Atenciosamente. Qualquer duvida entrar em contato com a Biblioteca pelo contato: 3283-7240/7217/7256. on 2019-08-12T14:06:30Z (GMT) Submitted by Valter Luis Dantas Ornellas (ornellas.valter@gmail.com) on 2019-09-02T00:27:59Z No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter Luis Dantas Ornellas.pdf: 13267607 bytes, checksum: 4c60dce70e88c70aa02d10fa0b9f52f4 (MD5) Approved for entry into archive by Ana Miria Moreira (anamiriamoreira@hotmail.com) on 2019-09-02T12:31:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter Luis Dantas Ornellas.pdf: 13267607 bytes, checksum: 4c60dce70e88c70aa02d10fa0b9f52f4 (MD5) Made available in DSpace on 2019-09-02T12:31:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter Luis Dantas Ornellas.pdf: 13267607 bytes, checksum: 4c60dce70e88c70aa02d10fa0b9f52f4 (MD5) Capes - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A experiência estética com pinturas, sobretudo pelo dinamismo das informações proporcionadas por esse meio qualitativo, assegura o valor dessa linguagem como um produto que possibilita a geração de conhecimentos. Esta pesquisa seguiu movida por questionamentos direcionados ao saber se uma pintura poderia representar a impermanência da natureza, com recorte focal na produção pictórica do paisagista britânico John Constable, datada de finais do século XVIII e primeira metade do XIX. Trata-se de uma questão pertinente, pois é possível afirmar que o senso comum vem pensando cada exemplar da arte da pintura de paisagem como sendo representante de apenas um único e particular instante. Como objetivo geral, assume-se o propósito de identificar vertentes temporais na expressão artística de Constable, e a tese segue na defesa de que sua pintura é capaz de promover intuições de temporalidade, com destaque para a impermanência da natureza. O método investigativo utilizado tem um caráter especulativo, descritivo, exploratório, teórico e qualitativo. A empiria parte das pinturas de Constable apoiada por menções biográficas e pela pesquisa bibliográfica que reporta a investigações sobre a produção do artista, como também às críticas publicadas em periódicos da época. Como referencial teórico, explora-se a natureza do tempo, percorrendo trajetórias por diversos campos do saber. Nesse aspecto, a ênfase é dada em cinco marcos históricos da ciência e da filosofia sobre o tempo, a saber: Aristóteles, Newton, Kant, Einstein e Bergson. Além disso, segue-se particular interesse no empirismo de John Dewey, com foco na publicação Arte como experiência (1934). A filosofia da arte de Dewey contribui sobremaneira com o corpo da investigação, pois trata do fluxo contínuo da experiência estética como uma sequência temporal que se dá tanto na produção como na percepção de uma obra de arte. ABSTRACT The aesthetic experience with paintings, especially by the dynamism of the information provided by this qualitative medium, assures the value of this language as a product that enables knowledges generation. This research was followed by questions as to whether a painting could represent the impermanence of nature, with a focal cut in the pictorial production of the British landscape artist John Constable, dating from the late eighteenth and first half of the nineteenth century. This is a pertinent issue, since it can be said that common sense has been thinking of each exemplar of the art of landscape painting as representing only a single and particular moment. As a general objective, the purpose is to identify temporal aspects in Constable's artistic expression, and the thesis follows in the defense that his painting is capable of promoting intuitions of temporality, with emphasis on the impermanence of nature. The investigative method used has a speculative, descriptive, exploratory, theoretical and qualitative character. The empirical approach uses Constable's paintings, supported by biographical references and by the bibliographical research that reports to investigations on the artist's production, as well as to the criticisms published in periodicals of his time. The theoretical reference, follows several fields of knowledge. In this respect, the emphasis is given on five historical landmarks of science and philosophy about time, namely: Aristotle, Newton, Kant, Einstein, and Bergson. In addition, there is a particular interest in John Dewey's empiricism, focusing on the publication “Art as Experience” (1934). Dewey's philosophy of art contributes greatly to the body of inquiry, for it deals with the continuous flow of aesthetic experience, as a temporal sequence, which occurs both in production and in the perception of a work of art. RESUMEN La experiencia estética frente a pinturas asegura el valor de este lenguaje como producto que posibilita la generación de conocimientos, sobre todo por el dinamismo de las informaciones proporcionadas por este medio cualitativo. Esta investigación se moviliza según los cuestionamientos enfocados a saber si una pintura podría representar la no permanencia de la naturaleza, con recorte en la producción pictórica del paisajista británico John Constable, datada de finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX. Se trata de un asunto pertinente, donde se afirma que el sentido común piensa a cada ejemplar del arte de la pintura de paisaje, como representante de un solo y particular instante. Como objetivo general, se asume el propósito de identificar vertientes temporales en la expresión artística de Constable, y la tesis sigue con la defensa de que su pintura es capaz de promover intuiciones de temporalidad, com destaque para la impermanencia de la naturaleza. El método utilizado tiene carácter especulativo, descriptivo, exploratorio, teórico y cualitativo. La experiencia parte de observación de las pinturas de Constable, y se apoya en las menciones biográficas, la investigación bibliográfica que reporta a otras investigaciones sobre la producción del artista, así como a las críticas publicadas en periódicos de la época. Como referencial teórico, se explora la naturaleza del tiempo, recorriendo trayectorias por diversos campos del saber. En este aspecto, el énfasis se da en cinco marcos históricos de la ciencia y la filosofía sobre el tiempo, a saber: Aristóteles, Newton, Kant, Einstein y Bergson. Además, se sigue un particular interés en el empirismo de John Dewey, con foco en la publicación “Arte como Experiencia” (1934). La filosofía del arte de Dewey contribuye sobremanera con el cuerpo de la investigación, pues trata del flujo continuo de la experiencia estética, como una secuencia temporal, que ocurre tanto en la producción, como en la percepción de una obra de arte.

Submitted by Valter Luis Dantas Ornellas (ornellas.valter@gmail.com) on 2019-08-05T03:19:12Z No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter L. D. Ornellas.pdf: 13264448 bytes, checksum: b945375b8256cb9045b9ad1f10a99cef (MD5) Rejected by Ana Miria Moreira (anamiriamoreira@hotmail.com), reason: Prezado Valter, gentileza retificar a ficha catalográfica,a mesma se encontra desconfigurada. Atenciosamente. Qualquer duvida entrar em contato com a Biblioteca pelo contato: 3283-7240/7217/7256. on 2019-08-12T14:06:30Z (GMT) Submitted by Valter Luis Dantas Ornellas (ornellas.valter@gmail.com) on 2019-09-02T00:27:59Z No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter Luis Dantas Ornellas.pdf: 13267607 bytes, checksum: 4c60dce70e88c70aa02d10fa0b9f52f4 (MD5) Approved for entry into archive by Ana Miria Moreira (anamiriamoreira@hotmail.com) on 2019-09-02T12:31:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter Luis Dantas Ornellas.pdf: 13267607 bytes, checksum: 4c60dce70e88c70aa02d10fa0b9f52f4 (MD5) Made available in DSpace on 2019-09-02T12:31:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese de Doutorado de Valter Luis Dantas Ornellas.pdf: 13267607 bytes, checksum: 4c60dce70e88c70aa02d10fa0b9f52f4 (MD5) Capes - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A experiência estética com pinturas, sobretudo pelo dinamismo das informações proporcionadas por esse meio qualitativo, assegura o valor dessa linguagem como um produto que possibilita a geração de conhecimentos. Esta pesquisa seguiu movida por questionamentos direcionados ao saber se uma pintura poderia representar a impermanência da natureza, com recorte focal na produção pictórica do paisagista britânico John Constable, datada de finais do século XVIII e primeira metade do XIX. Trata-se de uma questão pertinente, pois é possível afirmar que o senso comum vem pensando cada exemplar da arte da pintura de paisagem como sendo representante de apenas um único e particular instante. Como objetivo geral, assume-se o propósito de identificar vertentes temporais na expressão artística de Constable, e a tese segue na defesa de que sua pintura é capaz de promover intuições de temporalidade, com destaque para a impermanência da natureza. O método investigativo utilizado tem um caráter especulativo, descritivo, exploratório, teórico e qualitativo. A empiria parte das pinturas de Constable apoiada por menções biográficas e pela pesquisa bibliográfica que reporta a investigações sobre a produção do artista, como também às críticas publicadas em periódicos da época. Como referencial teórico, explora-se a natureza do tempo, percorrendo trajetórias por diversos campos do saber. Nesse aspecto, a ênfase é dada em cinco marcos históricos da ciência e da filosofia sobre o tempo, a saber: Aristóteles, Newton, Kant, Einstein e Bergson. Além disso, segue-se particular interesse no empirismo de John Dewey, com foco na publicação Arte como experiência (1934). A filosofia da arte de Dewey contribui sobremaneira com o corpo da investigação, pois trata do fluxo contínuo da experiência estética como uma sequência temporal que se dá tanto na produção como na percepção de uma obra de arte. ABSTRACT The aesthetic experience with paintings, especially by the dynamism of the information provided by this qualitative medium, assures the value of this language as a product that enables knowledges generation. This research was followed by questions as to whether a painting could represent the impermanence of nature, with a focal cut in the pictorial production of the British landscape artist John Constable, dating from the late eighteenth and first half of the nineteenth century. This is a pertinent issue, since it can be said that common sense has been thinking of each exemplar of the art of landscape painting as representing only a single and particular moment. As a general objective, the purpose is to identify temporal aspects in Constable's artistic expression, and the thesis follows in the defense that his painting is capable of promoting intuitions of temporality, with emphasis on the impermanence of nature. The investigative method used has a speculative, descriptive, exploratory, theoretical and qualitative character. The empirical approach uses Constable's paintings, supported by biographical references and by the bibliographical research that reports to investigations on the artist's production, as well as to the criticisms published in periodicals of his time. The theoretical reference, follows several fields of knowledge. In this respect, the emphasis is given on five historical landmarks of science and philosophy about time, namely: Aristotle, Newton, Kant, Einstein, and Bergson. In addition, there is a particular interest in John Dewey's empiricism, focusing on the publication “Art as Experience” (1934). Dewey's philosophy of art contributes greatly to the body of inquiry, for it deals with the continuous flow of aesthetic experience, as a temporal sequence, which occurs both in production and in the perception of a work of art. RESUMEN La experiencia estética frente a pinturas asegura el valor de este lenguaje como producto que posibilita la generación de conocimientos, sobre todo por el dinamismo de las informaciones proporcionadas por este medio cualitativo. Esta investigación se moviliza según los cuestionamientos enfocados a saber si una pintura podría representar la no permanencia de la naturaleza, con recorte en la producción pictórica del paisajista británico John Constable, datada de finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX. Se trata de un asunto pertinente, donde se afirma que el sentido común piensa a cada ejemplar del arte de la pintura de paisaje, como representante de un solo y particular instante. Como objetivo general, se asume el propósito de identificar vertientes temporales en la expresión artística de Constable, y la tesis sigue con la defensa de que su pintura es capaz de promover intuiciones de temporalidad, com destaque para la impermanencia de la naturaleza. El método utilizado tiene carácter especulativo, descriptivo, exploratorio, teórico y cualitativo. La experiencia parte de observación de las pinturas de Constable, y se apoya en las menciones biográficas, la investigación bibliográfica que reporta a otras investigaciones sobre la producción del artista, así como a las críticas publicadas en periódicos de la época. Como referencial teórico, se explora la naturaleza del tiempo, recorriendo trayectorias por diversos campos del saber. En este aspecto, el énfasis se da en cinco marcos históricos de la ciencia y la filosofía sobre el tiempo, a saber: Aristóteles, Newton, Kant, Einstein y Bergson. Además, se sigue un particular interés en el empirismo de John Dewey, con foco en la publicación “Arte como Experiencia” (1934). La filosofía del arte de Dewey contribuye sobremanera con el cuerpo de la investigación, pues trata del flujo continuo de la experiencia estética, como una secuencia temporal, que ocurre tanto en la producción, como en la percepción de una obra de arte.

Orientador: Sylvia Helena Furegatti Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo analisar as relações entre a monumentalidade, memória e temporalidade, a partir do trabalho de Christo Javacheff (1935). Considerando-se a Arte Pública e a Land Art, oriundas da Arte Contemporânea do período final dos anos de 1960, nota-se a relação entre monumentalidade e temporalidade como condições de coexistência com o espaço público, site specificity adotado por artistas como Christo Javacheff, Robert Smithson e Richard Serra, dentre outros. Para alcançar o objetivo proposto, foram selecionados três projetos artísticos de Javacheff: Wrapped Reichstag (1971-1995), Running Fence (1972-1976) e The Gates (1979-2005). Dentre as questões fundamentais para realização destas ações estão as condições de temporalidade atreladas à monumentalidade e a memória cultural e histórica, presente no espaço de atuação do artista; além das dificuldades enfrentadas por ele para obter as autorizações para executar os projetos Abstract: The main objective of this research is the analysis the relations between monumentality, memory and temporality, based on the work of Christo Javacheff (1935). From Public Art and Land Art, from the Contemporary Art of the final period of the 1960s, The relationship between monumentality and temporality as conditions of coexistence with the public space, site specificity adopted by artists such as Christo Javacheff, Robert Smithson and Richard Serra, among others. To reach the proposed goal, three artistic projects of Javacheff were selected: Wrapped Reichstag (1971-1995), Running Fence (1972-1976) and The Gates (1979-2005). Among the fundamental questions to carry out these actions are the conditions of temporality linked to monumentality and the cultural and historical memory, present in the space of the artist's performance; As well as the difficulties in obtaining the authorizations to execute the projects Mestrado Artes Visuais Mestra em Artes Visuais

Orientador: Lygia Arcuri Eluf Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A partir de um olhar fenomenológico investiga-se a relação do artista com a paisagem, tendo como ponto de partida a existência de uma correspondência entre a natureza do artista e a natureza como fator determinante no processo de criação. A percepção inicial desse fenômeno se deu através da cor, que aqui será tratada em suas diferentes dimensões: cor-luz e cor-matéria. A paleta do artista foi eleita como objeto de análise para investigar essa correspondência, para tanto me propus a visitar os lugares em que os artistas realizaram suas pinturas. Buscou-se percorrer os pontos de vistas de Claude Monet, Vincent van Gogh e Paul Cézanne, por dialogarem com a minha práxis artística, atuando de formas diferenciadas em meu processo. Com a realização deste trabalho, aspectos que eram intuitivos ganharam uma dimensão analítica, que podem contribuir com estudos que tenham como tema a relação do artista com a paisagem. Neste trabalho busco compreender aspectos da minha práxis artística desde a eleição do tema, a relação entre as linguagens visuais, as técnicas, a escolha das matérias plásticas, o diálogo com a estética e com a história da arte Abstract: From a phenomenological look investigate the artist's relationship with the landscape, taking as its starting point the existence of a correspondence between the artist¿s nature and nature as an important factor in the creation process. The initial perception of this phenomenon was through color, which here will be treated in its different dimensions: color-light and color-matter. Artist's Palette was chosen as the object of analysis to investigate this correspondence so I set out to visit the places where the artists performed their paintings. I tried to do the route of the point of view from Claude Monet, Vincent van Gogh and Paul Cézanne, wich dialogue with my artistic¿s practice, working in different ways in my process. With this work, aspects that were intuitive, won an analytical dimension, which can contribute to studies that have as their subject the artist's relationship with the landscape. This research sought to understand aspects of my artistic praxis, since the election of the theme, the relationship between the visual languages, techniques, choice of plastic materials, and the dialogue with aesthetics and art history Doutorado Artes Visuais Doutora em Artes Visuais

This research project questions whether it is possible to gain an understanding of a specific quality of time, and to do this by studying a site in the natural world. It questions if such an understanding would be of benefit in comprehending my place within the natural world. The particular quality of time is that of continuous change, indicating all phenomena are in a state of flux, and the site is a pond of distinctively seasonal lotus plants at the Adelaide Botanic Garden. Thesis (Masters by research(Visual Arts))--University of South Australia, 2016. Includes bibliographical references (pages 61-72)

Baumkunst aglutina un estudi d'investigació entorn el tractament que s'ha donat a l'arbre, principalment com a ésser viu, en el territori de l'art recent. L'arbre és abordat com a objecte i subjecte, però també esdevindrà un espai-territori d'experimentació i investigació en l'art contemporani.Aquesta tesi presenta, documenta i corrobora el vast ventall temàtic, així com la quantia i contemporaneïtat de la temàtica abordada pels artistes; la investigació s'acota dins d'un tipus d'intervencions artístiques, instal·lacions, accions, obres o treballs que prenen la presència de l'arbre en diferents intensitats i nivells, tant objectualment com conceptual.L'anàlisi que s'ha portat a terme a Baumkunst s'entén, principalment, des d'una visió contemporània immersa dins del món del nostre temps. La relació entre Art i Natura en la contemporaneïtat, no pot ser entesa només a partir de conceptes com contemplació, expressió o assimilació, sinó sota aquelles estratègies d'hibridació i contaminació de disciplines, fruit de la complexa trama d'un món que es caracteritza per les transformacions contínuament canviants, mòbils i en procés. Un món, marcat pels vertiginosos canvis provocats pel minvament dels seus recursos naturals i els fluxos migratoris humans. L'art també esdevindrà un reflex d'aquest món. L'ús de la paraula composta alemanya Baumkunst (Art arbori), representa el territori d'investigació de la tesi i constata la revellància dels arbres en la cultura germànica. L'estructura de Baumkunst s'identifica a la d'un arbre genealògic, que dóna forma, estructura i aglutina el cos d'estudi.La tesi s'estructura en tres grans blocs temàtics: l'arbre-objecte, l'arbre-subjecte, i l'arbre-espai-territori. El primer bloc l'arbre-objecte està desenvolupat en els tres primers capítols: 1. L'arbre-ready-made: viu i mort, 2. L'arbre i les coses3. L'arbre-llibre. El segon bloc l'arbre-subjecte s'acota al quart i cinquè capítol: 4. Subjecte-Arbre: l'arbre i el cos humà5. Accions i Artefactes perceptius I l'últim bloc l'arbre-espai-territori es desenvolupa en els següents capítols: 6. Arbre-Columna. 7. Arbre-Hàbitat. 8. Escenaris Arboris. 9. Plantacions. En els exemples analitzats s'estableix un diàleg entre els arbres i els elements del nostre entorn, els objectes, les coses, els llibres, el propi cos de l'artista, fins i tot amb el cos de l'espectador. L'arbre esdevindrà un suport/espai escenari per explicar algun fet o situar alguna cosa. Tanmateix, l'arbre serà abordat com a indicador d'un lloc, amb una identitat i una història i, fins i tot, les seves propietats constructives el fan mereixedor d'un lloc en el qual els artistes projecten espais habitables, utòpics i reivindicadors.L'art recent, farà un ús de l'arbre viu o mort, arrelat o desarrelat, de planter o in situ, en la seva integritat o sotmès a una fragmentació, de manera parcial o unitària, sol o dins d'un conjunt, en plantacions o zones boscoses. L'arbre viu in situ serà escollit per les seves particularitats i propietats, tant botàniques, com espaials, formals... L'arbre viu de planter permetrà la possibilitat de crear obres d'art autònomes en qualsevol context i ubicació. Aquesta tesi posa en imatges i comentaris el testimoni d'una gran varietat d'artistes i d'actituds que, en la diversitat i hibridisme disciplinar, posen la seva mirada en aquest element vegetal i n'exploren les seves possibilitats expressives, filosòfiques, ecològiques, ètiques i estètiques. Els artistes i creadors, davant d'una evident consciència ecològica, projectaran la seva mirada cap a la degradació del mediambient, la desforestació, la contaminació, l'entropia del territori, els canvis climàtics, les catàstrofes .. Baumkunst pretén demostrar el perquè els arbres tot sovint han estat escollits pel seu estatus com la major icona global de la conservació i destrucció de la natura terrestre., "BAUMKUNST. The tree as an object, subject and experimental territory of contemporary art"TEXT:Baumkunst brings together a research study focusing on the treatment that artists have given to the tree, especially as a living organism in the territory of the recent art. The tree is contemplated as an object and subject, but will also form part of a spatial-territorial experiment and research in contemporary art. This thesis presents, documents and corroborates the vast thematic, as well as the cost and contemporariness of the presented thematic desenvoluped by the artists; the reserche focuses on these types of artistic interventions, installations, performance, actions or masterworks that represents the presence of the tree in varying intensities and levels, both objectively and conceptually.The use of the German compound word Baumkunst (arboreal Art) represents the research field of the thesis.The thesis is divided into three large thematic sections: the tree-object, the tree-subject, and the tree-space-territory developed in the different chapters. In the examples analyzed by the chapters, is established a dialogue between the trees and the elements of our environment, the objects, the things, the books, the own body of the artist, even the body of the spectator. The tree will become a support/space scenario to explain some facts or to locate something. The tree will be focussed as an indicator of place, with an identity and a history, and even its constructive properties will make it deserving of a place where the artists project habitable spaces, utopias and vindications.Baumkunst conveys in both images and comments of testimony from a great variety of artists and attitudes that, in the diversity and disciplined hybridisms, they place their own views onto this plant element and they explore their expressive, philosophical, ecological, ethnical and aesthetic possibilities. The artists and creators, ahead of evident ecologic conscience, project their view towards environmental degradation, deforestation, pollution, the entropy of the territory, climate changes, catastrophes . This thesis attempts to show how the trees have often been selected for their status as the major global icon of the conservation and destruction of terrestrial nature.

"L'Anell de pedra" és una aliança amb la natura i una reflexió oberta sobre la comunicació que s'experimenta en contacte amb ella. Presenta un ordre en la complexitat de l'acte creatiu i manifesta la voluntat de fer un pacte estable. Vol ser una gnosi, un fil d'unió entre el pensament estètic, la sensibilitat espiritual i el paradigma emergent. Amb la informació disponible sobre l'existència paradoxal de les coses, la tesi defineix una gràfica virtual amb tres àrees de realitat: · El món exterior construït amb matèria inerta, base comuna de la realitat.· Les coses sensibles encarnades en el cicle de la vida i la mort.· Allò que emergeix de l'activitat mental, les hipòtesis de treball científic i les obres d'art. Aquests universos estan traspassats per un fil invisible unit a les lleis de la física, als processos metabòlics i bioquímics que constitueixen la base de la vida. La visió del paradigma emergent, post cartesià, unifica la matèria, la vida i la ment i ens obliga a definir de bell nou la relació existent entre l'home i la resta d'éssers vius. La raó humana no és una característica diferenciadora de la resta d'animals, sinó que és una qualitat que ens unifica amb ells, ens situa en la mateixa línia d'evolució de la vida. En la roda dels canvis, en la transformació de la matèria, tant sols estem en altre nivell, en una fase de complexitat diferent.L'art pot ser ara una manera que l'home fa servir per connectar amb l'alè invisible del món, amb el llenguatge encriptat que presenta la natura. Des de la perspectiva de la realitat estètica, l'obra d'art és el vehicle que posa en comunió la matèria i les seves produccions, és el nodol de les xarxes de relació entre la matèria, la vida i la cultura. L'Anell de pedra vol mitigar el dolor de la vida i apaivagar els nivells d'incertesa. La seva forma presenta un ordre amb el qual es mira el misteri inefable del món, en ell queda emmirallat un patró de conducta que s'auto replica, que balla sobre un fons caòtic i genera ontologia. Aquesta percepció de la matèria sensible l'he anomenada "la realitat estètica". Tot emergeix d'aquesta premissa; la qualitat creativa de la matèria. El món que veiem, és la seva obra i en ella intentem trobar-nos i acomodar la nostra existència. La ressonància creadora, les "hierofanies" que emanen d'una muntanya, no són la veu del sagrat, són constatacions de la realitat estètica, intuïcions creatives, "revelacions", fruït d'anàlisis de la raó científica. Hem de pensar, però, que tot és físic, incloent les emocions i els pensaments, tot emergeix d'una memòria implicada en la matèria que es desplega als ulls per mitjà de reaccions físiques i químiques. L'univers es revela a la mirada com holografies, creacions instantànies de la ment que queden unides per xarxes de relació física. En el fons caòtic del món i la ment, tot és atzar i necessitat, intercanvi d'energia i informació.El procediment de treball ha portat varies direccions:· Constatar en l'experiència de camp que la ressonància de la matèria es comunica i traspassa els tres àmbits anunciats. · La recerca i documentació d'aspectes sensibles en la natura, com a eina que ajuda a conèixer la condició humana.· Elaborar la idea que l'art és també el llenguatge de la natura, ja que aquesta està sotmesa al cicle creatiu de la vida i de la mort. · La vida també és art i aparença; pregunta obsessiva que cerca el seu significat en una contínua transformació. CONCLUSIONS: Com a escultor he assajat escenaris per fer accions en la cara fosca de la realitat: les ocultacions. Com a resposta a les meves conviccions, allí, on les simetries fonamentals de les partícules presenten el principi d'incertesa, he presentat l'obra, allí he redactat el compromís conceptual de l'aliança. En el món exterior, en el de les coses tangibles he instal·lat la forma de l'anell de pedra., ENGLISH SUMMARY:"Stone ring" is an open reflection and experiment of poor communication, which introduces order into the complexity of the creative act and reveals the will to create an alliance with Nature.It is a work of gnosis, a connection between the aesthetic thought, the spiritual sensitivity and the emergent paradigm; a new world order. By means of information on the paradoxical existence of things, the thesis defines a virtual graphic displaying three areas of reality:· The external world built with spiritless material, common to everything. · Sensible things involved in the cycle of life and death.· Everything that arises from mental activity; ideas, illusions, fantasies, hypotheses of scientific and art works.These universes are connected by an invisible thread which is united to the laws of physics, metabolic and biochemical processes that constitute the basis for life.The post Cartesian vision of the emergent paradigm unifies matter, life and soul, and forces us to redefine the relationship between man and other beings; nature.Reason does not make us different from other animals. In fact, it is a quality that unifies us, that places us in the same evolution chain, despite representing different phases of evolution. The procedure for the project has focused on three main areas:· Prove through field experience that resonance of matter can communicate and move through the three above-mentioned areas· Use research as a tool to document sensitive aspects of nature and reduce levels of uncertainty· Develop the ideas that art is the language of nature, subjected to the cycle of life and death and that life is art and appearance.CONCLUSIONS:As a sculptor, I have conducted research in different settings in order to perform actions on the dark side of reality: concealments. To prove my convictions, I have presented my work where the main symmetries of particles display the uncertainty principle. The display is found in the external world of tangible objects and is where I have placed the Stone ring and ultimately written the conceptual compromise of alliance., "El anillo de piedra" es una reflexión abierta desde la escultura que trata sobre la comunicación débil y sobre la comunión que se establece con la naturaleza. Presenta un orden en la complejidad del acto creativo y expresa la voluntad de establecer una alianza dentro de la oscuridad del mundo. Quiere ser una gnosis, un hilo de unión entre el pensamiento estético, la sensibilidad espiritual y el paradigma emergente, la nueva formulación de la realidad. Con la información disponible sobre la existencia paradójica de las cosas, la tesis define una gráfica con tres áreas de realidad: · El mundo exterior construido con materia exánime pero común a todo lo que nos rodea.· Las cosas sensibles encarnadas en el ciclo de la vida y de la muerte.· Las acciones que emergen de la actividad mental, las ideas, ilusiones, fascinaciones, hipótesis de trabajo científico y las obras de arte. Presenta estos universos traspasados por un hilo invisible, unidos siempre a las leyes de la física, a los procesos metabólicos y bioquímicos que constituyen la base de la vida. La visión del paradigma emergente, post cartesiano, unifica la materia, la vida y la mente y nos obliga a definir de nuevo la relación existente entre el hombre y el resto de seres vivos. Las propuestas de la tesis nos invitan a formar parte del fluir creativo de la naturaleza. Se reflexiona sobre la razón estética y apunta que no es una característica que nos diferencie del resto de los animales, sino que es una cualidad que nos unifica con ellos; nos sitúa en la misma línea de evolución, así, podemos de pensar que tan sólo nos encontramos en una fase diferente.Las aportaciones del procedimiento creativo son:· Constatar en la experiencia de campo que la resonancia de la materia se comunica y traspasa los tres ámbitos anunciados. · La búsqueda y documentación de aspectos sensibles en la naturaleza ha proporcionado una respuesta estética que mitiga los niveles de incertidumbre y nos reconcilia con el mundo.· La vida es arte y apariencia en proceso permanente, cuestión que nos obliga a elaborar una idea firme más allá del escenario de los objetos. El arte es también el lenguaje de la naturaleza, ya que ésta está sometida al ciclo de la vida y de la muerte. Conclusiones: como escultor he ensayado espacios para hacer acciones en la cara oculta de la realidad: las ocultaciones. Como respuesta a mis convicciones, allí, donde les simetrías fundamentales de las partículas presentan el principio de incertidumbre, he presentado la obra, allí he redactado el compromiso conceptual de la alianza. En el mundo exterior, en el de las cosas tangibles y contingentes, he instalado la forma, el Anillo de piedra.

[cat] "L'Anell de pedra" és una aliança amb la natura i una reflexió oberta sobre la comunicació que s'experimenta en contacte amb ella. Presenta un ordre en la complexitat de l'acte creatiu i manifesta la voluntat de fer un pacte estable. Vol ser una gnosi, un fil d'unió entre el pensament estètic, la sensibilitat espiritual i el paradigma emergent. Amb la informació disponible sobre l'existència paradoxal de les coses, la tesi defineix una gràfica virtual amb tres àrees de realitat: · El món exterior construït amb matèria inerta, base comuna de la realitat. · Les coses sensibles encarnades en el cicle de la vida i la mort. · Allò que emergeix de l'activitat mental, les hipòtesis de treball científic i les obres d'art. Aquests universos estan traspassats per un fil invisible unit a les lleis de la física, als processos metabòlics i bioquímics que constitueixen la base de la vida. La visió del paradigma emergent, post cartesià, unifica la matèria, la vida i la ment i ens obliga a definir de bell nou la relació existent entre l'home i la resta d'éssers vius. La raó humana no és una característica diferenciadora de la resta d'animals, sinó que és una qualitat que ens unifica amb ells, ens situa en la mateixa línia d'evolució de la vida. En la roda dels canvis, en la transformació de la matèria, tant sols estem en altre nivell, en una fase de complexitat diferent. L'art pot ser ara una manera que l'home fa servir per connectar amb l'alè invisible del món, amb el llenguatge encriptat que presenta la natura. Des de la perspectiva de la realitat estètica, l'obra d'art és el vehicle que posa en comunió la matèria i les seves produccions, és el nodol de les xarxes de relació entre la matèria, la vida i la cultura. L'Anell de pedra vol mitigar el dolor de la vida i apaivagar els nivells d'incertesa. La seva forma presenta un ordre amb el qual es mira el misteri inefable del món, en ell queda emmirallat un patró de conducta que s'auto replica, que balla sobre un fons caòtic i genera ontologia. Aquesta percepció de la matèria sensible l'he anomenada "la realitat estètica". Tot emergeix d'aquesta premissa; la qualitat creativa de la matèria. El món que veiem, és la seva obra i en ella intentem trobar-nos i acomodar la nostra existència. La ressonància creadora, les "hierofanies" que emanen d'una muntanya, no són la veu del sagrat, són constatacions de la realitat estètica, intuïcions creatives, "revelacions", fruït d'anàlisis de la raó científica. Hem de pensar, però, que tot és físic, incloent les emocions i els pensaments, tot emergeix d'una memòria implicada en la matèria que es desplega als ulls per mitjà de reaccions físiques i químiques. L'univers es revela a la mirada com holografies, creacions instantànies de la ment que queden unides per xarxes de relació física. En el fons caòtic del món i la ment, tot és atzar i necessitat, intercanvi d'energia i informació. El procediment de treball ha portat varies direccions: · Constatar en l'experiència de camp que la ressonància de la matèria es comunica i traspassa els tres àmbits anunciats. · La recerca i documentació d'aspectes sensibles en la natura, com a eina que ajuda a conèixer la condició humana. · Elaborar la idea que l'art és també el llenguatge de la natura, ja que aquesta està sotmesa al cicle creatiu de la vida i de la mort. · La vida també és art i aparença; pregunta obsessiva que cerca el seu significat en una contínua transformació. CONCLUSIONS: Com a escultor he assajat escenaris per fer accions en la cara fosca de la realitat: les ocultacions. Com a resposta a les meves conviccions, allí, on les simetries fonamentals de les partícules presenten el principi d'incertesa, he presentat l'obra, allí he redactat el compromís conceptual de l'aliança. En el món exterior, en el de les coses tangibles he instal·lat la forma de l'anell de pedra.||ENGLISH SUMMARY: "Stone ring" is an open reflection and experiment of poor communication, which introduces order into the complexity of the creative act and reveals the will to create an alliance with Nature. It is a work of gnosis, a connection between the aesthetic thought, the spiritual sensitivity and the emergent paradigm; a new world order. By means of information on the paradoxical existence of things, the thesis defines a virtual graphic displaying three areas of reality: · The external world built with spiritless material, common to everything. · Sensible things involved in the cycle of life and death. · Everything that arises from mental activity; ideas, illusions, fantasies, hypotheses of scientific and art works. These universes are connected by an invisible thread which is united to the laws of physics, metabolic and biochemical processes that constitute the basis for life. The post Cartesian vision of the emergent paradigm unifies matter, life and soul, and forces us to redefine the relationship between man and other beings; nature. Reason does not make us different from other animals. In fact, it is a quality that unifies us, that places us in the same evolution chain, despite representing different phases of evolution. The procedure for the project has focused on three main areas: · Prove through field experience that resonance of matter can communicate and move through the three above-mentioned areas · Use research as a tool to document sensitive aspects of nature and reduce levels of uncertainty · Develop the ideas that art is the language of nature, subjected to the cycle of life and death and that life is art and appearance. CONCLUSIONS: As a sculptor, I have conducted research in different settings in order to perform actions on the dark side of reality: concealments. To prove my convictions, I have presented my work where the main symmetries of particles display the uncertainty principle. The display is found in the external world of tangible objects and is where I have placed the Stone ring and ultimately written the conceptual compromise of alliance., ENGLISH SUMMARY: "Stone ring" is an open reflection and experiment of poor communication, which introduces order into the complexity of the creative act and reveals the will to create an alliance with Nature. It is a work of gnosis, a connection between the aesthetic thought, the spiritual sensitivity and the emergent paradigm; a new world order. By means of information on the paradoxical existence of things, the thesis defines a virtual graphic displaying three areas of reality: · The external world built with spiritless material, common to everything. · Sensible things involved in the cycle of life and death. · Everything that arises from mental activity; ideas, illusions, fantasies, hypotheses of scientific and art works. These universes are connected by an invisible thread which is united to the laws of physics, metabolic and biochemical processes that constitute the basis for life. The post Cartesian vision of the emergent paradigm unifies matter, life and soul, and forces us to redefine the relationship between man and other beings; nature. Reason does not make us different from other animals. In fact, it is a quality that unifies us, that places us in the same evolution chain, despite representing different phases of evolution. The procedure for the project has focused on three main areas: · Prove through field experience that resonance of matter can communicate and move through the three above-mentioned areas · Use research as a tool to document sensitive aspects of nature and reduce levels of uncertainty · Develop the ideas that art is the language of nature, subjected to the cycle of life and death and that life is art and appearance. CONCLUSIONS: As a sculptor, I have conducted research in different settings in order to perform actions on the dark side of reality: concealments. To prove my convictions, I have presented my work where the main symmetries of particles display the uncertainty principle. The display is found in the external world of tangible objects and is where I have placed the Stone ring and ultimately written the conceptual compromise of alliance., [spa] "El anillo de piedra" es una reflexión abierta desde la escultura que trata sobre la comunicación débil y sobre la comunión que se establece con la naturaleza. Presenta un orden en la complejidad del acto creativo y expresa la voluntad de establecer una alianza dentro de la oscuridad del mundo. Quiere ser una gnosis, un hilo de unión entre el pensamiento estético, la sensibilidad espiritual y el paradigma emergente, la nueva formulación de la realidad. Con la información disponible sobre la existencia paradójica de las cosas, la tesis define una gráfica con tres áreas de realidad: · El mundo exterior construido con materia exánime pero común a todo lo que nos rodea. · Las cosas sensibles encarnadas en el ciclo de la vida y de la muerte. · Las acciones que emergen de la actividad mental, las ideas, ilusiones, fascinaciones, hipótesis de trabajo científico y las obras de arte. Presenta estos universos traspasados por un hilo invisible, unidos siempre a las leyes de la física, a los procesos metabólicos y bioquímicos que constituyen la base de la vida. La visión del paradigma emergente, post cartesiano, unifica la materia, la vida y la mente y nos obliga a definir de nuevo la relación existente entre el hombre y el resto de seres vivos. Las propuestas de la tesis nos invitan a formar parte del fluir creativo de la naturaleza. Se reflexiona sobre la razón estética y apunta que no es una característica que nos diferencie del resto de los animales, sino que es una cualidad que nos unifica con ellos; nos sitúa en la misma línea de evolución, así, podemos de pensar que tan sólo nos encontramos en una fase diferente. Las aportaciones del procedimiento creativo son: · Constatar en la experiencia de campo que la resonancia de la materia se comunica y traspasa los tres ámbitos anunciados. · La búsqueda y documentación de aspectos sensibles en la naturaleza ha proporcionado una respuesta estética que mitiga los niveles de incertidumbre y nos reconcilia con el mundo. · La vida es arte y apariencia en proceso permanente, cuestión que nos obliga a elaborar una idea firme más allá del escenario de los objetos. El arte es también el lenguaje de la naturaleza, ya que ésta está sometida al ciclo de la vida y de la muerte. Conclusiones: como escultor he ensayado espacios para hacer acciones en la cara oculta de la realidad: las ocultaciones. Como respuesta a mis convicciones, allí, donde les simetrías fundamentales de las partículas presentan el principio de incertidumbre, he presentado la obra, allí he redactado el compromiso conceptual de la alianza. En el mundo exterior, en el de las cosas tangibles y contingentes, he instalado la forma, el Anillo de piedra.

[spa] El animal ha estado presente en el laboratorio a partir del siglo xx. Ya sea en la investigación científica, en el debate político o en la exploración artística, el animal ha carecido de refugio, es la víctima propiciatoria de todos los sacrificios contemporáneos. Sin la función exploratoria que las vanguardias adjudicaron al arte poco o nada habría que documentar de tales operaciones. La figuración plástica, por otro lado, ha afianzado su proximidad en los diseños derivados del industrialismo tardío. El pop como escuela última del siglo pasado ha visto explotar las hibridaciones entre imagen pictórica y mediática. El siglo xx fue el siglo del triunfo de la imagen visual. La profusión de imágenes ha saturado la visión y sustituido al mundo por su representación. La gráfica en el arte de finales de siglo cobraría una inusitada preponderancia por sobre las expresiones pictóricas. El arte conceptual y los minimalismos ejercieron una fuerte influencia sobre los estilos emergentes atrajeron una mayor atención hacia aspectos estructurales y sistemáticos de la práctica del arte. Hacia principios del siglo XXI el estatuto contemporáneo del dibujo es de primera relevancia respecto a otros recursos. Poco queda ya de las identidades clásicas, nada, a decir verdad, de los géneros pictóricos donde las presencias animales hallaban clara pertinencia. El código genético es el trazo definitorio de las identidades en el siglo XXI. Ni la naturaleza muerta, ni el paisaje, ni el retrato con animales subsisten más que como formas paródicas. Los individuos del finales del siglo perdían toda relación de permanencia y trascendencia. En ese proceso fueron desfigurándose y desmaterializándose como la misma sustancia de la obra artística. Devenido discurso el arte tendría que volverse por un lado autorreferencial y por el otro una aplicación comunicativa. No hallamos más a la naturaleza en nuestro entorno. El arte del siglo XX fue urbano, artificial, abstracto, sintético, teórico y, finalmente, sarcástico. La imagen de la naturaleza pasó a ser un tópico romántico trascendido y obsoleto; un lamento nostálgico. La sobre explotación de los recursos naturales aunada a la depauperación de las regiones rurales del planeta, particularmente en regiones extensas del tercer mundo, ha generado una actitud catastrofista hacia el programa desarrollista de occidente y se plantean más dudas que certezas frente al destino de múltiples especies animales y vegetales. El imaginario tradicionalmente prolífico y virtuoso de la naturaleza como abundancia inabarcable y como fuente de secretos y maravillas se ha trocado en una visión apocalíptica de fin de la vida. La creciente preocupación en torno a la degradación acelerada de la naturaleza ha conducido a una conciencia política y civil de la ecología como postura ética y cultural de vanguardia. En correspondencia con el ecologismo desde el arte se ha hecho presente una actitud de reinterpretación de lo natural, ya no por medio de la imitación figurativa, sino como correlato cultural elíptico. Por ello, la presencia de los animales en el arte de las últimas décadas del siglo XX plantea paradojas interesantes. No son el tema central de tal práctica, a decir verdad ningún tema lo fue; son agentes de extrañeza y de descentramiento. Son un sujeto aparentemente banal, periclitado en la historia, pero abandonado al margen de mitologías y utopías ancestrales. Los grandes imaginarios zoológicos de claras connotaciones al culto han perdido pertinencia en un mundo tecnificado y mediatizado. Por otro lado ese espacio salvaje del mundo animal, como instinto y naturaleza pura, ha sido neutralizado por la práctica psicoanalítica. Es propio de la civilización actual no hallar otros referentes que los antropocéntricos. El estatuto animal ha sido degradado a la domesticación e incorporado a la cadena productiva. Lo animal es excesivo y excedente: un suplemento irracional sin lógica en el diseño de la civilización futura. La calidad espiritual del arte contemporáneo es débil, porque la sociedad que lo produce tiene un alma confundida. Las formas animales, tradicionalmente arquetipos de valor y conocimiento, nos son tanto más extrañas cuanto más manipulables y desintegradas nos parecen. Buscar un lugar para su manifestación en el arte necesariamente demanda una reconsideración de los procesos culturales de interpretación del mundo como un espacio donde aún tenga cabida la dimensión espiritual., [eng] "Goldfish's Memory: Animals' Display and Representation in the Late 20th Century Western Drawings. (1970 - 2000)" The traditionally prolific and virtuous imaginary of nature, as an endless abundance and source of all secrets and wonders, has changed into an apocalyptic vision of the end of life, as we know it. The increasing concern about the fast degradation of nature has led to a civil and political conscience around ecology, as an avant-garde ethical and cultural posture. From the point of view of the ecology, seen through the lens of the Arts, there has been an attitude towards the re-interpretation of the natural, not by means of the figurative imitation, but as a cultural elliptic co-narrative. This is the reason why, the presence of animals in the art production of the last decades of the 20th Century poses some interesting paradoxes. Animals are not the central theme of this practice; actually, they never were: they are agents of estrangement and decentralization. They are an apparently banal subject, glorified in history, but put aside along with mythologies and ancestral utopias. The great imaginary from zoology, clearly bonded to cult and ceremonial practices, has lost its pertinence in a technophile and media-influenced world. On the other hand, the "savage" space of the animal realm, as pure and natural instinct, has been neutralized by a psychoanalytic practice. It is proper to the current civilization to find no other references that those anthropocentric. The animal statutory has been subdued to domestication and incorporated to the dynamics of the production line. The animal is excessive and a left over: it is an irrational supplement without logic in the design of the future civilization. The spiritual sphere of contemporary art is weak because the society that produces it bears a confused soul. Animals' form, traditionally depicted as a knowledge and value archetype, appears to us the stranger the more controllable and disintegrated they seem. To look for an appropriate space for their artistic manifestation obliges a reconsideration of all the cultural processes we use to interpret the world as a place where a spiritual dimension is still possible.