Search

Práce se zabývá českým vyslancem hrabětem Františkem Karlem Vratislavem z Mitrovic a jeho působením u stálého říšského sněmu v Řezně v letech 1709-1723. Text je zaměřen na kulturně historické fenomény v životě barokního vyslance – aristokrata, tedy zejména na ceremoniál, slavnosti, bydlení či cestování. Díky analýze vyslancova působení můžeme následně také zjišťovat, jak fungoval sněm jako celek a jakou roli v jeho aparátu hrál český vyslanec. Zároveň můžeme práci v širším smyslu chápat jako příspěvek k dalšímu poznání doby baroka a vztahů českých zemí a svaté říše římské., This dissertation concerns the Bohemian envoy Franz Karl Wratislaw von Mitrowitz and his diplomatic mission to the Perpetual Imperial Diet in Regensburg (1709-1723). Text is focused on the cultural-historical phenomena in the life of the baroque envoy – aristocrat: ceremonial, festivities, housing or travelling. Because of the analyse of the diplomat’s stay we can figure out, how the Diet actually functioned and what role played there the Bohemian envoy. In broader picture we can see the work as a contribution to the further research of baroque period and relationship between Bohemian Crown and Holy Roman Empire., Fakulta filozofická, Dokončená práce s úspěšnou obhajobou

Helena Larsdotter Lindelia – what’s new? A follow-up to Inger Estham’s research from 1974 on the Småland Baroque embroiderer. Helena Larsdotter Lindelia is an uncommon example of a named Swedish female embroiderer from the Baroque period. Swedish churches and museums house a significant collection of historical church textiles. These textiles, including Lindelia’s works, fall under cultural heritage protection laws. My objective in tracing Lindelia’s known works over time was to examine how the perspective on shared cultural heritage and practices related to the conservation of culturally protected textiles have evolved over time. Additionally, I have aimed to determine whether the perception of Lindelia's works has changed since the embroiderer was named in 1974. To achieve this, I conducted a comparative analysis of written source materials, images, and textile objects, supplemented by discourse analysis. To perform the comparative analysis, I first conducted a comprehensive inventory of all preserved works by Lindelia. I have successfully managed to relocate most of Lindelia’s currently known works. A central concept in my thesis is heritage-making, and I view the relocation of several works from churches to museums in the late 19th century as a step in the heritage-making of older church textiles. Moreover, even the works of Lindelia that remain in churches today are now regarded more as cultural heritage objects than as functional items, being out of use. I have been able to state that after Agnes Geijer from the Pietas textile studio drew attention to the "Småland studio" in the 1940s, a small increase in the conservation of Lindelia’s works became evident. Following Inger Estham's research in the 1970s, there was yet another increase in awareness of the cultural-historical value of Lindelia's textile works. However, it is worth noting that she remains largely unknown outside these circles despite her uniqueness as a named female Baroque embroiderer with ne

The Baroque composer Christoph Graupner (1683-1760) worked as the Kapellmeister for the Hesse-Darmstadt court from 1709 to his death in 1760. A prolific composer of several genres of music, including operas, concertos, sinfonias and many other instrumental works, Graupner wrote over 1,400 sacred cantatas for use in the court chapel’s weekly services. In this study I will examine a small, but significant, segment of Graupner’s cantata oeuvre; the forty-eight solo soprano cantatas. The purpose of this study is to examine Graupner’s compositional techniques for these cantatas and to report on his progressive style, particularly in regards to stile galant. Using John White’s methodology, a detailed musical analysis of thirteen solo soprano cantatas is given in chapters two and three, along with broader structural and stylistic analysis of all forty-eight solo soprano cantatas. Chapter three also highlights the instrumentation of several solo soprano arias within selected SATB chorus cantatas. Chapter four considers the six sopranos employed during Graupner’s tenure and examines the tessitura and range of a selection of cantatas. Chapter four also investigates the role of the basso continuo in solo soprano cantatas and the influence of opera on Graupner’s cantata compositional style. Chapter five details the performative considerations for the thirteen solo soprano cantatas presented over four public recitals during this study. Performance methodology by Sarah Fuller, Brad Haseman, and Margaret Kartomi is employed in order to reflect on the aspects of both listening and performing the music of Graupner, in a modern twenty-first century setting.

As Irlemar Chiampi points out, any debate on Modernity and its crisis in Latin America that does not include the Baroque is partial and incomplete. On this basis we propose that this American imbrication between Baroque and Modernity can be enlighteningly glimpsed in a masterpiece of the Latin American avant-garde such as Trilce, a book published a century ago by the Peruvian poet César Vallejo, in which the Baroque is not merely a stylistic question but a “sensibility”, as the poet called that capacity of the true new poetry to express the modern experience, thus becoming an art of the “counter-conquest”, as the Cuban José Lezama Lima imagined it, as a poetic device capable of testifying the tragic excess of the American Modernity through its immanent baroquism., Como señala Irlemar Chiampi, cualquier debate sobre la Modernidad y su crisis en América Latina que no incluya al Barroco resulta parcial e incompleto. Partiendo de esta base planteamos que esta imbricación americana entre el Barroco y la Modernidad puede vislumbrarse de forma esclarecedora en una obra cumbre de la vanguardia latinoamericana como es Trilce, libro publicado hace ya un siglo por el poeta peruano César Vallejo y en el cual el Barroco no constituye meramente una cuestión estilística sino una “sensibilidad”, como llamaba el poeta a esa capacidad de la verdadera poesía nueva de ex-presar la experiencia moderna, convirtiéndose así en un arte de la “contraconquista”, tal como lo pensó el cubano José Lezama Lima, en tanto dispositivo poético capaz de testimoniar la trágica desmesura de la Modernidad americana a través de su barroquismo inmanente

This thesis conducts a comparative analysis of Michelangelo and Bernini's sculptures, urban planning works, and architectural works. Contrasts emerge in their interpretations: Michelangelo's David embodies Renaissance ideals of perfection, while Bernini’s David exudes baroque dynamism. Both artists drew inspiration from Greek sculptures; Michelangelo idealized the human form, while Bernini embraced emotion and movement. The urban plans reveal similar symmetries but differing spatial philosophies: Michelangelo's enclosed Piazza del Campidoglio versus Bernini’s inviting St. Peters Square. In the architectural works, Michelangelo’s Sforza Chapel which has a sense of serenity, contrasts with Bernini’s narrative-rich ornamentation. Michelangelo's shift towards dynamic expression, influenced by discoveries like the Laocoön group, paved the way for Bernini's further exploration of Baroque aesthetics. This analysis illuminates their distinct contributions within Renaissance and Baroque art and architecture., AR2A011, Architectural History Thesis, Architecture, Urbanism and Building Sciences

Sometimes the concrete form and skill of a work of art stand in a non-arbitrary or non-contingent relationship with the social circumstances of its facture. I hypothesise that this form and such skill was used by Diego Velázquez for artistically, socially and politically subversive purposes. In particular, I show how Velázquez used painting techniques to undermine the constitutional theory—or fiction—of the reigning monarch as mystically having two bodies: one ʻpublic’, sacred and immortal—even deified—, representing and incarnating the commonwealth, one ʻprivate’ and one mortal, capable of naturalist portraiture. In Hall XII at the Madrid Prado there hangs on your right as you exit a rather small bust portrait of the Iberian Habsburg monarch, Philip IV. It was painted in about 1653, during a pivotal period that saw a general climatic, economic, social, cultural, religious and political crisis and powerful intellectual developments that still characterise Western societies. The picture contains two essentially naturalistic motifs which can be seen from two different vantage points: a bust of a middle-aged man (ʻMotif I’) and, obliquely ʻat a glance’, a skull (ʻMotif II’). Both serve to subvert the constitutional fiction of the King’s Two Bodies: Motif I invites the beholder to approach closer to admire and work out the artist’s already at the time famously ʻloose’ technique, the use of manchas or borrones. The motif will then dissolve and show itself to be artifice which requires the beholder’s cooperation to make it look like the King. It suggests that the Monarchy similarly is an arti-fact that is manu-factured by artists in cooperation with the subjects. Motif II is in effect a vanitas, underlining the mortal and therefore human and transient nature of the monarch, and by implication of the monarchy itself. With the ambition of satisfying the Popperian test of hypothesis falsification, I have proceeded on the basis of the time-hallowed method of the connoisseur o, A veces, la forma y la habilidad concretas de una obra de arte guardan una relación no arbitraria ni contingente con las circunstancias sociales de su realización. Mi hipótesis es que esa forma y esa habilidad fueron utilizadas por Diego Velázquez con fines artísticas, sociales y políticamente subversivos. En particular, muestro cómo Velázquez utilizó las técnicas pictóricas para socavar la teoría —o ficción— constitucional del monarca reinante como poseedor místico de dos cuerpos: uno «público», sagrado e inmortal —incluso divinizado—, que representa y encarna la mancomunidad, otro «privado» y mortal, susceptible de retrato naturalista. En la sala XII del Museo del Prado de Madrid, a la salida, cuelga a la derecha un retrato de busto bastante pequeño del monarca ibérico de los Austrias, Felipe IV. Fue pintado hacia 1653, durante un periodo crucial en el que se produjo una crisis general climática, económica, social, cultural, religiosa y política, así como una poderosa evolución intelectual que aún caracteriza a las sociedades occidentales. El cuadro contiene dos motivos esencialmente naturalistas que pueden contemplarse desde dos puntos de vista diferentes: el busto de un hombre de mediana edad («Motivo I») y, de forma oblicua «en un vistazo», una calavera («Motivo II»). Ambos sirven para subvertir la ficción constitucional de los Dos Cuerpos del Rey: El Motivo I invita al espectador a acercarse para admirar y elaborar la ya entonces famosa técnica «suelta» del artista, el uso de manchas o borrones. El motivo se disolverá entonces y se mostrará como un artificio que requiere la cooperación del espectador para que se parezca al Rey. Sugiere que la Monarquía también es un arti-ficio fabri-cado por artistas en cooperación con los súbditos. El Motivo II es, en efecto, una vanitas, que subraya la naturaleza mortal y, por tanto, humana y transitoria del monarca y, por implicación, de la propia monarquía. Con la ambición de satisfacer la prueba popperiana de falsación

Francesco (Ascanio) Caracciolo (1563-1608) is a prominent figure in Italian oratorianism of the Catholic Reformation. After being cured of leprosy in his youth while in the military, he turned to religious life, founding the Congregation of the Minor Clerics Regular in Naples together with Giovanni Agostino Adorno and Fabrizio Caracciolo. His intention was to form exemplary and active priests who lived in community and provided social service through preaching and assistance. Endowed with a passionate and charitable spirit, on September 10, 1769 he was beatified by Clement XIV. The Imagoof the brand new blessed, painted by Domenico de Angelis, is a notable exponent of the quadri di canonizzazioneused in the ephemeral devices for the sanctification of the Catholic "Atlanteans of the Faith" between the 16th and 19th centuries. We approach this problem together with the stylistic-formal analysis, iconographic study and contextualization of the referred canvas, clarifying its origin, authorship and identification. No one could have suspected that day that the canvas discovered in Cathedra Petrito present him to the world as the most flamboyant of the blessed of the Catholic Church would end up, first of all, in the Malaga church of the Order that he founded anddefinitely in the cathedral of this city., Francesco (Ascanio) Caracciolo (1563-1608) es una figura clave del oratorianismo italiano de la Reforma católica. Al curarse de la lepra en su juventud estando en el ejército, se orientó hacia la vida religiosa fundando en Nápoles la congregación de los Clérigos Regulares Menores junto a Giovanni Agostino Adornoy Fabrizio Caracciolo. Su intención era formar sacerdotes ejemplares y activos queviviesen en comunidad y prestasen servicio social mediante la predicación y la asistencia. Provisto de un espíritu apasionado y caritativo, Caracciolo fue beatificado por Clemente XIV el 10 de septiembre de 1769. La Imago del flamante beato, pintada por Domenico de Angelis, es un notable exponente de los quadri di canonizzazione empleados en los aparatos efímeros para la santificación de los ‘atlantes de la fe’ católicos, entre los siglos XVI y XIX. Abordamos esta problemática junto al análisis estilístico-formal, estudio iconográfico y contextualización del lienzo referido, clarificando su procedencia, autoría e identificación. Nadie habría podido sospechar aquel día que el lienzo descubierto en la cátedra de san Pedro para presentarlo al mundo como el másflamante de los bienaventurados de la Iglesia católica acabaría en la iglesia malagueña de la Orden que fundara y, definitivamente, en la seo de esta ciudad

Sometimes the concrete form and skill of a work of art stand in a non-arbitrary or non-contingent relationship with the social circumstances of its facture. I hypothesise that this form and such skill was used by Diego Velázquez for artistically, socially and politically subversive purposes. In particular, I show how Velázquez used painting techniques to undermine the constitutional theory—or fiction—of the reigning monarch as mystically having two bodies: one ʻpublic’, sacred and immortal—even deified—, representing and incarnating the commonwealth, one ʻprivate’ and one mortal, capable of naturalist portraiture. In Hall XII at the Madrid Prado there hangs on your right as you exit a rather small bust portrait of the Iberian Habsburg monarch, Philip IV. It was painted in about 1653, during a pivotal period that saw a general climatic, economic, social, cultural, religious and political crisis and powerful intellectual developments that still characterise Western societies. The picture contains two essentially naturalistic motifs which can be seen from two different vantage points: a bust of a middle-aged man (ʻMotif I’) and, obliquely ʻat a glance’, a skull (ʻMotif II’). Both serve to subvert the constitutional fiction of the King’s Two Bodies: Motif I invites the beholder to approach closer to admire and work out the artist’s already at the time famously ʻloose’ technique, the use of manchas or borrones. The motif will then dissolve and show itself to be artifice which requires the beholder’s cooperation to make it look like the King. It suggests that the Monarchy similarly is an arti-fact that is manu-factured by artists in cooperation with the subjects. Motif II is in effect a vanitas, underlining the mortal and therefore human and transient nature of the monarch, and by implication of the monarchy itself. With the ambition of satisfying the Popperian test of hypothesis falsification, I have proceeded on the basis of the time-hallowed method of the connoisseur o, A veces, la forma y la habilidad concretas de una obra de arte guardan una relación no arbitraria ni contingente con las circunstancias sociales de su realización. Mi hipótesis es que esa forma y esa habilidad fueron utilizadas por Diego Velázquez con fines artísticas, sociales y políticamente subversivos. En particular, muestro cómo Velázquez utilizó las técnicas pictóricas para socavar la teoría —o ficción— constitucional del monarca reinante como poseedor místico de dos cuerpos: uno «público», sagrado e inmortal —incluso divinizado—, que representa y encarna la mancomunidad, otro «privado» y mortal, susceptible de retrato naturalista. En la sala XII del Museo del Prado de Madrid, a la salida, cuelga a la derecha un retrato de busto bastante pequeño del monarca ibérico de los Austrias, Felipe IV. Fue pintado hacia 1653, durante un periodo crucial en el que se produjo una crisis general climática, económica, social, cultural, religiosa y política, así como una poderosa evolución intelectual que aún caracteriza a las sociedades occidentales. El cuadro contiene dos motivos esencialmente naturalistas que pueden contemplarse desde dos puntos de vista diferentes: el busto de un hombre de mediana edad («Motivo I») y, de forma oblicua «en un vistazo», una calavera («Motivo II»). Ambos sirven para subvertir la ficción constitucional de los Dos Cuerpos del Rey: El Motivo I invita al espectador a acercarse para admirar y elaborar la ya entonces famosa técnica «suelta» del artista, el uso de manchas o borrones. El motivo se disolverá entonces y se mostrará como un artificio que requiere la cooperación del espectador para que se parezca al Rey. Sugiere que la Monarquía también es un arti-ficio fabri-cado por artistas en cooperación con los súbditos. El Motivo II es, en efecto, una vanitas, que subraya la naturaleza mortal y, por tanto, humana y transitoria del monarca y, por implicación, de la propia monarquía. Con la ambición de satisfacer la prueba popperiana de falsación

As Raphael (1483–1520) before him, Carlo Maratti (1625–1713) supervised one of the most renowned schools of the day and became one of Rome's most prominent painters. By using primary sources such as his biographies by Giovan Pietro Bellori (1613–1696) and Lione Pascoli (1674–1744) as well as his graphic and painterly works, this chapter examines how the Baroque artist's image was constructed and displayed. A major point of comparison between Maratti and Raphael and Annibale Carracci (1560–1609) was that he was among the best draftsmen of the seventeenth century and was inspired by the ancient world. This chapter also explores the artist’s private life, from his long-lasting affair with a young model to his purported moderation and sobriety. During the Seicento, legitimacy and power were assigned to artists by connections to figures (actual or fabricated) and in biography, these connections were expressed through the reworking of tropes and motifs taken from the greatest biographers of the past. A joint project that Maratti undertook with his close friend Bellori focused on revalorizing and commemorating Raphael and Annibale Carracci which served as a legitimizing tool for his career. Maratti's self-fashioning contributed to his great success and his championing of the Classicist aesthetic and ideal artistic lineage with Raphael at the forefront is essential to understand the image of the modern artist., Al igual que Rafael (1483-1520) antes que él, Carlo Maratti (1625-1713) supervisó una de las escuelas más célebres de la época y se convirtió en uno de los pintores más destacados de Roma. A partir de fuentes primarias como sus biografías escritas por Giovan Pietro Bellori (1613-1696) y Lione Pascoli (1674-1744), así como sus obras gráficas y pictóricas, este capítulo examina cómo se construyó y se expuso la imagen del artista barroco. Uno de los principales puntos de comparación entre Maratti y Rafael y Annibale Carracci (1560-1609) es que se encontraba entre los mejores dibujantes del siglo y se inspiraba en el mundo antiguo. Este capítulo también explora la vida privada del artista, desde su duradera relación con una joven modelo hasta su supuesta mesura y sobriedad. Durante el Seicento, la legitimidad y el poder se asignaban a los artistas mediante conexiones con figuras (reales o inventadas) y, en la biografía, estas conexiones se expresaban a través de la reelaboración de tópicos y motivos tomados de los más grandes biógrafos del pasado. Un proyecto conjunto que Maratti emprendió con su íntimo amigo Bellori se centró en revalorizar y conmemorar a Rafael y Annibale Carracci, lo que le sirvió como herramienta legitimadora en su carrera. La autofiguración de Maratti contribuyó a su gran éxito y su reivindicación de la estética clasicista así como un linaje artístico ideal con Rafael a la cabeza es esencial para entender la imagen del artista moderno.

La trascendencia de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), como sede de la Casa ducal de Medina Sidonia y puerto natural de Sevilla durante la navegación a Indias, propició un excelso patronazgo artístico ducal durante los siglos XV al XVII, con la fundación de numerosos conventos que la monumentalizaron y convirtieron en una Cívitas Dei, capacitada para acoger a parte de la población religiosa en tránsito a Hispanoamérica. Esa vigorosa gestión constructiva, potenciada en la segunda mitad del XVI, logró desbordar la pérdida del señorío en 1645 con la fundación de nuevos conventos hasta mediados del siglo XVIII, y desarrollar una notable arquitectura doméstica al calor de la emergente clase comercial, manifestaciones que sólo podemos calificar de barroca en lo superficial., The importance of Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), as the capital of the Ducal House of Medina Sidonia and natural port of Seville during the voyage to the Indies, led to an excellent ducal artistic patronage during the 15th to 17th centuries, with the foundation of numerous convents that monumentalized it and turned it into a Civitas Dei, able to accommodate part of the religious population in transit to Latin America. This vigorous constructive management, strengthened in the second half of the 16th century, managed to overcome the loss of the lordship in 1645 with the foundation of new convents until the middle of the 18th century, and to develop a remarkable domestic architecture in the heat of the emerging commercial class, manifestations that we can only describe as baroque on the surface.

El Diablo Cojuelo by Luis Vélez de Guevara is an extremely interesting work within the Spanish narrative of the 17th century. The discussion around its genre demonstrates how unclassifiable this movel is. It has been described as a picaresque novel, a satirical-social novel, a story, a picaresque-allegorical narration inspired by Quevedoʼs Sueños, a satire without didactic and moralizing pretensions: an esperpento, a carnivalesque novel, or an anatomy in Peale’s words. What is clear is that it is a hybrid work in which various genres converge, with narrative and drama being the canvas on which the work is designed. For all that has been said, it is obvious that El Diablo Cojuelo is a clearly baroque work and, because of its originality, a milestone in the narrative of the sixteenth century, El Diablo Cojuelo de Luis Vélez de Guevara es obra sumamente interesante dentro de la narrativa española del siglo XVII. La discusión en torno a su género demuestra lo inclasificable de esta novela. Se le ha calificado de novela picaresca, de novela satírico-social, de relato, de narración picaresco-alegórica inspirada en los Sueños de Quevedo, de sátira sin pretensiones didácticas y moralizadoras: un esperpento, de novela carnavalesca, o de anatomía en palabras de Peale. Lo que está claro es que es una obra híbrida en la que confluyen diversos géneros, siendo la narrativa y el drama el cañamazo sobre el que se diseña la obra. Por todo lo dicho, queda patente que El Diablo Cojuelo es una obra netamente barroca y, por su originalidad, un hito en la narrativa del seiscientos.

The paper examines five poems in which the Portuguese Baroque poet Frei Jerónimo Baía (1620-1688) depicts the portrait of the beloved woman. Each of these texts features the list of the different body parts praised for their beauty, following a model already present in the Petrarchist tradition. Baía combines to this model, like other authors of the same period, a display of wit and a playful disposition for wordplay, hyperbole, and paradox.

Det övergripande syftet med detta examensarbete är att med ljudinspelning dokumentera de 25 etyderna av J. H. Roman från ca 1730. Dessa etyder är mig veterligen inte tidigare inspelade i sin helhet, och därmed är min förhoppning att kunna bidra till en bredare spridning av dessa för många helt okända etyder av ”Den Svenska Musikens Fader”. För att nå uppsatsens syfte analyseras processen med instudering, tolkning och dokumentation. Resultatet är att 25 etyder av Roman är inspelade och att de kommer tillgängliggöras på youtube. De 25 etyderna är sinsemellan olika och kräver olika saker av musikern. Etyderna rymmer stor potential för breddat och fördjupat lärande av olika violinspecifika tekniker. Etyderna är också och framför allt musikaliskt tilltalande och vackra. Uppsatsen pekar på att J. H. Roman förtjänar en självklar plats i violinrepertoaren., The overall aim of this bachelor thesis is to document the 25 etudes by J. H. Roman from around 1730 with audio recording. To my knowledge, these etudes have not previously been recorded in their entirety, and thus my hope is to be able to contribute to a wider acknowledgement of these to many completely unknown etudes by ”The Father of Swedish Music”. In order to achieve the aim of the essay, the process of studying, interpretation and documentation is analyzed. The result is that 25 etudes by Roman are recorded and that they will be made available on YouTube. The 25 etudes differ from each other and require different things from the musician. The etudes hold great potential for broadened and deepened learning of various violin-specific techniques. The etudes are also and above all musically appealing and beautiful. The essay points out that J. H. Roman deserves an obvious place in the violin repertoire., Innehåller länkar till youtube med inspelningar av Romans 25 etyder.

This paper seeks to sketch a possible articulation of the tragic ethos and the baroque ethos. The starting point is Echeverría’s hypothesis concerning the baroque character of Unamuno’s Quijote. I argue that such a baroque ethos —an attitude, a behaviour, and a vital strategy— as defined by the Ecuadorian philosopher, goes beyond Unamuno’s Quijote, and is linked to the tragic ethos of Unamuno’s agonism. I follow Saéz Rueda’s hypothesis that, on the one side, Unamuno’s agonism is closely related to the baroque attitude and, on the other side, that there are at least two unifying bonds between the Baroque and the tragic. I propose that it is possible to add two more bonds. The first one has to do with the understanding of action shared by Echevarría and Unamuno, the choice of a third that cannot be. The second bond considers that such a community of attitude, of ethos, between the tragic and the Baroque can be established from the moral pedagogic function of the tragic and baroque works., El objetivo de este trabajo es avizorar una posible articulación entre ethos trágico y ethos barroco. Para ello, se parte de la hipótesis de Echeverría sobre el barroquismo del Quijote unamuniano. Se sostiene que dicho ethos barroco, como actitud, como comportamiento, como estrategia vital, tal como lo define el filósofo ecuatoriano, se extiende más allá de dicha obra y se articula con el ethos trágico de la agonística unamuniana. Se toma la hipótesis de Sáez Rueda, quien entiende que la agonística unamuniana está estrechamente vinculada a la actitud barroca y que, por otra parte, hay al menos dos lazos de unión entre lo barroco y lo trágico. A estos dos lazos, se sugiere, se pueden sumar dos más: uno de ellos parte de la concepción compartida por Echeverría y Unamuno respecto a la acción, la elección por el tercero que no puede ser; el otro parte de la hipótesis de que esa comunidad de actitud, de ethos, entre lo trágico y lo barroco, se puede establecer desde la función pedagógica moral de las obras trágicas y de las barrocas.

During the 17th and 18th centuries, the hispanic world witnessed a debate about the defense of the conquest of America and the administration of the American territories of the Spanish Monarchy. From thought and from politics there was no shortage of those who critically raised their voices in demand of a narrative that would situate justicement the History shared by the Spaniards of both hemispheres against the accusations of other rival European powers. In this controversy, the defense of the American Indigenous was key. As vassals of the king, they were the subject of reflections by Spaniards peninsular and American, who highlighted their continued legislative protection., Durante los siglos XVII y XVIII el mundo hispánico asistió a un debate acerca de la defensa de la conquista de América y la administración de los territorios americanos de la Monarquía española. Desde el pensamiento y desde la política no faltaron quienes elevaros críticamente la voz en demanda de una narrativa que situara en su justo término la Historia compartida por los españoles de ambos hemisferios frente a las acusaciones de otras potencias rivales europeas. En esta polémica, la defensa del indígena americano resultó clave. Como súbditos del rey, fueron objeto de reflexiones por parte de españoles peninsulares y americanos, que destacaron su continuada protección legislativa.

Francesco (Ascanio) Caracciolo (1563-1608) is a prominent figure in Italian oratorianism of the Catholic Reformation. After being cured of leprosy in his youth while in the military, he turned to religious life, founding the Congregation of the Minor Clerics Regular in Naples together with Giovanni Agostino Adorno and Fabrizio Caracciolo. His intention was to form exemplary and active priests who lived in community and provided social service through preaching and assistance. Endowed with a passionate and charitable spirit, on September 10, 1769 he was beatified by Clement XIV. The Imagoof the brand new blessed, painted by Domenico de Angelis, is a notable exponent of the quadri di canonizzazioneused in the ephemeral devices for the sanctification of the Catholic "Atlanteans of the Faith" between the 16th and 19th centuries. We approach this problem together with the stylistic-formal analysis, iconographic study and contextualization of the referred canvas, clarifying its origin, authorship and identification. No one could have suspected that day that the canvas discovered in Cathedra Petrito present him to the world as the most flamboyant of the blessed of the Catholic Church would end up, first of all, in the Malaga church of the Order that he founded anddefinitely in the cathedral of this city., Francesco (Ascanio) Caracciolo (1563-1608) es una figura clave del oratorianismo italiano de la Reforma católica. Al curarse de la lepra en su juventud estando en el ejército, se orientó hacia la vida religiosa fundando en Nápoles la congregación de los Clérigos Regulares Menores junto a Giovanni Agostino Adornoy Fabrizio Caracciolo. Su intención era formar sacerdotes ejemplares y activos queviviesen en comunidad y prestasen servicio social mediante la predicación y la asistencia. Provisto de un espíritu apasionado y caritativo, Caracciolo fue beatificado por Clemente XIV el 10 de septiembre de 1769. La Imago del flamante beato, pintada por Domenico de Angelis, es un notable exponente de los quadri di canonizzazione empleados en los aparatos efímeros para la santificación de los ‘atlantes de la fe’ católicos, entre los siglos XVI y XIX. Abordamos esta problemática junto al análisis estilístico-formal, estudio iconográfico y contextualización del lienzo referido, clarificando su procedencia, autoría e identificación. Nadie habría podido sospechar aquel día que el lienzo descubierto en la cátedra de san Pedro para presentarlo al mundo como el másflamante de los bienaventurados de la Iglesia católica acabaría en la iglesia malagueña de la Orden que fundara y, definitivamente, en la seo de esta ciudad

El Diablo Cojuelo by Luis Vélez de Guevara is an extremely interesting work within the Spanish narrative of the 17th century. The discussion around its genre demonstrates how unclassifiable this movel is. It has been described as a picaresque novel, a satirical-social novel, a story, a picaresque-allegorical narration inspired by Quevedoʼs Sueños, a satire without didactic and moralizing pretensions: an esperpento, a carnivalesque novel, or an anatomy in Peale’s words. What is clear is that it is a hybrid work in which various genres converge, with narrative and drama being the canvas on which the work is designed. For all that has been said, it is obvious that El Diablo Cojuelo is a clearly baroque work and, because of its originality, a milestone in the narrative of the sixteenth century, El Diablo Cojuelo de Luis Vélez de Guevara es obra sumamente interesante dentro de la narrativa española del siglo XVII. La discusión en torno a su género demuestra lo inclasificable de esta novela. Se le ha calificado de novela picaresca, de novela satírico-social, de relato, de narración picaresco-alegórica inspirada en los Sueños de Quevedo, de sátira sin pretensiones didácticas y moralizadoras: un esperpento, de novela carnavalesca, o de anatomía en palabras de Peale. Lo que está claro es que es una obra híbrida en la que confluyen diversos géneros, siendo la narrativa y el drama el cañamazo sobre el que se diseña la obra. Por todo lo dicho, queda patente que El Diablo Cojuelo es una obra netamente barroca y, por su originalidad, un hito en la narrativa del seiscientos.

Durante los siglos XVII y XVIII el mundo hispánico asistió a un debate acerca de la defensa de la conquista de América y la administración de los territorios americanos de la Monarquía española. Desde el pensamiento y desde la política no faltaron quienes elevaros críticamente la voz en demanda de una narrativa que situara en su justo término la Historia compartida por los españoles de ambos hemisferios frente a las acusaciones de otras potencias rivales europeas. En esta polémica, la defensa del indígena americano resultó clave. Como súbditos del rey, fueron objeto de reflexiones por parte de españoles peninsulares y americanos, que destacaron su continuada protección legislativa., During the 17th and 18th centuries, the hispanic world witnessed a debate about the defense of the conquest of America and the administration of the American territories of the Spanish Monarchy. From thought and from politics there was no shortage of those who critically raised their voices in demand of a narrative that would situate justicement the History shared by the Spaniards of both hemispheres against the accusations of other rival European powers. In this controversy, the defense of the American Indigenous was key. As vassals of the king, they were the subject of reflections by Spaniards peninsular and American, who highlighted their continued legislative protection.

En el presente texto se plantea una nueva atribución al escultor Blas Molner (1738-1812), artista valenciano afincado en Sevilla, donde fue director de la Real Escuela de las Tres Nobles Artes. Se trata de dos ángeles pasionarios conservados en la Hermandad de la Vera Cruz de Pilas (Sevilla). Para el estudio de las tallas se han analizado sus características formales y estilísticas, poniéndolas en relación con otras obras documentadas del mencionado artista., This text presents a new attribution to the sculptor Blas Molner (1738-1812), a Valencian artist who lived in Seville, where he was director of the Royal School of the Three Noble Arts. It is two passionate angels preserved by the Brotherhood of Vera Cruz in Pilas (Seville). For the study of the sculptures, their formal and stylistic characteristics have been analyzed, putting them in relation to others documented works by the aforementioned artist.

Alonso Fernández de Rozas y su hijo José de Rozas constituyen uno de los linajes más relevantes de la escultura barroca vallisoletana. A pesar de tratarse de dos de los maestros más conocidos sin embargo sus biografías aún presentan algunas lagunas en lo referente a datos concretos de sus acontecimientos vitales claves. En las próximas páginas se aportará una serie de novedades biográficas y se darán a conocer obras documentadas inéditas e incluso algunas atribuciones, de forma que se aumentarán sensiblemente sus catálogos productivos., Alonso and José Rozas are one of the most relevant lineages of Valladolid Baroque sculpture. Although they are two of the most wellknown teachers, their biographies still have some gaps in terms of concrete data on their key life events. In the next few pages, a series of biographical novelties will be provided and unpublished documented works and even some attributions will be announced, so that its production catalogues will be significantly increased.

Objective: The purpose of this article is to determine whether the reform of the brotherhoods, started in 1769 in the Metropoli, was established in late XVIII century Venezuela, and what the real consequences of its implementation were. Methodology: In order to do so, primary sources were consulted, which are being preserved at the moment in twelve collections of seven different archives; its contents were compared with cases of other hispanic areas. Originality: This text represents the first study to analyze the reformation process of eighteenth century Venezuelan brotherhoods. It does so from a historical perspective, considering cultural manifestations with emphasis on music, and opens up a new field of study about the process of royal control of American territories by the Spanish Crown. Conclusions: The result of the research shows that, despite having been started in Venezuela, the reform’s weight was even less remarkable than its peninsular counterpart. There was indeed interest in an enlightened religiousness, distant to superstition, syncretism and baroque aesthetic, but political and economic changes were almost nonexistent. I suggest here two possible reasons for this: Venezuelan brotherhoods’ respect for the law, and political caution, which prevented the authorities from introducing changes that could be negatively received by the population., Objetivo: este artigo determina se a reforma das confrarias que começa a realizar-se em 1769 na Metrópole foi estabelecida na Venezuela de finais do século XVIII e quais foram as reais consequências de sua implementação. Metodologia: para isso, trabalhou-se com fontes primárias da época, atualmente preservadas em 12 coleções de 7 arquivos diferentes, e comparou-se o aí exposto como o aplicado em outras áreashispânicas. Originalidade: este texto representa o primeiro estudo que aborda o processo de reforma das confrarias na Venezuela setecentista. Isso, desde um ponto de vista histórico e das manifestações culturais, com especial ênfase na música e abre um novo caminho de estudo sobre o processo de controle real dos territórios americanos pela coroa espanhola. Conclusões: o resultado da investigação mostra que, embora na Venezuela o processo tenha sido iniciado, a reforma ainda foi menos importante que a peninsular. Houve, efetivamente, uma aposta por uma religiosidade ilustrada, afastada da superstição, o sincretismo e das formas barrocas, mas as mudanças políticas e econômicas foram quase nulas. Proponho aqui duas causas disso: a adesão à lei que as confrarias venezuelanas já tinham e a prudência política, que dissuade às autoridades de implementar mudanças que puderam ser mal recebidas pela povoação., Objetivo: el propósito de este artículo es determinar si la reforma de las cofradías que comienza a realizarse en 1769 en la Metrópoli se establece en la Venezuela de finales del siglo XVIII y cuáles fueron las consecuencias reales de la implantación. Metodología: para ello se trabajó con fuentes primarias de la época, conservadas actualmente en 12 fondos de 7 archivos diferentes y se comparó lo ahí expuesto con lo aplicado en otras zonas hispanas. Originalidad: este texto representa el primer estudio que aborda el proceso de reforma de las cofradías en la Venezuela dieciochesca; lo trabaja desde un punto de vista histórico y de las manifestaciones culturales, con especial énfasis en la música, y abre una nueva vía de estudio sobre el proceso de control regio de los territorios americanos por parte de la corona española. Conclusiones: el resultado de la investigación muestra que, si bien en Venezuela el proceso fue iniciado, la reforma fue todavía de menor calado que la peninsular. Existió, efectivamente, una apuesta por una religiosidad ilustrada, alejada de la superstición, el sincretismo y las formas barrocas pero los cambios políticos y económicos fueron casi nulos. Planteo aquí dos causas de ello: el apego a la ley que ya tenían las cofradías venezolanas y la prudencia política, que disuade a las autoridades de implantar los cambios que podían ser mal recibidos por la población.

Durante los siglos XVII y XVIII el mundo hispánico asistió a un debate acerca de la defensa de la conquista de América y la administración de los territorios americanos de la Monarquía española. Desde el pensamiento y desde la política no faltaron quienes elevaros críticamente la voz en demanda de una narrativa que situara en su justo término la Historia compartida por los españoles de ambos hemisferios frente a las acusaciones de otras potencias rivales europeas. En esta polémica, la defensa del indígena americano resultó clave. Como súbditos del rey, fueron objeto de reflexiones por parte de españoles peninsulares y americanos, que destacaron su continuada protección legislativa., During the 17th and 18th centuries, the hispanic world witnessed a debate about the defense of the conquest of America and the administration of the American territories of the Spanish Monarchy. From thought and from politics there was no shortage of those who critically raised their voices in demand of a narrative that would situate justicement the History shared by the Spaniards of both hemispheres against the accusations of other rival European powers. In this controversy, the defense of the American Indigenous was key. As vassals of the king, they were the subject of reflections by Spaniards peninsular and American, who highlighted their continued legislative protection.

Alonso Fernández de Rozas y su hijo José de Rozas constituyen uno de los linajes más relevantes de la escultura barroca vallisoletana. A pesar de tratarse de dos de los maestros más conocidos sin embargo sus biografías aún presentan algunas lagunas en lo referente a datos concretos de sus acontecimientos vitales claves. En las próximas páginas se aportará una serie de novedades biográficas y se darán a conocer obras documentadas inéditas e incluso algunas atribuciones, de forma que se aumentarán sensiblemente sus catálogos productivos., Alonso and José Rozas are one of the most relevant lineages of Valladolid Baroque sculpture. Although they are two of the most wellknown teachers, their biographies still have some gaps in terms of concrete data on their key life events. In the next few pages, a series of biographical novelties will be provided and unpublished documented works and even some attributions will be announced, so that its production catalogues will be significantly increased.

En el presente texto se plantea una nueva atribución al escultor Blas Molner (1738-1812), artista valenciano afincado en Sevilla, donde fue director de la Real Escuela de las Tres Nobles Artes. Se trata de dos ángeles pasionarios conservados en la Hermandad de la Vera Cruz de Pilas (Sevilla). Para el estudio de las tallas se han analizado sus características formales y estilísticas, poniéndolas en relación con otras obras documentadas del mencionado artista., This text presents a new attribution to the sculptor Blas Molner (1738-1812), a Valencian artist who lived in Seville, where he was director of the Royal School of the Three Noble Arts. It is two passionate angels preserved by the Brotherhood of Vera Cruz in Pilas (Seville). For the study of the sculptures, their formal and stylistic characteristics have been analyzed, putting them in relation to others documented works by the aforementioned artist.

Tato bakalářská práce je zaměřená na komplexní restaurování, pravého úseku nástěnné malby v předsálí zámecké kaple v Kácově. Figurální motiv archanděla Gabriela je zasazen do celkového výjevu zvěstování panny Marie, jenž je vyobrazen na jižní stěně. Práce obsahuje textovou restaurátorskou dokumentaci doplněnou o obrazovou a grafickou přílohu., This bachelor thesis focuses on the complex restoration of the right section of the mural in the anteroom of the chateau chapel in Kácov. The figurative motif of the Archangel Gabriel is set in the overall scene of the Annunciation of the Virgin Mary, which is depicted on the south wall. It contains textual restoration documentation supplemented by a pictorial and graphic appendix., Fakulta restaurování, Studentka představila svoji práci v připravené prezentaci a zdárně odpověděla na položené dotazy., Dokončená práce s úspěšnou obhajobou

Bakalářská práce se zabývá komplexním restaurátorským zásahem provedeným na soše svatého Jana Nepomuckého. Dílo je vytvořeno z kutnohorského vápence a je součástí památkově chráněného vodního mlýna zvaného Feldekův, nacházejícího se v obci Bylany u Kutné Hory. Práce se skládá z průzkumu, který se zaměřuje na posouzení stavu díla před restaurováním, obsahuje umělecko-historický, restaurátorský a chemicko-technologický průzkum. Na základě výsledků průzkumu je stanovena koncepce restaurování. Dále jsou v práci zařazeny zkoušky materiálů a technologií, a jsou popsány provedené restaurátorské úkony, a použité materiály a technologie. Práce je doplněna grafickou a fotografickou dokumentací., This bachelor thesis deals with a complex restoration intervention carried out on the statue of saint John of Nepomuk, made out of limestone from Kutná Hora. The statue is part of the listed water mill called Feldek's mill, located in the village of Bylany near Kutná Hora. The thesis consists of a survey, which focuses on assessing the condition of the statue before restoration, and includes an art-historical, restoration and chemical-technological survey. Based on the results of the survey, a restoration concept is determined. Thesis also includes tests of materials and technologies, and describes the restoration work carried out, and the materials and technologies used, and graphic and photographic documentation., Fakulta restaurování, Studentka formou ppt prezentace představila průběh restaurování sochy sv. Jana Nepomuckého, který byl předmětem její bakalářské práce. Následně reagovala na připomínky v oponentských posudcích i dotazy zkoušejících a úspěšně obhájila bakalářskou práci., Dokončená práce s úspěšnou obhajobou

La trascendencia de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), como sede de la Casa ducal de Medina Sidonia y puerto natural de Sevilla durante la navegación a Indias, propició un excelso patronazgo artístico ducal durante los siglos XV al XVII, con la fundación de numerosos conventos que la monumentalizaron y convirtieron en una Cívitas Dei, capacitada para acoger a parte de la población religiosa en tránsito a Hispanoamérica. Esa vigorosa gestión constructiva, potenciada en la segunda mitad del XVI, logró desbordar la pérdida del señorío en 1645 con la fundación de nuevos conventos hasta mediados del siglo XVIII, y desarrollar una notable arquitectura doméstica al calor de la emergente clase comercial, manifestaciones que sólo podemos calificar de barroca en lo superficial., The importance of Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), as the capital of the Ducal House of Medina Sidonia and natural port of Seville during the voyage to the Indies, led to an excellent ducal artistic patronage during the 15th to 17th centuries, with the foundation of numerous convents that monumentalized it and turned it into a Civitas Dei, able to accommodate part of the religious population in transit to Latin America. This vigorous constructive management, strengthened in the second half of the 16th century, managed to overcome the loss of the lordship in 1645 with the foundation of new convents until the middle of the 18th century, and to develop a remarkable domestic architecture in the heat of the emerging commercial class, manifestations that we can only describe as baroque on the surface.

La trascendencia de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), como sede de la Casa ducal de Medina Sidonia y puerto natural de Sevilla durante la navegación a Indias, propició un excelso patronazgo artístico ducal durante los siglos XV al XVII, con la fundación de numerosos conventos que la monumentalizaron y convirtieron en una Cívitas Dei, capacitada para acoger a parte de la población religiosa en tránsito a Hispanoamérica. Esa vigorosa gestión constructiva, potenciada en la segunda mitad del XVI, logró desbordar la pérdida del señorío en 1645 con la fundación de nuevos conventos hasta mediados del siglo XVIII, y desarrollar una notable arquitectura doméstica al calor de la emergente clase comercial, manifestaciones que sólo podemos calificar de barroca en lo superficial., The importance of Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), as the capital of the Ducal House of Medina Sidonia and natural port of Seville during the voyage to the Indies, led to an excellent ducal artistic patronage during the 15th to 17th centuries, with the foundation of numerous convents that monumentalized it and turned it into a Civitas Dei, able to accommodate part of the religious population in transit to Latin America. This vigorous constructive management, strengthened in the second half of the 16th century, managed to overcome the loss of the lordship in 1645 with the foundation of new convents until the middle of the 18th century, and to develop a remarkable domestic architecture in the heat of the emerging commercial class, manifestations that we can only describe as baroque on the surface.

[ES] Desde que comenzaron a llegar de España los misioneros a América, llevaron consigo la predicación de la fe católica y con ello una nueva esperanza, que se ve reflejada claramente en la imponente labor de las construcciones de templos con una arquitectura única y espléndida, destinada a ensalzar el hecho religioso. Las catedrales, las parroquias y los monasterios comienzan a levantarse en ciertas ciudades, principalmente en Quito, Cuenca y Riobamba, pudiendo observarse en ellas la influencia de un arte nuevo que estaba ya implementado en el viejo continente, pero ahora llegaba a América. Estas magníficas edificaciones contribuirán al desarrollo de estas ciudades como parte de su historia, tradición, cultura y valores, pasando a formar parte de un envidiable patrimonio construido, cuya singularidad e interés podemos apreciar tanto en el interior como en el exterior. Es por todo ello que en el presente documento de investigación se intenta recopilar una breve historia de la arquitectura ecuatoriana, abordando una pequeña parte de la influencia y técnicas traídas desde el viejo continente, en la que se nos permita apreciar en conjunto el arte, su forma, estilos del diseño y los criterios que se tomaron para erigir estos majestuosos templos., [EN] Since the arrival of Spanish missionaries in Latin America, the preaching of the Catholic faith in a world of new hope began, which is clearly reflected in the impressive performance of the construction of temples with unique and splendid architecture, that is, religious architecture. Temples, monasteries, and churches began to appear in certain cities, mainly in Quito, Cuenca, and Riobamba, where the influence of a new art that was already implemented in the old continent but now arrived in America can be observed. All of this contributed to the growth of these cities in history, buildings, traditions, culture, and values, which would become part of a historical heritage that we can appreciate in the interior and exterior of their buildings. This research document attempts to compile a brief history of Ecuadorian architecture, addressing a small part of the influence and techniques brought from the old continent, allowing us to appreciate the art as a whole, its form, design styles, and the criteria taken to erect these majestic temples.

Objetivo: el propósito de este artículo es determinar si la reforma de las cofradías que comienza a realizarse en 1769 en la Metrópoli se establece en la Venezuela de finales del siglo XVIII y cuáles fueron las consecuencias reales de la implantación. Metodología: para ello se trabajó con fuentes primarias de la época, conservadas actualmente en 12 fondos de 7 archivos diferentes y se comparó lo ahí expuesto con lo aplicado en otras zonas hispanas. Originalidad: este texto representa el primer estudio que aborda el proceso de reforma de las cofradías en la Venezuela dieciochesca; lo trabaja desde un punto de vista histórico y de las manifestaciones culturales, con especial énfasis en la música, y abre una nueva vía de estudio sobre el proceso de control regio de los territorios americanos por parte de la corona española. Conclusiones: el resultado de la investigación muestra que, si bien en Venezuela el proceso fue iniciado, la reforma fue todavía de menor calado que la peninsular. Existió, efectivamente, una apuesta por una religiosidad ilustrada, alejada de la superstición, el sincretismo y las formas barrocas pero los cambios políticos y económicos fueron casi nulos. Planteo aquí dos causas de ello: el apego a la ley que ya tenían las cofradías venezolanas y la prudencia política, que disuade a las autoridades de implantar los cambios que podían ser mal recibidos por la población., Objective: The purpose of this article is to determine whether the reform of the brotherhoods, started in 1769 in the Metropoli, was established in late XVIII century Venezuela, and what the real consequences of its implementation were. Methodology: In order to do so, primary sources were consulted, which are being preserved at the moment in twelve collections of seven different archives; its contents were compared with cases of other hispanic areas. Originality: This text represents the first study to analyze the reformation process of eighteenth century Venezuelan brotherhoods. It does so from a historical perspective, considering cultural manifestations with emphasis on music, and opens up a new field of study about the process of royal control of American territories by the Spanish Crown. Conclusions: The result of the research shows that, despite having been started in Venezuela, the reform’s weight was even less remarkable than its peninsular counterpart. There was indeed interest in an enlightened religiousness, distant to superstition, syncretism and baroque aesthetic, but political and economic changes were almost nonexistent. I suggest here two possible reasons for this: Venezuelan brotherhoods’ respect for the law, and political caution, which prevented the authorities from introducing changes that could be negatively received by the population, Objetivo: este artigo determina se a reforma das confrarias que começa a realizar-se em 1769 na Metrópole foi estabelecida na Venezuela de finais do século XVIII e quais foram as reais consequências de sua implementação. Metodologia: para isso, trabalhou-se com fontes primárias da época, atualmente preservadas em 12 coleções de 7 arquivos diferentes, e comparou-se o aí exposto como o aplicado em outras áreashispânicas. Originalidade: este texto representa o primeiro estudo que aborda o processo de reforma das confrarias na Venezuela setecentista. Isso, desde um ponto de vista histórico e das manifestações culturais, com especial ênfase na música e abre um novo caminho de estudo sobre o processo de controle real dos territórios americanos pela coroa espanhola. Conclusões: o resultado da investigação mostra que, embora na Venezuela o processo tenha sido iniciado, a reforma ainda foi menos importante que a peninsular. Houve, efetivamente, uma aposta por uma religiosidade ilustrada, afastada da superstição, o sincretismo e das formas barrocas, mas as mudanças políticas e econômicas foram quase nulas. Proponho aqui duas causas disso: a adesão à lei que as confrarias venezuelanas já tinham e a prudência política, que dissuade às autoridades de implementar mudanças que puderam ser mal recebidas pela povoação

Beyond the use of the term baroque in reference to a specific period of cultural history in Europe and Latin America, which would include the seventeenth and early eighteenth centuries, the concept has served to characterize periods of profound crisis of values. This was the case in 1935 when Eugenio d'Ors, in the context of interwar Europe, denounced what he understood to be the predominance of a baroque spirit that undermined the great classicist tradition. This happened again in the midst of the postmodern crisis when various authors such as Omar Calabrese, Charles Jenks, and Gilles Deleuze recovered the concept as a tool to define the crisis of modernism. Between one moment and another, the categories of the baroque and the neo-baroque were useful to characterize Latin American culture in authors such as Lezama Lima, Severo Sarduy, or Alejo Carpentier. Our purpose is to show the mutations of the concept in order to understand how different periods seemed to obey the same logic and how the same aesthetic category could serve to characterize such different moments, El artículo estudia, por una parte, la génesis del concepto de lo barroco en Eugenio D’Ors en relación con sus referentes intelectuales inmediatos. Desde la perspectiva europea se analiza el influjo de la oposición establecida por Worringer (1908) entre Abstraktion y Einfühlung, así como la impronta del concepto de romanticismo político de Carl Schmitt (1919). Por otra parte, se analiza la historia del concepto de lo barroco en dos momentos. De un lado en el denominado neobarroco americano, impulsado por autores como Lezama Lima, Alejo Carpentier y Severo Sarduy. En este ámbito se muestra el modo en que el concepto sirvió para dar cuenta de lo que desde las posiciones colonialistas de D’Ors representaba la crisis de la cultura clásica europea y que, desde la perspectiva americana, definía en sentido positivo la identidad cultural hispanoamericana. Para estudiar una segunda deriva del concepto, se examinan las similitudes y diferencias entre el sentido que la categoría tiene en D’Ors y su reinterpretación en el pensamiento posmoderno de la década de los ochenta, de la mano de Calabrese, Jenks y Deleuze. Finalmente, se recurre a metáforas musicales para esclarecer las diferencias entre el barroco histórico de los siglos XVII y XVIII y el barroco posmoderno.

The article addresses the philosophy / literature relationship in the context of the modern Latin American novel from a Deleuzian perspective of monadology. In the first part, the discussions on indigenism are taken up to examine the extent to which the criticism and the neglect of which it was subjected are justified. The question, in this case, is whether it is a philosophical problem related to representation and, if this is the case, how does the novel escape from the philosophy of “indigenist” representation to become fully modern. The second part describes the influence of surrealism in the American novel, to show how the question about the modern is a question about the present that O. Paz managed to formulate very early in his theoretical-poetic essays. The third part raises the question about the literary worlds and their inseparable relationship with the self, the point of view and the overflowing assembly of the concept of literary machine in the image of the subject-writer., El artículo aborda la relación filosofía/literatura teniendo plan en el contexto de la moderna novela latinoamericana. En la primera parte se retoman las discusiones sobre el indigenismo para examinar hasta donde la crítica y el olvido del que fue objeto son justificados. La pregunta, en este caso, es si se trata de un problema filosófico relativo a la representación y, si es el caso, cómo escapa la novela a la filosofía de la representación “indigenista” para hacerse plenamente moderna. La segunda parte describe la influencia del surrealismo en la novela americana, para mostrar cómo la pregunta por lo moderno es una pregunta por el presente que O. Paz logró formular desde muy pronto en sus ensayos teórico-poéticos. La tercera parte plantea la pregunta por los mundos literarios y su relación indisociable con el yo, el punto de vista y el ensamblaje desbordante del concepto de máquina literaria a la imagen del sujeto-escritor.

Vico’ thought represents the philosophical fulfilment of the Baroque Culture, that extraordinary cultural experience centred on the creative and inventive faculty of ingenuity, as opposed to the rationalistic, Cartesian line of thought prevailing in the modern age. In this way, from the depths of the Baroque culture, far from being dark and dusty but rather luminous and imaginative, Vico speaks in an unprecedented way to contemporary sensibility, helping to outline the features of a new vision of knowledge that has many points of contact with our time, commonly defined as postmodern, but which we could also call Neobaroque., El pensamiento de Vico representa la culminación teórica, el completo cumplimiento filosófico de la cultura del Barroco, es decir, de aquella extraordinaria experiencia cultural centrada en torno a la facultad del ingenio, oponiéndose a la línea de pensamiento racionalista y cartesiana prevaleciente en la modernidad. De este modo, desde lo más profundo de la cultura barroca, todo lo contrario que oscura y polvorienta, sino más bien luminosa y magnífica, Vico habla de manera insospechada a la sensibilidad contemporánea, contribuyendo a delinear los rasgos de una nueva visión del saber que posee algunas intersecciones con nuestro tiempo, que algunos han definido postmoderno, pero que quizás podría también llamarse neobarroco., Il pensiero di Vico rappresenta il coronamento teorico, il compimento filosofico compiuto della cultura del Barocco, cioè di quella straordinaria esperienza culturale centrata attorno alla facoltà dell’ingegno, ponendosi in contrapposizione con la linea di pensiero razionalistica e cartesiana prevalente nella modernità. In questo modo, dal più profondo della cultura barocca, tutt’altro che buia e polverosa, ma anzi luminosa e immaginifica, Vico parla in modo insospettato alla sensibilità contemporanea, contribuendo a delineare i tratti di una nuova visione del sapere, che possiede alcuni punti di contatto con il nostro tempo, che alcuni hanno definito postmoderno, ma che forse potrebbe anche dirsi neobarocco.

The contradictions of the contemporary legal and political order emphasize a moment of discontinuity with the modern tradition. On the one hand, the immanentization of forms makes sovereign molarity precarious; on the other hand, in many ways these very forms reveal the permanence of the sovereign exception and the destinal Gewalt of law. In other words, the present is a chiaroscuro age; it is a “baroque” age in its political sense: like that era, the present one represents a moment of discontinuity and a clash between two different historical balances, which radicalizes the contradictions of both. Using Kafka's work, we could maybe take some ideas from the pages Walter Benjamin dedicates to the Baroque, in order to provide an indispensable key to interpreting this age of lights and shades, Las contradicciones del orden jurídico-político contemporáneo marcan un momento de discontinuidad con la tradición moderna. Por un lado, la inmanentización de las formas precariza la moralidad soberana; por otro lado, revelan en muchos sentidos la permanencia de la excepción soberana y de la Gewalt destinal del derecho. La actual se presenta, en otros términos, como una época claroscura, “barroca” en sentido político: como aquella época, en efecto, esta también representa un momento de discontinuidad y de confrontación entre dos equilibrios históricos diferentes que, lejos de resolverlas, radicaliza las contradicciones de ambos. Volver a poner sobre la mesa, con la ayuda de Kafka, algunos apuntos de las páginas que Walter Benjamin dedica al barroco, podría ofrecer una clave de lectura indispensable para la interpretación de esta época hecha de luces y sombras., Le contraddizioni dell’ordine giuridico-politico contemporaneo segnano un momento di discontinuità con la tradizione moderna. Da un lato, l’immanentizzazione delle forme precarizza la molarità sovrana; dall'altro tali forme per molti versi svelano la permanenza dell’eccezione sovrana e della destinale Gewalt del diritto. Quella attuale si presenta in altri termini come un'età chiaroscurale, “barocca” in senso politico: come quell’epoca infatti, anche questa rappresenta un momento di discontinuità e di scontro fra due equilibri storici differenti, che lungi dal risolvere, radicalizza le contraddizioni di entrambi. Rimettere in campo, con l'ausilio di Kafka, alcuni spunti dalle pagine che Walter Benjamin dedica proprio al barocco, potrebbe fornire una chiave di lettura indispensabile nell’interpretazione di questa età fatta di luci ed ombre

The essay is an analysis of Hobbes’ thought by means of the aesthetic code of Mannerism and Baroque. It is thus possible to highlight breaks and ambiguity in the Hobbesian construction of the State, which make the nihilistic interpretation (which underlines Hobbesian artificialism and conventionalism) problematic. Starting from the conventionalism and giving importance to the allegories –mirror and monster-animal– used by Hobbes, traces of the terrestrial and immanent rooting to life can be identified in his thought, which can prepare the way for what will be the biopolitical turn of power., El ensayo es un análisis del pensamiento de Hobbes a través del código estético del Manierismo y el Barroco. De este modo, es posible poner de relieve las grietas y ambigüedades en la construcción del Estado de Hobbes, que hacen problemática la interpretación nihilista, la cual hace hincapié en el artificialismo y el convencionalismo de Hobbes. Partiendo del convencionalismo y dando importancia a las alegorías –espejo y monstruo-animal– que adopta Hobbes, se identifican en su pensamiento huellas del arraigo terrestre e inmanente a la vida que pueden abrir el camino a lo que será el giro biopolítico del poder., Il saggio è un’analisi del pensiero di Hobbes attraverso il codice estetico del Manierismo e del Barocco. È possibile così mettere in evidenza le fratture e ambiguità nella costruzione hobbesiana dello Stato, che rendono problematica l'interpretazione nichilista (che sottolinea l'artificialismo e convenzionalismo di Hobbes). Partendo dal convenzionalismo e dando importanza alle allegorie– specchio e animale-mostro –usate da Hobbes, si possono rilevare nel suo pensiero tracce di un radicamento terrestre e immanente alla vita, che possono preparare la strada di quella che sarà la svolta biopolitica del potere.

Most of the historical-artistic eras have acquired their name in recent times. The period between the 17th century and the first half of the 18th century ended up being baptized by Heinrich Wölfflin as Baroque, although the concept already existed previously with other meanings and not as a style. From the works of the Swiss writer Renaissance and Baroque (1888) and Fundamental Concepts of the History of Art (1915), the concept began to acquire unsuspected dimensions to the point that our time has been called neo-baroque, due to the analogies with it. In the present work I am going to use the concept of baroque as a kind instrument, above all, aesthetic and stylistic that, at the same time, is linked to epochal and psychic issues in order to analyze certain artistic proposals in different fields, such as painting and music, showing that the projection of the concept encompasses areas of reality of great hermeneutical efficacy., La mayoría de las épocas histórico-artísticas han adquirido su denominación en tiempos recientes. La época comprendida entre el siglo XVII y la primera mitad del XVIII terminó siendo bautizada por Heinrich Wölfflin como Barroco, aunque el concepto ya existía previamente con otras acepciones y no como estilo. A partir de las obras del escritor suizo Renacimiento y Barroco (1888) y de Conceptos fundamentales de la historia del arte (1915) el concepto comenzó a adquirir unas dimensiones insospechadas hasta el punto de que a nuestra época se la ha denominado neobarroco, por las analogías con aquélla. En el presente trabajo voy a utilizar el concepto de barroco como un instrumento de corte, ante todo, estético y estilístico que, al mismo tiempo, va unido a cuestiones epocales y anímicas con objeto de analizar determinadas propuestas artísticas en diferentes campos, como la pintura y la música, mostrando que la proyección del concepto abarca ámbitos de la realidad de gran eficacia hermenéutica.

There are notorious differences between the Jesuit theology of Gracián's Humanism and the Pascalian theology of grace of the Colombian thinker Nicolás Gómez Dávila. In addition, Gómez Dávila criticizes Spanish Baroque when he compares it with other literature. However, the virtuous hero of Gracián and the philosophical way of life of the Bogota thinker are connected. Both philosophies develop a mundane ethic that solves a puzzle: how the human spirit can access transcendence through the dark labyrinths of earthly difficulties., Existen divergencias teológicas entre el humanismo jesuita de Gracián y la teología pascaliana de la gracia del pensador colombiano Nicolás Gómez Dávila. El mismo Gómez Dávila cuestiona críticamente en algunos de sus “escolios” el estilo de la literatura barroca española, cuando la compara con otras literaturas. Sin embargo, existe un punto de conexión entre el héroe virtuoso de Gracián y el modo de vida filosófico del pensador bogotano: ambas filosofías desarrollan una ética mundana que sirve para pensar de qué modo el espíritu humano puede acceder a la trascendencia atravesando los laberintos cavernosos de las vicisitudes terrenales.

This article starts from a definition of the baroque, characterized as a category, and as a cultural constant (Hatzfeld, Maravall, Benjamin, D'Ors), in order to establish its connection with the idea of ​​“crisis” (historical, economic, epochal, ideological and imaginary), and thus study the possibility of its repeatability in the historical course. Having established this connection between the baroque as a category and the crisis as a historical, spiritual and cultural event, we will address the philosophical and cultural roots of the contemporary crisis (Schelling, Nietzsche, Jameson, Derrida, Sloterdijk, Agamben, etc.) with the conclusion of establishing if the contemporary crisis can give rise to a rebirth of the baroque, to a neo-baroque., El presente artículo parte de una definición de lo barroco, caracterizado como categoría y constante cultural (Hatzfeld, Maravall, Benjamin, D'Ors), con el fin de establecer su conexión con la idea de “crisis” (histórica, económica, epocal, de ideario e imaginario), y estudiar así la posibilidad de su repetibilidad en el curso histórico. Establecida dicha conexión entre lo barroco como categoría y la crisis como acontecimiento histórico, espiritual y cultural, abordaremos la raíces filosóficas y culturales de la crisis contemporánea (Schelling, Nietzsche, Jameson, Derrida, Sloterdijk, Agamben, etc.) con la finalizar de establecer si la crisis contemporánea puede dar lugar a un renacimiento de lo barroco, a un neobarroco.

Among Jean-Marie Floch's many theoretical innovations, his rediscovery of Wölfflin marked a milestone in the history of semiotic theory; a rediscovery of a pre-structural structuralism accompanied by a considerable theoretical development in Floch's work, enabling the 'baroque vision', opposed to the 'classical vision', to be extended far beyond the field that gave rise to it, even beyond aesthetic universes, to enter into the field of contemporary social communication (media, technology, politics, etc.). However, Claude Zilberberg's proposals (notably in "Présence de Wölfflin", n. 23-24 of Nouveaux Actes Sémiotiques, 1992) have profoundly altered the theoretical perspective on the legacy of the famous art historian, and have led to a disagreement with Floch. By examining the status of the debate within the semiotic community, illustrated here by the unspoken differences between semioticians, we analyse these two "readings" of Wölfflin, their formal differences, their respective relationships withthe sensible, and their theoretical horizons -categorical on the one hand, tensive onthe other. We then highlight two points of divergence, concerning the status of affect and the problem of depth. We show the encroachments between the two approaches and their profound convergence. But above all, we suggest a possible way out of the controversy by analysing the classical/baroque distinction on a background ofperception and in terms of 'rhythm', i.e. as a variation in tension between the accentual events of a syntagmatic series. This brings into play the question of nuance, the non-resolution of accentual syntagms, and even discordance between accentual levels. This contribution to our knowledge of an essential phenomenon in the history of forms also raises the question of how to name it. Indeed, how can we name what constitutes, across so many language materials (non-verbal and verbal), so many fields ofcommunication, so many historical moments and contexts, an insistent we, Parmi les nombreuses innovations théoriques de Jean-Marie Floch, sa redécouverte de Wölfflin a marqué une date dans l’histoire de la théorie sémiotique ; redécouverte d’un structuralisme pré-structural accompagné d’un développement théorique considérable, dans l’œuvre de Floch, permettant l’extension de la « vision baroque » opposable à la « vision classique » bien au-delà du domaine qui lui a donné naissance, au delà même des univers esthétiques, pour entrer de plain-pied dans le champ de la communication sociale (médiatique, technique, politique, etc.) contemporaine. Or, les propositions de Claude Zilberberg (notamment dans « Présence de Wölfflin », n° 23-24 des Nouveaux Actes Sémiotiques, 1992) ont profondément modifié la perspective théorique sur l’héritage du célèbre historien de l’art, suscitant un désaccord avec Floch. En interrogeant le statut du débat au sein de la communauté sémiotique, illustré ici par les divergences tues entre les sémioticiens, on analyse ces deux « lectures » de Wölfflin, leurs différences formelles, leurs rapports respectifs avec le sensible, leurs horizons théoriques – catégoriel d’un côté, tensif de l’autre. On met alors l’accent sur deux points de divergence, concernant le statut de l’affect et le problème de la profondeur. On montre les empiètements entre les deux approches et leur profonde convergence. Mais surtout on suggère ici un dépassement possible de la controverse en analysant la distinction classique / baroque sur fond de perception et en termes de « rythme », c’est-à-dire comme variation de tension entre les événements accentuels d’une série syntagmatique. On fait ainsi intervenir la question de la nuance, celle de la non-résolution de syntagmes accentuels, voire de la discordance entre niveaux accentuels. Cette contribution à la connaissance d’un phénomène essentiel dans l’histoire des formes permet aussi de reposer la question de sa dénomination. Comment nommer en effet ce qui constitue, à travers tant de matériaux lan

This article takes as its starting point the theoretical-methodological instrument of Cultural Rhetoric, conceived by Tomás Albaladejo within the framework of current rhetorical-analytical perspectives as the explanation of the relations between Rhetoric and culture. The consideration of the poetic discourse of the new Ballads as a cultural construction is legitimized by Cultural Rhetoric due to the cultural dimension of Rhetoric. At this juncture, the analysis of the satirical ballads with a Moorish theme gives a full account of the implications of the discourse rooted in the structures of society in accordance with the specific cultural modulations of the historical-communicative context., Este artículo toma como punto de partida el instrumento teórico-metodológico de la Retórica Cultural, concebida por Tomás Albaladejo en el marco de las perspectivas retórico-analíticas actuales como la explicación de las relaciones entre Retórica y cultura. La consideración del discurso poético del Romancero nuevo como construcción cultural queda legitimada por la Retórica Cultural en razón de la dimensión cultural de la Retórica. En esta coyuntura, el análisis del romancero satírico de temática morisca da cumplida cuenta de las implicaciones del discurso radicado en las estructuras de la sociedad de acuerdo con las modulaciones culturales específicas del contexto histórico-comunicativo.

This paper studies the autobiographical text by Uriel da Costa regarding the process of his conversion in the context of a crypto-Jewish family in Portugal and their transition to Sephardim in 17th century Amsterdam. A close and critical analysis of the text reveals the struggle of the identity of Jews reverted from Christianity confronted with the Sephardim of the community. In Exemplar Humanae Vitae, da Costa used baroque motifs and anthropocentric mindset to question the place of a man in relation to his environment. For this reason, it is one of the most revealing autobiographical texts, in which this ancient dichotomy between church and synagogue is reflected., Este artículo estudia el texto autobiográfico de Uriel da Costa a la luz de los procesos de conversión y partiendo de su caso: una familia criptojudía en Portugal y su transición a sefardíes en el Ámsterdam del siglo XVII. Mediante un análisis crítico del texto, se estudia el punto de encuentro entre las dos religiones monoteístas, así como el conflicto entre la lucha identitaria de judío revertido del cristianismo y los sefardíes de la comunidad. En Exemplar Humanae Vitae, da Costa empleaba motivos barrocos y perspectivas antropocéntricas para cuestionar el lugar del hombre frente a su entorno. Por ello, se trata de uno de los textos autobiográficos más reveladores, en el que se refleja esta milenaria dicotomía entre iglesia y sinagoga.

El Diablo Cojuelo by Luis Vélez de Guevara is an extremely interesting work within the Spanish narrative of the 17th century. The discussion around its genre demonstrates how unclassifiable this movel is. It has been described as a picaresque novel, a satirical-social novel, a story, a picaresque-allegorical narration inspired by Quevedoʼs Sueños, a satire without didactic and moralizing pretensions: an esperpento, a carnivalesque novel, or an anatomy in Peale’s words. What is clear is that it is a hybrid work in which various genres converge, with narrative and drama being the canvas on which the work is designed. For all that has been said, it is obvious that El Diablo Cojuelo is a clearly baroque work and, because of its originality, a milestone in the narrative of the sixteenth century, El Diablo Cojuelo de Luis Vélez de Guevara es obra sumamente interesante dentro de la narrativa española del siglo XVII. La discusión en torno a su género demuestra lo inclasificable de esta novela. Se le ha calificado de novela picaresca, de novela satírico-social, de relato, de narración picaresco-alegórica inspirada en los Sueños de Quevedo, de sátira sin pretensiones didácticas y moralizadoras: un esperpento, de novela carnavalesca, o de anatomía en palabras de Peale. Lo que está claro es que es una obra híbrida en la que confluyen diversos géneros, siendo la narrativa y el drama el cañamazo sobre el que se diseña la obra. Por todo lo dicho, queda patente que El Diablo Cojuelo es una obra netamente barroca y, por su originalidad, un hito en la narrativa del seiscientos.

During the 17th and 18th centuries, the hispanic world witnessed a debate about the defense of the conquest of America and the administration of the American territories of the Spanish Monarchy. From thought and from politics there was no shortage of those who critically raised their voices in demand of a narrative that would situate justicement the History shared by the Spaniards of both hemispheres against the accusations of other rival European powers. In this controversy, the defense of the American Indigenous was key. As vassals of the king, they were the subject of reflections by Spaniards peninsular and American, who highlighted their continued legislative protection., Durante los siglos XVII y XVIII el mundo hispánico asistió a un debate acerca de la defensa de la conquista de América y la administración de los territorios americanos de la Monarquía española. Desde el pensamiento y desde la política no faltaron quienes elevaros críticamente la voz en demanda de una narrativa que situara en su justo término la Historia compartida por los españoles de ambos hemisferios frente a las acusaciones de otras potencias rivales europeas. En esta polémica, la defensa del indígena americano resultó clave. Como súbditos del rey, fueron objeto de reflexiones por parte de españoles peninsulares y americanos, que destacaron su continuada protección legislativa.

Det övergripande syftet med detta examensarbete är att med ljudinspelning dokumentera de 25 etyderna av J. H. Roman från ca 1730. Dessa etyder är mig veterligen inte tidigare inspelade i sin helhet, och därmed är min förhoppning att kunna bidra till en bredare spridning av dessa för många helt okända etyder av ”Den Svenska Musikens Fader”. För att nå uppsatsens syfte analyseras processen med instudering, tolkning och dokumentation. Resultatet är att 25 etyder av Roman är inspelade och att de kommer tillgängliggöras på youtube. De 25 etyderna är sinsemellan olika och kräver olika saker av musikern. Etyderna rymmer stor potential för breddat och fördjupat lärande av olika violinspecifika tekniker. Etyderna är också och framför allt musikaliskt tilltalande och vackra. Uppsatsen pekar på att J. H. Roman förtjänar en självklar plats i violinrepertoaren., The overall aim of this bachelor thesis is to document the 25 etudes by J. H. Roman from around 1730 with audio recording. To my knowledge, these etudes have not previously been recorded in their entirety, and thus my hope is to be able to contribute to a wider acknowledgement of these to many completely unknown etudes by ”The Father of Swedish Music”. In order to achieve the aim of the essay, the process of studying, interpretation and documentation is analyzed. The result is that 25 etudes by Roman are recorded and that they will be made available on YouTube. The 25 etudes differ from each other and require different things from the musician. The etudes hold great potential for broadened and deepened learning of various violin-specific techniques. The etudes are also and above all musically appealing and beautiful. The essay points out that J. H. Roman deserves an obvious place in the violin repertoire., Innehåller länkar till youtube med inspelningar av Romans 25 etyder.

La entrada de Velázquez al servicio de Felipe IV fue un reconocimiento a los intelectuales que regentaron la comunidad humanística de Sevilla. Francisco Pacheco tratadista, suegro de Velázquez y maestro; fue consciente de las limitaciones de su arte, de modo que encuentra en su yerno las capacidades técnicas, estéticas e intelectuales para llevar a la prácticas sus pensamientos sobre la pintura. Los grandes conocedores de la pintura de Velázquez son los grandes avalistas para que el pintor llegue a ser pintor del rey., Velázquez's entry into the service of Philip IV was a recognition of the intellectuals who ruled the humanistic community of Seville. Francisco Pacheco, a scholar, Velázquez's father-in-law and teacher, was aware of the limitations of his art, so he found in his son-in-law the technical, aesthetic and intellectual capacities to put his thoughts on painting into practice. The great connoisseurs of Velázquez's painting are the great guarantors for the painter to become the king's painter.

Velázquez es un pintor universal, referente de la pintura española del siglo XVII y del barroco europeo. La destreza del pintor ha sido siempre demostrada por los críticos e historiadores del arte a lo largo de cuatro siglos. En este artículo, exploraremos algunos rostros perdidos de Velázquez poniendo como ejemplos algunos cuadros. Desentrañaremos la maestría con la que retrató de forma especial a algunos personajes en éstos. Nos adentraremos de una forma superficial en el análisis de dónde se encuentran esa característica y por qué ha pasado siempre desapercibida para el espectador, siendo siempre un motivo secundario de observación que se convierte en una técnica muy usada por el pintor., Velázquez is a universal painter, a reference of 17th-century Spanish painting and the European Baroque. The skill of the painter has always been demonstrated by critics and art historians over four centuries. In this article, we will explore the lost faces of Velázquez with some paintings as examples. We will unravel the mastery with which he portrayed some characters in theses in a special way. We will enter in a superficial way into the analysis of where that characteristic is and why it has always gone unnoticed by the viewer, always being a secondary reason for observation which becomes a technique widely used by the painter.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660) fue un pintor barroco español considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Su catálogo consta aproximadamente de 130 obras caracterizadas por su versatilidad, en las que abordó una amplia gama de temas, destacando la capacidad para capturar la esencia de sus personajes y su genialidad para realizar retratos. Habiéndose formado desde una edad muy temprana en al taller de su suegro, Francisco Pacheco (1564-1644), figura muy vinculada a los escenarios eclesiásticos e intelectuales de Sevilla, es probable que Velázquez hubiese contactado desde temprana edad con músicos destacados y ambientes musicales de diversa índole. A pesar de ello, la impronta de temas musicales que Velázquez ha trasladado a sus cuadros destaca por la escasez de obras destinadas a ensalzar la música popular, profana o religiosa. Por ello, a lo largo de este artículo se va a proceder al seguimiento de las distintas etapas y ambientes pictóricos de Velázquez para dilucidar qué música percibió y lo acompañó durante toda su vida, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez was a Spanish Baroque painter considered one of the greatest exponents of Spanish painting and a master of universal painting. His catalogue consists of approximately 130 works characterised by his versatility in which he tackled a wide range of themes in his works, highlighting his ability to capture the essence of his characters and especially his genius for masterful portraits. Having trained from a very early age in the workshop of Francisco Pacheco, who was linked to the ecclesiastical and intellectual scenes of Seville, it is likely that Velázquez would have been in contact with prominent musicians and musical circles of various kinds from an early age. Despite this, Velázquez's imprint of musical themes in his paintings is notable for the scarcity of works intended to praise either popular, secular or religious music. Therefore, throughout this article we will proceed to follow the different stages and pictorial environments of Velázquez to elucidate what music he perceived and accompanied him throughout his life.

Este artículo aborda obras poéticas de autores destacados del Siglo de Oro (Góngora, Quevedo, Lope de Vega y Sor Juana Inés de la Cruz). A través de los tópicos del amor y los celos, se plantea una propuesta de intervención didáctica en el aula. Centramos la mirada en el currículo de primero de Bachillerato, en la asignatura de Lengua Castellana y Literatura, donde se incluyen las obras de estos autores, para establecer una reflexión sobre los mitos del amor romántico en diálogo con los sonetos comentados. Analizamos la misoginia, dentro de los vivos debates que protagonizó la Querella de las mujeres, para establecer líneas de relación entre las imágenes de mujer en el contexto histórico y literario del Barroco y el momento presente en el que se leen dichas obras en las aulas.

This article analyses the textual relationship between the works of Juan Eusebio Nieremberg and Francesc Eiximenis. This connection gives a preliminary insight about the way Eiximenis’ angeological theory was used by intellectual circles in Madrid during the first half of the seventeenth century, thanks to the fifteenth-century translation of the Llibre dels àngels into Spanish., Este artículo analiza las relaciones textuales entre la obra de Juan Eusebio Nieremberg y Francesc Eiximenis, y apunta al interesante entramado que enlaza las traducciones castellanas del Llibre dels àngels en el siglo XV con las lecturas de los círculos intelectuales madrileños de la primera mitad del siglo XVII.

This article deals with the study of the canvas El sacrificio de Isaac by Jerónimo Jacinto de Espinosa (ca. 1640), which is currently in the Royal Parish of San Andrés in Valencia. From a culturalist perspec-tive, it analyzes the concretion of the iconic configuration from the con-ventionalized cultural tradition in both its visual and written aspects. Its main purpose is to highlight the work of the Alicante artist by carrying out an iconographic analysis that allows access to the function that it had in the cultural context of the Valencian seventeenth century., El presente artículo aborda el estudio del lienzo El Sacrificio de Isaac de Jerónimo Jacinto de Espinosa (ca. 1640), que actualmente se encuentra en la Real Parroquia de San Andrés de Valencia. Desde una perspectiva culturalista, analiza la concreción de la configuración icónica a partir de la tradición cultural convencionalizada en su vertiente tanto visual como escrita. Su principal propósito es poner de relieve la obra del artista alicantino realizando un análisis iconográfico que permita acceder a la función que la misma tuvo en el contexto cultural del siglo XVII valenciano.