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This article focuses on "Sólo pro tri"("A Solo for Three") (2007), directed by the Czech coreographer Petr Zuska, which merges texts and poems by three singer-songwriters from the 1960s and 70s with the techniques of contemporary dance. This analysis aims to throw light on the distinctive exchange between poetry, words, and the bodies of the dancers, within an ongoing dialogue between allusion and quotation.

L'articolo ripercorre la storia della formazione culturale del gruppo che ha animato l'evento di cui il volume è risultato (non ancora finale). Cenni storico-artistici relativi alle avanguardie russe di inizio secolo, paradigmi di interpretazione semiotica, suggerimenti ermeneutici intrinsechi a una scrittura sostenuta da rimandi intertestuali continui, animano un saggio provocatoriamente volto a un esercizio didattico di documentazione ed esplicitamente votato a un desiderio di contagio culturale, in questo dimostrandosi isomorfo all'oggetto di cui esso è al contempo analisi e implicita (indiretta) ispirazione. L'evento di cui a catalogo nasceva infatti dal confluire di più stimoli culturali: il percorso formativo traduttologico impostato durante i corsi di traduzione russo-italiano della laurea magistrale in SSLMIT UNITS; le suggestioni condivise durante i corsi di letteratura della stessa; il fecondo spazio-tempo di riflessione offerto dagli incontri del ciclo ArchiLetture organizzato in stazione Rogers. Un esempio di creazione, studio, ricerca, invenzione, creatività capace di rispondere al dovere principale della cultura: il suo piacere. Una navicella spaziale di università ideale, in cui docente e allievo si rimbalzano parole colte con il divertimento di chi avanza nella conoscenza del mondo reale. Un esempio, ideale anch'esso e reale allo stesso tempo, di come la Terza Missione universitaria non sia sempre una Missione Impossibile.

La straordinaria fortuna di Dante nella cultura britannica fra la fine del Settecento e il primo trentennio dell'Ottocento - vista attraverso le lenti di Henry Francis Cary, autore di una traduzione canonica della Commedia in lingua inglese, e quelle di William Blake, il poeta-illustratore di Dante per antonomasia - getta un fascio di luce sulle idee religiose, politiche ed estetiche dominanti in quel periodo. I romantici britannici modernizzano l'escatologia medievale della Commedia, alcuni di essi deteologizzano in toto la visione dantesca. Notevole è la forza attrattiva dell'anticlericalismo dantesco, inteso come segno di proto-protestantesimo. Il paradigma romantico è ambivalente: viene riconosciuta la genialità di Dante, ma il suo peculiare plurilinguismo con forti accenti realistici è ritenuto dissonante nell'epica religiosa. Il realismo figurativo, reputato grottesco, contraddice i dettami del sublime-patetico elaborati da Burke. Eloquente la comparazione fra la rappresentazione dantesca di Lucifero e le sue metamorfosi in epoca romantica, il cui archetipo è il Satana eroico di Milton. H. F. Cary e W. Blake, nel tradurre Dante, dialogano con due testi originali, La Commedia e il Paradise Lost, talché il Satana eroico di Milton si sovrappone al Lucifero bestiale del Canto XXXIV dell'Inferno. Il Satana blakeano - emblema di un'umanità decaduta a causa di un'immaginazione poetica rattrappita - modernizza ma non offusca il sostrato concettuale del male assoluto espresso dalla metafisica cristiana. L'extraordinària popularitat de Dante en la cultura britànica entre finals del segle XVIII i principis dels anys del segle XIX - vista a través dels ulls d'Henry Francis Cary, autor d'una traducció canònica de la Comèdia en anglès, i de William Blake, el poeta-il·lustrador de Dante per excel·lència - llança llum sobre les idees religioses, polítiques i estètiques dominants en aquest període. La comparació entre el Llucifer de Dante, una figura bestial, i la seva metamorfosi en l'heroic Satán de Milton, mostra interessants conclusions. Atès que els romàntics consideraven a Milton com un model, tant Cary com Blake entren en diàleg amb dos textos originals, la Comèdia i el Paradís Perdut, en traduir a Dante. El Satanàs de Blake és l'epítom d'una humanitat la caiguda de la qual prové d'una imaginació poètica marcida. Aquesta visió modernitza, no enterboleix però, la noció de maldat absoluta que sustenta la metafísica cristiana. Dante's extraordinary popularity in British culture between the late eighteenth and early nineteeth century - viewed through the lenses of Henry Francis Cary, who produced a canonical translation of the Comedy, and William Blake, possibily the most renowned poet-illustrator of Dante - throws light on the religious, political and aesthetic ideas holding sway during that period of time. The comparison between Dante's Lucifer, a beastly figure, and its metamorphosis into Milton's heroic Satan, yields interesting insights. Since the Romantics looked up to Milton as a model, both Cary and Blake enter into a dialogue with two original texts, The Comedy and Paradise Lost, as they translate Dante. Blake's Satan is the epitome of a humanity whose fall from grace stems from a withered poetic imagination. This view modernizes, but does not cloud, the notion of absolute evil underpinning Christian metaphysics. La extraordinaria popularidad de Dante en la cultura británica entre finales del siglo XVIII y principios de los años del siglo XIX - vista a través de los ojos de Henry Francis Cary, autor de una traducción canónica de la Comedia en inglés, y de William Blake, el poeta-ilustrador de Dante por excelencia - arroja luz sobre las ideas religiosas, políticas y estéticas dominantes en ese período. La comparación entre el Lucifer de Dante, una figura bestial, y su metamorfosis en el heroico Satán de Milton, arroja interesantes conclusiones. Dado que los románticos consideraban a Milton como un modelo, tanto Cary como Blake entran en diálogo con dos textos originales, la Comedia y el Paraíso Perdido, al traducir a Dante. El Satán de Blake es el epítome de una humanidad cuya caída proviene de una imaginación poética marchitada. Esta visión moderniza, pero no enturbia, la noción de maldad absoluta que sustenta la metafísica cristiana.

This paper aims at exploring new methodologies to make the practice of medical translation more interesting and stimulating for language students. It is based on two third year courses held at the University of Parma (Italy), for undergraduates reading modern languages. The courses made great use of audio-visual materials, which translate intersemiotically and often, intralinguistically, the language used in specialized domains. The original and dubbed versions of some of the most popular television series whose focus is, precisely, the language of medicine (namely House M.D. and Scrubs) were the basis for a series of activities aimed at helping students approach the study of medical translation for the first time., L’articolo mira a esplorare nuove metodologie atte a rendere l’approccio allo studio della traduzione medica stimolante e originale ed è basato su due corsi di terzo anno tenuti all’Università di Parma (Italia), per studenti del Corso in Lingue e Civiltà Straniere Moderne. Durante i corsi si è fatto largo uso di materiali audiovisivi che traducono intersemioticamente e, spesso, intralinguisticamente, il linguaggio medico utilizzato in ambito specialistico. Le versioni originali e doppiate di alcune serie televisive incentrate sul linguaggio medico (nello specifico Dr. House M.D. e Scrubs), hanno dunque costituito la base per una serie di attività mirate a facilitare l’avvicinamento degli studenti allo studio della traduzione medica.

Il tema di questa tesi è l'analisi intersemiotica sull'esempio di due opere omonime - La Ciociara – il romanzo di Alberto Moravia, e il film sotto la direzione di Vittorio De Sica. L'argomento di ricerca è l'analisi dei due tipi di testo, che si differenziano nel tipo d’espressione, ossia il codice. Il prototesto appartiene alla comunicazione non verbale, mentre il metatesto appartiene alla comunicazione verbale. Gli esempi della storia, dei capitoli, delle scene, dei dialoghi ecc., vengono paragonati ed analizzati sul livello simbolico, linguistico e semantico. In primo piano ci sono tutti i cambiamenti che si sono verificati sulla base di segni, segnali, simboli e il suo significato. Secondo le fasi di traduzione, sono state applicate le strategie traduttive. Prima di tutto, la tesi rileva l'adattamento del prototesto in un'altra forma del codice, la sua visualizzazione nel film, ricco di un proprio linguaggio – verso l’immagine, il quadro, la voce, il gesto, il costume, il montaggio, l’espressione del viso, l’attore. Per due autori con l’attività nella stessa direzione culturale - il neorealismo - era importante rendere evidente alcune delle caratteristiche tipiche di questo periodo creativo, così come le caratteristiche della semiotica della letteratura e semiotica del cinema, presentate nella parte introduttiva della tesi. Il ruolo del traduttore in quest’analisi si riferisce a un confronto di tutti gli elementi necessari per la distinzione, e per l'identificazione di due diversi tipi di testo, ed evidenziando il livello simbolico e semantico di comprensione dei testi scritti e la loro formazione verbale. This paper is based on intersemiotic analysis on the example of two homonymous works - La Ciociara - Alberto Moravia’s novel and the movie directed by Vittorio De Sica. The research topic is the analysis of two types of text, different in the type of expression, or code. The prototext belongs to non-verbal communication, while the metatext belongs to verbal communication. On the example of the story, chapters, scenes, dialogue etc., an analysis of comparison was made, on the symbolic, linguistic and semantic level. Featured are all the changes that have occurred on the basis of signs, signals, symbols and its meaning. Based on the translation stages of the analysis of two texts, translation strategies have been applied. First of all, it is emphasized the adaptation of the prototext in another form of language code, as its visualization in the movie, which is rich in its own language – the screen, the frame, the voice, the gesture, the costume, the film montage, the face expression, the actor. For two authors who have acted in the same cultural direction - the neorealism - it was important to highlight some of the typical characteristics of this creative period, as well as the characteristics of the semiotics of literature and semiotics of film, presented in the introductory part of the paper. The role of the translator in this paper refers to a comparison of all the elements needed for the distinction, and for the identification of two different types of text, and highlighting symbolic or semantic level of understanding written texts and their verbal achievement. Tema ovog rada je intersemiotička analiza na primjeru dva djela istoimenog naziva - La Ciociara - roman Alberta Moravije i film pod režijom Vittoria De Sice. Predmet istraživanja je analiza dvaju tipova teksta, koji se razlikuju u tipu izričaja, odnosno kodu. Prototekst pripada neverbalnoj, dok metatekst pripada verbalnoj komunikaciji. Na primjeru priče, poglavlja, scena, dijaloga i sl. napravljena je analiza usporedbe, na simboličkoj, lingvističkoj i semantičkoj razini. Izdvojene su sve promjene koje su nastale u metatekstu na temelju znaka, signala, simbola i njegovog značenja. Na temelju prevoditeljskih faza analize dvaju tekstova, primijenjene su prevoditeljske strategije. Prije svega, naglašena je adaptacija samog prototeksta u drugi oblik jezičnog koda kao njegove vizualizacije u film, koji obiluje svojim vlastitim jezikom – slikom, kadrom, glasom, gestom, kostimom, montažom, ekspresijom lica, glumcem. Za dva autora koja su djelovala u istom kulturnom pravcu – neorealizmu - važno je bilo istaknuti neke od tipičnih karakteristika tog stvaralačkog razdoblja, kao i obilježja semiotike književnosti i semiotike filma, koji su izloženi u uvodnom dijelu rada. Uloga prevoditelja u ovom radu odnosi se na usporedbu svih elemenata potrebnih kako za razlikovanje, tako i za poistovjećivanje dvaju različitih tipova teksta te isticanje simboličke, odnosno značenjske razine razumijevanja kod pisanih tekstova i verbalnog ostvarenja istih.

Nel percorso di canonizzazione grazie a cui un’opera si trasforma in un classico, la parodia costituisce spesso una tappa obbligata. Si direbbe quindi che la sottrazione dell’aura o, meglio, la manipolazione in chiave dissacrante sia tra i prerequisiti necessari a garantire l’inclusione negli esclusivi ranghi della tradizione. Guardando alla storia letteraria del Novecento si potrebbero d’altronde trovare varie conferme di questa ipotesi, ma anche qualche clamorosa smentita. Si considerino, ad esempio, le trasposizioni filmiche tratte da Lolita, romanzo vittima di innumerevoli fraintendimenti e trasformazioni. Sebbene lo stesso Nabokov si lamentasse della tendenza del grande pubblico a farsi abbagliare dagli aspetti pruriginosi della vicenda, trascurandone il sottile humor, i due registi che si sono cimentati nel portare Lolita sul grande schermo – Stanley Kubrick e Adrian Lyne – sembrano aver frainteso lo spirito di questa indicazione. Nei rispettivi adattamenti ne hanno, infatti, stravolto completamente il senso: l’uno adottando una mise-en-scène di taglio classicheggiante volta a attenuare lo shock prodotto dall’ipotesto; l’altro enfatizzandone il lato scabroso e solleticando gli appetiti voyeuristici dello spettatore. Nel corso della mia analisi intendo dunque ricostruire le motivazioni di un simile, duplice “tradimento”, cercando di illustrare come esso abbia ridefinito l’aura del romanzo nabokoviano, nonché l’intenzione autoriale di partenza., Between, V. 6, N. 12 (2016): Chi ride ultimo. Parodia satira umorismi

Parody seems to be one of the essential steps along the process through which an artwork becomes part of the Western canon. Therefore, the elimination, or the distortion of the so-called “aura” is often a prerequisite to be included within our cultural heritage. Looking at the literary history of the Twentieth century, one can see several examples supporting a comparable hypothesis, but some exceptions remain as well.Consider, for instance, the adaptations of Lolita, a novel that, since its publication, has been misrepresented in many ways. Nabokov himself – in a well-known “Afterword” (1956) – blames his readers for been distracted by the sexual implications of the plot on the one hand, ignoring the ironic techniques embodied in its refined texture on the other hand.These remarks are worthy of consideration, though directors such as S. Kubrick and A. Lyne have overlooked, or rather ignored their meaning: the first opted for a classical mise-en-scène in order to neutralize the disturbing potential of the hypotext; the latter emphasized the voyeuristic gaze, trying to seduce the spectator.The aim of my paper is to highlight both the structural and the stylistic issues behind this double “betrayal”, along with its effects on the novel’s aura., Nel percorso di canonizzazione grazie a cui un’opera si trasforma in un classico, la parodia costituisce spesso una tappa obbligata. Si direbbe quindi che la sottrazione dell’aura o, meglio, la manipolazione in chiave dissacrante sia tra i prerequisiti necessari a garantire l’inclusione negli esclusivi ranghi della tradizione. Guardando alla storia letteraria del Novecento si potrebbero d’altronde trovare varie conferme di questa ipotesi, ma anche qualche clamorosa smentita.Si considerino, ad esempio, le trasposizioni filmiche tratte da Lolita, romanzo vittima di innumerevoli fraintendimenti e trasformazioni. Sebbene lo stesso Nabokov si lamentasse della tendenza del grande pubblico a farsi abbagliare dagli aspetti pruriginosi della vicenda, trascurandone il sottile humor, i due registi che si sono cimentati nel portare Lolita sul grande schermo – Stanley Kubrick e Adrian Lyne – sembrano aver frainteso lo spirito di questa indicazione. Nei rispettivi adattamenti ne hanno, infatti, stravolto completamente il senso: l’uno adottando una mise-en-scène di taglio classicheggiante volta a attenuare lo shock prodotto dall’ipotesto; l’altro enfatizzandone il lato scabroso e solleticando gli appetiti voyeuristici dello spettatore.Nel corso della mia analisi intendo dunque ricostruire le motivazioni di un simile, duplice “tradimento”, cercando di illustrare come esso abbia ridefinito l’aura del romanzo nabokoviano, nonché l’intenzione autoriale di partenza.

The Italian novelle, particularly those of Boccaccio, Bandello, and Giraldi Cinzio, provide the narrative raw material for the plot of almost 10% of Lope’s theatrical production. Bandello stands out among these writers as a favorite ‘supplier’ for the playwright. The comparison between Si no vieran las mujeres and Carlos el perseguido by Lope and their respective Bandellian hypotexts allows scholars to examine the mechanisms and resources used by Lope in his intersemiotic translations. Furthermore, it constitutes a step in the description of the grammar of motives and functions we call ‘formula of the comedia nueva’, ultimately building toward, through a logical-semantic analysis, a formal model of Lope’s grammar., Biblioteca di Rassegna iberistica

Il saggio si sofferma sulla centralità di David Byrne nella cultura non solo anglofona contemporanea, sottolineando come i testi da lui scritti per la celebre band Talking Heads, da lui fondata a fine anni settanta, mostrino tutte le caratteristiche strutturali, i moduli di pensiero e le tematiche tipici della temperie postmoderna, rielaborati da una mente in grado di fondere creatività e ironia.

*** IT: Dopo aver tracciato le origini accademiche dell'audiodescrizione (AD) filmica per i ciechi e gli ipovedenti se ne mettono in rilievo i temi di maggiore interesse scientifico e si offre una bibliografia ragionata su ognuno dei temi esposti. Si illustrano la natura, le proprietà e i limiti dell'AD e si presta particolare attenzione al suo ruolo di traduzione intersemiotica. Attraverso esempi tratti da film originali e doppiati si commentano le quattro facce dell'AD che è definita in base a cosa, come, quanto e quando descrivere per offrire un prodotto completo ed efficace. I temi dell'oggettività della descrizione e quelli relativi alla lingua e dello stile del testo descrittivo sono affrontati a partire dalla posizione delle linee guida oggi presenti sul mercato, e sono illustrati, di nuovo, da una serie di esempi reali. Il contributo si conclude con una rassegna dei risultati ottenuti grazie all'applicazione del tracciamento oculare nella ricerca sull'AD. ***EN: After tracing the academic origins of audio description (AD ) for the blind and the visually impaired, the paper focuses on the most relevant themes regarding AD and provides a critical bibliography on each of the topics under discussion. In particular, the paper discusses the nature, properties and limitations of AD and it pays special attention to its role as a form of intersemiotic translation. Drawing from examples taken from original and dubbed films, the paper comments on the four defining features of AD: what, how, how much and when to describe in order to offer a comprehensive and effective AD. Further aspects that are addressed in the paper are the objectivity of AD as well as its language and style, which are defined based on the existing guidelines and on authentic examples taken from several audio described films. The contribution closes with a review of the results achieved through empirical studies and the application of eye-tracking research.

On December 26th, 1772 to the theatre S. Benedetto in Venice, the Venetian audience attends the performance of a ballet pantomime considered one of the masterpieces of Gasparo Angiolini, La partenza di Enea o Didone Abbandonata (The departure of Aeneas or Dido abandoned). The short description of the ballet, inserted in the opera’s libretto, specifies the type, the structure and the source: it is about a «tragic pantomime ballet, divided in five acts and taken from the first four books of Virgil and from the opera of Dido of the famous Mr. abbot Metastasio». The music of the ballet, composed by Angiolini himself, was published by Marescalchi in a small volume of nine scores, the following year in Naples. Rare sample of the relation between music and dance, the first violin musical score shows the traces of synchronization between notes and gesture: it is a series of short captions inserted in the stave that, thanks to a system of cross references, detailing the action and specifying the musical moment in which it occurs. Based on literary and musical sources and with a special attention to strategies of intersemiotic transposition and to the modalities of the pantomime expression, this article develops a dramaturgic analysis that highlights the pragmatic value of the Angiolinian creation in the context of the cultural rivalry between Italy and France. This ballet that, on the whole, reveals the theoretical discourse of its inventor and expresses its dramaturgic choices, conveys a specifically Italian poetics, situated in the Arcadia's reform plan between Metastasio and Goldoni, and defends the idea of an Italian reform of the art of the dance. Animated by the desire to act in the cultural environment in which it moves, to show and to demonstrate the classical principles of a new poetics of dance, Angiolini advocates, in fact, with its Dance of Dido, the rational re-foundation of the Italian pantomime-ballet., Il 26 dicembre 1772 al teatro S. Benedetto di Venezia, il pubblico veneziano assiste alla rappresentazione di un ballo pantomimo considerato come uno dei capolavori di Gasparo Angiolini, La partenza di Enea o Didone Abbandonata. La breve descrizione del ballo, inserita nel libretto d’opera che lo accoglie, ne precisa il genere, la struttura e la fonte: si tratta di un «Ballo tragico pantomimo, diviso in cinque atti e tratto dai primi quattro libri di Virgilio e dall’opera di Didone del celebre sig. abate Metastasio». Le musiche del ballo, composte dallo stesso Angiolini, sono pubblicate in un volumetto di nove parti musicali distinte, l’anno seguente da Marescalchi a Napoli. Raro esemplare della relazione tra musica e danza, lo spartito per il primo violino presenta le tracce di una sincronizzazione tra le note e il gesto: si tratta di una serie di brevi didascalie inserite sul rigo musicale che, grazie a un sistema di rimandi, dettagliano l’azione e precisano il momento musicale in cui essa si svolge. Sulla base delle fonti letterarie e musicali e con una particolare attenzione alle strategie di trasposizione intersemiotica e alle modalità di espressione pantomima, il presente articolo elabora un’analisi drammaturgica che mette in luce il valore pragmatico della creazione angioliniana nel contesto della rivalità culturale tra l’Italia e la Francia. Questo ballo che, nel complesso, palesa il discorso teorico del suo inventore ed esprime le sue scelte drammaturgiche, veicola una poetica che si vuole specificamente italiana e che, collocata nel progetto riformatore dell’Arcadia tra Metastasio e Goldoni, difende l’idea una riforma italiana dell’arte della danza. Animato dalla volontà di agire nell’ambiente culturale in cui si muove, di mostrare e dimostrare i principi classici di una nuova poetica della danza, Angiolini propugna, di fatto, con il suo Ballo della Didone, la rifondazione razionale del ballo-pantomimo italiano.

Il presente lavoro studia il passaggio dal racconto Il mantello (1942) all’adattamento teatrale omonimo, con l’obiettivo di verificare le relazioni tra pagina letteraria e codice scenico, sulla base di motivi conduttori affini e diverse esigenze strutturali, indagando l’idea del testo fonte nell’adattamento e la sua sopravvivenzaLa prospettiva è quella di un confronto tra due sistemi semiotici differenti, attraverso l’analisi di una operazione di adattamento in cui è il medesimo autore a riscrivere il proprio testo in vista di un mutato contesto ricettivo, modalizzandolo su uno specifico meccanismo generatore di senso. Allestito nel 1960, l’atto unico Il mantello riporta infatti, rispetto all’ipotesto che lo ha generato, i dispositivi discorsivi e visuali di una riscrittura scenica in cui si dilatano i tempi e lo spazio dell’azione principale, strutturata su una inedita coralità di personaggi, portatori di una trama centrifuga di micro-narrazioni.Rimane centrale la fascinazione del rêvenant, una delle declinazioni della morte nell’immaginario dell’autore, destinato a prendere corpo nel soldato protagonista, cui è concesso un breve, illusorio, ritorno tra i vivi. Ascrivibile per un verso alla cornice del racconto di guerra, attinta dall’esperienza biografica e professionale, Il mantello si apparenta così all’ossessione spettrale che incombe su altre riduzioni teatrali buzzatiane, tra le suggestioni di Wilder e Lee Masters., Between, Vol 2, N° 4 (2012): L’adattamento: le trasformazioni delle storie nei passaggi di codice

Right from the beginnings of Dante Gabriel Rossetti’s career, his most striking quality lies in his deep commitment to a continual interrelation between the arts of poetry and of painting. This essay aims at revealing the strategies applied to the intersemiotic process taking place between Rossetti’s first Pre-raphaelite canvas, The Girlhood of Mary Virgin, and the two sonnets written to ‘illustrate’ it. To better examine the shift between different media and Rossetti’s own appraisal of such a translating process, reference has been made to some of the great names of the contemporary debate about intersemiotic translation, such as Greimas, Eco and Jakobson. By applying such modern tools of intersemiotic analysis to the artist’s first double work of art it will eventually be clear how Rossetti’s Pre-raphaelite phase is anything but an immature debut in the Victorian artistic scene. Many of the features of his early career are in fact to be found as faithfully maintained in the more complex development of his maturer art. This essay will show how The Girlhood of Mary Virgin and “Mary’s Girlhood” are to be considered as a true manifesto of Rossetti’s entire career and of his appraisal of the relation between the sister arts., Between, Vol 2, N° 4 (2012): L’adattamento: le trasformazioni delle storie nei passaggi di codice

Il saggio affronta l’analisi dell’emblematica rinascimentale considerandola una forma di traduzione intersemiotica. A tale scopo viene proposta l’adozione di una prospettiva semiotica che va oltre la tradizionale analisi dei modelli iconografici, letterari o filosofici, e che mette in luce la ricchezza e le implicazioni di una testualità sincretica dai chiari addentellati traduttivi mai valorizzati finora. Partendo da alcuni esempi concreti, il saggio cerca di dimostrare come l’emblematica non sia una semplice pratica ancillare per rendere più fruibili dei testi con finalità didascaliche; al contrario, essa costruisce sul testo di partenza con gli strumenti semiotici che le sono propri, moltiplicandone le potenzialità di significazione ma mantenendone le coerenze interne, andando oltre l’adattamento per configurarsi come vera e propria trasposizione. Il saggio mira quindi a proporre nuove prospettive teoriche e pratiche per indagare un tipo di testualità che può offrire interessanti aperture ermeneutiche allo studio della traduzione e dell’adattamento e, più in generale, all’analisi dell’uso della figuralità nei testi della prima età moderna., Between, Vol 2, N° 4 (2012): L’adattamento: le trasformazioni delle storie nei passaggi di codice

Al pari di un qualsiasi testo letterario, un testo drammatico può essere trasposto in un ventaglio di infinite messe in scena equivalenti. Pertanto, un’analisi comparata di diversi allestimenti di uno stesso testo teatrale può rivelarne le potenzialità e le latenze, illuminandolo da prospettive nuove, tante quante sono le messe in scena prese in considerazione, e tutte valide. Questo è quanto ci proponiamo di fare all’interno di questo lavoro, analizzando due repliche di due distinte messe in scena di Aspettando Godot: una è quella del Teatro Out Off di Milano, diretta da Lorenzo Loris (2009/2010); l’altra è quella allestita da Francesco Saponaro presso il Teatro Mercadante di Napoli (2010). Grazie a preziosi strumenti come la registrazione in DVD di una replica di ciascuno spettacolo e le interviste gentilmente rilasciate da registi e attori, abbiamo potuto procedere nella nostra analisi partendo dalle componenti non verbali della messa in scena (prima tra tutte la scenografia) per poi comparare i copioni (o meglio le loro ricostruzioni parziali ricavate dalla visione dei DVD). A partire da quest’analisi è stato poi possibile ricavare le priorità traduttive di ciascun cast e l’interpretazione che ne è alla base, trovando conferma dei risultati ottenuti nelle dichiarazioni degli intervistati., Between, Vol 2, N° 4 (2012): L’adattamento: le trasformazioni delle storie nei passaggi di codice

As any literary text, a dramatic text can be translated in a range of endless and equivalent stagings. Therefore, a comparative analysis of different performances of the same play can reveal its latent potentialities and show it to us from new perspectives, as many as the analysed performances, and all of them would be valid. This is what we intend to do through this work, by comparing two different stagings ofWaiting for Godot: the first one by Lorenzo Loris, director of the troupe of the Theatre Out Off, from Milan (2009/2010); the second one is directed by Francesco Saponaro in the Theatre Mercadante, in Naples.Thanks to some useful tools like the DVD recordings of both shows and the interviews kindly granted by the directors, we could start first analyzing the non-verbal elements of each show (most of all the sets), and then comparing the scripts. Finally, we could deduce from such analysis the translation project and the interpretation of each troupe, and find proofs of ours results in the interviews.Al pari di un qualsiasi testo letterario, un testo drammatico può essere trasposto in un ventaglio di infinite messe in scena equivalenti. Pertanto, un’analisi comparata di diversi allestimenti di uno stesso testo teatrale può rivelarne le potenzialità e le latenze, illuminandolo da prospettive nuove, tante quante sono le messe in scena prese in considerazione, e tutte valide.Questo è quanto ci proponiamo di fare all’interno di questo lavoro, analizzando due repliche di due distinte messe in scena di Aspettando Godot: una è quella del Teatro Out Off di Milano, diretta da Lorenzo Loris (2009/2010); l’altra è quella allestita da Francesco Saponaro presso il Teatro Mercadante di Napoli (2010). Grazie a preziosi strumenti come la registrazione in DVD di una replica di ciascuno spettacolo e le interviste gentilmente rilasciate da registi e attori, abbiamo potuto procedere nella nostra analisi partendo dalle componenti non verbali della messa in scena (prima tra tutte la scenografia) per poi comparare i copioni (o meglio le loro ricostruzioni parziali ricavate dalla visione dei DVD). A partire da quest’analisi è stato poi possibile ricavare le priorità traduttive di ciascun cast e l’interpretazione che ne è alla base, trovando conferma dei risultati ottenuti nelle dichiarazioni degli intervistati.&nbsp

Il saggio analizza la trasposizione intersemiotica del romanzo A ostra e o vento di Moacir C. Lopes.