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El objetivo principal de la presente investigación es demostrar que las proclamaciones de Fernando VI y Carlos III en Buenos Aires funcionaron como mecanismos de legitimación del poder y de cohesión social en los que la unión de las artes fue fundamental. Este estudio se basará en las relaciones que narraron dichas proclamaciones y que se conservan en el Archivo General de Indias. Estas, si bien fueron abordadas por una historiografía clásica, no han sido analizadas con la profundidad que merecen.

Este documento se centra en determinar el consumo cultural de teatro, productos audiovisuales, televisión y museos durante el confinamiento por Covid-19 en Colombia. Estos descriptivos y tendencias de consumo se desarrollan y estiman a partir de SPSS versión 25, en donde se realizó reducción de dimensiones por medio de análisis factorial exploratorio para el consumo cultural resultado de la Encuesta de Consumo Cultural (ECC) de 2020, realizada por el Departamento Administrativo Nacional de Estadística (DANE); cuyos resultados permiten reconocer a la televisión como el canal por el que más consumen contenido las personas (73,7 %) en el país. Entre otros resultados, las edades de mayor consumo cultural están entre los menores de edad y de los 18 hasta los 32 años, los cuales representan el 52,6 %. Esto ratifica que debe darse un mayor apoyo a las tecnologías de información y virtualización, que involucren con mayor contundencia las necesidades de contenido para estas edades y posibiliten que aumenten el acceso y uso de diferentes formas de consumo de cultura.

Interview with Nara Mansur.

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This text proposes, in the first instance, a reflection on the contributions of popular festivities and carnival to the strengthening of theatrical identity in Colombia and, in a second part, its contributions to artistic education. The aim is to deepen the understanding of the elements of festive culture present in theatrical performances and their possible articulations and interrelations with artistic education processes. The following references are taken: i) three works of Colombian popular theater, by three highly recognized creators, Misael Torres, Juan Carlos Moyano and Críspulo Torres, who have inquired into festive culture, by covering popular festivals, carnival and other traditional manifestations, with the purpose of recognizing in these works part of what constitutes us as a society; our imaginaries expressed in characters, plots, stories, as well as the emergence of methodologies for stage creation; ii) two examples of training projects in formal and non-formal contexts, of academic programs based on popular and festive culture, to create pedagogical proposals based on the recognition of the knowledge immersed in festivals and the possibility of sparking dialogues of knowledge: the Popular Institute of Culture of Cali and the Department of Performing Arts of the Antonio Nariño University. In conclusion, the contributions of festive culture to popular theater and the multiple possibilities generated by its integration in artistic education processes are presented. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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O presente artigo reflexivo aborda uma pesquisa conduzida no âmbito da disciplina Estágio Supervisionado III – Oficina de Teatro, integrante do Curso de Licenciatura em Teatro da Universidade Federal de Santa Maria, com foco no psicodrama. O projeto em questão adotou o drama como abordagem metodológica para o ensino de teatro com idosos e foi conduzido no ano de 2018 no Lar Vila Itagiba, situado no município de Santa Maria (RS). Nessa perspectiva, o objetivo geral da pesquisa consistiu em investigar a prática do drama e sua interação com o psicodrama em uma abordagem teatral com idosos, explorando suas memórias durante sessões psicodramáticas, visando compreender como essas experiências podem contribuir para o desenvolvimento emocional e cognitivo dos participantes.

Esta investigación tiene como objetivo analizar la digitalización del medio teatral como sector de las industrias creativas. Para ello se atiende a la adaptación digital en la última década del Centro de Documentación de las Artes Escénicas y de la Música (CDAEM) ubicado en Madrid. Mediante una metodología mixta, se analizan las memorias de actividad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música entre 2012 y 2021 para comprender los procesos de digitalización del CDAEM. Se examina también el impacto de la Teatroteca, plataforma de préstamo online de grabaciones teatrales, en el contexto creciente de la plataformización web. A su vez, se observa la influencia de la pandemia por COVID-19 como agente impulsor de los procesos de digitalización del CDAEM. Esta investigación supone una aportación original al estudio de los centros de documentación teatrales y contribuye a actualizar los estudios sobre la presencia del teatro en Internet.

El presente trabajo tiene como objetivo analizar el proceso de creación y el funcionamiento del Curso de Formación del Actor-Actriz para la Actuación en los Espacios Abiertos, una propuesta pedagógica de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), a partir de los contextos laborales de lxs actores y actrices que la impulsaron y de los modelos de trabajo artístico transmitidos en esta formación. Por un lado, me interesa estudiar la reconfiguración profesional de lxs actores y actrices que la crearon, con la finalidad de desarrollar la vertiente pedagógica de su labor teatral. Por otro lado, quisiera analizar la noción de trabajo artístico vehiculizada a través de este proyecto pedagógico: es decir, qué tipo de actor/actriz apunta a formar esta escuela y de acuerdo con qué parámetros preexistentes en el campo teatral porteño.

O artigo analisa as condições de trabalho no sistema teatral brasileiro contemporâneo a partir de uma bibliografia multidisciplinar e dados produzidos em uma pesquisa quali-quantitativa realizada em 2021, com 157 profissionais do teatro de Porto Alegre atuantes entre 2010 e 2020. Apesar do ideal romantizado, observa-se um processo de precarização do trabalho, movido pela marcha capitalista neoliberal, com consequências degradantes na sustentabilidade dos sistemas teatrais, na longevidade de produções artísticas e na saúde mental dos trabalhadores. Nota-se ainda uma reprodução de desigualdades sociais no mercado teatral, que agrava as condições de profissionais pertencentes a grupos minoritários.

Con este artículo me propongo pensar los límites entre realidad y ficción a partir del concepto deleuziano de pueblo por-venir (peuple à venir) y de las consideraciones de Jacques Rancière en torno al cruce entre teatro e historia, actor y espectador. A partir de ambos posicionamientos, se estudiará qué puede suponer ficcionalizar lo común y desde qué propuestas ontológicas puede plantearse. La tensión entre estética y política atravesará el texto, ayudándonos a pensar un concepto de lo común que no pase por un pensamiento de la representación ni por una consideración de lo histórico como el proceso de las grandes revoluciones. Para ello, se aludirá a la película Marat/Sade de Peter Brook, así como a otros documentales-ficción, que puedan aportarnos imágenes a la hora de pensar un común porvenir.

El objetivo de este trabajo es ensayar una explicación e interpretación de la introducción “Répétition et différence” de Différence et répétition de Gilles Deleuze. Parte de la hipótesis de que es una pieza de un conjunto no desarrollado de filosofía moral. Esta pieza aborda cuatro elementos: conducta, ley, concepto y sujeto morales. El análisis detallado muestra que Deleuze esboza un programa de investigación de la acción moral que se inspira, como punto de partida, en el kantismo, y culmina en una doble propuesta: acercamiento de la acción moral a la acción estética y ética de la potencia. Los resultados apuntan a una génesis artística del sujeto moral actual.

Archivo histórico de Kipus: Revista Andina de Letras y Estudios Culturales, 1997.

La relazione tra insegnanti, risorsa fondamentale per ogni sistema educativo-scolastico, può incontrare una possibilità di rispecchiamento profondo e creativo nell’esperienza teatrale. Ispirato dai principi del Teatro Forum di Augusto Boal, questo lavoro riflette sull’esperienza del progetto Dentro la scena, ideato all’interno del laboratorio EURESIS (Università di Ferrara) e rivolto alla formazione insegnanti della scuola dell’obbligo. Attraverso l’intensa forza metaforica, emozionale e interattiva dell’azione scenica, i docenti coinvolti sono stati orientati a ripensare vissuti, slanci, “oppressori interni” e sensi sul proprio ruolo professionale. I partecipanti hanno esperito l’importanza della rielaborazione del sé in chiave di apertura verso gli altri colleghi. La riflessione, che ha suscitato il progetto, spinge a incentivare la ricerca pedagogica e la formazione degli insegnanti verso un dialogo con il mondo e le risorse del teatro per valorizzare, entro la sua forza di espressività e introspezione totali, un modello professionale docente empatico e relazionale.

Resumen: Este trabajo presenta una contribución al estudio de los orígenes de la práctica de tiznarse la cara y realizar performances de negritud típica de los carnavales de Buenos Aires a fines del siglo XIX. Surgida muy tempranamente, luego de 1865, participaban en ella tanto blancos como afrodescendientes. En continuidad con investigaciones previas, que habían descartado el género anglosajón del blackface minstrelsy como posible fuente de inspiración, este trabajo apunta a demostrar que los festejantes rioplatenses pudieron haberse apoyado en una tradición diferente y más antigua: la que proveía la literatura y el teatro español, a su vez influida por expresiones culturales afrocaribeñas. Luego de una descripción de las tradiciones de tiznado escénicas y de los modos de representar lo negro en el teatro, en la música y en las letras españoles, en la primera parte se analiza su impacto en sainetes, “bailes de negros”, tonadillas, zarzuelas y tangos y habaneras que llegaban a Buenos Aires desde la península ibérica. La segunda parte se detiene en la influencia que todo ello tuvo en el carnaval porteño y en la posibilidad de que el tiznado y las performances de las comparsas locales conectaran con algunos de los elementos escénicos de la zarzuela. La indagación comienza en 1825, por ser el año de la que pudo ser la primera aparición de un blanco tiznado en un teatro porteño, y concluye en c. 1890, cuando el fenómeno de las comparsas de falsos negros ya había alcanzado su apogeo.

Abordaremos la perspectiva de Rousseau sobre el teatro a partir del lugar que ocupa el gusto en la Carta a D’Alembert. El gusto en la Carta es un fenómeno social que expresa los valores y les moeurs que sustentan el orden social y político de una comunidad. Veremos que las limitaciones éticas del teatro no son atribuibles a la mimesis poética sino al dominio que ejerce sobre él el gusto social. En la Carta el teatro es a la vez un género literario y un espectáculo singular. Veremos que, a través del término espectáculo, Rousseau distingue el género literario, de la institución que lo inscribe en el espacio social. El espectáculo parisino se transforma en un peligro para la república de Ginebra por la manera en que modifica los usos del tiempo, la distribución de los recursos de la comunidad, las prácticas de sociabilidad y finalmente el gusto general.

El estudio se orienta a evaluar el impacto del uso del teatro físico en el desarrollo de habilidades socioemocionales y en el aprendizaje de la Física clásica, en estudiantes con y sin discapacidad en la escuela secundaria inclusiva de la ciudad de Medellín (Colombia). En este artículo se presentan los avances en la construcción de la propuesta de intervención “El cuerpo como laboratorio de Física”, la cual se fundamenta en las teorías de la razón sensible y la cognición corporizada, y articula la experimentación de los conceptos asociados a las tres leyes de Newton con los principios del teatro físico. La iniciativa se diseñó en tres fases: conceptual, implementación y retroalimentación y de entrega. Dentro de cada una de estas se dispusieron de diferentes instrumentos cualitativos que permitieron cualificar la experiencia.

El artículo tiene el objetivo de analizar tanto la recepción como el uso del teatro español en distintas ciudades alemanas, donde se ha venido desarrollando habitualmente un fenómeno como el analizado, que prueba el interés por el teatro hispánico por parte de agrupaciones teatrales alemanas. Las mismas, paso a paso y fundamentalmente durante la última década, han ido perfilando un espacio autónomo y reconocible tanto a nivel público, principalmente en universidades, como mediante iniciativas privadas de teatros y agrupaciones.

O presente artigo tem por objetivo responder a questão: Por que as práticas teatrais no Coroadinho são escassas? E como podemos contribuir para mudar essa escassez? Portanto, busca-se circunscrever a atuação do teatro-educador-comunitário. Para tal fim, o artigo centrou-se no Grupo de Teatro Comunitário ARTEATRO, que é desenvolvido na comunidade do Coroadinho, em São Luís/MA, no qual está em atividade desde 2019. A pesquisa remete-se às ações que foram propostas ao grupo, no Conselho Comunitário de Defesa Social do Polo Coroadinho. Para esse fim, a pesquisa baseia-se em minha experiência e reflexão como teatro-educador-comunitário (cuja abordagem conceitual foi elaborada e defendida no corpo do texto), reflexão essa que pensa a evolução dos jovens e adolescentes, e nota-se que o teatro cumpre um papel de transformação de realidades na vida dos participantes e como referenciação teórica, utiliza-se do conhecimento do Augusto Boal, Claudia Andrade, Domingo Adame e outros. Para mais, é uma investigação qualitativa de natureza narrativa reflexiva. Com esse artigo, conclui-se que o teatro-educador-comunitário é um mediador do desenvolvimento artístico e pessoal dos integrantes, e a arte teatral tem um papel fundamental na transformação social de jovens e adolescentes.

RESUMO O artigo analisa o caso de uma cena teatral produzida na Bahia entre 1551 e 1552 pelo grupo jesuítico ligado a Manuel da Nóbrega, que se deu na forma de uma performance pelas ruas da cidade. Anterior a qualquer forma de espetáculo literário, e desvinculado de um contexto religioso, o ato cênico é revelador das contradições do trabalho jesuítico nos primeiros anos, após sua chegada ao território com o Governo Geral de Thomé de Souza.

This study sought to understand how a cultural organization develops the practice of theater based on the enculturation of institutional logics. To fulfill the proposed objective, qualitative research was carried out with data found through documentary sources, interviews and ethnography. Data analysis was carried out through narrative analysis. Institutional logics can be considered as a troika between subjects, practices and objects, mediated by a good and its values, in which it was possible to identify how recursivity occurs through enculturation, which occurs at the declared (intentional) and undeclared level (not intentional). In this way, this study highlights how the cultural organization Art&Vida encompassed different institutional logics, such as amateur and modern theater. By placing the elements at analytical levels, Art&Vida disposes at the declared and undeclared level, respectively the theater is limited through symbols and attitudes, as well as becoming a representation and composing the skills and schemes of the actors. From enculturation, the cultural organization changed the meaning of institutional elements and founded a hybrid institutional logic, which we call countryside theater. Therefore, recursion occurs to meet the needs of the local community. This study contributes by highlighting that although institutions are beneficial, there is openness to action through interpretation. Future research suggests understanding how enculturation can produce hybrid institutional logics different contexts.

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The work seeks to contribute to the production of knowledge about acting in the context of contemporary independent theater in the city of San Miguel de Tucumán-Argentina. We try to recognize the ways in which the territorialities of the actors' and actresses' bodies participate in the specific configuration of an artistic work. For this purpose, we analyze the theatrical production Manifiesto por amor a los hombres, an autofictional show premiered on November 23, 2012, which addresses the issue of male homosexuality. A work developed through scenic improvisations, where the fictional construction of the play compromises the personal biography of the protagonist. This creative modality that favors the crossing between art and life in the figure of the performer enables disruptive corporal and acting experiences against theatrical forms sustained in the mimetic-scenic illusion, at the same time that promotes practices of micropolitical resistance in a social context that is not very favorable to sexual diversity. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The purpose of this article proposes an approach to the dramatic work of Diana M. de Paco Serrano (Murcia, 1973) from an autofictional perspective. In any case, it is about giving theoretical operability to a performative conception of the «autofictional game» in the midst of that complex network of relationships, confluences and dissonances between the real person, the idea of the playwright and the constitution of the dramatic characters. To this end, specific questions will be addressed regarding the theoretical particularities of dramatic autofiction, broadly outlining the author’s dramaturgical project, in order to forge a kind of guide for her production, while, by delimiting a specific corpus in three fundamental instances, intertextual comparative nuances can be established that offer a kind of preponderant features that could well define his autofictional poetics. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este artigo reflete sobre as relações entre produção artística e experiência do morrer através de um estudo de caso do contexto cultural da teatralidade da vida social na Roma Antiga. Para tanto, repassamos como uma tal teatralidade se configurou socialmente entre as apresentações propriamente cênicas e os ritos fúnebres da aristocracia romana, eventos públicos marcados pelos usos das imagines (máscaras de cera dos mortos extremamente realistas). Dos eventos que cercam a figura de Júlio César até aqueles relacionados à Nero, portanto da queda da República ao fim da dinastia júlio-claudiana. Deste modo, objetivamos examinar em uma perspectiva mais ampla como, afinal, estas máscaras se estabeleceram como fundamento da teoria romana das artes visuais, conforme a encontramos exposta na obra de Plínio, o Velho.

Los telones de boca pintados son objetos de uso del teatro a la italiana y surgen como una alternativa práctica de cierre entre escenas a mediados del s. XIX en Europa. Debido a la caducidad en su función, sufrieron diferentes destinos dejando en un segundo plano la innegable estética que estos confieren a las salas que los albergan. Desde la óptica de la conservación de edificios, se valora este continente junto con su contenido, sus ornamentos y decoraciones, ya que todo él constituye un documento histórico, siendo siempre deseable la autenticidad y originalidad de los materiales que los conforman. El conocimiento de éstos resulta fundamental para que las intervenciones conservadoras permitan la apreciación, comprensión y uso de los objetos que se encuentran en mal estado de conservación y han perdido su significado o función. Los estudios que aquí se presentan corresponden a la identificación de los materiales constitutivos de tres telones pintados del litoral Rioplatense de Argentina, El Círculo, Rafael de Aguiar y 3 de Febrero y otro del teatro Libertador General San Martín de Córdoba.

O trabalho aborda os vínculos entre pesquisa artística, pedagogia teatral e extensão universitária. Tem como lastro as sistematizações em desenvolvimento desde 2022 junto ao Programa de Educação Tutorial Institucional – Curso Específico Teatro (Peti-Teatro), da Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia. Uma das frentes desse grupo de educação tutorial é o Laboratório Universitário de Práticas de Atuação (Lupa), que funciona num sistema de coletivo artístico aberto à comunidade, ao passo em que serve de território de experimentação de uma pesquisa-ação que analisa a interpretação teatral e seus possíveis desdobramentos artístico-pedagógicos. O estudo dialoga com teorias sobre atuação desenvolvidas por teóricos como Eugenio Barba e Peter Brook, a fenomenologia da pedagogia do ator proposta por Tiago Fortes. O primeiro resultado estético desenvolvido pelo Lupa, fundamentado no teatro popular de Carlos Alberto Sofredini e no estudo do gênero melodrama, apontou interessantes caminhos teórico-metodológicos que poderão ser incorporados em estratégias de educação estética, popularização do teatro e/ou percursos de ensino-aprendizagem destinado a atores. Concluímos que o Peti-Teatro, ao aproximar estudantes da graduação e artistas oriundos da comunidade externa interessados em investigar estratégias e dispositivos criativos no âmbito da interpretação teatral, contribui para estreitar os laços entre extensão universitária, ensino de graduação e produção de conhecimento acadêmico.

De cá pra lá: peças de cá teatro pra lá é uma coletânea que reúne dez peças teatrais escritas e encenadas com crianças e jovens com faixa etária entre seis a quinze anos de idade, em aulas extracurriculares de teatro ministradas pela autora deste trabalho e organizadora da obra entre os anos 2015 a 2019 em Florianópolis/SC. Para esta publicação, são compartilhados procedimentos artísticos que resultaram nestas dramaturgias, as etapas de criação e produção do livro físico e os encontros de mediação artístico-literária que aconteceram durante a distribuição dos exemplares de modo gratuito em escolas públicas, bibliotecas e acervos comunitários da cidade, difundindo e estimulando à escrita, à leitura e ao fazer teatral para todas as idades.

La producción de Ana Diosdado abarca una amplia nómina de obras en las que la autora proyecta las problemáticas e inquietudes de la sociedad de la Transición. La memoria adquiere en muchas de sus piezas un papel predominante, puesto que para la autora es importante recordar nuestro pasado para mejorar nuestro futuro. No obstante, el concepto de memoria en su amplio espectro creativo se eleva, en muchas ocasiones, a la esfera de lo espiritual, como bien lo demuestra la pieza Decíamos ayer (1997), y su vinculación con la expresión de la rueda de la vida procedente del budismo y el hinduismo, de la que se ofrece un análisis que deshilvana su compleja arquitectura textual y se pone de relieve la importancia que adquiere en nuestro contexto sociocultural.

Comida de Van Veldhuizen/Maqua es una historia de frontera que lleva a escena la lucha de un grupo de mujeres por sobrevivir a las imágenes/simulacro que la sociedad de consumo imprime sobre cuerpos y almas en un momento en el que la amenaza de estar avanzando a un estado de “poshumanidad” asociado a las transformaciones de las tecnologías en el arte como en la vida cobra cada vez mayor protagonismo. Sirviéndose de una poderosa lente, el artista obstinado en mirar a la realidad bien de frente que es Javier Maqua, incluso cuando la imagen que devuelve encierra poco de complaciente, ensaya para estas “aventuras en lo oscuro” un modo de teatralidad límite situada en tierra de nadie, una excentricidad en fuga de los Atlas de las Letras rigurosamente tronzados en géneros celosos de su autonomía.

El artículo analiza el valor arquetípico de un personaje clave de nuestra cultura judeocristiana: Caín. Para ello, en primer lugar, se enumeran las principales interpretaciones al Génesis 4: 1-16. A continuación, se hace un breve repaso histórico de los diferentes usos y valores que se han otorgado a este personaje en la literatura española desde la Edad Media, para detenerse en el teatro del Siglo de Oro español. Este estudio aproximativo al personaje de Caín se desarrolla dentro de un marco metodológico basado en tres categorías, dependiendo de la relevancia o intenciones que la obra pretenda otorgar. A saber: una simple cita del personaje, una relectura plana del mito o una relectura profunda, cuyas interpretaciones, como se verá en este artículo, se asientan en lo más profundo de nuestras raíces culturales.

En este artículo exploramos las circunstancias que rodearon el fallido estreno de la obra de teatro Camila O’Gorman de Heraclio Fajardo en 1856 en Buenos Aires y en 1857 en Montevideo. En el contexto político en el que Buenos Aires buscaba diferenciarse tanto de la tiranía de Juan Manuel de Rosas como del gobierno de la Confederación Argentina, su autor acusó a los herederos del rosismo como responsables de operar a favor de la censura. Sin embargo, un conjunto de intereses menos evidentes surge de un corpus que recoge las voces de una diversidad de actores involucrados en el debate sobre la obra, que deriva en el de las normas e instituciones que debían regular la actividad teatral: autoridades eclesiásticas y municipales, familiares, escritores y prensa. A través del análisis del acontecimiento, pretendemos reconstruir los contextos pertinentes e interactuantes de una particular trama compuesta de tensiones preexistentes: entre clericalismo y anticlericalismo, libertad y orden, gobierno e Iglesia, presente y pasado reciente, lo público y lo privado.

Questa presente ricerca mira ad analizzare, a livello linguistico, una delle più famose commedie del drammaturgo napoletano Eduardo De Filippo, vale a dire; Napoli milionaria! 1945, mostrando come il dialetto napoletano, con cui viene scritta la pièce teatrale, si incontrava con una lingua straniera (inglese) in una delle scene del secondo atto, ambientata durante lo sbarco degli alleati 1943. Difatti, l’autore attraverso tali scene cattura la ricchezza linguistica della Napoli del periodo, evidenziando come le diverse lingue e voci si intreccino, riflettendo la vita quotidiana in una città multiculturale. Questa scelta linguistica rivela non solo l'influenza degli eventi storici, ma rivela anche la volontà di De Filippo di riflettere l'evoluzione della lingua e della cultura nella Napoli del tempo e il loro contatto con l'altro. Abstract This present research aims to linguistically analyze one of the most famous comedies by the Neapolitan playwright Eduardo De Filippo, namely "Napoli milionaria! 1945", showing how the Neapolitan dialect, in which the play is written, encounters a foreign language (English) in one of the scenes of the second act, set during the Allied landing in 1943. Indeed, through these scenes, the author captures the linguistic richness of Naples during that period, highlighting how different languages and voices intertwine, reflecting daily life in a multicultural city. This linguistic choice not only reveals the influence of historical events but also De Filippo's intention to reflect the evolution of language and culture in Naples at that time and their contact with the other.

Dentro del arte cinematográfico –a diferencia del literario– el personaje de Medea ha sido llevado a la pantalla desde la ausencia de significaciones condenatorias de carácter moral. La esencia primigenia del mito de Medea en el cine se presenta desvinculada del punto de vista filosófico, científico y racional, pues su sentido último escapa, incluso, al propio lenguaje literario. Ciertamente, los más sobresalientes creadores cinematográficos han dado vida a esta figura mitológica en relación con lo inefable, esto es, como arquetipo imaginario productor de sentido: unido a lo simbólico, al silencio, al misterio y al arte.

O artigo descreve e analisa a experiência do Coletivo Nós do Audiovisual, que completou 10 anos de atuação em 2023. Reunindo jovens de São Miguel do Gostoso, município no litoral do Rio Grande do Norte, surgiu em decorrência da Mostra de Cinema de Gostoso, evento voltado para a exibição, discussão e formação cinematográfica. Como estratégia metodológica, foi feito um estudo descritivo adotando como instrumentos a entrevista em profundidade com membros do coletivo, a observação participante, a análise de textos produzidos no blog e nas páginas do festival, bem como levantamento da produção audiovisual dos integrantes. Como referências teóricas, foi estabelecido diálogo com Amaranta Cesar e Juliana Muylaert, que analisam a trajetória dos festivais Cachoeira Doc e É tudo verdade; com Albino Rubim sobre políticas culturais e desenvolvimento e também Valéria Silva e Joane Araújo, para refletir sobre a experiência dos coletivos juvenis. Como resultado observamos que as vivências, diálogos e imersões no audiovisual, contribuíram para estimular jovens lideranças, engajadas no fazer artístico. Ingressando em 52 oficinas, os indivíduos tiveram oportunidades de buscar a emancipação e gerar impacto comunitário. Compreendemos que as 10 edições da Mostra de Cinema de Gostoso configuram-se como um laboratório da experiência cinematográfica para o Coletivo Nós do Audiovisual.

Este artigo se debruça sobre o texto de teatro E Tell Sad Stories of the Deaths of Queens, de Tennessee Williams, e procura demonstrar a consciência do autor sobre o camp e intenta discutir a tradução da expressão queen e suas implicações no casting da personagem Candy na cena contemporânea. Este ensaio baseia-se em perspectivas críticas queer e em saberes de desaprendizagem para enfatizar as formas como Williams encena a homossexualidade como um elemento estético da peça.

Este ensaio analisa a narrativa do processo de criação de uma encenação de Hamlet, conduzido pelo personagem Wilhelm Meister no romance Anos de Aprendizado de Wilhelm Meister, de Goethe. O ensaio parte da ideia de formação, presente no romance e também em outras obras do autor alemão, para traçar relações entre processo criativo teatral e seu contexto histórico. Também procura-se apresentar o processo criativo descrito no romance como espécie de síntese de múltiplos conceitos desenvolvidos pelo teatro alemão e europeu do século XVIII, revelando a inspiração dialética do percurso teatral narrado por Goethe.

El trabajo busca contribuir a la producción de conocimiento sobre la actuación en el marco del teatro independiente contemporáneo de la ciudad de San Miguel de Tucumán, Argentina. Se intenta reconocer los modos en que las territorialidades de los cuerpos de actores y actrices participan en la configuración específica de una obra artística. Para ello, se analiza la puesta teatral Manifiesto por amor a los hombres, un espectáculo autoficcional estrenado el 23 de noviembre de 2012 que aborda el tema de la homosexualidad masculina. La obra se trata de un trabajo desarrollado a través de improvisaciones escénicas, donde la construcción ficcional de la obra compromete la biografía del protagonista. Esta modalidad creativa que propicia el cruce entre arte y vida en la figura del performer habilita experiencias corporales y actorales disruptivas frente a formas teatrales sostenidas en la ilusión mimético-escénica, a la vez que promueve prácticas de resistencia micropolíticas en un contexto social poco favorable para la diversidad sexual.

Nel contesto della produzione napoletana aragonese venivano in contatto tradizioni poetiche diverse e i modelli italiani avevano la possibilità di esercitare la loro influenza su quei poeti iberici che soggiornarono più o meno a lungo presso la corte napoletana, e che si potevano esprimere non solo nelle due lingue delle zone da cui provenivano, cioè in castigliano e in catalano, ma anche nella lingua del paese in cui si trovarono, ossia l’italiano, all’interno del quale interagivano varie tradizioni linguistiche e poetiche diverse. L’esame della poesia oggettiva catalana e dell’uso al suo interno del dialogo permettono di seguire la loro evoluzione nei moduli dialogici e teatrali che si stemperano nella voce dei poeti alla corte aragonese che affiora attraverso nuove manifestazioni che riguardano festa e teatro. Il processo è reso possibile dal contatto e dalla permeabilità dei modelli, che si esplicita in una sperimentazione aperta a nuove strategie letterarie, che trovano nella poesia oggettiva catalana, e soprattutto in quella dialogica, degli antecedenti degni di sviluppo all’interno di nuove dinamiche sociali, che si manifestano attraverso le feste e il teatro che ampliano i loro spazi, acquistando anche una funzione che da gioco può farsi denuncia. Il discorso si appoggia su una documentazione aperta a ulteriori approfondimenti. Un altro tassello si aggiunge al quadro della permeabilità culturale dei modelli che si incontrano nella Napoli aragonese.

Durante la década de 1960 surgió en el Perú una generación de autores dramáticos cuya propuesta puso, por primera vez, al personaje marginal en el centro de la escena peruana. La incorporación del universo marginal condujo a la inclusión de nuevos personajes, espacios, problemáticas y, sobre todo, nuevos puntos de vista que se distanciaban de las convenciones a las que el público y la crítica peruana venían acostumbradas. Al proponer este cambio de paradigma, autores como Hernando Cortés, Juan Rivera, Víctor Zavala, Sara Joffré, César Vega y Grégor Díaz desarrollaron una dramaturgia en la que destacan importantes innovaciones formales, estéticas e ideológicas. Este artículo propone un análisis de las piezas dramáticas de los autores citados —principalmente de las de Díaz, pues se le considera el más representativo del grupo—, con el objetivo de identificar sus influencias, comparar y contrastar sus dramaturgias.

Este artigo discute como a obra literária e dramática de Samuel Beckett pode dialogar com o imaginário do cerrado goiano, analisando as performances do Máskara – Núcleo Transdisciplinar de Pesquisas em Teatro, Dança e Performance, grupo fundado em 2002 na Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás. Em 20 anos de existência o coletivo já encenou 5 espetáculos tendo como base os textos do escritor irlandês, trazendo em sua composição elementos do imaginário da cidade de Goiânia e as cores e referências visuais do Cerrado. Partindo de reflexões do encenador brasileiro Robson Corrêa de Camargo e do filósofo e liderança indígena brasileira Ailton Krenak, o artigo reflete sobre como as particularidades da obra de Beckett encontra terreno fértil para fincar suas raízes em solo goiano.

Abstract The place of theatre in the Aeschines-Demosthenes dispute: the diplomatic perspective In all studies on the affinities and intersections, both thematic and performative, between oratory and theatre, the contrasting orations of Aeschines and Demosthenes concerning the embassies to Philip of 346 BC and the mutual accusations about the handling of negotiations hold an essential place. In this set of speeches, which includes – in addition to Aeschines’ Against Timarchus and the two orations On the False Embassy (343) – those of 330 Against Ctesiphon (Aeschines) and On the Crown (Demosthenes), the theatre and its performers are, however, represented ambiguously, if not negatively. This essay aims to highlight how this apparent paradox finds a possible solution by considering the concrete role that Athenian theatre and actors played in the difficult negotiations between Athens and Philip. The diplomatic perspective allows us to shed more light on the motivations that led the two rival orators to use theatre as a weapon to fight each other.

RESUMO Antonio Callado e seus escritos, de maneira geral, são interpretados por analistas como pertencentes ao campo da esquerda. Entretanto, seus primeiros trabalhos no jornalismo, na dramaturgia e na literatura, quando inseridos nos respectivos campos em que foram concebidos, denotam orientações ideológicas e estéticas conservadoras. Conforme evidências de parte da correspondência - inédita - trocada entre ele e intelectuais de grande projeção pública entre as décadas de 1950 e de 1960, é possível sugerir que Callado, posicionando-se dessa forma, teceu laços com intelectuais de diferentes tendências políticas e artísticas e, assim, conquistou posições mais proeminentes no âmbito da impressa e das letras. Desse modo, os sentidos de suas variadas formas de engajamento poderiam ser compreendidos sob outra ótica.