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After the 2010–12 earthquakes in Christchurch, New Zealand, and the subsequent demolition of multiple buildings within the central business district, a host of creative projects emerged intermittently as vacant spaces appeared in the betweenness of demolition and rebuild. This widespread do-it-yourself (DIY) urbanism brought back life and energy to the city. These expressions demonstrated how citizens can be involved in the (re-)making of a city through projects that experiment with ideas about what it means to be urban and what is possible in urban space. These projects inhabit an alter-temporality that treats the future as open-ended and time as an active force in the becoming of things. Understanding the temporality of such urban engagement in Christchurch holds significance for understanding the value of open experimentation in cities in general and the importance of process to urban learning. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Este ensayo describe a partir de un enfoque holístico cómo se estructura un proceso creativo en el diseño gráfico, desde el ámbito profesional. Para comprender cómo se desarrolla, lo exploramos desde cuatro perspectivas diferentes: espiritual, cognitiva, biológica y pragmática. Con la finalidad de determinar una tabla donde se representa un patrón de etapas secuenciales, en relación con los posibles condicionantes que influyen en el proceso creativo. Entendemos que esta aportación será de utilidad, para analizar y evaluar un determinado proceso creativo.

En este artículo se analizan los procesos co-creativos emergentes entre diseñadores industriales y herramientas de Inteligencia Artificial (IA), así como las barreras, dilemas éticos e implicaciones a futuro que estas nuevas prácticas tienen para la disciplina. Para ello se realizaron tres ejercicios rápidos de diseño como casos de estudio y se analizaron como proceso creativo en un mapa visual, CreAI. En esta herramienta se identifican seis principales variables o componentes de la co-creación diseñador industrial -IA: las características de los agentes, los procesos cognitivos del diseñador; las acciones o instrucciones del diseñador hacia la IA; los roles que juega la IA en cada etapa del proceso; la calidad de la interacción; y la realimentación creativa hacia el diseñador. A partir de los resultados se proponen algunos principios para procesos co-creativos de diseño industrial con IA.

Se presenta la prueba de un modelo de solución conceptual en el proyecto arquitectónico (mscpa) basado en sistemas complejos como alternativa de sistematización para la etapa de conceptualización, y como herramienta metodológica para apoyar los procesos creativos de estudiantes de arquitectura. Para definir el proceso creativo en esta disciplina se tiene que establecer el contexto de la creatividad y comprender la influencia de un marco conceptual en la misma creatividad del arquitecto. Como investigación aplicada, se plantea un experimento de campo con estudiantes de arquitectura en una práctica de solución conceptual, cuyos resultados evidencian la utilidad del mscpa como un fondo contextual.

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En este artículo se exponen las diversas formas de representación de lo que se denominará «ecosistemas ficcionales». Estos se refieren a entornos imaginarios que se desarrollan mediante representaciones visuales, destacando su relevancia para la creación, desarrollo y mantenimiento de un vínculo con el territorio habitado. Este lazo se considera fundamental para la construcción de una sociedad que cuestione las subjetividades arraigadas en la convivencia con el entorno natural, humanizado y colectivo. De esta manera, se establece una línea explicativa para abordar la interrogante: ¿Es viable emplear elementos de representación visual para la creación de «ecosistemas ficcionales» que contribuyan a cuestionar la relación que se construye con los entornos naturales y humanizados en contemporaneidad y sus respectivas problemáticas? La respuesta se estructura a través de una metodología de dos fases de análisis. Se traza una línea explicativa mediante propuestas artísticas en Perú, abordando diversos soportes y medios como pintura, dibujo, instalación y videoarte. La primera fase titulada Territorio ritualizado y creación, se centra en la relación entre las vivencias personales de los y las artistas en el territorio y sus procesos creativos. En la segunda fase Territorio e imaginarios culturales, se destaca la relación intrínseca entre las experiencias establecidas en la anterior fase y la construcción de imaginarios que permiten cuestionar el entorno cultural y ético. Se enfatiza la importancia y el rol fundamental de las representaciones mencionadas como un puente para comprender mejor las subjetividades presentes en los ecosistemas naturales y los ecosistemas artificiales o humanizados. Esta metodología será explicada mediante el desarrollo de cuatro proyectos específicos: Abglutia, Peligro de extinción, Natural Sense Making y finalmente Pestes. A través del análisis de estos proyectos, se reconoce la utilidad y necesidad de las representaciones visuales de estos ecosistemas ficcionales para desarrollar una visión crítica que promueva la introspección y el cuestionamiento sobre la relación con nuestro entorno natural y los ecosistemas que influyen en él. Asimismo, posibilitan la incorporación de una relación simbólica con el territorio que se habita y se construye a través de las interacciones colectivas.

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This text presents a methodological matrix for the creation of technical products based on the categories of Charles S. Peirce. The matrix was conceived through experiments conducted in applied research. As a result, it is noted that Peircean pragmatics is suitable for practical application by guiding the use of signs towards a final and efficient causation. In the proposed matrix, theoretical concepts acquire an operational character as they guide: the definition of the meanings intended to be generated in a mind; the evaluation of the types of signs that can be used to generate the desired meanings; and the identification of the necessary foundations for signs to fulfill their functions. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Para entender la arquitectura de Enric Miralles es necesario comprender como la dibujaba, era su proceso proyectual el que definía su arquitectura y el dibujo, el instrumento principal en este devenir creativo. Su dibujo era siempre de intención y fue su principal herramienta. Dibujar, dibujar y volver a dibujar, éste era su método principal. Sus estrategias se centraban en un proceso de trabajo que se distancia de los recursos utilizados en el mundo de cierta arquitectura actual. El dibujo era el instrumento de diálogo, capaz de seleccionar las líneas que definirían y transformarían todos los condicionantes e inquietudes, en una realidad arquitectónica concreta. A modo de síntesis diremos que utilizó en numerosas ocasiones de forma indiscriminada y con intención poética, un dibujo “hablado”, un dibujo de “representación”, un dibujo “abstracto” y un dibujo de “proyectación”.

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El artículo presenta un estado general de la enseñanza de la arquitectura latinoamericana que, atravesada por las metodologías de diseño más utilizadas, define didácticas proyectuales proponiendo que la pedagogía de la disciplina se construye en el cruce de una variedad de factores de naturaleza diversa. En la primera parte se hace un recorrido por dichas metodologías presentando las más relevantes entre 1962 y 2012, para después pasar a revisar cómo ha sido la enseñanza de la arquitectura en el contexto latinoamericano a la luz de diversos experimentos pedagógicos llevados a cabo durante la segunda mitad del siglo pasado. Finalmente, se cuestiona el taller como el único método de enseñanza del proyecto arquitectónico, cuestionamiento que se asienta en el análisis de medios sociales producto de la investigación doctoral que ha dado fruto a estas reflexiones. En la última parte se dan una serie de recomendaciones y estrategias de mejoramiento, proponiendo que las relaciones en el aula deben apoyarse en las propuestas del Paradigma Ecológico, pero sobre todo se invita a pensar en cómo cambiar el statu quo de la enseñanza del proyecto.

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El NaNoWriMo (acrónimo de National Novel Writing Month) es un proyecto en el que escritores de todo el mundo se ponen de acuerdo para escribir durante el mes de noviembre una novela de 50.000 palabras (175 páginas aproximadamente). Existe una página web oficial en la que todos los participantes deben formalizar su inscripción e ir añadiendo las palabras escritas por un contador. Sin embargo, el desarrollo del NaNoWriMo se realiza a caballo entre el mundo online y el offline, ya que a través de los foros oficiales se fomentan las reuniones de seguidores para sesiones de escritura colectiva en distintos puntos del planeta. En ellas, además de adelantar y compartir el desarrollo de su novela, se crean retos y juegos que se van incorporando a la trama de sus historias. En cierta manera, recupera las tradicionales tertulias literarias, con intercambios de información, ayuda mutua, etc., a la vez que incorpora la dimensión de juego y diversión. Lo importante no es la consecución de la obra literaria, sino la participación. Para comprender las características definitorias del NaNoWriMo y poder enmarcarlo dentro de las características enunciadas por Lash (2005) sobre las desorganizaciones, se realizaron una serie de observaciones participantes en las reuniones y eventos del NaNoWriMo en Madrid y en Ciudad de México. El objetivo era aprehender cómo este movimiento a nivel mundial permite estudiar cuestiones de crítica cultural como el concepto de autor, la creatividad colectiva o el impacto de las nuevas tecnologías en el ámbito de la escritura.

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En el texto se busca explorar reflexivamente el desarrollo de algunos sentidos que se expandieron de manera rizomática a lo largo de los ensayos del proyecto “Media Opaca y Máscara Neutra: del entrenamiento autocognitivo a la composición del propio material escénico” para indagar las maneras en que se fueron torciendo y retorciendo las ideas y los sentires que configuran el proceso de obra. Se expone el diálogo entre la aparente rigidez expresiva de la máscara y el estímulo de un escenario que oscila entre lo esperable y lo alarmante, lo banal y lo espectacular, lo humano y lo animal, lo permanente y lo efímero. Más que una reseña de obra, en este texto se indaga en el proceso creativo de un suceso teatral que desborda los estándares del lenguaje escénico y verbal, de la idea de dirección como omnipotencia, del guión como hecho consumado que se sigue al pie de la letra, de un ser genio creativo como persona inspirada y solitaria, de la máscara como dispositivo de ocultamiento. Aquí la escritura no actúa como fijación de un saber acabado, testigo de una subjetividad concluida, sino que sigue el tránsito de una experimentación que encuentra en su umbral un límite poroso y productivo por el cual derramar los sentidos que parecían inmutables.

Se resumen indagaciones realizadas para develar la incorporación de criterios de sustentabilidad edilicia en el proceso creativo de la obra arquitectónica, intentando crear un modelo que sirva de base para generar discusiones o modificaciones propias de otras miradas. Su elaboración se lleva a cabo a partir del análisis de teorías sostenidas por numerosos autores sobre los conceptos fundamentales que caracterizan la creatividad y la sustentabilidad en la Arquitectura, como también la construcción de modelos de procesos adaptados a esta profesión. El esquema se conforma en un flujograma con recursividades entre las fases destacando los aspectos específicos de la Arquitectura Sustentable.

Este estudio busca concienciar al profesorado, que desarrolla su labor docente en un contexto social y cultural desfavorecido, sobre las posibilidades que ofrece la construcción de un mapa visual de su entorno. A fin de establecer conexiones de una manera expresiva y colaborativa, se llevó a cabo un taller en una escuela de primaria con alumnado de quinto curso perteneciente al barrio Nou Llevant-Soledat Sud de Palma (Islas Baleares, España). A través del mapeo narrativo como técnica analítica, los y las escolares construyeron un nuevo lenguaje, una red (su red) analógica de información. La creación de mapas ha reforzado el mensaje de intersección y fomentado nuevos comportamientos. La aproximación de diferentes universos a través de dibujos llevados a cabo por el alumnado nos ha permitido la creación de narrativas y consecuentes mapas mentales. Los resultados informan sobre la importancia que tiene la representación cartografía como herramienta de aprendizaje y sensibilización educativa. Asimismo, permite un proceso creativo en un intento de aliviar la carga cognitiva de la realidad del barrio y hace de la información resultante un "filtrado" más amable.

Encuentros Creativos (Creative Encounters) was a project carried out between students from the Faculty of Fine Arts and artists from the Carlos Castilla del Pino Municipal Occupational Center and Miradas Insólitas (Unusual Looks). The objective of the meeting was to check whether a place for joint creation and shared projects between artists with and without intellectual disabilities could be provided, in which all the people involved could contribute ideas and knowledge, as equals. Through action research we verify that this is possible. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Es una realidad que en la mayoría de los centros educativos como universidades, escuelas de idiomas o academias de enseñanza de español como lengua extranjera se utilizan manuales que guían a profesores y aprendientes en su proceso de enseñanza y aprendizaje. Los profesores son conocedores de los manuales existentes en el mercado, conocen su enfoque y metodología y los adaptan a las necesidades de sus clases. Sin embargo, poco saben de su origen y proceso creativo. El objetivo de este artículo es recorrer el camino de elaboración de un manual, desde su nacimiento hasta su publicación.

Introducción: Mejorar el aprendizaje de los estudiantes y adaptarlo a las demandas del mercado laboral actual es un tema de gran interés planteado por distintos organismos internacionales. Se busca así que los alumnos alcancen un aprendizaje profundo de los contenidos académicos y que a su vez desarrollen su capacidad creativa para la resolución de problemas. Objetivo: Analizar los enfoques de aprendizaje –Profundo y Superficial– y la creatividad –proceso creativo y personalidad creativa– en estudiantes universitarios según variables sociodemográficas y académicas. Método: Se empleó un diseño no experimental y transversal. Se respondió a un objetivo de diferencias entre grupos y a otro explicativo. Participaron 301 estudiantes universitarios de Psicología (51%) e Ingeniería (49%). Resultados: Se registraron diferencias significativas en los enfoques profundo y superficial: el primero a favor de las mujeres, y el segundo favorable a los varones. En relación con la creatividad, se observó una diferencia significativa en la personalidad creativa a favor de los varones, y del proceso creativo a favor de los estudiantes de Psicología. Por otra parte, el rendimiento académico fue explicado negativamente por el enfoque superficial (β=-.276) y positivamente por el proceso creativo (β=.185). Conclusiones: Para mejorar el rendimiento académico se necesita aplicar estrategias de enseñanza y evaluación que desestimulen el aprendizaje superficial y promuevan el proceso creativo en los estudiantes. Los cambios en las prácticas educativas deberán, además, enfocarse en mejorar el aprendizaje profundo y la creatividad para ajustar el perfil profesional de habilidades de los egresados al requerido actualmente por el ámbito laboral

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El uso de técnicas o materiales plásticos en las etapas de Educación Infantil y Primaria se vincula habitualmente a la ejecución de manualidades o productos visuales estéticos pero carentes de contenido pedagógico. En este trabajo se muestra una metodología teórico-práctica llevada a cabo con el alumnado del Grado de Educación de la Universidad del País Vasco (UPV-EHU), con el fin de que comprendan el proceso creativo con técnicas plásticas como un recurso didáctico y un medio de la Educación Artística con el que fomentar el pensamiento crítico. Las valoraciones de los participantes muestran que esta experiencia no solo ha favorecido un aprendizaje significativo sobre el uso de técnicas plásticas en el contexto educativo, sino que ha supuesto una oportunidad para desarrollar nuevas competencias como docentes y les ha permitido comprender otros modelos actuales de Educación Artística.

Tot i que alguns crítics i historiadors de l'art vaticinaren la fi de la pintura durant el segle XX, les evidències del bon estat en què es troba el medi han servit per expandir el significat de la pintura i les seves possibilitats expressives, ampliant els límits del medi i conjugant-la amb diferents disciplines sense cap tipus de prejudici. En aquest article ens apropem a l'obra de dos artistes que mantenen llaços estrets amb les ciutats de Barcelona i París, Xavier Escribà i Miquel Mont. El nostre ànim no és reflectir les coincidències entre els dos autors sinó reivindicar l'obertura que han aportat amb les seves pròpies trajectòries.