Search

Este artigo tem como escopo a análise musical do primeiro movimento da Sonatina para violão de Sérgio Vasconcellos-Corrêa, além de investigar suas implicações na interpretação musical por meio de experimentações práticas, visando a performance. Partimos do pressuposto de que um exame aprofundado da obra pode enriquecer o processo criativo do intérprete, fornecendo embasamento teórico para suas experimentações e contribuições musicais. Autores como Rink (2007), Cook (1999) e Rothstein (1995) constituem o referencial teórico em uma breve reflexão sobre análise, interpretação e performance musical. O método analítico proposto por John White (1976) foi empregado, subdividindo o processo em microanálise, análise intermediária e macroanálise. Os resultados demonstram a relevância da análise como uma ferramenta importante, fornecendo dados para experimentações práticas que abrangem desde elementos menores, como relações motívicas, passando por questões fraseológicas, até questões mais amplas, como movimentação harmônica e forma musical.

O presente artigo tem como objetivo apresentar reflexões sobre estilo como um conceito multifacetado que vai além da questão de época/período em certa tradição cultural, envolvendo aspectos ideológicos e psicológicos. Vertentes em referência ao estilo são reveladas através da expressão (composição e performance/interpretação), da organização (análise) e da recepção (audição). Para Meyer, a caracterização dos estilos é dependente de níveis de restrição da linguagem musical, a saber: leis, regras e estratégias. Este conjunto de restrições é ainda demarcado em função do idioma e do dialeto compartilhados e/ou singularizados em uma dada região e época. Visto que tal postulação apresenta uma perspectiva teórico-musicológica e, sobretudo composicional, neste artigo é proposta uma ponderação sobre o percurso em direção à construção de estilos na performance musical, propondo uma disposição inversa à ordem dos elementos da Teoria, tendo principalmente o idioma como o elemento balizador para potencializar escolhas para a construção de uma performance.

Este artigo apresenta resultados aplicados da pesquisa de pós-doutorado realizada na área de performance musical, especificamente no campo da interpretação operística, no contexto de uma produção da ópera La traviata de Giuseppe Verdi realizada em agosto de 2023 na cidade de São Paulo. Este estudo abordará elementos relativos à regência de ópera e suas especificidades técnicas, bem como questões interpretativas de direção artística, incluindo a concepção geral do espetáculo e o trabalho conjunto com a equipe de criação, que inclui o diretor cênico, cenografia, figurinos e iluminação, discutindo de forma detalhada as decisões e opções interpretativas – musicais e cênicas – que envolvem a produção de uma ópera escrita no século XIX nos dias atuais.

This article details the development of a computational patch designed for real-time processing in the composition of Chronos IIIc, originally written by Brazilian composer Roberto Victório for solo cello. In this version, the piece incorporates an additional layer of electronic elements. Initially, we provide a historical and structural analysis of Victório's compositional project. Following that, we explore the functioning of Somax2, a computational system dedicated to real-time improvisation embedding reactive multi-agent interaction and an AI model based on machine listening and statistical learning. Building on this understanding, we present the process of electronic realization of the piece, investigating how the parameterizations of available modules can replicate the interactions envisioned by the composer between the cello and the orchestra in one of the versions of the work. Finally, we share results obtained during the execution of the design, highlighting relevant aspects of the performance. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Musica Theorica is the property of Musica Theorica and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

In this article, we propose a reading for the first piece of the suite Les Espaces Acoustiques, Prologue, written in 1976 by Gerard Grisey, for solo viola. In considering that this set of pieces constitutes a musical systematization of the compositional techniques that would be applied and developed by Gérard Grisey in the rest of his works, this analysis is referenced by academic writings about Grisey's composition and, above all, by writings by the composer himself in his efforts to conceptually present the epistemological construction that subsidizes such procedures. In this way, the biomorphism that serves him as an analogical field, as in his threefold notion of musical time (skeleton, flesh and skin of time) and in his proposal of a formal process (inspiration and expiration), is understood by us as a field of compositional operations and, consequently, as analytical criteria, allowing us to propose interpretative approaches and applications in new compositional processes after the notion of energy flow. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Se presenta un juego didáctico con valor proyectivo: Persona Sobre el Escenario (PSE-JD). Un instrumento destinado a poner de manifiesto la modalidad que cada performer emplea para autoevaluarse y los conflictos internos que surjan a partir de ella. Se analizó una muestra formada por 48 estudiantes y docentes del Conservatorio Superior de Música Astor Piazzolla de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. El uso del PSE-JD permitió caracterizar tres aspectos principales: a) la modalidad autoevaluativa empleada por cada estudiante: la mayoría adopta modalidades de tipo confrontativo, reactivo, dependiente o abandonante; b) el tipo de paridad o disparidad en relación con el poder que se le atribuye a la autoevaluación: aproximadamente dos de cada tres estudiantes mostraron relaciones asimétricas en las que su autoevaluación domina al performer; c) de qué manera el performer reacciona ante la autoevaluación: la mayor parte adopta una postura de sumisión ante su autoevaluador. Además de permitir una caracterización empírica de la modalidad que cada performer emplea para autoevaluarse, el PSE-JD tiene una finalidad epistemológica, pues posibilita un análisis profundo de las relaciones de poder que se instalan durante el aprendizaje y permite el estudio del surgimiento de la Ansiedad por Performance Musical. Se muestra, por lo tanto, como una herramienta útil para ser aplicada en el campo pedagógico como moderadora de los procesos de enseñanza, de aprendizaje y de evaluación.

Propondo uma análise do sofrimento psíquico que pode atingir os músicos em situação de performance, o texto avança algumas considerações com base na metapsicologia de Sigmund Freud e em uma percepção crítica da formação dos intérpretes musicais. Procura-se, num primeiro momento, examinar as exigências éticas e morais sobre o intérprete situando-as metapsicologicamente como superegóicas. Em seguida, investigam-se possíveis relações entre Supereu, pulsão de morte e sublimação na produção de práticas insalubres no estudo e preparação de performances. Consideram-se nesta reflexão as relações do Eu com suas instâncias ideais no que podem contribuir para o estímulo ou supressão da sublimação. Uma última seção consiste na análise de passagens do romance O náufrago, de Thomas Bernhard, em que estas são cotejadas com as hipóteses anteriormente apresentadas.

Neste trabalho propomos traçar vetores para as movimentações que determinados usos performáticos perfazem através dos tempos em performances de violão solo. Para isso, fazemos a análise comparativa de três gravações distanciadas temporalmente – Segovia (1936), John Wiliams (1965) e Meng Su (2016) – do quarto movimento da sonata “Omaggio a Boccherini” op. 77, de Mario Castelnuovo-Tedesco. Utilizamos alguns conceitos basilares da proposta tensiva de Claude Zilberberg (2011) a fim de operacionalizar os desdobramentos analíticos de nossas análises. Por fim, discutimos as aproximações e distanciamentos que os elementos performáticos adquirem no decorrer histórico, bem como os efeitos de sentido que tais usos assumem tanto nas estratégias discursivas utilizadas, bem como nos diálogos estabelecidos com a tradição performática de seus contemporâneos, com a práxis em que se inserem.

O texto que se segue tem como objetivo central discorrer e avaliar de que maneira a hermenêutica pode ser empregada nas questões envolvendo a performance musical, tomando como fundamentação teórica, entre outros, os textos de Morais (2014), Albano de Lima (2005- 2022) e Bartz (2022). Os procedimentos interpretativos circunscritos a criação musical não serão objeto desta investigação, ainda que seja possível adotar a mesma metodologia de análise.

Copyright of Epistemus. Journal of Music, Cognition & Culture Research is the property of Facultad de Psicologia Universidad Autonoma de Madrid and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

O presente artigo tem como objetivo trazer luz sobre a atividade de concertista e de professor do violonista Milton Rodrigues Nunes (1925 – 2006) que se deu entre as décadas de 1940 e 2000. A nossa análise parte dos programas de concerto encontrado em seu acervo pessoal. Analisamos seus programas de concerto e organizamos por meio de uma série de tabelas as obras mais tocadas e as suas respectivas categorias estilísticas; em seguida realizamos uma análise do “Programa do Curso Básico e Técnico em Violão do Conservatório Musical Carlos Gomes” em conjunto com os programas de concerto dos alunos de Nunes. Estas análises, por sua vez, evidenciaram como era seu pensamento em torno da construção do repertório e da pedagogia do instrumento. Por fim, destacamos o impacto de sua atuação na cidade de Campinas-SP e uma efervescência em torno do violão clássico no interior paulista na segunda metade do século XX.

O objetivo do artigo é apresentar uma análise baseada em categorias sobre vídeos de cover de game music produzidos e consumidos por fãs no YouTube. Com o objetivo de lidar com dados produzidos em pesquisa de campo de caráter etnográfico, criamos quatro categorias de performance artística que tentam sintetizar a produção de game music compartilhada pelos interlocutores. Neste artigo, iremos explicar essas categorias e demonstrar seu funcionamento como ferramenta de análise enquanto exploramos algumas questões relacionadas a performance social e musical. Estas categorias têm demonstrado que a game music funciona como um catalisador pelo qual outras práticas culturais fluem por meio dela trazendo consigo seus potenciais de sociabilidades como também de conflito e preconceitos.

A realização de projetos assentes em performances musicais no âmbito da disciplina de Educação Musical do Ensino Básico em Portugal é uma constante. A novidade deste trabalho recai numa proposta metodológica que perspectiva a PM como um campo de ação educativo potenciador das experiências de ensino-aprendizagem em música e de relações pedagógicas mais condicentes com as necessidades ditadas pelo ideal/real da escola na atualidade. A abordagem A\2018 consiste numa ferramenta didática que foi desenhada para operar na realização de atividades musicais educativas do ciclo de estudos supramencionado. Este trabalho pretende fazer a exposição das respetivas premissas de conceção e de operacionalização para que possam servir de referência básica ao desenvolvimento de projetos musicais performativos em contexto de sala de aula de Educação Musical.

Based on the question raised by Anthony Tommasini in an article of 2020 in The New York Times newspaper about the use of blind auditions in orchestra entrance exams, the article questions the validity and reliability of assessment criteria commonly used in tests and competitions for instrumental musicians. Cognitive biases reflect historical processes and culturally learned behaviours, carry prejudices and collaborate to maintain standards determined by socialization. Although common sense among professional musicians points to certainties regarding evaluative criteria elaborated and judged by experts, such certainties are not confirmed by the scrutiny of scientific rigor, which points to visual interferences, among others, some of them with intersectionalities of gender and race. The text emphasizes the importance of seeking validation of visual and sound criteria for musical evaluation and, since the area has not yet been able to produce reliable evaluation instruments, it advocates for the use of the screen in all stages of the tests. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Revista Vortex is the property of Escola de Musica e Belas Artes do Parana and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of EduSer: Revista de Educação is the property of EduSer: Revista de Educacao and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Circunscrito ao campo da pesquisa artística, este artigo volta-se à relação entre a análise e a performance musical da Sonata para flauta e piano Op. 23 de Lowell Liebermann. Estabelece uma interlocução com o compositor por meio de remissões a uma recente entrevista. Através de recursos em análise musical e da experiência dos autores em performance musical, apresenta aspectos composicionais da obra, sugestões de interpretação e estratégias de performance.

Debate sobre a situação dos intérpretes da área de Música – cantores, instrumentistas e regentes – e sua respectiva subárea no meio acadêmico brasileiro da atualidade. O método consiste em revisão bibliográfica ligada a pesquisadores que se debruçaram sobre a questão, em nível nacional e internacional, juntamente com cruzamentos interdisciplinares. Conclusões apontam para a possível implementação da pesquisa artística, mais especificamente a pesquisa através das Artes juntamente com a infraestrutura necessária, como forma de contribuir para a legitimidade de sua posição na academia.

Copyright of Revista Vortex is the property of Escola de Musica e Belas Artes do Parana and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

O potencial de uma performance musical pode ser signif icativamente prejudicado caso o(a) performer se distraia com interferências - externas ou internas - que possam surgir no decorrer de sua realização. Desta forma, o objetivo do presente estudo é de compreender os gatilhos de tais interferências, além de buscar teorias e práticas que possam contribuir para minimizá-las. Para isso, observamos a realização de duas performances musicais e o como os artistas lidaram com as interferências externas que surgiram. No que tange às interferências internas, nos embasamos na teoria do Espectro da Consciência formulada por Ken Wilber (1995) e aplicada no âmbito da performance musical por Abel Moraes (2000) para compreender como elas se desencadeiam. Para f inalizar, verif icou-se que a prática de pranayama, técnica advinda do Yoga, se mostra como uma possível ferramenta na colaboração à minimização das interferências internas no âmbito psicológico.

O presente artigo consiste em uma discussão sobre diversos processos criativos relacionados à obra For guitar para violão solo, composta por Samuel Peruzzolo Vieira. A peça teve origem em um processo colaborativo entre o compositor e o violonista Márlou Peruzzolo Vieira, seguindo um padrão de colaboração definido por John-Steiner (2000) como colaboração por complementariedade. O processo colaborativo conduzido durante a composição da peça é apresentado a fim de contextualizar tanto as decisões composicionais quanto as escolhas direcionadas à preparação da performance. For guitar apresenta aspectos relevantes relacionados à notação musical, ao uso de técnicas estendidas e de recursos percussivos. Estes elementos são discutidos pelo compositor, expressando seu processo criativo; e pelo performer, que analisa e adapta elementos da peça, fundamentando-se em escolhas interpretativas, a fim de dar fluência à performance.

As práticas do violão percussivo vêm ganhando cada vez mais espaço nas pesquisas e nas práticas musicais. Todavia, os registros escritos e a ausência de sistematização das terminologias e representações dos recursos percussivos apresentam fragilidades. O presente trabalho, a partir de pesquisas bibliográficas e levantamento e análise de dez peças com recursos percussivos, propõe um sistema de notação percussiva para violão de forma estruturada e com aplicação prática. Os resultados obtidos apontam para a viabilidade e o fácil entendimento deste sistema de notação, tanto para violonistas quanto para compositores e arranjadores que quiserem incorporá-lo em seus trabalhos.

Embasado em algumas das importantes reflexões teóricas das últimas três décadas, o artigo objetiva discutir a percepção não-hierarquizada de relações entre obra, performances, compositor e performer, defendendo que a obra musical é um conjunto formado pela partitura e suas múltiplas interpretações e performances. Através de uma revisão bibliográfica, o artigo procura contribuir para a compreensão de posturas e decisões interpretativas da comunidade violonística contemporânea.

Walter Benjamin é um dos mais influentes pensadores sobre o fenômeno artístico no século XX, tendo estabelecido importantes conceitos como aura e reprodutibilidade técnica. Nicholas Cook, por sua vez, é um dos mais importantes membros da chamada Nova Musicologia, que tem refletido sobre o fenômeno da obra musical reificada e a primazia desta sobre a performance musical. Com o intuito de se fazer uma leitura sobre uma história global da música, o musicólogo alemão Walter Wiora propôs a divisão da história em quatro eras, da pré-história à era das grandes inovações tecnológicas e da indústria cultural global. Este trabalho tem por objetivo, refletir sobre a performance musical no âmbito da música de concerto hoje, a partir do estabelecimento de uma relação entre os pensamentos destes três autores. Baseando-se nos Estudos da Performance, propõe-se aqui o entendimento da performance como obra e, a partir disso, uma análise sobre o estado da performance musical a partir da visão benjaminiana da obra na era da reprodutibilidade técnica. Relacionam-se assim a perda da aura benjaminiana na performance musical ao conceito de gramática da performance de Nicholas Cook e à leitura sobre a tecnicização e a artificialização que Walter Wiora faz sobre a música de vanguarda do século XX. Discutida a problemática da performance musical no contexto da obra musical reificada, faz-se, ainda, uma reflexão sobre o papel do músico oriundo de um país colonizado na manutenção dos paradigmas próprios da música de concerto.

This article aims both to discuss and bring a reflection about the role of the musical genre Choro in the formation of the musician. It has sought guiding elements for lines of action in the musical pedagogical scenario, subsidized by the characterization of Choro in the study of the musical instrument. It is also emphasized that the gender in question is very widespread in the realm of music in Brazil in which the compositional precepts have been used in the formation of the Young apprentice musicians. The theme shows another aspect of music education: the insertion of this popular Brazilian music in school academic guidelines, seeking plausible evidence to the question of learning and musical stimulation. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article presents a descriptive analysis of drummer Nenê's performance on Egberto Gismonti's "Maracatu" phonogram on the 1981 album Sanfona. His interpretation of Maracatu on this track illustrates how certain Brazilian rhythms can be creatively adapted and performed on the drum set. Based on the theoretical concepts on musical performance present in the work of Ingrid Monson (1996) and Nicholas Cook (2013), I intend to shed light on the inventive interpretation of this popular Brazilian rhythm on drums in the context of Brazilian jazz. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Based on the Social Cognitive Theory, this work aimed to measure the self-regulation and self-efficacy of undergraduate and graduate students, in the performance construction activity, and to establish a comparison considering the levels of education, age, years of experience and hours of study. It is a field research, descriptive, with an almost exploratory character and data collection online. 93 pianists participated, students from seven higher education institutions from different regions of Brazil. The results showed the profile of selfregulation and self-efficacy of the participants, with statistically significant differences when comparing educational level, age and daily hours of study. The research has relevant implications for performance pedagogy. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Dado o caráter por demais restrito do que se entende por performance nos estudos musicais, este artigo propõe discutir as condições e os meios necessários para a integração dos elementos discursivos pertinentes para que a performance musical, com enfoque na música de concerto ocidental, possa reivindicar autonomia enquanto objeto de pesquisa. Para tanto, tomaremos os pressupostos da semiótica discursiva, incorporando discussões sobre intertextualidade e polifonia. Num primeiro momento, partiremos de um movimento de expansão, no qual se integram elementos intertextuais e contextuais à investigação. Em seguida, ao reconhecer o caráter discursivo/textual desses elementos, discutiremos sua composição sincrética. Isso nos levará à relação enunciador-enunciatário como eixo fundador em torno do qual se organizam os elementos performáticos pertinentes, criando assim um critério ao mesmo tempo constante, porém suficientemente aberto para abarcar as movências do ato performático enquanto objeto de estudo.

A performance musical aparece como um âmbito bastante classificado - dentro da concepção do termo cunhada por Gutiérrez (2007) - e, por consequência, colonizado, o que acaba por refletir na própria identidade do performer musical e em suas práticas artísticas. Assim, este artigo tem como objetivo analisar tal identidade para, a partir desta compreensão, estabelecer algumas possíveis rotas de fuga em direção a práticas musicais mais plurais. A metodologia deste trabalho consiste em inicialmente analisar a identidade performática sob a luz dos conceitos de desclassificação, classificação e identidade de Gutiérrez (2007, 2009, 2020), em diálogo com a literatura específica da área musical. A escolha deste referencial em específico se deve ao seu potencial em abrir para aquilo que se entende como o pluralismo lógico e que se estabelece na contramão do consenso e do conhecimento hegemônico. Ademais, este arcabouço teórico foi anteriormente aplicado de maneira eficiente no âmbito musical do jazz por Mendes (2016), contribuindo de maneira significativa para as reflexões na área. A partir desta proposição de análise, observação e identificação das marcas identitárias e territoriais que configuram o performer musical, são apresentadas duas estratégias de desclassificação: o uso do oxímoro e da polissemia. Tal processo desclassificatório é, sobretudo, um processo emancipatório e decolonial, e que tem o intuito de criar possibilidade para práticas musicais plurais e não hegemônicas, nas quais as narrativas artísticas ausentes possam emergir. Por fim, a aplicação prática destas estratégias é exemplificada através da descrição de um projeto de pesquisa artística em andamento intitulado “Aos olhos da areia”.

O artigo de John Croft ‘Composição não é Pesquisa’ desafia uma concepção e um ideal de trabalho composicional na academia que ganhou destaque ao longo de várias décadas no Reino Unido. Como performer acadêmico, que também escreve sobre assuntos acadêmicos não relacionados à performance, abordo este desafio, partilhando algumas das restrições de Croft sobre as maneiras pelas quais essas concepções têm se manifestado, e também algumas preocupações sobre a integração indiscriminada de profissionais na academia e as implicações para as formas acadêmicas mais tradicionais. No entanto, eu creio que muitas das formulações e suposições de Croft são limitadas, e, ao invés disso, argumento que boa parte do processo de composição e performance constituem-se em pesquisa ao lidar com questões difíceis, explorando soluções, e produzindo trabalhos criativos que incorporam essas soluções, das quais outros podem se beneficiar também.

O trabalho procurou catalogar, analisar, interpretar e considerar a produção acadêmica brasileira acerca do ensino coletivo de instrumentos musicais, prática de ensino consolidada e utilizada em diversos países. Trata-se de recorte de revisão bibliográfica que fundamentou uma tese sobre o assunto e que objetivou oferecer um panorama da situação e das perspectivas das pesquisas na área. A proposta poderá auxiliar e incentivar novas iniciativas de investigação sobre o tema.

Este trabalho apresenta e discute uma abordagem sociointerativa como parte da compreensão da performance musical de grupos de cultura popular na contemporaneidade. Para isso, tomo como base uma pesquisa bibliográfica em torno dos estudos da performance, focalizando aqui as áreas da etnomusicologia e da sociologia, articulando-se com uma pesquisa etnográfica realizada durante quatro anos com dois grupos de cultura popular na região metropolitana de João Pessoa-PB. Os resultados apontam para uma abordagem da performance em torno da compreensão de sujeitos e coletividades em interação à partir do estabelecimento, compartilhamento e ressignificação de convenções sociomusicais.

Neste artigo, buscamos compreender algumas das técnicas e estratégias empregadas pelo músico Toninho Horta na função de violonista acompanhador, notadamente em sua atuação no disco “Sem Você” (Omagatoki, 1995), realizado em parceria com a cantora Joyce Moreno. Por meio da transcrição e análise de duas versões da canção “Ela é Carioca” (Tom Jobim/Vinicius de Moraes) que constam no referido álbum, investigamos quatro elementos presentes nas duas performances, a saber: 1) reharmonização; 2) manipulação da forma; 3) levadas rítmico-harmônicas ao violão; 4) estratégias de resolução de problemas de ordem técnico-instrumental. Na reflexão empreendida, sublinhou-se o quarto item como característica da execução de Horta que pode indicar novas perspectivas sobre os recursos idiomáticos do violão. Por fim, buscamos comparar a atuação de Horta nos dois takes, a fim de verificar a hipótese de que as performances analisadas possuem caráter improvisado.

O presente texto investiga a possibilidade de depreender os efeitos de sentido num enunciado musical a partir de uma perspectiva discursiva. Inicialmente, apresentaremos alguns princípios da teoria enunciativa para em seguida analisar, dentro dessa proposta, dois enunciados musicais em vídeo – tratados como textos sincréticos que unem música, gestualidade e demais elementos sonoros e visuais – realizados por diferentes intérpretes – Paul Galbraith e Kazuhito Yamashita – tocando a mesma obra, Nocturnal op. 70 de Benjamin Britten. Assim, através das marcas da enunciação no enunciado nos será possível inferir como se deu a construção de sentido, as estratégias discursivas utilizadas, e mostrar que imagens distintas foram criadas por cada enunciador, revelando assim o ganho operacional e analítico das ferramentas propostas na descrição da performance musical.

El presente texto reúne dos expresiones musicales que tienen lugar en diferentes comunidades amazónicas: el ícaro de la comunidad shipibo, correspondiente a una práctica ritualizada y no-abierta, y el movido típico de la localidad de Pucallpa, correspondiente a los contextos festivos y de práctica abierta o colectiva. Cada una de estas músicas es abordada en un subcapítulo siguiendo el mismo procedimiento metodológico. El enfoque musicológico se basa en la etnografía al contexto social de la música, desarrollada a partir de la data escrita y medial. Procede luego al análisis de las características musicales más significativas como son, la emisión vocal y melódica en el caso del ícaro, y la instrumentación rítmica en el caso del movido típico, teorizaciones que son expresadas en la transcripción musical proponiendo formas particulares de representación sonora junto a la notación musical convencional. En una siguiente sección se abordan aspectos de la performance musical, en tanto, estos ponen en evidencia la articulación que existe entre el músico, los receptores de la música, el espacio social y el contenido propiamente estético y simbólico de estas músicas, se aborda entre otros aspectos el vestuario, la corporalidad, el gesto musical, la acción instrumental y la interacción social. Finalmente se plantean consideraciones de tipo conclusión preliminar en cada caso, de lo cual se procede a enfatizar, que la diversidad musical de la Amazonia peruana es múltiple no solo en formas de expresión musical a nivel estético, sino también múltiple en funciones sociales y en sostener espacios de la vida humana.

This paper aims to expose the problem of the actual musical epistemology, which remains in its hyper classification, and to draw a path to what Gutiérrez understands as epistemography, which is a possibility of emancipation for the research in performance or, in other words, an epistemological and methodological possibility to Artistic Research. For that, our main theoretical basis will be the works of the Science Information researcher, Antonio Garcia Gutiérrez (2007, 2020), and of the sociologist Boaventura de Souza Santos (2005, 2009). Starting with the presentation of the problems related to the classification and its consequences in the musical field, some strategies of declassification will be presented, showing a possible way to the development of Artistic Research. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Considering the instrumental technique an organism in constant transformation, gradually encompassing extended techniques and converting them into traditional ones, this article investigates repetition by sliding, a resource of the guitar technique in which a right-hand finger attacks a string and in the same movement, subsequently, attacks the adjacent string. The analyses and discussions are based on the few texts that mention the resource and on examples from the didactic and concert guitar repertoire. Four situations are exposed in which repetition by sliding is found in the references: arpeggios of various strings, melodic arpeggios, scales and ornaments; finally, two situations of application of the resource that are absent in the bibliography are presented: contrast between voices and rapid movements on adjacent strings. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Digital technologies at the service of music production are increasingly used in formal music education. This work shows various sonological resources used in the Degree in Audiovisual Communication at the University of Barcelona that try to promote the understanding of the elements of musical expression from the processes involved in musical production, perception and interpretation. For this, a case study has been carried out, collecting the opinions and experiences carried out by its teachers over 4 academic years. The results obtained present activities of musical production, perception and interpretation, and it is concluded that good practices in the application of digital technology provide greater effectiveness in music and sound classes of this university degree, as well as the promotion of critical capacity of the students in front of their sound and musical environment. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The purpose of this study was to verify a possible relationship between vocal performance and mathematical skills. The study has polled 60 vocal students and 6 voice teachers, analysed educational records, and conducted an independent singing examination. Using the Student's t-test, it was found that vocal performance estimates carried among student with different levels of mathematical competency indicated a connection between vocal performance and mathematical abilities. The results revealed that vocal students with relatively well-developed mathematical skills outperformed those with poor mathematical abilities by around 33 percentage points. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of Revista Vortex is the property of Escola de Musica e Belas Artes do Parana and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Revista Vortex is the property of Escola de Musica e Belas Artes do Parana and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Revista Vortex is the property of Escola de Musica e Belas Artes do Parana and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Copyright of Revista Vortex is the property of Escola de Musica e Belas Artes do Parana and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

In this short essay, I discuss some definitions that can help to understand the possibilities and limits of collaborative musical creative process. To this end, a first explanation of Nicholas Wolterstorff’s ontological postulates for the musical work is carried out. Then, examples of musical collaboration are presented from the Baroque to recent cases, tracing some constant lines between the processes. Finally, a proposal towards collaborating aims is discussed to amplify its power in producing musical diversity based on the diversity of subjects. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This paper is related to our studies among the Apinayé indigenous peoples for our doctoral research between the years 2012 and 2015. This text aims to bring up thoughts on who the Apinayé are, their history of contacts and their musical knowledge and practices as observed in the ritual performance of the final period of mourning (Megrẽ Môx in Apinayé language). The methodology used was bibliographic and that of field observation, having, our analysis, a qualitative nature. The results show that the Apinayé cultural diversity can be observed in various rituals and ceremonies performed during the dry season and that the knowledge and musical activities of this indigenous peoples are essential for the continuation of such events. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Copyright of ERAS: European Review of Artistic Studies is the property of European Review of Artistic Studies and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

Performance-as-research and research-based performance are the target of constant criticism in the scholarship, Authors such as Clarke, Cook and Daniel Leech-Wilkinson are part of a very prominent group of researchers that address this subject. Cook stands out with the book Beyond the Score: Music as Performance (main book that will be analysed during the text), in which he conducts harsh and, at times, hasty criticisms on the performance of Western art music, especially of something he calls 'Modernist' performance. Through his work, it is possible to reach other authors of his group who support similar ideas. It turns out that Cook, with his tone, seems to expect his readers to start from some tacit knowledge about the current reality of music performance and performance studies. The analysis made here, mainly of this book, comes to balance the discussion and to try to contain some of his derogatory ideas about performance research, musical performance and other fields that permeate the branch of performance studies. [abstract provided by the translators]. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Questões relativas à fundamentação da atuação do músico camerista e do professor de música de câmera são o foco deste texto. A pouca atenção de pesquisadores da área de performance musical aos fundamentos da realização e ensino desta prática tem levado a uma multiplicidade, por vezes desorientada, de ações na formação do camerista. O objetivo principal da discussão aqui apresentada é gerar reflexão sobre o tema, bem como oferecer diretrizes para estudantes e professores de música de câmara. Partindo dos conceitos de Performance Musical (2015a) e Pedagogia da Performance Musical (RAY, 2015b), são apresentados fundamentos e sugestões de organização didática da música de câmara em nível intermediário (graduação). Para tanto, o texto está organizado em três partes principais: 1) Fundamentos para uma Didática da Música de Câmara, 2) Elementos da prática e didática da música de câmara e 3) Considerações para o planejamento da disciplina. A discussão e sugestões aqui apresentadas evidenciam os benefícios de estudos conceituais focados na prática e didática da música de câmara, sobretudo em processos formais de ensino.

Este trabalho é um desdobramento da pesquisa de doutorado ainda em andamento, intitulada, Acaso e indeterminação na música brasileira: uma análise do repertório violinístico após 1950. Aqui, discutiremos a genealogia do conceito de obra musical até sua cristalização por volta de 1800 e seus reflexos no desenvolvimento da notação e performance musical; as transformações estético-composicionais que surgiram a partir da segunda metade do século XX e suas principais vertentes; e por fim, procuramos oferecer uma breve reflexão sobre a construção de sentido na performance musical pela perspectiva do intérprete de música indeterminada, ou seja, aquela que está sujeita a múltiplas interpretações e relações intersubjetivas. Para isso, fizemos uso de três trabalhos que deram suporte filosófico: The Imaginary Museum of Musical Works (1992) de Lydia Goehr, que se empenhou em traçar a genealogia do conceito de obra musical; Estética: Teoria da Formatividade (1993) de Luigi Pareyson, em que o autor analisa a obra de arte a partir de um ponto de vista formativo – a obra como um objeto em construção e em permanente formação; e Obra Aberta (2003) de Umberto Eco, que apresenta estreita relação com a leitura anterior e trata, entre outras coisas, da dicotomia entre obra aberta e fechada.